Ayounik Style: La marca que une el Medio Oriente y Occidente

Ayounik

Damia Frangie Mawad, una caraqueña abogado y locutora quien decidió fundar su propia marca especializada en pulseras. Nacida en Venezuela de familia libanesa, Frangie es una emprendedora  apasionadas por la moda y tenía la idea de crear “Ayounik”, una marca que refleja y plasma esa mezcla cultural del Medio Oriente y Occidente».

Ayounik es una palabra en árabe que significa “tus ojos”. Para Damia los ojos son algunas de las obsesiones que le atraen desde pequeña, debido a la presencia tan marcada que tienen en la cultura del Mediterráneo. Al igual que el brillo, las piedras, lentejuelas y escarcha, es decir, toda esa fantasía mágica que incluye al medio oriente.

Damia Frangie Mawad
Damia Frangie Mawad. Fuente: pinterest.es

Ayounik  conjuga la cultura libanesa con la venezolana

La marca busca reflejar esa mezcla que involucra la practicidad, sencillez y alegría de occidente con el brillo, el misticismo y la fuerza cultural del Medio Oriente.

Los productos de Ayounik

Ayounik  ofrece seis líneas de pulseras, algunos zarcillos y anillos. Los modelos de pulseras son únicos y hechos totalmente a mano. Éstas son tejidas con hilos de colores llamativos;  posteriormente, son intervenidas con cristales en distintos colores, formas y estilos que resaltan la pureza y el brillo. La marca utiliza hilos de algodón de colores, cristales y apliques especiales.

Ayounik
Las pulseras coloridas de Ayounik. Fuente: www.elimpulso.com

¿Quiénes participan en el proceso creativo?

Los diseños son propios de Damia Frangie. El proceso creativo comienza con ideas que nacen de paisajes, imágenes, materiales, colores y texturas.

¿Dónde encontrar sus creaciones?

Ayounik  vende directamente a través de su cuenta de Instagram, @AyounikStyle y mediante el correo info@ayounik.com; así como en su página web internacional. Asimismo, dispone de 40 tiendas en Venezuela y algunas en Miami, Panamá y México.

Ayounik y Shop VF rinden un homenaje a Carlos Cruz Diez

La identidad artística de Venezuela, se mueve al ritmo del arte cromático del maestro del cinetismo Carlos Cruz Diez. A  fin de rendirle honores al célebre artista plástico, Ayounik en conjunto con Shop VF, diseñaron una serie de pulseras de cuentas que se asemejan a sus colores.

Ayounik
Ayounik VF hace un homenaje a Venezuela con su nueva línea de joyería. Fuente: oceandrive.com.ve

El piso del Aeropuerto Internacional Simón Bolívar es un ícono de nuestra cultura debido a sus colores, siendo todo un símbolo nacional. Ayounik unió su talento con Shop VF, para crear una pieza inspirada en el mencionado terminal aéreo.

Se trata de un pedacito de su tierra pegado a la muñeca. Ambas marcas, además de  honrar al maestro Cruz Diez, trabajan juntas en pro de una misión titulada “Beca a un pana”.

La misión “Beca un pana”, tiene como propósito ayudar a los venezolanos a crecer y al desempeño académico de los jóvenes, tomando en cuenta su participación cultural y deportiva. Ayounik y Shop VF apuestan e invierten en la educación venezolana facilitando herramientas de crecimiento y desarrollo; y que permitan a las nuevas generaciones alcanzar su independencia económica y crear nuevas oportunidades en un mundo competitivo.

Ayounik enaltece a Venezuela en LAFS

En la segunda edición del Latin American Fashion Summit (LAFS), celebrado este año en Cartagena Colombia, el talento venezolano fue enaltecido gracias a los accesorios de Ayounik.

Ayounik
Ayounik deja en alto el talento venezolano con sus accesorios. Fuente: oceandrive.com.ve

En dicho evento, los diseñadores, empresarios, expertos y grandes celebridades de la confección, presentaron cientos de propuestas novedosas que buscan posicionar a Latinoamérica como una potencia de moda. Fue la única marca venezolana entre los patrocinantes que se encargó de hacer más de 500 pulseras, completamente a mano, que fueron entregados a los participantes al momento de registrarse para el ingreso al evento.

El propósito de la pulsera es conectar a todos los asistentes entre sí; y a la vez, conectarlos con la historia de la moda y la preservación de técnicas ancestrales en la industria por cientos de miles de años. Dichos accesorios tenían frases icónicas inspiradas en la novela “Amor en tiempos de cólera”, del famoso escritor colombiano Gabriel García Márquez.

Ayounik sigue apoyando al talento venezolano. Su participación en la LAFS la posiciona como una de las marcas venezolanas con mayor proyección internacional.

Los accesorios Ayounik vinculados al e-commerce

La marca de accesorios se une al e-commerce. Damia Frangie, directora y diseñadora de la firma, aseguró que con este servicio sus clientes disfrutarán de ventajas exclusivas.

Desde su lanzamiento en 2014, Ayounik ha sido una referente en el diseño de accesorios. Esta aceptación se ha concretado a través de las alianzas con otras marcas de moda como Melao, Khoül Outfits, Seta Appareal y Beco.

La firma ha conquistado el territorio internacional con10 tiendas en Estados Unidos, tres en Panamá, cuatro en Líbano, dos en República Dominicana, Aruba y España; así como, en Croatia, Dubái y Australia.

Debido al imponente estilo de sus pulseras hechas a mano y con una producción superior a 1000 por día, la casa ha obtenido mayor alcance a través del e-commerce. A esta oportunidad de venta, también se suman otros éxitos como la participación de la misma en diferentes desfiles.

Ayounik se une al e-commerce. Fuente: oceandrive.com.ve

Referencias

¡Carlos Cruz Diez en tu muñeca! Ayounik VF hace un homenaje a Venezuela con su nueva línea de joyería

https://archivo.entornointeligente.com/articulo/9251107/Ayounik-Style-Accesorios-con-mezcla-del-Medio-Oriente-y-Occidente-15112016/

¡Venezuela presente en LAFS! Ayounik deja en alto el talento venezolano con sus accesorios

https://www.eluniversal.com/estilo-de-vida/10333/los-accesorios-ayounik-se-unen-al-ecommerce

https://www.elimpulso.com/2015/07/26/revistagala-ayounik-tejido-y-color-para-su-muneca/

Óscar Carvallo y el arte cinético de Carlos Cruz Diez

Oscar Carvallo

Oscar Carvallo ha estado muy relacionado con el mundo del arte. El arte cinético del maestro venezolano Carlos Cruz-Diez, resultó ser la inspiración perfecta del diseñador. Ahora su estilo se ha convertido en un homenaje al padre del cinetismo.

El descubrimiento de la moda

Nacido en Caracas, bajo el seno de una familia de fotógrafos y abogados, Óscar Carvallo comenzó a sentir interés por la moda, tras conocer a Guy Meliet, un renombrado francés, que fue discípulo de Christian Dior. Meliet fue el encargado de enseñarle sus técnicas sobre diseño y confección de vestuario.

Carvallo desarrolló durante sus primeros años colecciones mostrando así el dominio de la costura y vistiendo así a las damas más elegantes de la sociedad. Su estilo se hizo presente en pasarelas de todo el mundo hasta que llegó a la capital de la moda: París.

Es allí donde Carvallo decide crear su marca Oscar Carvallo París, luego presentó su primera colección Prêt à Porter en la Fashion Week. En 2006 inauguró su primera boutique Prêt à Porter de Paris, realizando todas sus colecciones con el sello de Made in Italy. Para el 2013, Oscar Carvallo se presenta por primera vez durante la semana de la Haute Couture de París, presentando su colección “Femme Poisson“, inspirada en formas orgánicas de la naturaleza, el movimiento del mar y la elegancia femenina. Ese mismo año presenta en Julio su colección Eagle Eye.

Oscar Carvallo
Oscar Carvallo. Fuente: oceandrive.com.ve

Cruz-Diez se convirtió en su inspiración

Su alianza con Carlos Cruz-Diez comenzó en el 2008 cuando colaboró de primera mano con el maestro, creando una serie de telas inspiradas en sus obras, al integrar las fisicromías del maestro en las telas que dieron vida a su colección, Un voyage Cinétique” (un viaje cinético), una serie de volúmenes plisados y color, resultado de la colaboración del padres del arte cinético. Fue tan grande el éxito que resultó ser tan innovadora, que se hizo la presentación oficial a los medios en el Musée des Arts Décoratifs en París, donde el diseñador y el artista presentaron juntos el proyecto terminado.

