Arianna León Uberti, una artista inspirada en la naturaleza

Ari Uberti

Arianna León Uberti es una artista que apuesta por representar su amor por la naturaleza a través de su arte. Con un mundo lleno de colores, la joven artista se ha convertido en una referencia de Good vibes en las redes sociales. Mediante sus campañas sociales, la artista venezolana demuestra que el arte definitivamente puede hacer del mundo un lugar mejor.

Un accidente la ayudó a encontrar su camino artístico

Arianna tras sufrir un accidente en unas vacaciones en Choroní (Estado Aragua), en el que resbaló de un árbol de 11 metros y cayó por una pendiente, lesionándose la pierna izquierda. El tiempo que permaneció en el hospital y la prolongada recuperación le permitió tener tiempo libre para comenzar a dibujar. De esta manera, fue cómo encontró su identidad pictórica y comenzó a tomar en serio el camino artístico.

Arianna León Uberti
Arianna León Uberti. Fuente: oceandrive.com.ve

Arianna León Uberti posee un estilo personal definido

Sus colores, sus líneas y sus trazos logran que el estilo de ‘Ari Uberti’,como la conocen en redes sociales, sea fácil de identificar. “Tengo mucha retentiva con imágenes y sonidos, así que comencé a unir cosas que me habían gustado y así salió todo”. Así explica la artista cómo descubrió su estilo personal.

Asimismo, expresó que tomó un par de marcadores y un bloc, y comenzó a dibujar todo en blanco y negro.

Por otro lado, Arianna León Uberti comentó: “Mi pintor favorito es Salvador Dalí, sus obras son boleto gratis a viajes increíbles”.

AriUberti  recuerda las pequeñas criaturas de su infancia

Debido a que tuvo una infancia marcada por unos padres veterinarios que le crearon conciencia sobre los seres vivos, le ha permitido a “Ari Uberti” forjó una carrera profesional, a través de la creatividad y la ilustración.

Gran parte de su creación está orientada a inmortalizar a todos los animales, los cuales la acompañan a diario. “Los animales son mi motor, desde muy chiquita tuve una conexión especial con todos porque mis papás son médicos veterinarios y en la casa siempre me enseñaron a cuidar”, explica la artista.

En retrospectiva, Arianna recuerda su niñez y siempre ha intentado entender el mundo animal. “Mis papas tenían muchas plantas, un lugar ideal para sapos, iguanas, lagartijas, etc.”, comenta.

Ari Uberti hace aportes a la fauna de Australia

Arianna León dibuja para darle una oportunidad más a los animales en peligro de extinción. Con bocetos, lápices, borradores y programas de ilustración Ari Uberti genera concientización sobre el medio ambiente.

A consecuencia de los incendios forestales ocurridos en Australia y la pérdida de su ecosistema, Arianna, ofreció su apoyo por la vida de los animales de ese país. Fue así como creó la campaña: Una donación por una ilustración. Ante la grave situación de la fauna en Australia, la artista venezolana sintió la necesidad de hacer algo para ayudar.

Ari Uberti
Ilustración de Ari Uberti. Fuente: venezuelaaldia.com

Ari Uberti pretende cambiar el mundo a través del arte

Ari Uberti se ha dado al misión de transformar su arte en un mecanismo de expresión y de ayuda, haciendo campañas de ayuda donde las personas donan a una fundación sin fines de lucro a cambio de una ilustración.

Asimismo, la artista venezolana obsequia ilustraciones a las personas que donar dinero y medicinas a organizaciones que se encargaban de la recolección de insumos para personas con necesidades.

La joven venezolana invitó a sus seguidores a formar parte de esta iniciativa, y hay cada vez más personas que se suman a la causa, quienes la comparten y promueven su trabajo en las redes sociales para lograr pequeños cambios.

La naturaleza es su musa y su gran amor

Arianna reconoce a la naturaleza como su musa y hoy su estilo colorido, la ternura y la diversión de sus creaciones son las características principales de su trabajo. Asiismo,  asegura que la mayoría de sus ilustraciones están basada en animales, paisajes y lugares naturales.

Desde joven se involucró en actividades de exploración de la fauna, y trabajó como voluntaria en el zoológico de Maracay, haciendo su aporte para la preservación del ecosistema venezolano.

La joven artista invita a las personas a sensibilizarse ante la gran crisis ambiental que vive el mundo. Está motivada porque siente que las personas se están dando cuenta del gran problema climático y comienzan a cambiar sus hábitos.

Ari Uberti, a través de con sus programas de ilustración y su gran talento se ha dispuesto ade cambiar el mundo para convertirlo en un lugar mejor, porque entiende que “no tendremos una sociedad si destruimos el medio ambiente”.

