Gucci es una marca Sostenible

Gucci

Gucci es una de las marcas de lujo más influyente, innovadora y progresiva. La firma se encuentra en pleno proceso de reinvención en el enfoque moderno de la moda. Sus productos representan el pináculo de la artesanía italiana y son insuperables por su calidad y atención al detalle con un lenguaje estético único.

Con sus espectaculares pasarelas y diseños únicos, Gucci es la marca de moda que persigue una visión de Sostenibilidad en la industria del Lujo. En términos de estética, la marca está al día en temas de sostenibilidad.

Gucci
Gucci apuesta a la moda sostenible. Fuente: www.mujer.com.pa

Gucci en proceso de reinvención sustentable post pandemia

Gucci se encuentra en pleno proceso de reinvención luego de que el COVID-19 arrasara con todas las prioridades. Tras la cancelación de los eventos de la Fashion Weeks, las marcas famosas han tenido que replantear sus conceptos para poder mantenerse en la cima de la economía.

La firma estableció un plan de sostenibilidad, cuya vigencia es de 10 años, a partir de 2015 hasta 2025.

Ahora, la firma italiana cuenta con programas de reciclaje en 200 tiendas y está trabajando en la implantación de iluminación LED en todos sus puntos de venta. La compañía también monitorea las emisiones de CO2, para poder así establecer objetivos reales para la reducción de la misma. Igualmente, está aumentado el número de vehículos híbridos en su flota desde 2015.

Según los informes medioambientales, la casa de moda florentina redujo en un 63% el consumo de papel, un 33% el consumo de agua y un 18% el consumo de energía por empleado en todas sus oficinas.

La compañía continúa buscando nuevos materiales sostenibles, encuentra los procesos menos invasivos, inventa soluciones innovadoras y, lo que es más importante, cuida a las personas que forman parte de la casa de moda. Asimismo, la empresa también se centra en la igualdad de género, ya que el 59% de los altos directivos son mujeres y promueven una mayor diversidad e inclusión.

Una visión ecológica de la moda

Los últimos cinco años, la conservación ambiental ha sido el principal protagonista en las campañas de moda. Ahora, tras la crisis del COVID-19, la industria está en la búsqueda de nuevas maneras de producir.

Un estudio de Zero to Market, concluyó que 241.000 toneladas de CO2 se produjeron en el 2018 solo con los eventos de las Fashion Weeks. Pero, tras verse forzados a un refrescamiento de imagen post pandemia, La marca anunció que hará cambios importantes en su plataforma de creación.

Gucci
Desfile Gucci. Fuente: elintransigente.com

Gucci se despide de las temporadas

La exclusiva marca Gucci hará cambios que enfrentaran sus desfiles. El director creativo de la marca, Alessandro Michele, anunció que la marca reducirá de cinco shows al año la realización de los desfiles de moda. Esto significa que, según explicó Michele , la firma no realizará los desfiles clásicos de las colecciones de primavera-verano, otoño invierno, crucero ni pre-fall.

Ahora, la compañía solo se dedicará a crear piezas más atemporales y duraderas para contribuir con la sostenibilidad. La marca mostrará colecciones “sin temporada” dos veces al año. No hará planes para un espectáculo en la semana de la moda de Milán.

Gucci
Gucci – Moda Sostenible. Fuente: oceandrive.com

Gucci Equilibrium, la revolución sostenible de Gucci

En 2018, La firma italiana promueve su compromiso con la sostenibilidad, a través de la plataforma online Gucci Equilibrium.

Este lanzamiento está centrado en tres pilares: medio ambiente, personas e innovación. Según la compañía, esta es una nueva estrategia y herramienta de comunicación para conectar a las personas con el planeta y un propósito.

Esto significa que la empresa forma parte de la revolución de la moda que mantiene un impacto ambiental y social positivo; ofreciendo la mejor calidad a sus clientes.

Con Gucci Equilibrium, la compañía busca aplicar la ciencia y la innovación para encontrar nuevas estrategias para gestionar el impacto ambiental. Asimismo, ayudará a las empresas con las que se relaciona para que estas sean más sostenibles.

Gucci es 100% carbono neutral

Gucci, siguiendo su compromiso con la sustentabilidad, aseguró que su cadena de producción no emitirá gases nocivos a la atmósfera durante sus procesos de fabricación.

Como parte de su estrategia de sustentabilidad, la firma estableció un nuevo estándar ecológico en el que implementa acciones para evitar la emisión de gases de efecto invernadero. En 2018, se evitaron de producir alrededor de 440,125 toneladas de carbono.

«A Culture of Purpose»

En el Día Internacional de la Niña, en el año 2017, durante el Kering Talk, evento celebrado en el London College of Fashion, Gucci lanzó una iniciativa titulada «A Culture of Purpose», en su plan de sostenibilidad de 10 años.

Gucci se unió a Fur Free Alliance con el fin de eliminar las pieles de animales en todas las colecciones a partir de Primavera Verano 2018. Además, hizo una donación de 1 millón de euros como socio fundador de la «Girls’ Empowerment Initiative» de UNICEF (Fondo de las Naciones Unidas para la Infancia).

En su compromiso de reducción de su impacto medioambiental, La casa de moda florentina definió ambiciosos objetivos de creación para garantizar el proceso de producción del 95% de las materias primas.

Mediante la gestión responsable e innovadora de la cadena de suministro, Gucci ha sido condecorado con el premio a la Innovación Sostenible en los Green Carpet Fashion Awards.

La firma italiana desarrolló nuevas soluciones aplicando la innovación técnica para mejorar la eficacia de sus procesos de producción y logística. Esto le permite evaluar e identificar el impacto ambiental social y económico directo e indirecto a lo largo de toda la cadena de suministro; así como, promover dentro de sus propias esferas de influencia acciones para la mejora y el desarrollo del apoyo a las personas y a su entorno.

Gucci lanzó su colección sostenible «Off the Grid»

La firma de moda continúa siendo líder en sostenibilidad en el lujo. Es por eso que lanzó este año su colección Gucci Off The Grid como parte de sus Gucci Circular Lines.

La casa de moda florentina se expande en colecciones que cumple con su promesa de ser consciente del impacto ambiental de sus productos. En tal sentido, la colección que incluye maletas, accesorios, calzado y prêt-à-porter, utiliza materiales orgánicos reciclados, que pueden ser rastreados a partir de fuentes renovables y sostenibles. Entre ellas se encuentra Econyl, un nylon regenerado que utiliza residuos pre y post consumo.

Jane Fonda
Jane Fonda es la imagen de la colección sostenible de Gucci. Fuente: fashionunited.es

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-breaking-news/menos-sera-mas-gucci-persigue-una-vision-mas-sustentable-despues-de-la-pandemia/

Gucci Equilibrium llevará el enfoque de la «gente» un paso más allá a través de las empresas sociales, como «Yo era un Sari», que permite a los artesanos de Gucci enseñar a las mujeres de las comunidades marginadas de Mumbai las habilidades para reciclar saris.

https://luxiders.com/es/moda-sostenible-gucci-equilibrium/

https://elle.mx/moda/2019/09/13/moda-gucci-carbono-neutral/

https://www.america-retail.com/sostenibilidad/sostenibilidad-gucci-se-va-por-la-moda-sostenible/

https://www.gucci.com/es/es/st/stories/gucci-equilibrium/article/culture-of-purpose

https://luxiders.com/es/gucci-sostenible/

https://fashionunited.es/noticias/moda/gucci-lanza-la-coleccion-sostenible-off-the-grid/2020061933042

Anifa Mvuemba presenta su desfile virtual de moda en 3D

Anifa Mvuemba

La diseñadora Anifa Mvuemba planeó el innovador espectáculo digital antes de que la pandemia de coronavirus lo hiciera esencial.

Hanifa acaba de estrenar su última colección en Instagram Live usando modelos 3D. Y es que la diseñadora Anifa Mvuemba planeó el espectáculo solo digital antes de la pandemia de coronavirus.

Anifa Mvuemba, fundadora de la marca de moda Hanifa, esperaba celebrar su primer desfile en la Semana de la Moda de Nueva York este año. Pero cuando el coronavirus torpedeó esos planes, se le ocurrió una nueva forma de revelar sus últimos diseños al mundo.

Por tal motivo, la firma de moda Hanifa tuvo la idea de hacer desfiles virtuales. Y gracias a la tecnología y los avances, ha sido posible el surgir de nuevas experiencias como la realización un desfile con imagen 3Da través las redes sociales.

La crisis de Covid-19 podría haber preparado el escenario para el escaparate de Mvuemba, pero ella había jugado durante mucho tiempo con la idea de un espectáculo digital, aunque sin planear organizar una tan rápidamente.

«El show digital era algo que quería hacer, pero no fue hasta la pandemia cuando me di cuenta de que era el momento perfecto [para ello]», dice Anifa, quien explica que había estado trabajando para un show en la Semana de la Moda de Nueva York en el otoño. «Por razones obvias, y debido a que la industria está cambiando, pensé:» Al diablo con el calendario de la moda, vamos a mostrar ahora «. Reuní un equipo y nos pusimos a trabajar».

Anifa Mvuemba
Colección virtual de Anifa Mvuemba. Fuente: www.en24.news

Anifa Mvuemba transmitió un verdadero show virtual

La diseñadora africana hace historia en la industria de la moda presentando su colección en una pasarela online con modelos 3D a través de instagram. Se trató de un desfile de modas virtual que tenía como finalidad presentar una nueva propuesta textil, por lo que la creadora se refugió en los avances tecnológicos.

La diseñadora Anifa Mvuemba transmitió un show mediante Instagram Live, en el que exhibió su colección titulada Pink Label Congo para su firma, Hanifa.

Asimismo, la colección estuvo inspirada en la dura historia del Congo y la belleza que la envuelve. En dicho show virtual con representaciones 3D fantasmales en lugar de modelos, y un telón de fondo negro en sustitución de un espacio de exhibición. Los seis looks que componen la colección Pink Label Congo de Mvuemba se ondularon en pantalla mientras se movían sobre figuras invisibles.