Voyage Cinétique II

Los diseños de Oscar Carvallo y el arte cinético de las obras de Cruz-Diez dieron la oportunidad al diseñador de sumergirse en los plisados, los cuales también se convirtieron en prendas las bandas metálicas propias del artista, que bajo la aguja de Carvallo dibujaron volantes flamencos de colores y galácticos vestidos. Carvallo quedó tan encantado con el resultado, que decidió seguir trabajando con los colores y la visión artística de Cruz-Diez. Su segunda colección se tituló “Voyage Cinétique II”,  una colección en la que los juegos de color y movimiento que se presentó en la pasarela del Haute Couture Week en París. Desde entonces, Carvallo adoptó completamente el arte cinético como parte de su identidad visual.

Por su parte, Carlos Cruz Diez, desde sus inicios como cinetista, el maestro aseguraba que una obra de arte debía ser un mensaje claro, directo y diferente. Transformar sus creaciones en movimiento constante resulta extraordinario, por lo que en una oportunidad afirmó lo siguiente: “El fundamento para la invención del arte es el espacio: la obra ha de ser un ente viviente, y para poder percibirla uno ha de desplazarse”. Carvallo integró a la perfección el encaje de Calais, en los diseños cinéticos, en lo que describe como la unión del presente y el pasado.

Una pasión por el color

Óscar Carvallo y el arte cinético encontró su pasión gracias a las obras de Cruz-Diez. El color se convirtió en su musa permanente. “Yo quise llevar la obra de arte, como es la obra de arte, sobre el cuerpo”, explicó el diseñador, “en Latinoamérica trabajamos mucho el color, pero en Europa, el color se te va desvaneciendo poco a poco”.

Fue precisamente la influencia del artista plástico, quien ha dedicado su carrera al estudio del color, la que bañó las prendas de efusivas tonalidades estivales. Carvallo aseguró que el trabajo con el maestro Carlos Cruz Diez, quien tiene una «trayectoria inmensa a nivel mundial» le ha permitido unir arte y moda. Ambos artistas, convirtieron a la mujer en una obra de arte. El modisto presentó 35 looks cuyos estampados, formas, texturas y detalles se han creado a partir de seis pinturas realizadas por el artista plástico.

Óscar Carvallo y el arte cinético de Carlos Cruz Diez

La presencia de Cruz-Diez, transformó su visión. “El maestro me realizó seis cuadros de tres metros de largo que imprimimos en varios tipos de tela: seda, organdí, mikados entre otros y con esto, empezamos a realizar la colección”, explicó Carvallo. Fueron obras inéditas, hechas específicamente para el diseñador de modas.

Desde su primera colección, Carvallo ha presentado 3 colecciones alusivas al maestro y la más reciente la presentó en la Galería de Arte Pinto, en Miami, en conjunto con un nuevo libro que contará sus memorias y mostrará fotografías de todos sus procesos, estará editado por Skira Editore.

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/oscar-carvallo-el-disenador-venezolano-que-trabaja-con-piezas-de-carlos-cruz-diez/

https://mariacarolinamirabal.com/moda/oscar-carvallo-el-lord-de-la-moda-multicultural/

https://www.oscarcarvallo.com/es/about/el-disenador/

http://www.cruz-diez.com/es/news/web-prensa/2014/los-venezolanos-carvallo-y-cruz-diez-se-unen-en-la-alta-costura-cinetica.html

Tommy Nutter, el sastre que vistió a The Beatles

Tommy Nutter

Tommy Nutter  (17 de abril de 1943 – 17 de agosto de 1992) fue un sastre británico, famoso por reinventar el traje Savile Row en la década de 1960. Nutter es el tipo que ‘glamurizó’ un oficio hasta protagonizar una de las fotos más famosas del rock, que hoy cumple 50 años: The Beatles.

Vida temprana

Nacido en Barmouth , Merioneth (anteriormente Barandilla), se crió en Edgware , Middlesex , donde su padre era dueño de un local High Street Cafe. Después de que la familia se mudó a Kilburn , Nutter y su hermano David asistieron a Willesden Technical College . Nutter inicialmente estudió fontanería ,  y luego arquitectura , pero abandonó a los 19 años para estudiar sastrería en la Academia Tailor and Cutter.

Sus inicios en el negocio de la sastrería

A principios de la década de 1960 se unió a los sastres tradicionales Donaldson, Williamson & Ward. Después de siete años, en 1969, se unió a Edward Sexton para abrir Nutters of Savile Row  en No 35a Savile Row.

Fueron respaldados financieramente por Cilla Black y su esposo Bobby Willis, el Director Gerente del Cuerpo de Manzana de los Beatles, Peter Brown, y el abogado James Vallance-White. 

Tommy Nutter
Tommy Nutter. Fuente: savilerow-style.com/

Revolucionó la sofocante Savile Row

Cuando Tommy Nutter abrió Nutters el día de San Valentín, 1969, todas las demás firmas de sastrería en la calle mantuvieron la atmósfera de la oficina de un abogado o una funeraria. Savile Row fue donde un hombre fue a buscar un «traje de ciudad exquisitamente prosaico», como lo describió un escritor: aburrimiento impecable. Tommy Nutter cambió todo eso. Llenó sus ventanas con botellas de champán y plumas fucsias, y su ropa era igual de atrevida. La principal innovación de Nutter fue combinar la artesanía impecable de Savile Row con la moda callejera atrevida que exhiben los Mods en Carnaby Street. Al hacerlo, se estableció como uno de los primeros diseñadores de moda masculina, años antes que Giorgio Armani.

Nutter, un sastre con espíritu de diseñador de moda, tenía todo lo que sus vecinos de calle no tenían: amigos modernos, talento para el marketing y, sobre todo, nuevas ideas. “ El negocio Nutter fue un éxito inmediato, ya que combinó las habilidades tradicionales de sastrería con un diseño innovador. Diseñó para la gama Hardy Amies, y luego para el hombre mismo. Sus clientes incluyeron a sus inversores, además de Sir Roy Strong, Mick Jagger, Bianca Jagger y Elton John. 

En el apogeo de su fama, Savile Row era » el lugar para la ropa de hombres», según el Daily Mail, «un éxito genial», y su carismático director, Tommy Nutter, estaba «en la clase del actor Terence Stamp, el fotógrafo Brian Duffy y el peluquero Vidal Sassoon, todos los jóvenes londinenses con estilo que se han disparado a sí mismos fuera de sus orígenes y en la nueva aristocracia ”.

Durante las tres décadas que Tommy Nutter trabajó como sastre de Savile Row, vistió a los nombres más importantes de la cultura a ambos lados del Atlántico.

 Todos, desde Cilla Black hasta David Hockney, desde Diana Ross hasta Divine, obtuvieron sus nombres en sus libros de pedidos, lo que le valió el apodo de «Tailor to the Stars».

Tommy Nutter
Tommy Nutter, en su tienda de Londres en 1969. Foto: Getty. Fuente: elpais.com

La portada de Abbey Road de The Beatles

En un día claro y húmedo en agosto de 1969, los Beatles marcharon sobre un paso de cebra en Saint John’s Wood para la portada del álbum de Abbey Road.

El propio Nutter estaba muy orgulloso del hecho de que, para la portada del álbum de The Beatles Abbey Road en 1969, vistió a tres de los cuatro integrantes: John Lenon, Paul McCartney y Ringo Star. Por su parte, George Harrison eligió ser fotografiado en el cruce de carreteras en jeans.

La portada de Abbey Road de The Beatles, la famosa banda de rock que hoy acaba de cumplir 50 años, es el mejor resumen del legado de Tommy Nutter precisamente porque no hubo estilismo en esa foto de Ian McMillan: John, Paul y Ringo vistieron sus trajes a medida.

The Beatles: Abbey Road
La portada de ‘Abbey Road’, con John, Ringo y Paul vistiendo los trajes de Nutter. George prefirió vaqueros.