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/arianna-leon-uberti-el-arte-tiene-el-poder-de-mover-cambiar-y-generar-consciencia/

http://www.venezuelanprofiles.com/con-dibujos-una-venezolana-aporta-a-la-fauna-de-australia/

El caballo y su historia en el siglo XX

Caballo

La historia del caballo durante  el siglo XX, estuvo marcada por un cambio significativo en la relación hombre-caballo. En los países desarrollados, estos equinos se empleaban para fines militares y utilitarios como las labores agrícolas, y que luego fueron reorientadas a las actividades de esparcimiento y deportivas.

La transición entre el caballo y el vehículo motorizado

Los caballos de tiro fueron utilizados como medio de transporte para el desplazamiento humano, así como el trabajo agrícola o de carga. No obstante, la energía equina fue remplazada progresivamente por la energía eléctrica y la energía de los motores.

En los países desarrollados, la invención del ferrocarril inducido por el motor a explosión  y la electrificación, completaban el  remplazo de la tracción animal por las máquinas.

La utilización del caballo se redujo sustantivamente en las grandes ciudades. El primer tranvía eléctrico de Inglaterra entró en funcionamiento en 1901, en Newcastle Upon Tyne, remplazando el vehículo hipomóvil.

En los años 1930, los pequeños comercios como bares, restaurantes, y heladerías, aún poseían caballos de tiro para sus actividades productivas. Sin embargo, el número de caballos urbanos declinó en las dos primeras décadas del siglo XX.

La invención del automóvil representó el inicio de la industrialización, tras el uso de las grandes máquinas a vapor. A lo largo del siglo XX, la construcción y las mejoras de las rutas, facilitaron la circulación de los automóviles, desplazando cada vez más a los vehículos hipomóviles. ​

El caballo en las grandes ciudades

Caballos
Fuente: Fuente: www.wikiwand.com

Al comienzo del siglo XX, las grandes ciudades estaban saturadas de vehículos hipomóviles. El centro de Londres, por ejemplo, sufría embotellamientos que se fueron acentuando al pasar los años.

La disminución en la población de caballos del entorno urbano, fue a consecuencia del ingreso triunfante del automóvil.

Las ciudades o comunas francesas han utilizado el caballo en actividades, tales como: brigadas de vigilancia ecuestre, recolección de basura, visitas turísticas, entre otras.

Finalmente, el uso del caballo desapareció casi en su totalidad en el sector agrícola para dar paso a las máquinas.​ En Europa, el tractor agrícola desplazó al caballo de tiro.

El uso del caballo es remplazado por las máquinas

En Francia, los caballos de ruta fueron remplazados por camiones surgidos de la armada estadounidense.

Durante los años 1930, el caballo de tiro tenía solo se empleaba para actividades agrícolas. Por otra parte, el caballo fue empleado para las actividades de minería hasta la década de 1920, cuando la locomotora de maniobras de tipo eléctrico entró en funcionamiento por primera vez.​

La motorización en el sector agrícola comenzó en 1935, ocasionando la disminución progresiva  en el número de los caballos.

Al mismo tiempo, la incursión del tractor agrícola y de la cosechadora-trilladora implicó la industrialización de la agricultura, desplazando así al caballo de tiro de su rol utilitario. Esto ocasionó que varias razas de caballos de tiro estuvieran al borde de la extinción, los cuales eran llevados al matadero, siendo este su único destino.

El caballo en el espectáculo y la recreación

La amenaza de la desaparición de los caballos de tiro, condujo a llevar a estos animales a participar en los concursos de tracción (Ban’ei), logrando un gran éxito en Estados Unidos y en Japón a finales del siglo XX.

En 1991, se realizó la primera Ruta del Pescado. Se trata de una prueba de enganches que cosistía en recorrer ciudades y poblados del norte de Francia. Esta iniciativa fue organizada por el Haras de Compiègne, con el objetivo principal de salvar a la raza Tiro Boulonnais; siendo este evento de carrera de enganches más grande e importante de Europa.

El caballo en el ámbito militar

En el siglo XX, las caballerías militares ejecutaban funciones de reconocimientos y de estrategias de choque, en beneficio de las divisiones blindadas motorizadas.

La caballería militar también sufrió una disminución, tras la creación y el desarrollo de navíos y de trenes blindados. En el período entreguerras, las caballerías ligeras y las caballerías pesadas, ocasionaron que distintos países dejaran de recurrir al caballo para la confrontación y el combate. En algunos casos, los equinos solamente se emplearon para tareas de vigilancia o de transporte en terrenos difíciles.