El voluminoso minivestido plisado de Kinshasa, llamado así por la capital de la República Democrática del Congo, abrió el espectáculo, sus colores coinciden con los de la bandera congoleña. «El rojo representa la sangre, el sufrimiento y la opresión por los que ha pasado el pueblo congoleño», dice el diseñador a Vogue británico. «El azul es la paz y el amarillo representa la esperanza y el futuro del Congo». El aspecto final, el vestido maxi de Mài, estaba adornado con paisajes pintorescos, mientras que un vestido de bolsillo cargo, pantalones de mezclilla doble fruncidos y una falda blanca brillante y una camisa corta también aparecieron en la colección.

Diseño 3D Anifa Mvuemba
Desfile virtual de Anifa Mvuemba. Fuente. oceandrive.com.ve

Top Models Invisibles 3D

Anifa Mvuemba decidió lanzar su nueva colección mediante un show virtual sin usar modelos reales.

La diseñadora africana lanzó la última colección, Pink Label Congo para su marca de moda, Hanifa, a través de Instagram Direct; cuyas prendas fueron modeladas con imágenes en 3D mediante el uso de computadoras.

Anifa Mvuemba ofreció una vista previa de cómo serían las pasarelas en un mundo pospandémico con una colección que usa modelos virtuales. El desfile ha mostrado todas las prendas de Pink Label Congo hechas en CGI y animadas igual que si una modelo real las luciese en la pasarela.

Aunque no se veían modelos, el efecto era indudablemente uno de poder y fuerza femenina. «Tenía muchas ganas de mostrar una amplia gama de modelos y hacerlo un poco diferente de lo que normalmente vemos en la pasarela», dice la diseñadora, y agrega: «Quería destacar a las mujeres en mi vida, las mujeres que crecí viendo y lo que hicieron, y honrarlos de esa manera «.

Anifa Mvuemba
La colección virtual de Anifa Mvuemba. Fuente: www.africanews.com

Colección Pink Label Congo

La pandemia de coronavirus está dando un vuelco en muchas industrias de la moda en todo el mundo. Uno de esos cambios que ya está teniendo lugar, gracias a Hanifa, es el movimiento para hacer que los desfiles de moda sean más accesibles mediante el uso de modelos digitales en 3D para lanzar nuevas colecciones en línea.

En una entrevista con Teen Vogue, la diseñadora de Hanifa, Anifa Mvuemba, reveló que ya planeaba lanzar su nueva colección, Pink Label Congo, en línea, pero se preguntó si todavía era el movimiento correcto cuando la pandemia de coronavirus cambió todo.

Mvuemba explicó: «La noticia salió sobre lo graves que eran las cosas y comencé a sentirme un poco ansioso por todo lo que estaba sucediendo. Empecé a sentir que tal vez sería insensible crear y compartir una nueva colección en línea mientras las personas se enfrentaban a realidades muy difíciles».
Anifa espera que esta colección inspire a todas las mujeres a mantenerse firmes en su poder y, como la República Democrática del Congo, a usar su historia, ya sea bonita o dolorosa, para rediseñar su futuro. Para ella, su país, la tierra del Congo, está lleno de una gran cantidad de recursos naturales, el mayor de los cuales es su gente, sus mujeres.

Un homenaje al Congo

La diseñadora originaria del Congo realizó un cortometraje documental sobre sus país y, posteriormente, presentó un desfile único en su clase hecho en 3D. En el clip se podía apreciar los atuendos de la nueva colección mientras se movían gracias a los efectos animados, algo que causó sensación.

“Quiero que estas piezas cuenten una historia con significado. Quiero que nos recuerden a ser intencionales con las cosas que creamos. No por influencia o por likes en Instagram, sino por el significado de lo que decimos al contar historias a través de nuestros diseños “, indicó la realizadora junto al post que realizó en la mencionada red social.

En dicha propuesta se pudo apreciar prendas que reflejaban los colores de la bandera del Congo, vestidos de seda que caían hasta el piso mostrando montañas y ríos acompañados de hierba, formas, siluetas y motivos alusivos a la identidad de esta región.

Uno de los conjuntos era un mini vestido sin espalda en rojo, azul y amarillo, que representa la bandera del Congo. Y un vestido largo en azul y verde que representa el punto donde el río Congo se encuentra con la tierra.

El Congo es uno de los principales productores mundiales de cobalto y representa más del 60% de la producción mundial. El cobalto es un elemento químico utilizado en la producción de teléfonos inteligentes, tabletas y vehículos eléctricos.

Anifa Mvuemba crea conciencia a través de la moda

Inspirada en su ciudad natal en el Congo, Anifa Mvuemba, de 29 años, comenzó el desfile de moda con un breve documental sobre las experiencias de los niños que trabajan en minas de cobalto.

La colección Pink Label Congo trata de crear conciencia sobre las minas congoleñas, dijo la diseñadora.

Mvuemba había presentado una serie de clips que destacaban el impacto de la minería en la República Democrática del Congo, un tema sobre el cual la diseñadora estaba ansiosa de que sus diseños deberían reflejar.

Anifa Mvuemba ofrece una propuesta real

La diseñadora congoleña incluiría en sus desfiles siluetas reales que reflejaban las texturas en los tejidos de las prendas, así como sus materiales. Estas imágenes lucirían las piezas textiles sobre un cuerpo con curvas y que se mantienen en constante movimiento.

Anifa se inspiró en las historias de mujeres que moldearon el futuro de su país. De tal forma, las prendas de la diseñadora cuentan las raíces culturales del Congo, así como la gran cantidad de recursos naturales de esa nación.

¿Quién es Anifa Mvuemba?

Anifa Mvuemba, una diseñadora congoleña residente en Maryland, es la creadora detrás de la marca Hanifa.

Comenzó a diseñar en 2011, no fue sino hasta 2012 cuando lanzó su negocio. La modista de Maryland ofrece consistentemente diseños femeninos, vibrantes y estructurados que están hechos para mujeres de todos los tamaños. Desde faldas adornadas con plumas hasta hacer arte negro con sus campañas.

Anifa no asistió a la escuela de moda o aprendiz de una etiqueta establecida, y no pasa gran parte de su tiempo haciendo contactos con expertos de la industria.

Mvuemba, de 29 años, cuya familia emigró a los Estados Unidos desde la República Democrática del Congo cuando era pequeña, se inspiró en su tierra natal cuando diseñó su línea actual, llamada Pink Label Congo: Un mini vestido sin espalda está hecho en azul, amarillo y rojo, los colores de la bandera del Congo; un mono de mezclilla contiene detalles fruncidos y fruncidos que son comúnmente utilizados por las costureras congoleñas.

Anifa Mvuemba
Anifa Mvuemba presenta su desfile virtual de moda en 3D. Fuente: www.becauseofthemwecan.com

Y el sorprendente final del espectáculo es un vestido de seda asimétrico hasta el suelo que retrata el río Congo, los cielos azules y las colinas cubiertas de hierba. Como todos los diseños de Mvuemba, estos vienen en tamaños de 0 a 20, y tienen un precio de entre $ 50 y $ 499. «Tengo en mente a las mujeres negras cuando diseño», explica. «Creo siluetas que funcionan para nuestros cuerpos y complexiones».

La carrera de moda de Mvuemba comenzó cuando cumplió 21 años, cuando publicó una foto de un vestido que había hecho en Instagram. «La respuesta fue tan increíble que comencé a hacer pedidos personalizados para amigos y familiares, y luego eso me convirtió en una mini colección completa», dice ella.

Después de algunas colecciones de cápsulas y piezas hechas a medida bajo su marca Hanifa, decidió lanzar Pink Label Congo para interpretar el espíritu y las disparidades dentro de la cultura africana a través de la moda.

“Creo que fue realmente importante hacerlo de esa manera porque soy del Congo, así que, naturalmente, esta es mi conexión con esta causa. Esto no es solo yo leyendo sobre algo o encontrando algo en línea que me afectó, en realidad es de donde soy «, dice ella.

La nueva era de la moda

La industria de la moda también ha cambiado, tras la pandemia del coronavirus, y la diseñadora Anifa Mvuemba tiene la clave para demostrarle al mundo cómo será la nueva era para las pasarelas. En este sentido, es importante resaltar que la moda cambia con el mundo, evoluciona con la sociedad y siempre será una manifestación de la cultura.

Es así, como Anifa dejó una gran huella dentro de la industria de la moda, rompiendo con estereotipos del cuerpo y de la mujer ideal, empoderando a las mujeres y, además, sugiriendo un nuevo método funcional de readaptación que debe ser un ejemplo a seguir para diseñadores emergentes y a las marcas posicionadas en el mercado.

Un desfile virtual inquietante, hermoso y brilantemente ejecutado

Anifa Mvuemba está utilizando la tecnología para poner de cabeza a la industria de la moda.
Anifa Mvuemba, fundadora de la marca de moda Hanifa, esperaba celebrar su primer desfile en la Semana de la Moda de Nueva York este año. Pero cuando el coronavirus torpedeó esos planes, se le ocurrió una nueva forma de revelar sus últimos diseños al mundo.
En mayo, realizó un desfile de moda virtual, transmitido por Instagram Live, en el que cada prenda aparecía en 3D sobre un fondo negro, como si la usaran modelos invisibles que se pavonean en una pasarela, la prenda abrazando cada curva. Decenas de miles de los 250.000 seguidores de Hanifa sintonizados.
El espectáculo de alta tecnología fue solo la manifestación más reciente del impulso de Mvuemba para trazar su propio camino en la industria de la moda.
La diseñadora congoleña ha aprovechado la tecnología y las redes sociales para construir un próspero negocio directo al consumidor que generó $ 1 millón en ingresos el año pasado y se ha ganado a personas como Lizzo, Kelly Rowland y Kylie Jenner.