Tommy Nutter vistió a Mick Jagger y a su esposa Bianca

La boda de Mick Jagger en Saint-Tropez de 1971 con Bianca Pérez-Mora Macías fue un espectáculo por muchas razones, entre las cuales se encontraba su extremadamente cómodo traje de nuez de eau-de-nil con las solapas de hoja de plátano. Pero fue Bianca, la nueva esposa de Mick, quien finalmente se convirtió en una de las patrocinadoras más famosas de la marca, luego se pavoneó a través de Heathrow con un traje de hombre blanco mientras giraba su bastón Malacca. Mick odiaba este giro inesperado: «Dijo que el sastre de un hombre era muy especial», dijo Bianca al Sunday Times . “Era algo personal en lo que una mujer no debería entrometerse. Pero fui de todos modos.

Elton John se convirtió en una de sus musas.

Elton John recurrió a Tommy Nutter durante más de 20 años cuando se trataba de su atuendo fuera del escenario, y ocasionalmente también de su atuendo: vea el legendario conjunto blanco y negro de yin-yang que usó en el estadio de Wembley en 1984. Sir Elton empujó a su sastre para ir más ancho, más fuerte, más brillante, y Nutter cumplió felizmente, produciendo algunos de los looks más icónicos del artista. «Fue todo un evento ir a Nutters», recordó más tarde John Reid, gerente de Elton durante 28 años. “Escribirías todo el día libre. Quizás almorzarías, un par de botellas de champán. ”Para el cumpleaños número 36 de Elton, Nutter construyó un traje superpuesto con 1,009,444 cuentas de cornetas, cada una cuidadosamente atada a mano.

Elton John en sillón durante la gira de 1976. Fuente: www.anothermanmag.com

Tommy Nutter diseña para el cine y la televisión

En la década de 1980, describió sus trajes como un «cruce entre el aspecto Miami Vice de hombros grandes y el auténtico Savile Row». Creó la ropa de The Joker que usó Jack Nicholson en la película de 1989 Batman. 

Tommy Nutter hizo la ropa de Joker de Jack Nicholson para Batman

Bob Ringwood creó los bocetos originales para el Joker de Nicholson en 1988, pero cuando llegó el momento de fabricar los trajes, el equipo de producción fue a Savile Row. «Creo que vinieron a verme porque me especializo en ese tipo de ropa de todos modos», dijo Nutter a un periódico. «Son las miradas de Tommy Nutter de los últimos años»: descaradas, elegantes, ostentosas y ostentosas. Pero el equipo de Nutter luchó para ejecutar los diseños de Ringwood: «Los cortarías y era imposible, simplemente no podías hacerlo», recordó un sastre, por lo que simplemente improvisaron su camino hacia los 53 conjuntos finales, algunos de los cuales estaban ocultos trucos para filmar, como mangas alargadas.

Jack Nicholson
Tommy Nutter hizo la ropa de Joker de Jack Nicholson para Batman. Fuente: www.stickpng.com

Tommy Nutter expande su negocio

En la década de 1970, su negocio a medida se volvió menos exitoso, pero se diversificó en ropa  ready to wear, comercializado a través de Austin Reed. También se expandió con éxito al este de Asia, estableciendo la marca Savile Row en Japón. En 1976 Sexton compró a Nutter fuera del negocio. Nutter fue a trabajar para Kilgour French y Stanbury, administrando su propio taller. Sexton continuó dirigiendo Nutters of Savile Row hasta 1983, cuando Nutter regresó a la fila con una tienda ready to wear: «Tommy Nutter, Savile Row». (Esta nueva empresa, que se comercializó en el número 19 de Savile Row hasta la muerte de Tommy, fue respaldada por J&J Crombie Limited, que continúa siendo propietario de la marca registrada «Tommy Nutter»). En este momento, Sexton estableció un negocio en su propio nombre. 

Muerte

Nutter murió en 1992 en el Hospital Cromwell de Londres por complicaciones del SIDA.  En 2018 House of Nutter: The Rebel Tailor of Savile Row se publicó una biografía de Nutter, con reminiscencias de su hermano David, un famoso fotógrafo de Nueva York; Fue escrito por Lance Richardson. 

Tommy Nutter
House of Nutter: The Rebel Tailor of Savile Row por Lance Richardson, publicado por Chatto & Windus. Fuente: http://savilerow-style.com/

Referencias

https://en.wikipedia.org/wiki/Tommy_Nutter

https://elpais.com/elpais/2019/11/28/icon/1574962568_277527.html

http://savilerow-style.com/news/tommy-nutter-rebel-cause/

https://www.anothermanmag.com/style-grooming/10328/everything-you-need-to-know-about-rebel-savile-row-tailor-tommy-nutter

 

Jean Patchett, la modelo que marcó una época

Jean Patchett

Jean Ward Patchett Auer  (16 de febrero de 1926 – 22 de enero de 2002) fue una destacada modelo de moda de finales de los años 1940, hasta principios de los 60. Fue una de las modelos más conocidas de esa época, que incluía a Dovima, Dorian Leigh, Suzy Parker, entre otras.

Patchett fue el tema de dos de las portadas más famosas de la revista Vogue, ambas filmadas en 1950 por Erwin Blumenfeld e Irving Penn.  Era famosa por ser una de las primeras modelos de alta costura. Anteriormente, las modelos parecían cálidas y amigables. Irving Penn la describió como «una joven diosa estadounidense en la alta costura de París».

Jean Patchett
Fuente: jeanpatchett.com

Durante su carrera, apareció en más de 40 portadas de revistas.  La cara de Patchett se usó en la película de 1957 Fred Astaire-Audrey Hepburn-Kay Thompson, Funny Face, que engañó a la industria de la moda.

Si una imagen vale más que mil palabras, entonces las imágenes de Jean Patchett son enciclopédicas. La cantidad de fotografías en blanco y negro y el color son inconmensurables. Muchos han sobrevivido en los archivos de casas de moda, estudios de fotógrafos, galerías, museos, álbumes de recortes de admiradores admiradores y la colección personal de Jean.

Jean Patchett
Jean Patchett. Fuente: en.wikipedia.org

Jean Patchett en su vida temprana

Jean Patchett nació en Preston, un pequeño pueblo en la costa este de Maryland, el 16 de febrero de 1926. Sus padres fueron James Frank Patchett (1891–1962) y Mary Ward Patchett (1891–1970) y tenía dos hermanos; James Frank Patchett Jr. (1919–2002) y J. Patchett.

Asistió a la escuela de secretariado, estudió voz en el Instituto Peabody y asistió a Goucher College antes de decidir convertirse en modelo.

Carrera en el modelaje

A los 21 años de edad, Jean Patchett Jean Patchett llegó a Nueva York en 1948. Firmó contrato con la agencia la Ford Model Agency el 10 de mayo de 1948.

Su carrera de modelo despegó casi de inmediato. Debutó con Vogue en septiembre de 1948 a la edad de 22 años. En octubre apareció en la portada de Glamour. En ese mismo número, la revista Glamour informó que Jean pasaba sus horas fuera de la cámara «simplemente tomando el sol y haciendo su propia ropa». A medida que su carrera se disparó, las tareas de Vogue con reconocidos fotógrafos llegaron en su camino.

La edición de marzo de 1952 de Esquire presentó a Jean en el artículo «La belleza es su negocio: Jean Patchett es una modelo en un millón «. Para cuando se retiró de tiempo completo en 1963, Jean Patchett había aparecido en más de 40 portadas de revistas, según a Eileen Ford. En la cima de su carrera, Jean ganaba $ 50,000 al año.

Jean Patchett en la revista Vogue, octubre de 1948. Fuente: https://elpais.com

Jean Patchett, ícono de una década

En octubre de 1949, Patchett fue fotografiada por Penn junto con Bridget Bate Tichenor para la famosa fotografía The Tarot Reader.  Una impresión de esta fotografía se encuentra en la colección permanente del Museo de Arte Americano del Smithsonian.  Patchett fue el tema de dos de las portadas más famosas de la revista Vogue, enero de 1950 por Erwin Blumenfeld y abril de 1950 por Irving Penn.

En una fotografía en el perfil de Erwin Blumenfeld para la famosa portada de Vogue del 1 de enero de 1950, la inmaculada boca roja de Jean Patchett, el ojo izquierdo a lápiz y la marca de belleza natural, se convirtieron en un ícono durante toda una década. Esta portada.  Esta portada mostró el hermoso detalle de la cara de Jean y ayudó a crear el look «Doe Eye».