Finalmente, el rol del caballo dio un giro en el entorno militar para dar origen al desarrollo de los deportes ecuestres. Los entrenamientos militares destinados al adiestramiento de los caballos que integraban la caballería, llevaron a la creación de las tres disciplinas olímpicas ecuestres como: el salto de obstáculos, la doma criolla, el concurso completo de equitación y el enduro ecuestre.

En tiempos de la Primera Guerra Mundial

Caballos
Fuente: lilyforado.com/

Durante la Primera Guerra Mundial, el rol del caballo estuvo ligado a la evolución estratégica y táctica de los conflictos armados. Tanto el caballo como la caballería fueron indispensables en la ofensiva y en el apoyo logístico. Sin embargo, los animales eran demasiado vulnerables frente a la artillería y las armas pesadas como la ametralladora. Por tal razón, la presencia de caballos en los campos de batalla pasó a ser puntual y esporádica. Esta rápida evolución se produjo el desarrollo del carro de combate, en sustitución de la caballería.

Al principio, los principales países involucrados en la Primera Guerra Mundial se apoyaban con regimientos de caballería. Sin embargo, el uso de caballos no demostró eficacia en el campo de batalla frente a los vehículos blindados.

El caballo casi se extinguió en el rol ofensivo en el campo de batalla, pero su presencia fue significativa a lo largo de la Gran Guerra, en la que participaron ocho millones de caballos aproximadamente.

Después, el uso del caballo se concentró en el área logística, ya que ofrecía  la gran ventaja de poder ser utilizado en terrenos accidentados y fangosos, los cuales dificultaban el paso de los vehículos motorizados. Asimismo, los caballos sirvieron de apoyo para realizar actividades de reconocimiento, remolcar equipos o ambulancias, e incluso, para transportar materiales y mensajería.

Sin embargo, la presencia del caballo representaba efectos negativos, podían transmitir algunas enfermedades; así como degradar las condiciones sanitarias en el frente a través del estiércol y de los cuerpos de animales muertos.

Las condiciones de vida para los caballos en el frente eran difíciles, ya que eran vulnerables, y sufrían de dermatosis y de otras enfermedades; además de que resultaban afectados por los ataques químicos.

El caballo en el mundo de las carreras hípicas

Caballo
Fuente: http://www.meridiano.com.ve/

El desarrollo del deporte hípico  se popularizó todo a lo largo del siglo XX. Las actividades hípicas fueron promovidas por la popularidad de las apuestas.

Esta actividad surgió en Inglaterra en el siglo XIX. Las carreras de caballos generan una fuerte demanda de caballos purasangre y del tipo trotador. El deporte hípico se desarrolló en toda Europa, en América del Norte y en el Extremo Oriente.

En 1907, Japón relanzó las carreras de caballos al finalizar la Segunda Guerra Mundial hasta el inicio de los años 1990, siendo uno de los principales países del mundo, en lo que concierne al negocio de las carreras hípicas.

Por otro lado, en el Reino Unido se consagró la cría y el entrenamiento de caballos de carrera. El aumento en la popularidad de las carreras de caballos, fue dado al éxito de los purasangres estadounidenses en las pistas inglesas. Esto impulsó a los ingleses a limitar la importación de caballos purasangre nacidos en Estados Unidos.​

Los criadores estadounidenses se concentraron en buscar la velocidad pura de los caballos. En Estados Unidos, Kentucky ha sido uno de los más importantes centros de cría de purasangre.

Por su parte, el jeque Mohammed ben Rachid Al Maktoum, integra el grupo de los grandes inversores en el mercado de los purasangre en Dubái.

En 1994, la familia reinante Al Maktoum del Emirato de Dubái creó el llamado Establo Godolphin, dedicado al entrenamiento de caballos purasangre.

Asimismo, crearon en 1996, la Dubaï World Cup, siendo la carrera de caballos mejor dotada del mundo.

En Francia, las carreras de caballos tienen el mayor crecimiento en el mundo profesional ecuestre, debido a las apuestas deportivas hípicas.

Los deportes ecuestres y las actividades recreativas

Caballo
Fuente: www.euroinnova.do

Los jinetes militares fueron innovadores en el dominio de la equitación deportiva, como el trote alzado y el desarrollo de la técnica del salto de obstáculos.

A lo largo del siglo XX, la práctica de la equitación fue en un principio una actividad netamente masculina, cuyo entrenamiento estaba vinculado con la confrontación y la guerra.