El show de Instagram fue sorprendente y también un poco extraño, ya que las prendas parecían estar siendo usadas por un desfile de fantasmas. Pero sin la distracción de un telón de fondo o de humanos vivos usando los atuendos, fue más fácil observar cada detalle de la ropa. Y en un momento en que el distanciamiento social ha hecho imposible el tradicional desfile de modas, el enfoque de alta tecnología de Mvuemba le permitió crear expectación en torno a su nueva colección y reunir pedidos por adelantado. Gracias al programa, dice que es probable que haga crecer su negocio este año a pesar de la recesión.

Una marca de moda de alta tecnología

Mvuemba había estado jugando con la idea de un desfile de moda en 3D meses antes de que llegara la pandemia. Estaba intrigada por la animación realista en 3D que comenzó a aparecer en las películas y tenía curiosidad sobre cómo podría aplicar esto a la moda.

Hace tres años, contrató a un desarrollador que trabaja con CAD y software de animación para ayudarla con su trabajo de diseño.

Durante la pandemia, descubrió que tenía más tiempo para jugar con la tecnología, especialmente porque tenía que hacer sesiones de fotos de forma remota. Esto le dio la idea de crear un desfile de moda 3D completo.
Era más fácil decirlo que hacerlo. Tenía que tomar cada una de las prendas que había diseñado para su colección Pink Label Congo y transformarlas en una imagen en 3D, que luego tenía que ajustarse al cuerpo de un avatar. Y resulta que debes ser tan preciso sobre el ajuste de las prendas cuando las usa un avatar como lo eres con un modelo real. Mvuemba dice que si la prenda no se adaptara perfectamente al avatar, se deslizaría mientras estaba en movimiento. «Fue increíblemente minucioso», dice ella.
La tecnología ha sido una parte clave del proceso de Mvuemba desde que lanzó Hanifa en 2012, y gran parte de su fascinación por ella proviene de la necesidad. Los padres de Mvuemba emigraron al área de Washington, D.C., cuando tenía tres años y querían que siguiera una carrera estable y lucrativa, como la ley o la medicina. No aprobaron su decisión de convertirse en diseñadora, por lo que en lugar de ir a la escuela de moda, fue a la Morgan State University en Baltimore, donde tomó algunas clases de moda. (Ella les dijo a sus padres que estaba obteniendo un título en negocios).

En la universidad, aprendió a coser a una tía, usando telas compradas en tiendas de artesanías como Jo-Ann Fabrics. Una vez, cuando no tenía dinero para un vestido de fiesta, diseñó y cosió uno desde cero. Sus amigos pensaron que era tan hermoso que le preguntaron si podían pagarle para que hiciera uno de su tamaño. Y nació Hanifa.
Con sede en Maryland, lejos del centro de la moda de Nueva York, Mvuemba tuvo que descubrir cómo hacer crecer su negocio por su cuenta. Instagram acababa de lanzarse, y vio el potencial de la plataforma para ayudar a construir una audiencia. «Me di cuenta de que cada imagen que hice tenía que verse bien en Instagram», dice ella. «Si pudiera hacer que a una persona le gustara la imagen, se compartiría con todos sus amigos».

Los guardianes de la moda

En los últimos ocho años, Mvuemba ha hecho crecer su marca directa al consumidor por completo a través de las redes sociales y sin una presencia física. (Estaba a punto de abrir su primera tienda en Baltimore este año, pero esos planes se han suspendido debido a la pandemia). Y nunca ha tenido un desfile real. «Creo que es difícil para muchos diseñadores negros lograrlo en el sistema», dice ella. “Para lograrlo, debes conocer a las personas adecuadas y estar en los lugares correctos. Decidí hacer las cosas a mi manera «.
Pero a pesar de que Mvuemba no ha seguido el libro de jugadas estándar, al mantener sus gastos generales bajos, necesitaba mucho menos capital para crecer. A través de las redes sociales, llamó la atención de las celebridades que usaron sus atuendos en la alfombra roja, ayudándola a llegar a un público más amplio. Y el año pasado, Teen Vogue la seleccionó para un programa de tutoría llamado Generation Next que ayuda a los jóvenes diseñadores a conectarse con expertos de la industria. El programa iba a ayudar a Mvuemba a lanzar su primer desfile de la semana de la moda en febrero, pero debido a la pandemia, la Semana de la Moda de Nueva York se canceló por completo. El desfile de modas en 3D de Mvuemba le permitió cambiar rápidamente la situación. Se hizo un chapoteo en los medios de comunicación. «Quería que sucediera en tiempo real, para que los espectadores pudieran experimentarlo como lo harían en un desfile de moda real», dice Mvuemba. «Si estuvieras allí, estarías allí».
Cuando se trataba de sus fanáticos, muchos pensaban que el programa era innovador y emocionante de ver, pero algunos tenían dudas. Algunos señalaron que Mvuemba se encuentra entre un pequeño grupo de diseñadores que utilizan casi exclusivamente modelos negros. La transición a programas en 3D podría hacerla menos propensa a tocar estos modelos en el futuro. Si bien señala que es una «preocupación válida», dice que nunca «usará exclusivamente la tecnología para reemplazar a las personas». Me gusta demasiado trabajar con modelos reales «.

Referencias

https://oceandrive.com.ve/moda/anifa-mvuemba-cambio-la-forma-de-ver-la-moda-con-un-desfile-tridimensional/

http://www.inbogamagazinec.com/anifa-mvuemba-desfile-moda-sin-modelos/

https://lacalletv.com/fashion/desfile-virtual-de-anifa-mvuemba-moda/

https://www.fastcompany.com/90513959/hanifas-virtual-3d-fashion-show-is-haunting-beautiful-and-brilliantly-executed

https://www.harpersbazaar.com/fashion/fashion-week/a32650985/hanifa-3d-models-anifa-mvuemba-instagram/

https://www.vogue.co.uk/fashion/article/hanifa-anifa-mvuemba-digital-fashion-show

https://www.teenvogue.com/story/hanifa-teen-vogue-generation-next

Los museos más grandes del mundo exhiben obras artísticas online

Museo del Prado

Los museos más grandes del mundo han protegido y resguardo las obras y testimonios artísticos durante siglos. En la actualidad, los museos más importantes de la historia de la humanidad han digitalizado sus colecciones para darle la oportunidad a millones de internautas de visitarlos virtualmente y disfrutar las obras de arte que transformaron la historia con solo tener acceso a internet y hacer clic.

El museo del Prado de Madrid

Museo del Prado
Museo del Prado de Madrid. www.muyinteresante.es

El Museo Nacional del Prado, es el más importante de España. Con dos siglos de historia, reúne la colección de arte español más grande del mundo. Tiene resguardadas las mejores obras de grandes pintores como Francisco Goya, Diego Velázquez y Pablo Picaso.

Hasta ahora, el museo cuenta con más de 18 mil obras digitalizadas. Este insigne museo español permitirle al público un acceso exclusivo a su extensa galería; además ofrece una opción de visita para niños en la que conocerán anécdotas, historias y curiosidades de diferentes obras de la pinacoteca más grande de España. También brinda la posibilidad a los internautas de hacer una visita a través de videos de las obras comentadas del Bosco, Goya, Murillo, Velázquez; Tiziano, o Maderuelo.

Museo de Louvre en París

Museo de Louvre
Museo de Louvre en París. www.muyinteresante.es

El Musée du Louvre es más icónico de París, después de la Torre Eiffel por su estructura piramidal y por albergar a la gran obra del maestro Leonardo Da Vinci, La Mona Lisa o Giocona.

El museo cuenta con varios tours online que permiten al usuario descubrir las maravillas sobre el Antiguo Egipto, las momias y faraones que marcaron esta civilización, así como obras del mundo medieval o en la maravilla de la pintura y escultura de Da Vinci y los genios del Renacimiento. Su colección también cuenta con una sala dedicada exclusivamente a Claude Monet que resulta ser una gran atracción para los amantes del arte. Cabe destacar que, dentro de su colección permanente, alberga el increíble trabajo del artista venezolano Elías Crespín.

Sus collecciones pueden ser vistas por separado en su página web, así como videos clasificados por temática que resultan increíbles.

El Rijksmuseum de Ámsterdam

Rijksmuseum
Rijksmuseum de Ámsterdam. Fuente: www.viator.com

El Rijksmuseum es el más importante de todo el Reino de los Países Bajos. Cuenta con una colección digitalizada de 210 mil obras de arte entre las cuales se incluyen piezas maestras, que reúne lo mejor del siglo de oro de la pintura holandesa.

El museo, desde hace dos años, ofrece una  excepcional oportunidad para disfrutar de obras de grandes maestros del arte como Rembrandt, Vermeer, Lucas van Leyden, Judith Leyster, que engalanan cada una de sus salas. Asimismo, tiene una serie de programas increíbles de educación en su página web.

La National Gallery de Londres

National Gallery
National Gallery de Londres

La  Galería Nacional (National Gallery) es el principal museo de arte de Londres. Es una de las pinacotecas más importantes del mundo. Su colección incluye más de 2300 pinturas extraordinarias de grandes artistas como  Rembrandt, Tiziano, Velázquez, Monet, Van Gogh y Miguel Ángel.  En su recorrido virtual, hecho de la mano con Google Street View, se puede visitar varias de sus exposiciones permanentes.

Mediante la plataforma digital, Google Culture se puede acceder a una selección de obras y biografías disponibles en la web.

El Metropolitan Museum of Art de Nueva York

Metropolitan Museum of Art
Metropolitan Museum of Art de Nueva York. Fuente: masdearte.com

El Museo Metropolitano de Arte ha puesto a disposición del público un total de 393.792 piezas convenientemente digitalizadas. Su colección es una de las más grandes del mundo, ya que incluye más de 500 piezas de Rafael, Picasso, Rembrandt, Velázques, decenas de cuadros de Monet, Van Gogh y Degas y, por supuesto, fotografías del imperio azteca, la cultura egipcia, caligrafía china o material de la India.