Vogue 1950
Jean Patchett en la portada de la revista Vogue en 1950. Fuente: jeanpatchett.com

Aunque Jean trabajó con frecuencia con los fotógrafos Louise Dahl-Wolfe y John Rawlings, Jean se asoció con mayor frecuencia con Irving Penn.

Girl in Black & White

Ninguna otra fotografía ha captado tanta atención entonces y ahora, como la imagen de Jean Patchett en «Girl in Black & White» de Irving Penn. Para el artículo de la revista Vogue «La idea en blanco y negro», la imagen de Penn de Jean Patchett, fue reemplazó las ilustraciones en color que Vogue había utilizado en sus portadas desde 1909.

Las fotografías de Horst P  y John Rawlings

Con el uso deslumbrante de la luz, la fotografía de Horst P. Horst podría verse como una pintura. Jean usa un traje de baño de terciopelo rosa pálido con una cintura alta de Empire y terminado con pantalones de mameluco. La fotografía romántica de Horst P. Horst apareció en la Vogue del 2 de diciembre de 1955.

La foto de John Rawlings de Jean Patchett con un vestido abierto de color marrón dorado con el collar de diamantes de imitación es una de las imágenes más románticas de Jean.

Jean Patchett
Jean Patchett en las portadas de las revistas de moda más importantes. Fuente: jeanpatchett.com

Jean Patchett en el cine y la televisión

Jean Patchett apareció en CBS Television en el programa Person to Person de Edward R. Murrow el 28 de enero de 1955. En la presentación del Sr. Murrow, dijo: «Jean Patchett ha sido la modelo más buscada durante casi siete años». Jean y su esposo Louis Auer V fueron transmitidos en vivo desde su casa al estilo relajado del periodismo televisivo del Sr. Murrow.

Una imagen de primer plano de la cara de Jean Patchett se usó en los créditos iniciales de la película Funny Face .

La historia trata sobre el fotógrafo de moda Dick Avery, interpretado por Fred Astaire, en busca de un telón de fondo intelectual para una modelo con cabeza de aire, interpretada por Dovima.

Vida personal

Poco después de firmar con la agencia de Harry Conover, Patchett se mudó a un hogar metodista de alojamiento para mujeres por $ 13.50 por semana, como le contó al escritor Michael Gross por su libro Modelo: El negocio feo de las mujeres hermosas (Morrow, 1995).

Patchett se casó con Louis Auer, un banquero educado en Yale en 1951. Después de 1962, adoptaron a dos niños llamados Bart y Amy. Se negó a trabajar antes de las 10 a.m. o después de las 4:30 p.m. porque le gustaba cocinar comidas para ella y su esposo.

Muerte

Jean Patchett Auer murió el 22 de enero de 2002 a los 75 años de enfisema.  Está enterrada en el Cementerio Junior Order en Preston, Maryland.

Referencias

https://en.wikipedia.org/wiki/Jean_Patchett

https://elpais.com/elpais/2019/12/12/album/1576173726_090340.html#foto_gal_7

https://jeanpatchett.com/

 

La moda virtual: la nueva ilusión de ropa 3D para lucir en las redes sociales

Moda virtual

La moda virtual es el nuevo fenómeno tecnológico que nos lleva a vestir ropa que no existe para lucir en redes sociales. Los consumidores los combinan con sus fotos mediante un programa y los lucen en el mundo virtual. Algunos aseguran que en 10 años todo el mundo «llevará»ropa digital.

Cómo lucir bien vistiendo ‘ropa digital‘ que no existe en la vida real. Imagina que sustituyes el gesto de ir a una tienda o abrir un armario lleno de ropa por el de revisar una carpeta de imágenes en tu teléfono, un “armario virtual”. Si quieres ponerte algo nuevo y distinto, buscas entre esas imágenes alguna prenda que desees probarte, o un estilismo que te inspire y tap. En cuestión de segundos, puedes lucir esa ropa, ajustada a la medida sobre tu cuerpo, en tu próxima foto de Instagram. Ropa que no has tocado en tu vida, y que solo existe en formato digital.

El fenómeno de la moda virtual

A principios de este año, Richard Ma, el director ejecutivo de la firma de seguridad Quantstamp, se gastó en una subasta benéfica, la cantidad de US$9.500 en un vestido para su esposa. Se trataba de un vestido digital, diseñada por la casa de alta costura The Fabricant, en Ámsterdam (Países Bajos), representado sobre una imagen de la esposa de Richard, Mary Ren, para usarse en redes sociales. La feliz compradora del modelo de diseño, compartió la imagen en su página personal de Facebook y a través de WeChat, pero eligió no publicarla en una plataforma más pública.

Moda virtual
El conjunto perfecto para una ubicación en particular. Fuente: www.bbc.com

Marshal Cohen, analista jefe de venta del grupo empresarial NPD, define la aparición de la moda digital como un «fenómeno increíble». La moda virtual existe y es muy fácil de usar. No tiene absolutamente nada que ver con el acto físico de vestirse tal y como lo conocemos, pero no puede negarse que responde a las nuevas velocidades de consumo compulsivo marcadas por las redes sociales.

Moda virtual
Vestido digital de la firma The Fabricant adquirido por Richard Ma. Fuente: www.que.es

Colecciones digitales

Ser un negocio solo digital permite a los diseñadores crear artículos que pueden traspasar los límites de extravagancias o posibilidades. Las empresas pioneras en este ámbito ofrecen piezas singulares o paquetes de prendas que puedes comprar. Una vez adquirida una de estas piezas, un algoritmo 3D ajusta la ropa digitalmente a tu foto, que puedes compartir al momento en tus redes sociales. Cada vez son más las empresas que ven en la moda virtual un suculento modelo de negocio. Este tipo de compañías confecciona vestuarios digitales, ropa especialmente diseñada para posar en las redes sociales, intercambiable, cuyos modelos alcanzan cifras desorbitadas.

La prenda no existe en la vida real. La primera pieza de vestir de «alta costura digital» fue diseñada por Amber Jae Slooten, directora creativa de la casa de moda The Fabricant.

La primera pieza del mundo de ‘alta costura digital’, diseñada por Amber Jae Slooten, directora creativa de The Fabricant. Fuente: www.playgroundmag.net

La firma holandesa The Fabricant se encarga de crear prendas digitales hiperrealistas para diferentes marcas. Dicha empresa publica nuevas ropas digitales en su sitio web cada mes, pero los consumidores necesitan las habilidades y el software para combinar los artículos con sus fotos. A medida que la compañía se populariza, ganan dinero ayudando a las marcas de ropa, vendiendo herramientas y creando contenido que use la estética del lenguaje de la moda digital.

La compañía noruega Carlings lanzó  una colección de ropa de calle con precios a partir de US$11, según destaca el informe de la BBC. Aseguran que ya vendieron entre 200 y 250 prendas. La colección digital de Carlings es parte de una campaña de mercadeo para sus productos «reales». Pero la firma cree que el concepto tiene potencial y planea lanzar una segunda línea a finales de 2019.

Moda virtual
Prendas de la colección digital Neo-Ex de Carlings. Fuente: www.playgroundmag.net

En la última década,la moda se ha trasladado de la calle a las redes sociales, convirtiéndose estas en una pasarela virtual. Los influencers nunca repiten ropa. Muchos revenden las prendas una vez compartida la foto en cuestión, o las devuelven en las tiendas, creando un creciente problema para las marcas.

Digital y sostenible

La moda virtual podría reducir el impacto de la industria en el medio ambiente como respuesta a los nuevos hábitos de consumo, y a la vez coadyuvan a que la industria mute hacia un modelo más sostenible.

El impácto económico.

Las prendas de diseñador tienden a costar entre varios cientos y miles de euros en la vida real, mientras que las virtuales oscilan entre los 9 y los 30 euros.

La tendencia hacia la digitalización

La tendencia hacia la digitalización de la moda no es nueva. Los jugadores de Fornite llevan tiempo acumulando piezas de ropa virtuales para sus avatares. Moschino lanzó una colección cápsula inspirada en los Sims y la acompañó de una versión virtual para los personajes del videojuego, Mario Bros. Y cada vez más diseñadores apuestan por modelos virtuales como Lil Miquela o Shudu, que a pesar de no existir en el mundo real, cuentan con miles de seguidores en Instagram y marcas dispuestas a contratarlas. La moda virtual responde a la inmediatez, la velocidad e incluso la excentricidad de una forma de consumir muy concreta.