Los Juegos olímpicos de verano de 1900 en París, fue escenario de las primeras pruebas olímpicas de equitación, en la disciplina de salto de obstáculos así como con otras pruebas de salto que luego fueron abandonadas en tales eventos. El polo, por su parte, fue inscrito en el programa de los juegos de 1900 hasta 1936.

Las cuatro las disciplinas olímpicas ecuestres que aún persisten en la actualidad, son el Salto de obstáculos, la Doma clásica, y el Concurso completo de equitación, así como el Pentatlón moderno. Las mismas se establecieron en los Juegos Olímpicos de verano de 1912, en

El caballo presente en el arte y la cultura

El siglo XX, también le proporcionó al caballo, un lugar en las producciones artísticas y culturales.

Los pintores y escultores como el artista estadounidense Frederic Remington, quien representó escenas que involucra a los caballos en su obra Far West; ​ así como el pintor alemán expresionista Franz Marc, en su obra Le Cheval bleu. Por su parte, Pablo Picasso (1881-1973) quien le otorgó al caballo un lugar en su imaginario.

En el siglo XX tuvo un lugar protagónico en la novelística del oeste, entre las cuales destaca  la emblemática novela de Owen Wister  titulada The Virginian (El virginiano), publicada en el año 1902; ​ así como la colección de cuentos El corazón del Oeste (Heart of the West) de O. Henry, en 1907,​ y los relatos de Noches de Arizona (Arizona Nights) de Stewart Edward White.

En literatura de ficción, la saga de The Black Stallion (en español: El Corcel Negro) de Walter Farley, publicada en 1941, es una de las mejores obras relacionadas con caballos.

El caballo en la cinematografía

Los caballos han estado en forma omnipresentes en muchas películas de wéstern; así como en historias relacionadas con las actividades hípicas, entre los que se destacan: Kentucky Pride (1925), ​ Broadway Bill (1934), ​ Saratoga (1937), ​ entre otras.

Finalmente, la participación del caballo estuvo marcada por la película estadounidense titulada The Horse Whisperer, protagonizada y dirigida por Robert Redford  y estrenada en 1998.

The Horse Whisperer
The Horse Whisperer. Fuente: itunes.apple.com

Referencias

https://es.wikipedia.org/wiki/Historia_del_caballo_en_el_siglo_XX

http://www.gustavomirabal.es/caballos/historia-del-caballo-en-el-siglo-xx/

 

Sewelô de Louis Vuitton el segundo diamante más grande del mundo

Sewelô

El Sewelô, es el segundo diamante más grande del mundo y fue descubierto en Botswana. Es un descubrimiento extraordinario que se ha convertido en uno de los proyectos más ostentosos y exclusivos de Louis Vuitton. La casa cuenta con la participación Lucara Diamond Corporation y la Compañía HB de Amberes, en una colaboración única para transformar un espécimen de diamante raro y excepcional. El Sewelô es una joya de 1758 quilates, y es el segundo diamante en bruto más grande jamás descubierto.

El  Sewelô, que significa Rare Find en el idioma Setswana, se recuperó en el Lucara Diamond 100% de la mina Karowe de Corp., Botswana. Es el segundo diamante en bruto más grande jamás descubierto y el más grande que sale de Botswana.

Sewelô
‘Sewelô’ de Louis Vuitton

Sewelô, un hallazgo de rareza única

Aproximadamente, el diamante mide 83 mm x 62 mm x 46 mm, pesa 352 gramos. El Sewelô es el segundo diamante de gema en bruto más grande en la historia registrada, eclipsado solo por el Cullinan, a 3106 quilates. Fue descubierto en Sudáfrica en 1905, y convertido en diamantes históricos que ahora se encuentran en las joyas de la corona británica y en la colección real. El Sewelô es el diamante en bruto excepcional más grande que se recuperará de la mina Karowe de última generación de Lucara en Botswana.

El diamante se ha mantenido intacto, tras ser sometido a un proceso de recuperación altamente avanzado. El mismo consiste en evitar el aplastamiento de la roca con el mineral. Dicho tratamiento se acredita al circuito XRT de alta tecnología de Lucara. El análisis inicial de Sewelô caracteriza la piedra como ‘calidad de gema cercana ‘ con ‘dominios de gema blanca de alta calidad ‘; sin embargo, los estudios detallados de la piedra, su composición, cualidades y potencial continuarán durante varios meses.

Sewelô
Sewelô pesa casi 400 gramos. Fuente: oceandrive.com.ve

El Sewelô, una belleza no convencional

El Sewelô es espectacular no solo por su inmenso tamaño, sino también por sus características intrigantes
de forma, color, formación y composición. El cristal en bruto está cubierto por una capa muy delgada de carbono negro, que envuelve los secretos de 2.000 millones de años en su interior. Todavía se desconoce el alcance total de las variaciones en el color y la claridad del rendimiento del diamante.