El museo ofrece una oportunidad única para disfrutar de algunas de las obras de arte más importantes del mundo de forma gratuita a través de su página en internet. Asimismo, se pueden apreciar las fotos que han sido publicadas en Alta Definición, las cuales tienen, al menos, un tamaño de diez megapíxeles.

Los Museos del Vaticano

Museo del Vaticano
Museo del Vaticano. Fuente: www.eluniverso.com

Los Museos del Vaticano cuentan con una de las colecciones de arte más impresionantes del mundo expuestas en diferentes salas.  Los 12 museos alojados dentro del Vaticano ofrecen la oportunidad a sus visitantes de hacer un recorrido virtual. En esta ocasión, el usuario puede tomar su tiempo para apreciar cada detalle de los espectaculares frescos que aquí se encuentran. Las obras artísticas como las de Perugino, Ghirlandaio, Botticelli, Cosimo Roselli y por supuesto, Miguel Ángel, son algunos de los grandes nombres que firman las obras de su interior. Siendo una de las más famosas La creación de Adán de Miguel Ángel, pintada en 1508.

La Capilla Sixtina del Palacio Apostólico, es la más icónica del Vaticano por su techo decorado por La creación de Adán, la famosa obra  de Miguel Ángel. Por otra parte, se exhiben esculturas como el Hércules del Teatro de Pompeya, Laocoonte y sus hijos de la que fue la Domus Aurea de Nerón o el Augusto de Prima Porta también se encuentran en la colección. La página web de los Museos Vaticanos ofrece a través de su menú “Colecciones” información de cada pieza en la que se detalla el autor, el año de creación y de encuentro, su ubicación original y una descripción de la obra.

Capilla Sixtina
Techo de la Capilla Sixtina. Fuente: viajes.nationalgeographic.com.es

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/nos-vamos-al-museo-4-museos-increibles-que-puedes-disfrutar-online/

https://vanguardia.com.mx/articulo/en-esta-cuarentena-visita-virtualmente-los-grandes-museos-del-mundo

https://www.expansion.com/economia-digital/2017/08/17/59949c54e5fdeaa7728b467a.html

https://www.creativosonline.org/blog/210-000-obras-de-arte-gratuitas-digitalizadas-por-rijksmuseum.html

https://travesiasdigital.com/noticias/galerias-de-arte-que-ofrecen-tours-virtuales

https://www.xatakamovil.com/conectividad/el-museo-metropolitano-de-arte-digitaliza-393-792-piezas

https://es.wikipedia.org/wiki/Museo_Metropolitano_de_Arte

https://www.admexico.mx/estilo-de-vida/cultura/articulos/capilla-sixtina-descubre-los-secretos-de-este-iconico-lugar-en-este-recorrido-virtual/6680

https://viajes.nationalgeographic.com.es/lifestyle/museos-mundo-visita-virtual_13248/6

New Look, la icónica chaqueta Bar de Christian Dior

New Look

New Look, la chaqueta Bar de Christian Dior, es la prenda de vestir más icónica de la moda, creada como parte de su primera colección en 1947. En la Europa de la post-guerra semejante dispendio de femineidad, opulencia y derroche de metros de tela, se consideró como el boom de la moda.

El modelo se ha actualizado de una colección tras otra, durante 73 años. Esta prenda icónica sique entallando la figura de las mujeres a través del tiempo, reclamando la sensualidad y el espíritu visionario de su creador.

New Look es la chaqueta que dio la vuelta al mundo

La chaqueta Bar cumplió 73 años, el pasado 12 de febrero, y continua siendo esa obra textil que revolucionó la moda en 1947. Esta prenda fue presentada en el primer desfile por el famoso modisto, Christian Dior. Aquel traje de chaqueta entallada y falda corolle, logró romper los moldes de la época. Fue bautizada por la redactora jefa de Harper’s Bazaar, Carmel Snow, la entonces directora de la revista Harper´s Bazaar, que dio nombre a la colección al comentar asombrada “It´s a New Look”.

El modelo New Look dio la vuelta al mundo y apareció en todas los medios y devolvió la sensualidad y la seducción a la silueta femenina tras los años oscuros de la guerra. Asimismo, el New Look recuperaba una silueta con cintura de avispa, busto alto y prominente, hombros estrechos, faldas largas que se elevaban a tan sólo 30 centímetros del suelo, caderas redondeadas.

New Look
La chaqueta Bar, el modelo icónico de Christian Dior

La chaqueta Bar ha permanecido durante 73 años

El traje Bar devolvió la femineidad al cuerpo de las mujeres. Con este diseño, monsieur Dior sorprendió al mundo con esta prenda. Todos los directores creativos que han confeccionado para la maison la han actualizado en sus colecciones, a través de los años. Desde Marc Boham a Maria Grazia, el traje Bar ha trascendido de su versión original y visionaria, conviertiéndose en uno de los iconos de moda más reconocidos en todo el mundo.

La chaqueta Bar en sus versiones inolvidables

Las versiones más emblemáticas de la chaqueta Bar, se remonta desde la ligereza de Marc Boham, hasta aquellos modelos de los años ochenta deFerré. John Galliano otorgó a la mítica prenda,  la fantasía arrolladora añadiendo inspiraciones exóticas en cada temporada. Luego de 73 años, la chaqueta Bar permanece con la imaginación de Maria Grazia Chiuri, quien la ha revivido una vez más.

El traje Bar, un icono de la Casa Dior

La chaqueta Bar es un diseño que se caracteriza por tener una cintura que esculpe la silueta femenina, con el pecho erguido, los hombros suaves y las caderas redondeadas. El traje Bar moldea la figura, hace que su portadora se adaptarse a ella, convirtiéndose en algo nuevo. Es por eso que en su origen fue bautizada por la redactora jefa de Harper’s Bazaar, Carmel Snow, como parte del  «New Look».

Actualmente, la chaqueta Bar es un clásico icono de la Casa Dior, la cual ha sido un objeto deseado e idolatrado por sus admiradoras. La misma ha sido estudiada de cerca, ya que sus patrones resultan complicados, debido a que es una fusión entre una chaqueta y un corsé.

El traje Bar va muy ajustado al cuerpo, con talla muy estrecha, hombros que sientan a la perfección y una cintura ceñida que se remarca en las caderas.

Christian Dior ha creado decenas de reinterpretaciones de la chaqueta Bar, especialmente, el diseño de  John Galliano, y que al a día de hoy es uno de los iconos más reconocibles de la maison.

New Look
La chaqueta Bar de Christian Dior. Fuente: www.telva.com

New Look fue la prenda estrella de la colección Crucero 2020.

En 2019, la chaqueta Bar, fue la prenda estrella de la colección Crucero 2020 de la maison. El 12 de febrero de 1947, fue el día en que un joven diseñador llamado Christian Dior enseñaba a París cómo quería que fuese la moda femenina de su época, a través de su colección Corolle, rebautizada como New Look.

Carmel Snow, directora de Harper’s Bazaar, pronunció aquello de: «¡It’s a New Look!»). Ese día se presentó el traje Bar, el cual consistía en un conjunto de chaqueta estructurada y falda midi, siendo una tendencia de la moda, que ha permanecido hasta hoy en día, a manos de Maria Grazia Chiuri,quien lleva la batuta en la maison.

La diseñadora italiana, ha hecho resurgir la chaqueta Bar para convertirla de nuevo en tendencia en su último desfile, en ocasión de la presentación de la colección Crucero 2020, recientemente presentada en Marrakech.

Para su colección Cruise 2020, Maria Grazia ha colaborado con la diseñadora afroamenricana Grace Wales Bonner, ganadora del Premio LVMH, y la artista Mickalene Thomas, para reinterpretar la icónica chaqueta Bar de Christian Dior.

En cuanto a la colección, se trata de un homenaje a la cultura africana, en la que presenta prendas con estampados de bestiario, jacquards, colores cremas y ocres, tejidos como la seda ecru y el shantung, que confirma que esos parajes, exóticos desde el punto de vista parisino, han sido un motivo común a lo largo de las colecciones de la maison.

El traje Bar consta de una chaqueta estructurada, elegante y femenina y los conjuntos que protagoniza son siempre tendencia en todo el mundo.

Referencias

https://www.telva.com/moda/noticias/album/2020/02/12/5e4450d902136ea0898b4632.html

https://elvestidorconde.blogspot.com/2011/11/la-chaqueta-bar-un-icono-de-dior.html

https://www.glamour.es/moda/tendencias/articulos/dior-chaqueta-bar-tendencia/42805

https://www.vogue.es/moda/news/articulos/dior-chaqueta-bar-maria-grazia-chiuri-coleccion-crucero/40230

https://museosenfemenino.es/museo_traje/cuerpos-modelables/traje-bar-christian-dior

Alexander McQueen, el enfant terrible

Alexander McQueen

Lee Alexander McQueen (1969- 2010) fue un modisto de moda inglés, conocido como enfant terrible ocupó el cargo de  diseñador jefe en Givenchy  y creó su propio sello, Alexander McQueen.  Fue galardonado con cuatro premios de la Moda Británica en 1996, 1997, 2001 y 2003 así como el premio al Diseñador Internacional del Año del Consejo de Diseñadores de Moda de América (CFDA) en 2003.

Sus primeros años

Lee Alexander McQueen, nació en el East End de Londres, siendo el hijo menor seis hermanos. Su padre, taxista y su madre, Joyce, se dedicaba al cuidado de su hogar y era profesora de genealogía. Desde niño comenzó a diseñar ropa para sus tres hermanas.

El joven modisto dejó los estudios en 1985, a los dieciséis años, y comenzó a trabajar como aprendiz para los sastres Anderson & Sheppard de la calle Savile Row. Posteriormente, trabajó para Gieves & Hawkes, Romeo Gigli y Koji Tatsuno.