Fortnite
Quienes diseñan moda digital se inspiran en los conjuntos de juegos como Fortnite. Fuente: www.bbc.com

En busca de la imagen perfecta

Carlings ha vendido entre 200 y 250 prendas digitales, pero al hacer una búsqueda en Instagram solo aparecen cuatro personas que compraron piezas de la colección sin ninguna implicación con la empresa. Sin embargo, puede que algunas de esas prendas de vestir solose hayan compartido en privado. Amber Jae Slooten, cofundadora de The Fabricant, admite que son principalmente profesionales de la industria quienes usan el software 3D CLO quienes descargan piezas de su colección.

Moda virtual
Carlings «agotó las ventas» de sus colecciones de ropa de calle. Fuente: www.bbc.com

Marshal Cohen, analista jefe de venta del grupo empresarial NPD, define la aparición de la moda digital como un «fenómeno increíble»; sin embargo, aún no está convencido de que la misma tenga impacto a largo plazo. Asimismo, sostiene que: «Si no te gusta lo que llevas puesto pero te encanta dónde estás, puedes cambiar tu armario y mejorar digitalmente la fotografía para que parezca que llevas lo mejor y lo más novedoso».

Moda virtual
Aquellos usuarios que compran moda digital no tienen que preocuparse de devolver la ropa si no les queda bien. Fuente: www.bbc.com

Los jugadores de videojuegos llevan tiempo deseando gastar dinero en ropa o pieles para sus personajes. Asimismo, los diseñadores trabajan en pieles para que los juegos tengan más retos. Tienen que asegurarse de que encajan con la historia y el personaje. La influencia de los juegos y los cambios en los gustos de los consumidores les da a algunos en la industria de la moda la seguridad de que la ropa digital, en algunos escenarios, tendrá impacto a largo plazo.

Referencias

https://www.playgroundmag.net/cultura/moda-virtual-una-respuesta-sostenible-nuevos-habitos-consumo_43305936.html

https://www.baenegocios.com/edicion-impresa/Moda-virtual-ropa-que-no-existe-para-lucir-en-redes-sociales-20191119-0061.html

https://www.que.es/curiosas/ropa-que-no-existe-llega-la-moda-virtual-para-posar-en-las-redes-sociales.html

https://www.bbc.com/mundo/noticias-50437361

Louis Vuitton apuesta por los avatares de League of Legends

Louis Vuitton

Louis Vuitton, la ‘maison’ francesa lanza una colección cápsula de ropa y marroquinería alusiva a los personajes del exitoso videojuego ‘League of Legends’.

¿Qué es el League of Legends?

De acuerdo con los expertos, League of Legends es un videojuego en 3D multijugador online inspirado en el mod de Warcraft III, en el que los jugadores luchan entre sí en batallas estratégicas de cinco contra cinco. Cada jugador invoca a campeones de un universo de fantasía y gana el primer equipo que destruye el nexo del enemigo.

Desde 2009, League of Legends se ha convertido en uno de los videojuegos más populares de todos los tiempos y el más usado en el mundo, y sin duda uno de los grandes responsables del auge de los e-sports.

League of Legends
Fuente: www.alfabetajuega.com

Louis Vuitton patrocina el campeonato mundial de League of Legends

En noviembre del presente año, Riot Games se unió con la firma de modas Louis Vuitton. Se trata de una colaboración histórica entre la mítica Maison francesa y la organización estadounidense de e-sports, creadora de League of Legends. En este campeonato se enfrentan los mejores gamers de todo el mundo.

Riot Games es la empresa norteamericana desarrolladora de videojuegos que también organiza torneos multitudinarios de eSports.

La colección inspirada en League of Legends

Un conjunto firmado por Louis Vuitton, ahora es posible en el mundo virtual. Con motivo del campeonato mundial de League of Legends , el videojuego de combate online que combina la estrategia en tiempo real con elementos del rol, la firma se encargó de diseñar una colección cápsula de ropa y marroquinería digital para los personajes del juego.

Con una base de 80 millones de jugadores y más de 1.200 millones de euros de ingresos obtenidos en 2018, el popular videojuego conocido como League of Legends, ha sido desde hace una década, el juego de PC hegemónico para toda una generación.

El videojuego es de acceso gratuito, debido a que la adquisición de extras y complementos, siendo el negocio más lucrativo del sector, dado al aspecto visual de nuestro personaje (físico y vestimenta) denominado skins.

Fashion Videogame: Louis Vuitton x League of Legends

Louis Vuitton y Riot Games contarán con una colección cápsula de ropa y marroquinería realizada en la nueva lona “Monogram Louis Vuitton x League of Legends”, así como otros elementos digitales del videojuego, diseñados por Nicolas Ghesquière, Director Artístico de las colecciones femeninas de la firma.

La colección única en lona Monogram Louis Vuitton x League of Legends incorpora bolsos icónicos de la Maison como el Neverfull, el Speedy y la sombrerera Boite Chapeau Souple. Asimismo, la propuesta incluye prendas confeccionadas con tejidos técnicos como neopreno, accesorios, y calzado que va desde la zapatilla Archlight, las botas Star Trail o el zapato derby Beaubourg con plataforma.

Louis Vuitton x League of Legends
Louis Vuitton x League of Legends coleccion videojuegos. Fuente: www.harpersbazaar.com

El baúl del trofeo para la Copa del Invocador

Por otra parte,  la firma se encargó de fabricar el baúl del trofeo para la Copa del Invocador, el premio que se otorgará a los campeones del mundo de League of Legends y  que fue develado en el evento amenizado por True Damage, un grupo de música virtual al que ponen voz artistas reales como Becky G o Keke Palmer, y que también lucieron estilismos creados por el director creativo de la firma.

League of Legends
El baúl del trofeo para la Copa del Invocador. Fuente: /www.esquire.com

La moda en la cultura de los videojuegos

La firma francesa previamente había incursionado en el mundo de los videojuegos. En 2016, la firma tomó a un personaje de Final Fantasy 13 como modelo. En abril de este año, Moschino presentó una colección cápsula inspirada en el mítico Los Sims, que ofrece a los fans de la marca la posibilidad de lucir las mismas prendas que su avatar. De manera paralela a este fenómeno, cada vez son más las modelos e influencers virtuales que juegan un papel clave en la industria de la moda e incluso hay clientes dispuestos a gastarse miles de euros en looks digitales que solo pueden lucir, por ejemplo, en su cuenta de Instagram.

Todo fanático de los videojuegos tiene por lo menos un par de playeras o gorras de su videojuego favorito, e incluso pueden tener accesorios alusivos a los mismos. La marca Moschino lanzó una pequeña colección de prendas con motivos de Super Mario Bros, y que llevan como nombre “Super Moschino”.  Lightning, la más reciente protagonista de la saga Final Fantasy, esteralizó un comercial para la marca de alta costura Louis Vuitton, como parte de una campaña publicitaria que la marca lleva en Japón. Aunque la colección Series 4, no es temática del personaje de Square Enix, su participación en imágenes publicitarias llamó mucho la atención. Hace unos años esta misma chica de cabello rosa fue “modelo” para la marca Prada en compañía de otros personajes del juego Final Fantasy XIII.

Louis Vuitton x League of Legends
Campaña P/V 2016 de Louis Vuitton. Fuente: www.esquire.com

Referencias

https://www.harpersbazaar.com/es/moda/noticias-moda/a30204712/louis-vuitton-coleccion-league-of-legends/

https://elpais.com/elpais/2019/12/10/icon/1575981026_292122.html

https://www.trendencias.com/tecnologia/league-of-legends-videojuego-que-esta-moda-que-louis-vuitton-patrocina-su-campeonato-mundo

https://www.esquire.com/es/moda-hombre/a29225481/louis-vuitton-league-of-legends-riot-games-esports-moda/

https://www.neo2.com/dior-mens-fall-2020-miami/

https://www.qore.com/noticias/43811/Moda-y-videojuegos-ser-fashionista-no-esta-peleado-con-ser-gamer

 

Rocío Higuera inaugura “Le Mot” para vestir a la mujer venezolana

Le Mot

La periodista venezolana, comunicadora, animadora y ahora empresaria, Rocío Higuera, tras su regreso a Venezuela, este miércoles 04 de diciembre inauguró «Le Mot» una tienda de ropa que se propone empoderar a las damas. Las mujeres venezolanas encontrarán en la nueva tienda de Caracas, ubicada específicamente en Los Palos Grandes una gran variedad de ropa y accesorios.