Karowe, que significa ‘ piedra preciosa ‘, es la mina de diamantes de Lucara que se encuentra en las franjas del norte del desierto de Kalahari, la cual entró en funcionamiento en 2012. Es reconocida por la calidad y el tamaño de los diamantes que produce, específicamente Tipo superlativo Diamantes IIA, químicamente puros y con una limpieza excepcional, de más de 10 quilates. Estos han incluido el Lesedi La Rona de 1109 quilates y la Constelación de 813 quilates.

Igualmente, Karowe utiliza la tecnología de procesamiento más avanzada del mundo y coloca la responsabilidad corporativa y social, la sostenibilidad, la seguridad y el bienestar de sus trabajadores, en el corazón del negocio. Con una fuerza laboral compuesta en un 98% por ciudadanos de Botswanan, el gran éxito de la mina ha traído grandes beneficios económicos y sociales a las comunidades locales. Lucara está comprometida
para garantizar que el Sewelô tenga un impacto positivo y duradero en Botswana. Como parte de esta misión, cuando se descubrió el sorprendente diamante en bruto de 1758 quilates el año pasado, la mina invitó a la gente de Botswana a presentar ideas para un nombre. La presentación ganadora, Sewelô , o Rare Find , una de las 22,000 entradas, fue anunciada y la piedra fue nombrada oficialmente en un evento de gala el verano pasado en presencia del Presidente de la República de Botswana.

El arte del corte de diamantes

Louis Vuitton está trabajando en estrecha colaboración con los maestros cortadores de diamantes, HB Company de Amberes. La firma ha estado estudiando el Sewelô en minucioso detalle, utilizando la última tecnología de escaneo e imágenes. Esto a fin de evaluar el potencial final de la piedra y planificar el rendimiento óptimo del corte individual acabado y diamantes pulidos.

El primer paso es abrir una ventana a la piedra, para ganar visibilidad en el corazón del Sewelô, y trazar varias permutaciones de tamaño, color y forma. El corte de diamantes es una mezcla milenaria, casi mística, de arte y ciencia, experiencia e intuición. La tecnología avanzada y de vanguardia desempeñará un papel crucial en todo el proceso, desde el escaneo inicial y la planificación hasta el corte y el pulido. Para este proceso, se estima que demorará un año en completarse. Las propiedades únicas del Sewelô, su tamaño y el recubrimiento de la superficie negra, significan que las nuevas nanotecnologías deben usarse en lugar de los equipos estándar.

En colaboración con HB Company, Louis Vuitton se involucrará en cada etapa, asegurando que la máxima luz, vida y fuego se desaten del magnífico cristal en bruto. El tamaño del diamante permitirá la producción de gemas de Louis Vuitton Cut hechos a medida. Cada uno estará hábilmente diseñado en forma de los emblemáticos Monogram de Louis Vuitton, la flor redondeada y el motivo en forma de estrella.

Sewelô
Louis Vuitton publicó una fotografía del diamante con sus posibles cortes. Fuente: oceandrive.com.ve

La innovación de los cortes de diamante personalizados

Finalmente, en una iniciativa de innovación e individualidad, Louis Vuitton planea usar la extraordinaria variedad y abundancia dentro del Sewelô para ofrecer a los clientes la oportunidad de crear diamantes hechos a medida y cortados a medida.

Este movimiento disruptivo de la industria permite la máxima personalización y exclusividad, permaneciendo completamente en sintonía con la herencia de comisiones especiales hechas a la medida de Louis Vuitton.

De esta manera, el cliente estará íntimamente involucrado en todo el proceso creativo, en la vida y la historia de un diamante extraordinario y magnífico. Estará presente desde su origen en la famosa mina Karowe en Botswana, África, hasta una obra maestra refinada, concebida y fabricada en París, Place Vendôme: desde el centro de la tierra hasta el corazón de la Alta Joyería.

Referencias

https://www.sandrascloset.com/louis-vuitton-sewelo/

http://lucirbien.com/louis-vuitton-sewelo/

Clásicos del cine venezolano que no te puedes perder

Cine venezolano

La historia de la cinematografía en Venezuela ha sido escrita a través de cientos de películas extraordinarias que se han producido en nuestro país, y que han sido el reflejo de nuestra idiosincrasia. En el presente artículo, se repasa los 10 clásicos del cine venezolano increíbles que han sido obras de arte, en ocasión al día nacional del cine.