En 1994, Alexander McQueen se graduó en la prestigiosa escuela St. Martins College of Art & Design, ubicada en Londres.

Alexander McQueen creó su firma homónima

Finalmente, creó su propia marca en East London y sus diseños lo llevaron a ser reconocido en los tabloides británicos, respaldado por figuras destacas de la moda como su mentora, la estilista Isabella Blow.

Alexander McQueen
Alexander McQueen acompañado de las supermodelos Naomi Campbell y Kate Moss en el show de modas en Londres, el 03 June, 2004. Fuente: www.telva.com

Su trayectoria en el mundo del diseño

Alexander McQueen presentó su primera colección con el nombre de Taxi Driver en el desfile otoño-invierno 1993-1994.

En octubre de 1996, McQueen ganó el premio al mejor diseñador del año. Seguidamente, Alexander McQueen estuvo frente del equipo de diseño como director creativo de la casa Givenchy.

Para el año 1997, Alexander McQueen creó colecciones para Givenchy y para su marca homónima. Ese mismo año, McQueen recibió el premio al mejor diseñador británico del año, junto con John Galliano.

En diciembre de 2000, la marca Gucci absorbió la firma Alexander McQueen. En el verano de ese mismo año, McQueen se casó con el cineasta George Forsyth y un año después, la relación terminó.

El enfant terrible fue condecorado por la reina Isabel II, recibiendo el título de Comandante de la Orden del Imperio británico, en 2003.

En 2003 lanzó al mercado su primera fragancia, Kingdom y su colección de ropa masculina hecha a medida, la cual fue promovida por la sastrería Huntsman de Savile Row.

Alexander McQueen presentó su primera colección prêt-à-porter masculina en la pasarela de Milán, en el año 2004.

Seguidamente, sus colecciones fueron exhibidas en las pasarelas en la Semana de la moda de París.

Su estilo

Alexander McQueen fue uno de los diseñadores más influyentes de la llamada moda salvaje, debido a sus oscuros diseños. Su estilo expresaba su sensiblidad con una estética gótica pero magistral y llena de belleza. Estas cualidades poseían una feminidad que llegaron a seducir a celebridades y supermodelos como Kate Moss, Björk y Naomi Campbell.

La creatividad transgresora y maestría en la confección, llevaron al enfant terrible a convertirse en uno de los más grandes diseñadores en la historia de la moda.

Su muerte

El 11 de febrero de 2010, Alexander McQueen fue encontrado muerto en su domicilio londinense a los 40 años de edad.​ La autopsia confirmó que el diseñador se ahorcó después de haber consumido cocaína, somníferos y tranquilizantes. McQueen sufría depresión por la muerte de su madre, ocurrida el 2 de febrero del 2010.

Su Legado

Actualmente, Sarah Burton, quien fue su asistente personal y mano derecha durante doce años, está al frente de su firma Alexander McQueen.

La firma cuenta con cientos de tiendas en las ciudades más importantes del mundo.

Datos claves del enfant terrible

El legado de Alexander McQueen y su inimitable visión de la moda se describen en los siguientes datos que son claves que resumen su vida:

Aficiones de su infancia

Desde niño, Alexander era aficionado a las aves; lo que lo condujo a ser miembro de un club de ornitología y la moda. Las plumas de aves fueron un tema recurrente en todas sus colecciones.

Era una persona evasiva

A pesar de estar rodeado por el éxito y la fama, McQueen se negaba a dar entrevistas y a salir en la prensa.

Sus desfiles eran mágicos

El modisto británico expresaba sus traumas y su dolor en sus colecciones, con una estética gótica que nos recuerda a los cuentos de los hermanos Grimm.

McQueen en su desfile de temporada mostró en un desfile un holograma de la top británica, Kate Moss entre volantes de gasa, en una de las escenas más emotivas de la historia de la moda.

Sarah Jessica Parker fue su musa

Sarah Jessica Parker se presentó en la gala MET, luciendo vestidos de tartán creados por Alexander McQueen.

Alexander McQueen
Alexander McQueen y Sarah Jessica Parker en la gala MET. Fuente: www.telva.com

El trágico final de un genio creativo

Alexander McQueen se suicidó en su propia casa de Green Street, tras la muerte de su madre el 11 de febrero de 2010 a los 40 años de edad. El modisto tomó una cantidad importante de cocaína y pastillas y se ahorcó en su piso de Mayfair.

El cortejo fúnebre

A su funeral asistieron celebrities como Kate Moss, Naomi Campbell o Anne Wintour.

Su asistente dirige la casa Alexander McQueen

La asistente personal del modisto británico, Sarah Burton quedó al frente de la casa de moda, Alexander McQueen.

Sarah Burton le ha dado continuidad al legado del enfant terrible de la moda, alcanzando grandes logros y se convirtió en la modista de cabecera de Kate Middleton.

Referencias

https://es.wikipedia.org/wiki/Alexander_McQueen

https://www.vogue.es/moda/modapedia/disenadores/lee-alexander-mc-queen/162

https://www.telva.com/moda/noticias/2020/02/11/5e428d0c02136e607a8b45fe.html

 

Stella McCartney, la icónica soberana de la moda sostenible

Stella McCartney

Stella McCartney es una diseñadora de modas británica, considerada como una referencia de la moda sostenible.

Su niñez e infancia

Stella Nina McCartney  nació en Londres el 13 de septiembre de 1971, y es la segunda hija del exintegrante de la banda de rock The Beatles, Sir Paul McCartney y su esposa Linda Eastman.

Durante su niñez, la hija de Paul McCartney recorrió el mundo con sus padres y su grupo pop Wings, junto con sus hermanos: Mary, James y su media hermana Heather.

Stella y sus hermanos asistieron a varias escuelas públicas locales en East Sussex, debido a que fue víctima de acoso escolar.

Stella McCartney
Stella McCartney junto a su padre Sir Paul McCartney. Fuente: grazia.mx

Su trayectoria profesional

Stella McCartney incursionó en el diseño de modas a los 13 años, cuando confeccionó su primera chaqueta. La joven diseñadora ingresó en Christian Lacroix, donde creó su primera colección de moda y perfeccionó sus habilidades en Savile Row.

Estudió diseño de moda en Central Saint Martins College of Art and Design en 1995. Para su graduación, Stella presentó su colección e invitó a sus amigas las supermodelos Naomi Campbell, Yasmin Le Bon y Kate Moss para desfilar ad honorem.

Su paso por Gucci y Chloé

En marzo de 1997, McCartney comenzó a trabajar con la casa parisina de moda Chloé, con la ayuda por el entonces director, Karl Lagerfeld. Dos años después, fue nombrada directora creativa de la marca y logró que las ventas se multiplicaran.

Para el año 2001, firmó un contrato con el grupo Gucci y creó su firma Stella McCartney, financiada por la marca en un 50%. La modista inauguró su tienda en Nueva York, en 2002.

Stella McCartney
Stella McCartney. Fuente: www.telva.com

Sus colecciones y emprendimientos

Las colecciones Stella McCartney incluyen fragancias, líneas de belleza, gafas de sol, accesorios y su serie de diseños ready-to-wear.

La modista británica inaugura su tienda de Nueva York. En 2004, Stella lanza su primera colaboración con la firma de ropa deportiva Adidas y crea líneas para la práctica de yoga, jogging, tenis, natación, danza, golf y deportes de invierno. Y para el 2006, la diseñadora crea una línea completa de accesorios.

En 2007, la diseñadora lanza, una línea de cosméticos denominada, Care by Stella McCartney, una línea de cuidado para la piel orgánica de lujo que contiene activos 100% orgánicos. Esta línea es el resultado de tres años de trabajo junto a YSL Beaute.. Ese mismo año recibe el premio a la mejor diseñadora del año en los British Fashion Awards y lanza su línea de prendas orgánicas.

Asimismo, lanza al mercado en 2008, una nueva colección de lencería, así como una colección limitada de viaje junto a LeSportsac. Y en 2009, diseña una colección en edición limitada para el portal Net-a-Porter y otra serie de diseños para GapKids y BabyGap.

Para el año 2010, creó  una colección de joyería inspirada en Alicia en el País de las Maravillas.

En 2014, inaugura su primera tienda en Madrid y presenta su primera colección masculina, en 2016.

El 19 de mayo de 2018, Stella McCartney diseñó el vestido de novia de Meghan, Duquesa de Sussex esposa del princípe Enrique. El vestido tuvo un valor de 150.000 dólares con su velo de 4,5 metros de largo. Desde la diseñadora vistió la Duquesa en varias ocasiones.

Stella McCartney
Colección We Are The Weather de Stella McCartney. Fuente: www.telva.com

Stella McCarney y LVMH incita a la moda sostenible

En 2019, Stella McCartney, en alianza con el grupo francés LVMH, ha impulsado la  moda sostenible, siendo uno de los valores que la ha convertido en líder en este tipo de moda. Con esta unión, Stella McCartney tiene una importante participación en su marca, impulsando valores que se continuarán desarrollando y que son importantes para todo el conglomerado.

Los valores sostenibles continúan intactos en la firma, siguiendo una línea ética que ya forma parte del ADN de la hija de Paul McCartney y que LVMH ha considerado importantísimos.

Estos valores involucran una moda más ética que busca concientizar a las firmas y a los compradores, siendo McCartney la asesora especial en materia de sostenibilidad.

La firma Stella McCartney es líder mundial en la moda sostenible, la cual ha interesado a LVMH, ya que también la considera un lujo.

Stella McCartney en defensa de los animales

En sus creaciones, Stella deja expresa su postura en la defensa de los animales, ante la negativa rotunda frente al uso de pieles o cuero en sus diseños.

Vida personal

El 30 de agosto de 2003, Stella se casó con el editor británico Alasdhair Willis, con quien tuvo cuatro hijos,llamados Miller Alasdhair James Willis, Linda Olwyn Willis, Beckett Robert Lee Willis y Reiley Dilys Stella Willis.