Rocío Higuera, regresa con la certeza de que hay mucho por lo que apostar en el país, por lo que decidió aventurarse en el mundo de la moda, ofreciéndole a las mujeres que lleguen a Le Mot, «encuentren una opción que hable de una mujer que sabe reinventarse ante la adversidad», señaló. Recientemente, publicó unos tuits donde afirmaba que su ropa era traída desde Estados Unidos. “Este es mi país y regreso las veces que quiera porque puedo; y voy a Estados Unidos las veces que quiera porque puedo”.

Rocío Higuera
Rocío Higuera. Fuente: https://www.reporte1.com

El evento de inauguración

Durante la ceremonia inaugural, estuvo presente la actriz María Antonieta Duque y su excompañera de Sábado en la Noche, Melisa Rauseo. El alcalde del Municipio Chacao, Gustavo Duque, hizo acto de presencia en las instalaciones; así como la actriz Hilda Abrahamz, el fotógrafo Guillermo Felizola y el cantautor Luis Fernando Borjas, quienes también se unieron a la impecable celebración de la periodista.

“Le Mot” recibió la bendición cristiana en compañía de familiares, compañeros y medios de comunicación. Cabe destacar que, el concepto que exhibe la tienda se define con la frase favorita de su dueña: «Acá no hay nada que yo no usaría». Entre bordados sutiles y telas en tono blanco, la elegancia.

Le Mot
Rocío Higuera y Maria Antonieta Duque en la inauguración de Le Mot. Fuente: http://revistaronda.net

La nueva faceta de Rocío Higuera

La periodista y animadora venezolana decidió incursionar en el mundo de la moda e inaugurar en  Caracas su nueva tienda de ropa femenina «Le Mot» que significa en francés «la palabra». El público podrá adquirir prendas de firmas internacionales seleccionadas por la emprendedora venezolana, donde destacan los estilos de «Carmen Sol, Gussy López, Liliana Ávila, Adriana Díaz Zerpa y Ana Karina Manco», según reveló la criolla. Además, la boutique dispone de se cuenta en la red social de Instagram, para que los usuarios puedan apreciar la variedad de atuendos disponibles.

Le Mot, la Tienda

Le Mot “es un espacio para la moda que busca la inclusión, diversidad y empoderamiento femenino”, según explica Higuera. La periodista y empresaria criolla también señala lo siguiente: «Se trata de un concepto clásico pero divertido, una curaduría de propuestas que realicé durante mis viajes por distintas ciudades de EEUU, pensada en esa mujer que finalmente entendió que puede ser elegante sin caer en lo aburrido; sexy, sin lucir vulgar. Y muy especialmente, para la mujer que lucha ante la adversidad y encara la rutina con estilo, que siempre quiere estar de punta en blanco, así lleve puesto un simple blue jean. Mujeres empoderadas que son capaces de asumir cualquier rol, sin tener que perder el glamour”.

Vestidos, shorts, trajes de baños, carteras, collares, pulseras, sombreros, entre otras pendras, ofrece Rocío Higuera  en su tienda. Al respecto, la emprendedora expresa lo siguiente: «representa una opción para la mujer y que la prenda que elija, seguramente, va a hablar de ella». Asimismo, señala que, la ropa que está en la tienda es versatil ya que está diseñada para todo tipo de mujer: de baja estatura, alta, delgada. No obstante, reveló que el enfoque no es exclusivo para las damas, pues “de repente los hombres pudieran conseguir alguna pieza por allí”, agregó la criolla.

«Le Mot» ofrecerá al público ropas y accesorios de distintas marcas nacionales e internacionales. En la boutique encontrarán «Mer Bleue Swimwear» la primera colección de la diseñadora local de trajes de baño Carla Paredes. Por su parte, la diseñadora de carteras Liliana Ávila también presenta en las repisas de «Le Mot» su nueva colección Zig Zag.

La periodista y ahora empresaria también expresó: “Quisiera que en Le Mot encuentren alternativas, para cualquier ocasión o momento del día, que las hagan sentirse verdaderas reinas.”

Rocío Higuera
Rocío Higuera. Fuente: bienenterado.com

Le Mot: El significado de la palabra

El nombre es una palabra en francés que significa “La Palabra”, con la que la periodista de espectáculos busca la inclusión; diversidad y empoderamiento femenino, como ella la ha catalogado “una curaduría” de marcas que reúne diversas culturas y las muestra a través de la ropa.Higuera expresa lo siguiente: “Creo que nuestro estilo, nuestro outfit, lo que decidimos llevar en nuestro cuerpo, es elocuente, habla de nosotros, de quienes somos. Mi planteamiento es que, si en efecto tu outfit habla de ti, con Le Mot deja que diga cosas increíbles.

Los aliados del proyecto de Rocío Higuera

Rocío Higuera contó con el apoyo de algunas marcas ya posicionadas en el mercado, entre ellas, la firma italiana Carmen Sol, reconocida en ciudades como Miami, New York, Punta Cana. “Le Mot tiene un poco de todo. Nuestra propia línea y propuestas de diseño que estoy segura sorprenderán”, aseguró la empresaria.

Referencias

https://www.globovision.com/article/le-mot-rocio-higuera

http://revistaronda.net/rocio-higuera-inauguro-su-tienda-le-mot/

https://bienenterado.com/2019/12/03/le-mot-la-palabra-by-rocio-higuera/

https://tenemosnoticias.com/noticia/mujer-vestir-mot-inaugura-984466/1750765

http://www.2001.com.ve/en-el-chisme/219213/-le-mot–es-un-regalo-de-rocio-higuera-para-venezuela.html

https://cnve24.com/200737/

https://encantadacon.com.ve/rocio-higuera-le-coquetea-a-la-moda-con-su-marca-le-mot-la-palabra/

https://www.lasopa.com/carrusel/rocio-higuera-proyectos-nuevos/

https://www.reporte1.com/le-mot-esta-es-la-nueva-faceta-de-rocio-higuera

 

 

Cristóbal Balenciaga: Maestro de la Alta Costura

Cristóbal Balenciaga

Cristóbal Balenciaga, mejor conocido como Balenciaga, fue un célebre diseñador de moda español, considerado elmaestro de la alta costura, que desempeñó su trabajo principalmente en la ciudad de París durante más de tres décadas. Fue uno de los diseñadores más admirados del siglo XX por la creatividad y perfección de sus diseños, que ejerció particular influencia en las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial.

Biografía

Cristóbal Balenciaga Eizaguirre nace en el seno de una familia humilde y muy católica en Guetaria, Guipúzcoa (España), el 21 de enero de 1895. Su padre era un pescador y su madre, una costurera.

Cristóbal Balenciaga
Cristóbal Balenciaga. Fuente: www.vogue.es

Su trayectoria

A partir de la muerte de su padre, Balenciaga se dedicó a ayudar a su madre en el oficio de costurera para sustentar a la familia. En 1916, abrió una casa de alta costura en San Sebastián. Entre los años 1918 y 1924 se asoció con las hermanas Lizaso, y formaron la casa Balenciaga Lizaso. Finalmente se separaron a causa de una discusión.

Con el estallido de la guerra civil española se mudó a París, donde se convirtió en uno de los diseñadores más influyentes. En agosto de 1937, Balenciaga abrió su taller en París en la avenida George V. Impuso su estilo innovador, exhibiendo una línea de hombros caídos, cintura pinzada y caderas redondas.

A partir de los años 1950, Cristóbal Balenciaga lanzó el vestido camisero, el traje chaqueta y el tacón bajo. Al contrario que muchos modistos, hacía bocetos de sus creaciones pero no las confeccionaban. Cristóbal Balenciaga tuvo un total dominio de la costura y del manejo de tejidos.  Tenía predilección por los tejidos con bordados a mano, lentejuelas o pedrería.