Asimismo, el cine venezolano refleja nuestra identidad nacional y reúne nuestra idiosincrasia. Hoy es el día celebramos a los que se han atrevido a adentrarse en el mágico mundo del séptimo arte. ¡FELIZ DÍA NACIONAL DEL CINE!

El inicio de nuestro cine

Clasicos del cine venezolano
En 1897, se presentó por primera vez al público la película, “Un célebre especialista sacando muelas en el Hotel Europa”. Fuente: oceandrive.com.ve

La historia del cine venezolano comenzó en 1897, cuando se exhibió al público la película, “Un célebre especialista sacando muelas en el Hotel Europa”. Fue la primera película venezolana de la historia. Fue proyectada por primera vez en el Teatro Baralt, Maracaibo en Zulia el 28 de Enero de 1897 y gracias a este homenaje, celebramos hoy el día de nuestro séptimo arte nacional.

No se conoce la producción de la cinta, ni quién fue el director. Tampoco existen copias disponibles del film, excepto una reconstrucción hecha con fotografías.

Cangrejo

Cangrejo de Román Chalbaud es la película basada en la novela de crónica policial “Cuatro crímenes, cuatro poderes” de Fermín Mármol León, que narra la historia de un crimen real en la que un niño fue secuestrado y posteriormente apareció muerto. La película fue protagonizada por Miguel Ángel Landaz, América Alonso y Yanis Chimara.

Cangrejo II

Macho y Hembra

Es una historia de amor donde los participantes tres personajes que muy rápidamente terminara cada uno por caminos separados. La película estuvo protagonizada por Elba Escobar, Orlando Urdaneta e Irene Arcila.

Una casa con vista al mar

La película del director venezolano Alberto Arvelo, es una historia que se desarrolla en Los Andes en el año 1948. Tomás Alonso, un campesino de los andes Venezolanos, muy pobre, que luego de la muerte de su esposa se ha quedado solo con su hijo Santiago Alonso en medio de una gran soledad y consiguen medio vivir gracias a lo que siembran y al trabajo que hace Tomas Alonso a otro hacendado vecino que tienen más recursos que él.

Buscando una manera de aliviar el dolor de su hijo Santiago, le da a éste una fotografía de su madre sacada frente a un lejano mar. Padre e hijo llevan su vida pobremente y se consuelan con la esperanza y el sueño de ver algún día el mar. La llegada de un forastero, un fotógrafo itinerante y un incidente inesperado desatan los nudos de la trama. Provocado por los lugareños crueles que lo desprecian por su pobreza, el pacífico Tomás se verá frente a un dilema: ser un hombre bueno y cobarde o un asesino que defiende a su hijo”. La pelea de Santiago con los hijos del Hacendado cambiara la existencia de padre e hijo.

La distancia más larga

La distancia más larga es la película de Claudia Pinto Emperador y fue co-producida conjuntamente con España. El filme narra la historia de Martina, una mujer española de 60 años, que tras recibir la mala noticia de que está a punto de fallecer, decide viajar a la Gran Sabana, el lugar en el que un día fue feliz, para decir adiós a la vida. Su intención es subir el monte Roraima y a mitad de camino dejarse morir. La repentina visita de su nieto Lucas no podría llegar en mejor momento. El joven, ignorante de la situación la acompaña en su viaje final; sin embargo,  no se quedará impasible cuando se entere de que realmente le está guiando hacia su muerte. Las relaciones familiares, la redención y la libertad de vivir, son los temas centrales de esta prueba latente de que en la vida existen las segundas oportunidades.

Macú, la mujer del policía

Este clásico del cine venezolano se estrenó en Venezuela en 1987, dirigida por la cineasta sueca-venezolana, Solveig Hoogesteijn. El argumento de esta película está basado en un hecho real, específicamente el caso del agente policial Argenis Rafael Ledezma (el llamado “Monstruo de Mamera”), el cual fue condenado en 1980 a 30 años de cárcel.

El filme relata la historia de una niña de clase humilde que escapa de su casa a los once años con un policía mayor que ella. Años después, Macu ya tiene dos hijos. Macu conoce a Simón, un chico del barrio de su misma edad, con quien decide engañar a su marido Ismael y se arma el triángulo amoroso más célebre de nuestra pantalla grande. Ismael empieza a sospechar de Macu y su nuevo amigo. Un día Simón y otros dos chicos del barrio desaparecen. Es una de las películas venezolanas más polémicas de la historia. Fue protagonizada por Daniel Alvarado, María Luisa Mosquera y Frank Hernández.