Stella es vegetariana estricta y no utiliza pieles en sus diseños. Asimismo, apoya a la organización Personas por el Trato Ético de los Animales (PETA por sus siglas en inglés, People for the Ethical Treatment of Animals).

La diseñadora cuenta entre sus amigas a la reina del pop Madonna, así como, las actrices Gwyneth Paltrow, Kate Moss y Scarlett Johansson, quienes también fueron sus musas. También es miembro de la Royal British Legion.

Referencias

https://es.wikipedia.org/wiki/Stella_McCartney

https://www.telva.com/moda/noticias/2020/02/11/5e4284ac01a2f181398b45c8.html

https://www.vogue.es/moda/modapedia/disenadores/stella-mc-cartney/191

https://www.telva.com/moda/noticias/2019/08/17/5d56c89f01a2f1aa6f8b4591.html

https://www.marie-claire.es/moda/wikimoda/diccionario/wiki/termino/stella-mccartney

https://www.lavanguardia.com/gente/20060929/51285381146/stella-mccartney-reina-de-la-moda.html

 

 

La Atlántida de Platón fue la última colección de Alexander McQueen

La Atlántida de Platón

Inspirado en la historia de la Atlántida contada por Platón, Alexander McQueen diseñó una colección llena de colores brillantes y patrones que lucen como criaturas con vidas propias.

Una colección viviente

La colección se trata de una visión muy innovadora y modernista presentada por el diseñador Alexander McQueen ante el público. Con estampados que parecen sacados de un cuento de fantasía, cada prenda parece tener vida propia.

Además de colores marinos, el diseñador utilizó también colores muy terrenales como el verde y el marrón, lo que hace la alusión de que Atlántida es la mezcla perfecta entre dos mundos: océano y tierra. Cada detalle de la colección se transformaron en una tendencia. El estilismo de sus modelos se asemejaba a las aletas principales de los peces.

La Atlántida de Platón
Fuente: oceandrive.com.ve

La Atlántida de Alexander McQueen

La industria de la moda siempre ha utilizado diversas leyendas urbanas, historias ancestrales y mitos legendarios para inspirarse en la creación de nuevos diseños. Sin embargo, la evolución del ser humano, ha sido sólo algunos de los conceptos que podemos ver en algunos de los grandes show que montan las pasarelas. Un ejemplo de ello es la colección La Atlántida de Platón (Plato’s Atlantis), presentada por el diseñador Alexander McQueen, la cual ha sido una gran fuente de inspiración para la literatura, los cómics e incluso la moda.

En el mundo de la moda, la última colección de Alexander McQueen antes de fallecer, fue la pieza de Primavera/Verano 2010 de la marca.

Para esta colección, McQueen se inspiró en lo que más le apasionaba: La naturaleza. El diseñador utiliza a la mítica ciudad de Atlantis como el resurgimiento de una cultura, dándole su lugar de civilización superior; así como el concepto general de lo que fue la evolución del hombre.

En el desfile, las modelos portaban prendas con un estilo andrógino, con textiles que comenzaron con una gama de colores como café y verde, texturas de serpiente y rugosas, que evolucionó a una gama de azul, que representa la belleza del agua, platas y hologramas.

 

La Atlántida de Platón
Fuente: oceandrive.com.ve

A las modelos, el maquillaje y los peinados las hacían parecer como reptiles de semblante furioso o de alienígena, como venido de otro mundo.

Los tacones de los zapatos fse inspiraron en el diseño en 3D de H.R. Giger, miembro del equipo de efectos especiales para la película ‘Alien’. Esto se debe a que las prendas se inspiraron en la ciencia ficción.

La Atlántida de Platón
Fuente: obsidiana-blog.com

Alexander McQueen mostró un desfile futurista a través de Facebook

La Atlántida de Platón fue la última colección que Alexander McQueen sus exóticas creaciones de la temporada primavera verano 2010, en la semana de la moda de Paris. El desfile fue presentado a través de Facebook, en un video de durante 24 horas de transmisión.

Allí se mostraron vestidos con estampados orgánicos, marinos y otros confeccionados con materiales extravagantes. Asimismo, los raros peinados espaciales y los zapatos con tacos y plataformas fueron los más llamativos del desfile. Como telón de fondo, se empleó una pantalla gigante donde se veía un filme que con imágenes de un paisaje similar a la obra ‘Veinte mil leguas de viaje submarino’, de Julio Verne.

Los desfiles se presentaron a través de las redes sociales, convirtiéndose en una tendencia. Las casas de moda como Louis Vuitton, Burberry y Giorgio Armani, lanzaron de la misma forma sus colecciones para la temporada primavera verano 2010 en Francia, Londres y Milán, respectivamente.

Alexander McQueen revolucionó la industria de la moda

Alexander McQueen fue un diseñador de moda inglés, considerado uno de los grandes genios de la industria.

Nació en el East End de Londres, el 17 de marzo de 1969, bajo el nombre de Lee Alexander McQueen. Es conocido por trabajar como diseñador jefe en Givenchy desde 1996 hasta 2001, así como por ser el fundador de su propia marca, Alexander McQueen.

Alexander McQueen
Alexander McQueen. Fuente: www.harpersbazaar.com

Graduado en diseño por la escuela St. Martins de Londres, McQueen comenzó a ser aclamado por el público tras crear su firma homónima. Las Celebrities, modelos e it girls más aclamadas de la época cayeron rendidas a sus diseños y complementos. Su éxito lo llevó a ganar el Premio a Diseñador Británico del Año en cuatro ocasiones, a saber: en 1996, 1997, 2001 y 2003. Asimismo, recibió el galardón al Diseñador Internacional del Año que otorga el Consejo de Diseñadores de Moda de América en 2003 y además, fue nombrado Caballero de la Orden del Imperio Británico.

El 11 de febrero de 2010, fue encontrado muerto en su domicilio a los 40 años de edad, tras haberse suicidado. McQueen tenía problemas con las drogas y desórdenes emocionales que lo llevaron a quitarse la vida ahorcándose en su cuarto.

El nombre de Alexander McQueen ha quedado en nuestras mentes como uno de los genios más grandes de la historia de la moda.

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/en-imagenes-la-atlantida-de-platon-la-ultima-coleccion-que-alexander-mcqueen-hizo-antes-de-morir/

https://obsidiana-blog.com/cultura/alexander_mcqueen_atlantis/

https://www.lanacion.com.ar/moda-y-belleza/alexander-mcqueen-mostro-un-desfile-futurista-por-facebook-nid1183609

Jean-Paul Gaultier y sus diseños más icónicos

Jean-Paul Gaultier

Jean-Paul Gaultier, diseñador de moda de alta costura, ha creado durante su trayectoria diseños vanguardistas que han estado fuera de lo común. Tras el último desfile dirigido por Paul Gaultier, conocido en la industria textil como el L’enfant terrible de la moda francesa, quien se retiró de las pasarelas tras 50 años de trayectoria. Este diseñador logró trascender dentro del mundo de la moda y que, además, dejó huellas imborrables durante su recorrido, con sus innovaciones y creaciones controversiales. A continuación, presentamos algunos de sus diseños más icónicos.

El Jersey Marinero

El Jersey Marinero
El Jersey Marinero de _jean Paul Gautier. Fuente: oceandrive.com.ve

Inspirada en su ropa de su infancia, la camiseta marinera se impuso en el mundo de Jean Paul Gautier. Las camisetas de rayas en blanco, azul y rojo con motivos de anclas y otros elementos relacionados con los barcos, han sido uno de los componentes básicos de un estilo que cada verano vuelve a los armarios. En la película Querelle, Rainer Fassbinder escenifica la figura del “Male” (el hombre), tal como Gaultier se la representa, hasta convertirse en la imagen de sus perfumes.

Jean Paul Gautier fuera los tabúes

Jean-Paul Gaultier
Jean Paul crítico de los clichés indumentarios relacionados con el sexo. Fuente: oceandrive.com.ve

Jean Paul siempre ha ido en contra de la sociedad y lo tradicional, crítico de los clichés indumentarios relacionados con el sexo. En ocasión de su colección Y Dios creó al hombre en 1984, Gautier presentó al público la falda para hombre. Esta prenda de efecto óptico, consta de un pantalón de piernas muy anchas, con un faldón plegable en la parte delantera. De acuerdo a su criterio, “un hombre no lleva su masculinidad en la ropa, su virilidad está en la mente”, expuso. Su talento para jugar con los roles de género queda de manifiesto cuando viste al hombre con estampados escoceses, que se inspira en la prenda más típica de Escocia e Irlanda (una falda que visten los hombres).

Madonna, su musa del corsé cónico

Madonna
Madonna en el Blond Ambition Tour. Fuente: oceandrive.com.ve

Inspirado en un  un corsé de su abuela, Gaultier adquirió “bustiers” con la copa de los pechos cónica y las decoró con cruces militares. Esta prenda se hizo popular cuando el diseñador creó aquel corpiño de conos en el pecho  de color dorado brillante, el cual marcó el concierto de Madonna en el Blond Ambition Tour, a principios de los años 90. La misma se convirtió en la prenda emblemática de las colecciones de Gautier, con versiones en todos los modelos y confecciones.

Jean Paul y Madonna volvieron a unirse en 1991  para la gala de moda a beneficio de AmfAR (la Fundación Americana para la investigación del SIDA), realizada en el Auditorio Shrine de Los Ángeles, todo organizado por el diseñador. El momento más inolvidable fue cuando la reina del pop apareció en la pasarela, causando furor tras quitarse la chaqueta para revelar una falda de talle alto y pechos desnudos enmarcados por un sujetador estilo arnés.

Jean Paul y lo andrógino

Jean-Paul Gaultier
Jean Paul Gautier y lo andrógino. Fuente: oceandrive.com.ve

Al final de la década de 1990, Jean Paul Gautier presentó su primer espectáculo de Alta Costura, teniendo como inspiración el Salon Atmosphere. El diseñador exhibió sus modelos de la sastrería andrógina, el corsé apretado y una mezcla de distinciones de moda “alta” y “baja” con su uso de dením y retazos.