Balenciaga era capaz de ajustar un vestido con un paño de tela, sin efectuar cortes ni costuras, en muy corto tiempo. Tenía una gran habilidad en crear prendas de vestir asombrosas con exquisitas formas y volúmenes, las cuales presentaban un acabado perfecto, casi escultórico, ocultando todas las botonaduras y puntadas de hilo. Su nivel de exigencia le llevaba a desarmar un vestido entero si no quedaba a su plena satisfacción.

Cristóbal Balenciaga fue un entusiasta de los grandes maestros de la pintura española. Sus favoritos eran las de Velázquez y Goya; sin embargo, sus modelos muestran influencias cubistas.

Cristóbal Balenciaga
Vestidos diseñados por Cristóbal Balenciaga. Fuente: es.wikipedia.org

Su Clientela

La lista de sus clientas contenía a las figuras de la alta sociedad y del mundo del espectáculo, entre ellas se incluyen: Marlene Dietrich, Greta Garbo, Grace Kelly, Ava Gardner, Audrey Hepburn, Jackie Kennedy, entre otras. Confeccionó los vestidos de boda de su majestad,​ la reina Fabiola de Bélgica y de la duquesa de Cádiz. Una de sus principales admiradoras y cliente fue la millonaria estadounidense Rachel L. Mellon, para quien realizó cientos de piezas.

Debido a que Chanel accedió a crear colecciones prêt-à-porter, Balenciaga rechazaba la idea de producir en serie. En 1968, renunció a que su firma diera entrada al prêt-à-porter, lo que motivó al cierre de su casa de modas y a su retiro.

Balenciaga es considerado como el padre del alta costura y Francia le otorgó el título de caballero de la Legión de Honor.

En 1973, fueron expuestos 150 de sus diseños con motivo de la reinauguración del Instituto de la Indumentaria en el Metropolitan Museum de Nueva York.

Muerte

Cristóbal Balenciaga falleció inesperadamente Jávea, en Alicante, el 23 de marzo de 1972, , tras sufrir un infarto de miocardio, seguido de un paro cardíaco, a los 77 años de edad. Fue enterrado en Guetaria, su localidad natal.

Legado

Tras su fallecimiento, la firma Balenciaga se mantuvo activa. La marca estuvo inactiva hasta 1986, cuando Jacques Bogart S. A. adquirió los derechos de la marca a los herederos de Balenciaga.

En la actualidad, Balenciaga ofrece productos de alta costura, prêt-à-porter, perfumería, joyas y accesorios. Los bolsos Balenciaga son unos de los más deseados por las fashion victims y sus zapatos son diseños originales. En las colecciones históricas del Museu Tèxtil i d’Indumentària destaca la de sombreros y tocados de Balenciaga, por su gran variedad de formas.

Obra

Su obra ha sido objeto de numerosas exposiciones en el Museo Metropolitano de Nueva York en 1973, con 180 modelos expuestos. El Museo Balenciaga, inaugurado en Guetaria el 10 de junio de 2011, posee una colección de 1200 piezas. El Museu Textil i d’Indumentària del Disseny Hub Barcelona tiene una extensa colección de vestidos y complementos (especialmente sombreros) de Balenciaga. El Museo del Traje de Madrid también tiene una colección de moda que incluye vestidos de Balenciaga.

Referencias

https://es.wikipedia.org/wiki/Crist%C3%B3bal_Balenciaga

https://www.vogue.es/moda/modapedia/disenadores/cristobal-balenciaga/172

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/balenciaga.htm

https://www.ecured.cu/Crist%C3%B3bal_Balenciaga

Pierre Balmain: El rey de la moda francesa

Balmain

Pierre Balmain fue uno de los arquitectos de la moda. La idealización de la silueta femenina y su relación con el cine de Hollywood le llevaron a lo más alto. Es uno de los nombres fundamentales de la moda del siglo XX y su casa se consolidó como una de las más importantes de la alta costura en la época de la posguerra. Tras pasar por el ejército francés y por varios talleres de costura decide, en 1945, crea su propia marca.

Biografía

Pierre Alexandre Claudius Balmain nació en la región francesa de Saboya en Saint-Jean-de-Maurienne, el 18 de mayo de 1914 y falleció en París, el 29 de junio de 1982.

Balmain fue un diseñador de moda francés, uno de los principales en la segunda mitad del siglo XX. Estudió arquitectura en la Escuela de Bellas Artes de París en 1933, pero abandonó la carrera para trabajar en el taller de Molyneux, desde 1934 hasta 1939. Posteriormente, pasó dos años trabajando con Lucien Lelong desde 1941-1945, donde conoció a Dior.

Tras pasar por las filas del ejército francés y por varios talleres de costura en el año 1945, inaugura su casa de modas, Maison Balmain,  donde debutó con la presentación de su primera colección en París, caracterizada por faldas largas, acampanadas y de cintura estrecha; y en 1947; siendo tendencia como parte del New Look de Dior.

Balmain
Vestido confeccionado por Balmain. Fuente: historiadelamodabau.blogspot.com

Balmain trabajó desde 1948 hasta 1991 con el diseñador danés Erik Mortensen, Margit Brandt a principios de la década de 1960 y en 1954 contrató a Karl Lagerfeld, tras ser jurado en una competencia. Pierre Balmain fue «un rey de la moda francesa» y vistió a estrellas como Ava Gardner, Ruth Ford, Brigitte Bardot, Marlene Dietrich y Sofía Loren; así como de la primera dama de Nicaragua, Hope Portocarrero. En 1964, fue publicada su autobiografía, titulada Mis años y épocas.

Balmain
Pierre Balmain y Ruth Ford. Fuente: en.wikipedia.es

Balmain: La casa de modas

Balmain fue fundada por el modisto francés Pierre Balmain en 1945. En 2016, Mayhoola Investments adquirió Balmain por una cifra reportada cercana a los 500 millones de euros (548 millones de dólares), controlada por los herederos de Alain Hivelin.

Actualmente, dispone de 16 tiendas, ubicadas en Nueva York, Los Ángeles, Las Vegas, Miami y en Milán.

Balmain
La casa de modas de Balmain. Fuente: www.trendencias.com

Fragancia

Lanzó al mercado su primer perfume, Ely 64-83, en 1946. En 1951 inauguró una filial de su firma en Nueva York y fue el creador del estilo Jolie Madame.

Sucesores

Después de la muerte de Balmain en 1982, la casa fue dirigida por Erik Mortensen, quien fuera su pareja y «la mano derecha de Pierre Balmain», según la revista Vogue. Mortensen trabajó para mantener la estética de la marca en el mundo de la alta costura. Ganó dos premios Golden Thimble, uno por su colección Otoño / Invierno de 83/84 y otro por la colección Otoño / Invierno de 87/88. Finalmente, abandonó la casa en 1990.

Luego de la partida Mortensen, el diseñador Hervé Pierre asumió el cargo de director de ropa de alta costura hasta 1992; manteniéndose  al frente de la línea de Haute Couture y la Ready To Wear.

Oscar de la Renta fue el diseñador más influyente que se hizo cargo de Balmain, quien dirigió la casa entre 1993 y 2002. El diseñador dominicano consiguió que sus colecciones fueran de gran éxito.

Oscar de la Renta
Oscar de la Renta. Fuente: www.trendencias.com

Christophe Decarnin se unió a la casa en 2005. Fue considerado un «diseñador estrella», y la marca Balmain se convirtió más en su estatus de estrella que en su ropa. El creador francés impuso el estilo glam rock en los inicios del siglo XXI.

Christophe Decarnin
Diseño de Christophe Decarnin. Fuente: www.trendencias.com

En abril de 2011, Olivier Rousteing se unió a la compañía en 2009, después de asistir a una prestigiosa escuela de moda francesa y trabajar con Roberto Cavalli. Para el momento de su nombramiento, Rousteing era un diseñador relativamente desconocido, y ha aportado una nueva versión muy necesaria de la estética de la marca que se mantiene hasta nuestros días. Sus propuestas están cargadas de personalidad, tiene mucho gancho y son muchas celebrities las que se apuntan a sus diseños. El que comenzó siendo un total desconocido, es el nuevo héroe de la firma francesa. Se le atribuye la adición de una influencia asiática a la ropa, ya que Asia comprende una gran parte de los compradores de la marca.