ARAYA

La película franco-venezolana, dirigida por Margot Benacerraf, es un documental que describe las vidas de los trabajadores que extraen la sal de la mar en las costas de la Península de Araya en Venezuela; aimismo, muestra como la explotación industrial arrasa con los métodos antiguos de los que ellos siguen haciendo uso. Es un clásico del cine venezolano que nos da un acercamiento extraordinario para entender las vidas de todos aquellos que trabajan incansablemente bajo el inclemente sol de Araya.

Oriana

La primera película de la directora venezolana Fina Torres está basada en el cuento “Oriane, tía Oriane” de la escritora colombiana Marvel Moreno.

Esta película narra la historia de una joven que viaja al pasado al recorrer la casa de su tía fallecida y va descubriendo miles de secretos cuando tuvo su primera experiencia amorosa. Pero eso se combina con una historia de misterio en una casa antigua, llena de ruidos extraños, en la que merodea el que parece ser un fantasma. La película es un clásico del cine venezolano que ganó el premio Camera d’Or en el Festival de Cine de Cannes de 1985.

El chico que miente

Es una película de la peruana Marité Uga, producida bajo la mirada de la venezolana Mariana Rondón. La película trata sobre la historia de un chico de 13 años que inicia un viaje por la costa de Venezuela y, para lograr sobrevivir, usa sus dotes de seducción, reinventando una y otra vez su propia historia en la tragedia del deslave. Poco a poco se irá revelando su verdadero pasado. Hace 10 años, la Tragedia del Deslave le arrebató a su madre, ahora él cree que la puede encontrar. Le espera un difícil camino, pero también está por descubrir su propio universo de afectos y sentimientos. Es una de las películas venezolanas que recorren la historia después del deslave ocurrido en el Estado Vargas (Venezuela), en 1999.

El pez que fuma

El pez que fuma es un clásico del cine venezolano por excelencia. Es una película del director venezolano Román Chalbaud estrenada en 1977. El pez que fuma” es el nombre de un prostíbulo nada selecto regentado por la Garza, donde se desarrollan las historias de intriga y amor que hacen de esta cinta un clásico. La película está protagonizada por Miguel Ángel Lanza, Orlando Urdaneta, Hilda Valera y Haydée Balza, entre otros.

El vendedor de orquídeas

Es un documental extraordinario dirigido por Lorenzo Vigas. La película cuenta la historia de uno de los artistas plásticos más influyentes de Venezuela y de América Latina, Oswaldo Vigas. Esta película acompaña a Vigas, quien a  sus 80 años, recorre los pueblos donde fue criado en busca de una pintura extraviada durante su adolescencia. De encontrarla, podría completar una exposición que prepara sobre los inicios de su carrera.

LIZ en septiembre

Liz en septiembre es el extraordinario film increíble de Fina Torres, que aborda la temática lésbica. La película narra la historia de seis amigas lesbianas, quienes se reúnen para celebrar el cumpleaños de Liz, una joven que decide dejar a su marido al enamorarse de otra mujer que tiene cáncer sin que lo parezca, a la que conoce junto con sus amigas en una playa del Caribe.

La llegada inesperada de Eva trastocará la vida de la protagonista. Se empeña en conquistarla y se entera de que Eva tiene esposo y está atravesando un duro momento por la reciente pérdida de su hijo. Es una de las películas venezolanas más importantes que tratan sobre la comunidad LGBTQ+. La película cuenta con la presencia de grandísimas actrices venezolanas como Eloísa Maturén, Patricia Velásquez, Mimí Lazo, Danay García, Arlette Torres, Elba Escobar, Sheila Monterola y María Flores Flores.

Juan

Es una película documental venezolana que se adentra en el mundo misterioso y extraordinario de una de las mentes más brillantes de nuestro arte: Juan Félix Sánchez. Con una visión muy personal de la apreciación del arte y un documental extraordinario lleno de testimonios vivos, Geyer creó una película dedicada al creador de la capilla de San Rafael de Mucuchíes y el complejo de El Tisure. Este documental busca preservar su legado en la memoria venezolana.

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/feliz-dia-del-cine-10-peliculas-venezolanas-que-seguro-no-conoces-y-debes-ver/

https://venezolano1975-cineenvenezuela.blogspot.com/2011/06/una-casa-con-vista-al-mar.html

https://www.noticiasbarquisimeto.com/2018/06/25/clasicos-del-cine-venezolano-que-no-debes-olvidar/

http://www.elchicoquemiente.com/

https://www.filmaffinity.com/es/film864054.html

https://www.elespectadorimaginario.com/liz-en-septiembre/

https://elestimulo.com/documental-se-adentra-en-legado-y-misterio-de-juan-felix-sanchez/

 

 

Elías Crespín, el talento venezolano en el Museo de Louvre

Elías Crespín

El venezolano Elías Crespín será el primer latinoamericano en mostrar su obra en el Museo Louvre de París. Este artista estuvo influenciado desde muy joven por el mundo del arte y la ciencia. Una obra de Jesús Soto lo inspiró a transformar su vida y perseguir el arte como guía. Debido a su talento Elías Crespín fue seleccionado para decorar permanentemente una de las escaleras del museo más importante de Francia.