Frida Kahlo, una inspiración vanguardista

Jean-Paul Gaultier
Modelo con un atuendo diseñado por Jean Paul Gautier inspirado por Frida Kahlo. Fuente: oceandrive.com.ve

La influencia de la pintora Frida Kahlo traspasó de la pintura para subirse a las pasarelas y llegar a nuestros armarios. Desde su muerte, Frida se ha convertido en una gran fuente de inspiración para muchos diseñadores. A finales de la década de los 90, Gaultier convirtió a Kahlo en su musa, al crear un vestido negro con tiras abrochadas en el pecho que hacía alusión en gran medida a la pintura de Kahlo de 1944.

En 1998, en el “Paris Fashion Week”, presentó una colección inspirada en Frida Kahlo, en la que todo el desfile tiene una ambientación mexicana, con diseños inspirados en los looks y pinturas de la artista.

‘Perchero que camina’

Jean-Paul Gaultier
Perchero que camina. Fuente: oceandrive.com.ve

El “perchero que camina” es una visión que Gaultier mostró  esta imagen en su show SS03, Flying Jackets Couture. Entre los trajes elegantes de sastrería convencionalmente e impactantes vestidos, había algunas opciones de ropa más inusuales: varias modelos, incluidas Naomi Campbell y Stella Tennant, literalmente representaban perchas llevando chaquetas de esmoquin en miniatura, camisas y jerseys breton con lentejuelas que se fijaban rígidamente como delantales.

Iconografía religiosa

Jean-Paul Gaultier
Iconografía religiosa de Jean Paul Gautier. Fuente: oceandrive.com.ve

Jean Paul reflejó con su espectáculo Couture PV07 Virgins, presentó piezas con suficientes halos para revestir una gran cantidad de santos pintados, así como una variedad de modelos que estuvieron vestidas para parecerse a estatuas llorosas con pequeñas dispersiones de lágrimas negras y rojas que caían de sus ojos.

Referencias

https://oceandrive.com.ve/moda/un-recorrido-por-la-trayectoria-de-jean-paul-gaultier-sus-disenos-mas-iconicos/

https://www.jeanpaulgaultier.com/es-ar/les-creations-mythiques/

https://www.marie-claire.es/moda/disenadores/fotos/fotos-gaultier-moda-paris/fotos-novia-gaultier-moda-paris-1855

https://culturacolectiva.com/moda/coleccion-jean-paul-gaultier-inspirada-frida-kahlo

 

Pre-Fall 2020, la nueva colección 2020 de Nicolas Ghesquière para Louis Vuitton

Pre-Fall 2020

Nicholas Ghesquière, el director artístico encargado de ropa femenina de Louis Vuitton, lanzó una campaña para presentar su nueva colección Pre-Fall 2020. La misma se exhibe con portadas de libros clásicos de terror, romance y ciencia ficción.

El diseñador se ha inspirado en el cine de ciencia ficción y de terror.

El diseñador es amante de la ciencia ficción  y admite abiertamente que los 80’s fueron su época fashionista. Es por ello que, conjuntamente con la fotógrafa neoyorquina, Collier Schorr, reconocida por sus retratos surrealistas, hicieron la dupla perfecta que le dio vida a la sesión de fotos al mejor estilo de BlockBuster.

Ghesquière, antes de publicar la colección, mostró en su Instagram un avance, siendo él parte del elenco de League of Legends. Cada una de las musas de los cuentos ficticios, forman parte de su propia historia y algunas, incluso trabajaron en conjunto con el diseñador para crear un mundo todavía más loco y personalizado.

Pre-Fall 2020
Pre-Fall 2020. Fuente: oceandrive.com.ve

Pre-Fall 2020 de Louis Vuitton

A principios de esta semana, Nicolas Ghesquière publicó un retrato de sí mismo y del jugador de League of Legends Senna en su cuenta de Instagram. Ha hecho a medida una «piel de prestigio» de Louis Vuitton en el juego para ella, así como una colección cápsula del mencionado videojuego para la marca. La realidad virtual es la próxima frontera de la moda, y Ghesquière concuerda no solo con su obsesión de ciencia ficción, sino también con la narrativa de viajes en el tiempo que ha convertido en una parte central de su narrativa de la marca. El futuro ya está aquí.

Ghesquière, antes del otoño incluyó en una serie de «colaboraciones» a sus musas: Jennifer Connelly, Sophie Turner, Léa Seydoux. Estas estrellas son estrellas de novelas de terror y ciencia ficción imaginadas. E ha encargado portadas de libros y posters, creando looks de Louis Vuitton para que los artistas los usen. El fotógrafo Collier Schorr tomó las imágenes y un equipo de cuatro artistas internacionales creó las ilustraciones que lo acompañan, con resultados que parecen intencionalmente, y bastante satisfactorios, retro y de baja fidelidad. Ghesquière dice que los conceptos de libros y películas llegaron primero y la ropa en segundo lugar.

“William Peter Blatty, quien escribió El exorcista, nos dio los derechos para imprimir la portada del libro. Comenzó allí ”, explicó. «Es un gran símbolo para mí usar una ficción e incorporarla a un atuendo. Pensé, ¿qué es lo contrario? Usar la ficción como ilustración de la moda. Es una especie de efecto espejo en esta acción de representarlos a todos en estos personajes diferentes «. La estrella del pop sueco Robyn, por ejemplo, le contó a Ghesquière sobre un sueño suyo en el que conoce a un tigre que habla. Voila: The Night Chaser, en el que usa una camisola de lentejuelas y una falda de cuero inspirada en el motocross. Las garras gigantes de gato morado se aferran a sus hombros desnudos.

Pre-Fall 2020
Pre-Fall 2020. Fuente: oceandrive.com.ve

Pre-Fall 2020 está protagonizada por las musas de Louis Vuitton

Las musas de Louis Vuitton son protagonistas en cada historia. El diseñador ha presentado junto a sus musas una colección pre-fall 2020 inspiradas en las películas de terror y ciencia ficción vintage. Se trata de una de las campañas más originales en las que el diseñador recluta a las grandes estrellas del cine y televisión como Sophie Turner, Emma Roberts, Chloë Grace Moretz, Alicia Vikander, Léa Seydoux, Jennifer Connelly y Jaden Smith, entre otras muchas celebrities. Con colores muy brillantes y estilos muy variados, la marca asegura un futuro muy moderno, inspirados en las prendas más clásicas.

Pre-Fall 2020
Pre-Fall 2020. Fuente: oceandrive.com.ve

Pre-Fall 2020 imagina una «biblioteca portátil» de novelas románticas

Nicolas Ghesquière, director artístico de ropa de mujer de Louis Vuitton , ha reclutado a los talentos de las muchas musas de la casa de moda para su campaña Pre-Fall 2020.

Las portadas de libros de temática romántica, de terror y de ciencia ficción ha sido la base de la campaña, con cada entrada en la «biblioteca portátil» en la que se combina con modelos como: Jaden Smith, quien protagoniza Lost Planet, Angelica Ross está encerrada en The Escape Room, Alicia Vikander se esconde en The Wicked Mirror y Billie Lourd y Cody Fern ocupan un lugar central en Secret Spell . Cada imagen vienen acompañadas de lemas o frases como: («¡Los muertos muerden!» «¿Adivina quién? ¡El pasado, ese es quién!»). Louis Vuitton tambien ha producido una camiseta especial estampada con la portada de El exorcista original de William Peter Blatty.

Pre-Fall 2020
Pre-Fall 2020. Fuente: oceandrive.com.ve

Pre-Fall 2020, un look de la colección Louis Vuitton.

Para Pre-Fall 2020, Nicolas Ghesquière imaginó una serie de musas de Louis Vuitton como protagonistas de películas de terror y novelas de ciencia ficción. El producto final es un lookbook de 24 páginas de carteles de películas y portadas de libros que recuerdan una sesión de fotos de » America’s Next Top Model «, de la mejor manera posible.

Lamentablemente, la rubia blanqueadora no participó en el divertido proyecto, pero es difícil no pensar en las portadas de novelas románticas del ciclo siete con Fabio cuando se desplaza por las últimas imágenes de la casa francesa.

En lugar de Fabio, Ghesquière nos ofrece a Jennifer Connelly en un vestido plisado de encaje festoneado como la estrella de «Dreamkeeper»; Robyn con lentejuelas y cuero fresco en «The Night Chaser»; y Jaden Smith como un niño que mezcla patrones en «The Lost Planet». También está Léa Seydoux con una camiseta «Exorcista» usada bajo un brillante número de cóctel; Emma Roberts con un vestido rojo escarlata; Angelica Ross con una falda a cuadros decorada con botas lunares gigantes; y Sophie Turner luciendo un traje blanco, abrigo de camello y las mismas botas de luna. Billie Lourd, Cody Fern, Chloë Grace Moretz, Alicia Vikander, Stacy Martin, Kelsey Asbille, Doona Bae, Laura Harrier , Zhong Chuxi, Yaya, Noémie Merlant, Deepika Padukone, Woodkid, Rinko Kikuchi, Gugu Mbatha-Raw y Samara Weaving completan el reparto, cada uno obteniendo su propio momento de pulp fiction de estilo retro filmado por Collier Schorr.

«La moda es una novela», dicen las notas del lookbook de la marca de lujo. «Y la colección Pre-Fall 2020 se embarca en un viaje narrativo donde las prendas cuentan sus propias historias. En una ‘biblioteca portátil’, cada equipo escribe su propio capítulo compuesto por monólogos románticos».