Olivier Rousteing
Olivier Rousteing. Fuente: www.trendencias.com

Balmain y su estilo

El estilo característico de Balmain, «Jolie Madame», la cual se convirtió rápidamente en el estilo favorito de la realeza europea y de Hollywood. Las mejores actrices del mundo contaron con los diseños de Pierre Balmain para sus vestidos de cóctel, vestidos de noche y vestidos de novia. Audrey Hepburn, Ava Gardner, Brigitte Bardot, Katherine Hepburn, Marlene Dietrich y Sophia Loren fueron algunas de las muchas estrellas atraídas por las telas ricamente bordadas de Balmain,

Diseñador de vestuario

Pierre Balmai ha destacado su labor en el diseño de vestuario de alrededor de 16 películas como The Millionairess y Rape of the Belt. Además, participó en algunos musicales de Broadway al realizar el vestuario como el musical Josephine Baker .

Fue nominado a un premio Tony, por el vestuario de la obra, titulada Happy New Year, en 1980, como mejor diseño escénico, así como en los Drama Desk Award.

Balmain en la actualidad

En 2011, Olivier Rousteing, asume el cargo de director artístico de la marca. Sus propuestas continúan con la línea sexy y juvenil de su predecesor, Christopher Decarnin, y está influenciado por el estilo de confianza único de las mujeres modernas.

Oliver Rousteig incorpora el conocido dominio de la casa, la sastrería, el bordado y las técnicas tradicionales de la alta costura clásica en sus colecciones. Crea diseños acordes con la manera de vestir de las mujeres modernas. El espíritu de alta costura del diseñador jovense equilibra con la silueta muy moderna de sus colecciones.

En 2014, Balmai presentó su primera línea de calzado.

Balmain en crecimiento

El grupo Qatarí Mayhoola, perteneciente a familia real de Qatar, adquirió la firma francesa por alrededor de 485 millones de euros en 2016, teniendo las mismas ambiciones de expansión y de capitalización de la firma, y la apertura de nuevos establecimientos Balmain. La compañía genera 120 millones de euros anuales y realiza el 90% de sus ventas a través del canal wholesale. Balmain cuenta actualmente con 16 tiendas monomarca.

Referencias:

https://es.wikipedia.org/wiki/Pierre_Balmain

https://en.wikipedia.org/wiki/Balmain_(fashion_house)

https://www.vogue.es/moda/modapedia/disenadores/pierre-balmain/211

https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/7333/Pierre%20Balmain

https://modaconhistoria.blogspot.com/2018/12/disenadores-pierre-balmain.html

https://www.trendencias.com/disenadores/balmain-una-firma-siempre-atrevida-de-pierre-balmain-a-olivier-rousteing

https://www.europapress.es/economia/noticia-pierre-balmain-arquitecto-moda-20151104213118.html

https://historiadelamodabau.blogspot.com/2012/01/pierre-balmain.html

 

Naomi Campbell: Ícono de la Moda

Naomi Campbell

Naomi Campbell es una actriz, empresaria y supermodelo londinenese destacada en las pasarelas con unas medidas envidiables (86-60-87), así como en publicidad impresa desde finales de los años 1980. Fue declarada como una de las seis supermodelos de su generación por la crítica. Recientemente, fue nombrada la primera mujer afrobritánica icono de la moda durante los “British Fashion Awards” realizados en el London’s Royal Albert Hall.

Naomi Campbell
Naomi Campbell. Fuente: www.hola.com

Reseña Biográfica

Naomi Elaine Campbell nació el 22 de mayo de 1970 en Londres, Inglaterra. A los 15 años, una representante de la agencia Elite la descubrió en Covent Garden (Londres). Su primera aparición pública fue en el vídeo de Bob Marley, Is This Love. En agosto de 1989, se convirtió en la primera mujer afrobritánica en aparecer en la portada de la Vogue París y después en la edición británica de la mencionada revista. Campbell también apareció en Victoria Secret’s desfilando como uno de los «Ángeles». La modelo londinense también posó desnuda para la revista Playboy y en una serie de fotos eróticas con Madonna para el libro de la cantante, Sex.

Naomi Campbell inauguró, junto con  Elle Macpherson y Claudia Schiffer el Fashion Cafe en Nueva York.

En su carrera musical, Campbell es una cantante exitosa; grabó su álbum Baby Woman y participó en el sencillo «Cool as Ice» de Vanilla Ice. Anteriormente, apareció en el vídeo musical Freedom ’91, de George Michael, así como en los de Michael Jackson y Jay-Z.

En 1992, Naomi Campbell fue elegida por la revista People entre las 50 Personas Más Bellas del Mundo. Por otra parte, la supermodelo británica también co-escribió la novela Swan y publicó un libro de fotografías titulado Naomi.

Naomi Campbell es una de las modelos más importantes en la historia de la industria de la moda, siendo la más conocida mundialmente. Es todo un icono durante la década de los 90 y finales de los 80’s. Ha aparecido en numerosas publicaciones y fue una de las primeras musas de Versace e Yves Saint Laurent, entre otros importantes diseñadores. También ha sido una de las modelos más versátiles de la industria, no sólo de moda y alta costura, sino también realizando fotos eróticas, de calendario, etc.

Desde 1999, Naomi Campbell lanzó al mercado 16 fragancias femeninas con la empresa Procter & Gamble.

A sus 42 años, Campbell desfiló para su último desfile en Milán y apareció en unas imágenes para la campaña publicitaria de Cavalli en la cual viste con estampados animales y llamativos colores que realzan su figura. También fue retratada por el fotógrafo Steven Meisel. En 2019 es reconocida icono de la moda en el Fashion Icon Award en el Royal Albert Hall de Londres.

Naomi Campbell es la primera mujer afrobritánica icono de moda

En la noche del lunes 2 de diciembre del presente año, Naomi Campbell es reconocida como la primera mujer afrobritánica icono de la moda en el Fashion Icon Award en el Royal Albert Hall de Londres. La modelo británica recibió su premio en un discurso en el que repasó su trayectoria y recordó a su madre y a sus referentes: «Quiero agradeceros que me allanarais el camino».

Naomi Campbell es una de las modelos más famosas del mundo, proveniente de la saga de las grandes top models de los noventa y que aún se mantienen, ha sido honrada con un premio que define su trayectoria como Icono de la Moda.

La londinense se convirtió en la gran protagonista de los British Fashion Awards. Campbell recibió el premio de honor de la ceremonia, debido a su «contribución a la industria de la moda y su carrera como supermodelo, además de su labor filantrópica con asociaciones benéficas y su increíble esfuerzo por dar una mayor visibilidad y un futuro, especialmente a África».

Naomi Campbell
Naomi Campbell, en los British Fashion Awards celebrados en el Royal Albert Hall de Londres el 2 de diciembre. Fuente: elpais.com

Naomi Campbell y su escultural figura

Esta chica londinense, a pesar de que la agencia Elite le cancelara su contrato ha sido musa de diseñadores y fotógrafos, siendo una de las diez modelos mejor pagadas del mundo. Cuenta con unas medidas envidiables (86-60-87) por lo que se hizo la dueña de las pasarelas de todo el mundo.

La era de las supermodelos llegó a su fin

La diosa de las pasarelas ha posado para los más prestigiosos modistos, como Versace, Yves Saint Laureny, Valentino, entre otros. Sin embargo, afirma que «La era de las supermodelos ha pasado a la historia.». Campbell pertenece a esa generación de mujeres que, además de ser una supermodelo, tiene una cadena de restaurantes, junto a las modelos Claudia Schiffer, Elle Macpherson y Christy Turlington, Fashion Café; invierte su dinero en el sector inmobiliario; se desempeña en Wall Street con los más grandes inversionistas; grabó su disco, Babywoman, en 1994, participó en numerosas películas y ha escrito dos libros, Swan y Naomi, de los que el 40% de los beneficios fueron para la Cruz Roja de Somalia.

Naomi Campbell, una modelo solidaria

Naomi otorga ayuda económica a varias organizaciones internacionales, además de liderar una asociación que promueve a las modelos afrodescendientes. Campbell es consciente de que la xenofobia aún sigue existiendo.

Referencias:

https://es.wikipedia.org/wiki/Naomi_Campbell

https://www.hola.com/biografias/naomi-campbell/

https://elpais.com/elpais/2019/12/03/gente/1575363899_301287.html

https://laverdadnoticias.com/espectaculos/Naomi-Campbell-llora-al-ser-nombrada-ICONO-DE-LA-MODA-en-importante-evento-20191204-0252.html