Pre-Fall 2020
Pre-Fall 2020. Fuente: oceandrive.com.ve

La moda es una novela

Nicholas Ghesquière explicó: «La moda es una novela y la colección Pre-Fall 2020 se embarca en un viaje narrativo donde los personajes cuentan sus propias historias a través de las prendas. El resultado es una reunión de periodos, movimientos estilísticos y combinaciones acrónicas en un diálogo peculiar entre la rebelión estilística y la artesanía».

Para la presentación de la colección Pre-Fall 2020 de Louis Vuitton, Nicolas Ghesquière alistó a las musas de la marca como protagonistas de su propia novela de horror y ciencia ficción.

Para ilustrar esta colección vemos a personajes fotografiados por Collier Schor como Léa Seydoux en una playera de El Exorcista debajo de un cocktail dress; Emma Roberts en un vestido rojo; Sophie Turner en un traje sastre y botas gruesas, así como Deepika Padukone en un abrigo gris y botas verdes, por nombrar algunas; tomando portadas de libros o carteles de películas como protagonistas, adoptando el papel de aventureras en un encuentro de épocas, movimientos estilísticos y combinaciones anacrónicas.

En esta biblioteca, cada atuendo escribe su propio capítulo compuesto por monólogos románticos; asimismo, las portadas falsas y los carteles de este lookbook se inspiran en los 70 y 80, donde la colección es una combinación de estilos pasados, presentes y futuros.

Pre-Fall 2020
Pre-Fall 2020. Fuente: oceandrive.com.ve

Referencia

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/en-imagenes-la-increible-prefall-2020-collection-nicolas-ghesquiere-para-louis-vuitton/

https://www.vogue.com/fashion-shows/pre-fall-2020/louis-vuitton

https://ievenn.com/la-campana-de-louis-vuitton-pre-fall-2020-es-literalmente-de-pelicula/2273291/

https://hypebeast.com/2020/1/louis-vuitton-pre-fall-2020-nicolas-ghesquiere-jaden-smith

https://fashionista.com/2020/01/louis-vuitton-pre-fall-2020-collection-lookbook

 

Las 1.500 obras que sobrevivieron a la Segunda Guerra Mundial

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Después de la Segunda Guerra Mundial habían desaparecido cientos de obras de arte desde diferentes frentes. En 2011, la revista alemana Focus publicó la noticia cuando apareció una colección de más de 1500 obras en el apartamento de Cornelius Gurlitt, natural de Munich. Un anciano de 80 años de edad que fue el heredero de más de un millar y medio de obras que su padre Hildebrand Gurlitt, un historiador y mecenas, había ocultado durante los años del conflicto.

Luego de la caída de los nazis, Cornelius negó tener las obras de arte. Su secreto ha sido salvaguardado durante casi setenta años. Una selección extraordinaria de obras, fue resguardada por el anciano que decidió protegerlas del famoso Holocausto resguardándolas cuidadosamente tras las baldosas de una cocina o envolviéndolas en latas de comida. Entre las piezas que se podían encontrar había obras dePablo Picasso, Paul Klee, Henri Matisse, Oskar Kokoschka entre otros.

Las obras fueron salvadas de Hitler

Durante la Segunda Guerra Mundial, Adolf Hitler prohibió todo tipo de producciones artísticas que “no compaginaban” con los ideales de sus políticas. Las quemas masivas de “libros prohibidos”; formaban parte de la cotidianidad. Las obras de arte eran confiscadas (por su valor monetario) y de no ser consideradas aceptables por el mandatario, eran destrozadas.

Las prohibiciones de Hitler se transformaron en el negocio de muchos. El padre de Cornelius, Hildebrand Gurlitt (1895-1956), fue uno de los principales marchantes autorizados por el régimen nazi para vender las obras confiscadas de los museos y coleccionistas alemanes al ser consideradas «arte degenerado», epígrafe que incluyó a impresionistas, surrealistas, cubistas o expresionistas.

Hildebrand Gurlitt es conocido ser uno de los mercaderes de arte más importantes del Tercer Reich, quien se encargó de crear su propia colección privada y clandestina, debido a las expropiaciones del ejército alemán. Todas las obras fueron confiscadas a familias judías o compradas bajo condiciones desfavorables para los que las vendían. Hildebrand murió y dejó  a Cornelius con la increíble colección bajo su cuidado.

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Hitler, ante obras de “arte degenerado” que ordenó retirar de los museos alemanes. Fuente: elpais.com

El descubrimiento

Cornelius se había encargado de proteger la colección y la dividió, distribuyendolas entre su apartamento en Múnich (Alemania) y su casa de Salzburgo (Austria). Comprende en total 1.500 obras de grandes artistas como Matisse, Chagall, Klee, Beckmann, Rodin, Canaletto, entre otras figuras importantes de la expresión.

El 10 de septiembre de 2010, Cornelius se montó en un tren que realizaba el trayecto Zúrich-Múnich, cuando la policía en un control típico aduanero, advirtió que llevaba 10.000 euros en sus bolsillos. Enseguida encendió una alerta en el país y decidieron iniciar una investigación. Los funcionarios de Aduanas dieron con el tesoro artístico en primavera de 2011, después de que el anciano les llamara la atención durante su viaje en tren entre Múnich y Suiza. Llevaba 18 billetes de 500 euros en los bolsillos.

Dos años después, la fiscalía tuvo la autorización judicial para registrar el el apartamento del anciano en Múnich, cuando se encontró una colección más grande que la de La Galería de Londres. El estrés que le provocó a Gurlitt haber sido descubierto, le provocó un infarto y murió el 6 de mayo del 2014.

La colección está valorada en 1.000 millones de euros, según estimaciones de Meike Hoffmann, una historiadora del arte de Berlín, encargada de esclarecer el valor y el origen de las piezas. La lista de autores de las obras incluye un catálogo de la obra pictórica más significativa del pasado siglo, entre los que se menciona: Pablo Picasso, Henri Matisse, Marc Chagall, Paul Klee, Ernst Ludwig Kirchner, Emil Nolde, Franz Marc, Max Beckmann, Max Liebermann.

Cornelius Gurlitt
Cornelius Gurlitt. Fuente: oceandrive.com.ve

La revista Focus publicó la noticia

En 2011, la revista alemana Focus publicó la noticia cuando aparecieron más de 1500 obras en el apartamento de Cornelius Gurlitt, en Munich. Según relata «Focus», las obras fueron robadas por los nazis a coleccionistas judíos o las confiscaron. Alrededor de 300 forman parte de lo que los nazis llamaron «arte degenerado». En el caso de unos 200 cuadros, sus propietarios legítimos habían denunciado su desaparición. Según la revista alemana, las autoridades bávaras quisieron mantener en secreto el hallazgo por temor a los problemas diplomáticos y jurídicos que podrían surgir por posibles reclamaciones de los propietarios legítimos de las obras.

Según «Focus», las obras fueron adquiridas en las décadas de 1930 y 1940 por  Hildebrand Gurlitt. Durante las últimas décadas, su hijo Cornelius las guardó en su apartamento que, a juzgar por la descripción de «Focus», es cualquier cosa menos lujoso. Las obras se encontraban empaquetadas en distintas habitaciones oscuras, «llenas de basura», según la revista, y con estanterías montadas «de cualquier manera» por el propio anciano. La obra más antigua se remonta en el siglo XVI y todas, al margen de la suciedad y el polvo.

Cuando lo descubrieron, los funcionarios bávaros tardaron varios días en sacar las obras de la vivienda, y el sospechoso no opuso resistencia en ningún momento. Gurlitt no fue acusado de ningún delito y no hubo orden de detención dictada contra él.

Medio siglo perdidas

Durante los cincuenta años,  las obras permanecieron en un almacén clandestino, en el apartamento de Cornelius Gurlitt. El piso particular del apartamento de Cornelius encerraba un tesoro y una sorpresa para los agentes de Aduanas: 1.500 obras pintadas por lo más granado del periodo de entreguerras del siglo XX, valoradas en 1.000 millones de euros. Lienzos de Pablo Picasso, Emil Nolde, Henri Matisse, Max Beckmann o Max Liebermann.

El anciano vendió algunas de ellas y vivió de los ingresos que le reportaron. Incluso después de la confiscación de los cuadros, Cornelius también vendió un cuadro de Max Beckmann por 864.000 euros en la casa de subastas Lempertz de Colonia. Una de las obras decomisadas, fue un Matisse que pertenecía al coleccionista de arte judío Paul Rosenberg, abuelo de la periodista francesa Anne Sinclair. Sinclair lleva años luchando por la devolución de los cuadros de su abuelo robados por los nazis. Se trata de un retrato de mujer que Rosenberg tuvo que dejar en París al huir de los nazis.

En 2013, se subieron a internet una base de datos sobre obras de arte pertenecientes a judíos y robadas por los nazis durante la II Guerra Mundial, a iniciativa del Getty Research Institute de Los Ángeles.

Por su parte, la Asociación Nacional de Museos de Holanda puso en marcha un inventario de 139 obras para que las familias judías identifiquen y recuperen las obras que les fueron arrebatadas.

Un gran aporte para el arte

Pese a que las pinturas tenían terribles marcas de guerra, las 1.500 pinturas se mantenían en buen estado. Antes de morir, Cornelius decidió entregar todas sus piezas al Museo de Arte de Berna, en Suiza. El Museo se dio a la dura tarea de rastrear a los dueños originales de las obras para tratar de remendar los errores del pasado de Gurlitt.

Museo de Arte de Berna
Museo de Arte de Berna. Fuente: oceandrive.com.ve

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/estaba-escondida-la-misteriosa-coleccion-de-1-500-obras-que-sobrevivio-a-la-segunda-guerra-mundial/

https://www.artelista.com/blog/las-pinturas-perdidas-en-la-segunda-guerra-mundial/

https://www.abc.es/cultura/arte/20131103/abci-recuperan-obras-arte-robadas-201311031421.html

https://elpais.com/cultura/2013/11/03/actualidad/1383505840_170909.html

https://www.elespectador.com/noticias/cultura/los-1500-cuadros-confiscados-los-nazis-articulo-456613