Reseña biográfica

Elias Crespin nació en 1965 en Caracas (Venezuela), donde vivió hasta su traslado a París en 2008. Estudió informática en Caracas. Nieto de artistas e hijo de matemáticos, comenzó a trabajar en su primera obra en 2002 a la que denominó Malla Electrocinética I.

Su trabajo fusiona sus dos universos de pertenencia, el arte y la informática. Basado en sus investigaciones en programación, aplica la tecnología a las artes plásticas para crear esculturas en movimiento. Al utilizar motores controlados por software personalizado, Elias logra animar las estructuras geométricas modulares que crea. Sus instalaciones consisten en arreglos de elementos metálicos y plásticos formados a mano o elementos individuales en formas geométricas, que están suspendidos en el aire por hilos de nylon casi imperceptibles.

Elias Crespin
Elias Crespin y su obra que pertenece a la categoría de “Plano Flexionante”. Fuente: www.elnacional.com

Sus obras se exhiben en los museos más importantes del mundo

Elías Crespin ha exhibido sus obras en diferentes lugares del mundo como Galerie Denise Rene Espace y Galería Graf Paris ambas en París pero también se ha presentado en Nueva York, Bruselas, Suiza y en Venezuela. Sus obras han sido expuestas en varias instituciones internacionales como la XIII Bienal de Cuenca 2016, la Bienal de Busan Corea en 2014, en el Museum of Fine Arts Houston, el Grand Palais de París, el Espace Culturel Louis Vuitton de París y en la Fondation Boghossian y la Verrière Hermès de Bruselas.

En 2018,  Elías Crespin participó en la exposición Artistas y robots en París, donde reside. Actualmente, sus esculturas se encuentran en las colecciones permanentes de importantes instituciones como The Museum of Fine Arts de Houston, El Museo del Barrio de Nueva York, el Museo de Arte Latino Americano de Buenos Aires y el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. La obra de Elías Crespín será la primera pieza de un latinoamericano exhibida en el Museo Louvre. Estará incluida entre las colecciones históricas del arte universal que incluye La Mona Lisa de Leonardo Da Vinci. La escultura denominada «L’Onde du Midi», se compone de 128 tubos metálicos suspendidos por cables, estos son impulsados por motores que crean una coreografía sutil.

Elías Crispín brilla en Francia

Gego, es la artista cinética más importante de Venezuela. Con orígenes alemanes, Gerturd Goldschmidt se transformó en todo un ícono del arte venezolano, cuando  decidió dedicarse al arte cinético y al op-art. Su trabajo fue revolucionario ya que  desafió todo los límites y tabúes de la época.

Su nieto Elías Crespín estudió ingeniería informática en la Universidad Central de Venezuela. El arte estuvo presente en su vida gracias a su abuela, quien le enseñó a ver siempre más allá de la cotidianidad.

Su inspiración surge cuando fue a ver en el Museo de Bellas Artes de Caracas una exposición dedicada a su abuela, donde se encontró una obra del cinetista Jesús Soto que lo dejó impactado.

Elías Crespín
Elías Crespín, el nieto de Gego. Fuente: oceandrive.com.ve

La ingeniería mezclada con el arte

Crespín desde el 2008 se mudó a París, Francia, estaba en búsqueda de su propia voz como artista y se reunió con el grandísimo maestro venezolano Cruz-Diez.

Arte y cálculo componen a este venezolano. Crespín es una mezcla de arte y cálculo y se considera sensible a las formas y a la lógica.  Tras hacer sus investigaciones artísticas en las que combina sus conocimientos como ingeniero con sus talentos artísticos, Crespín ha desarrollado un software que le permite crear esculturas en movimiento. A esta investigación que concierne el tiempo, la forma y el movimiento, Elias Crespin asocia el estudio del color a través de la experimentación con diferentes materiales y texturas, de la luz y de la sombra.

“He desarrollado un programa de control de mis esculturas. Que va avanzando. Voy por la versión 5.4. Es el centro de funcionamiento de cualquiera de mis obras. Le digo al programa cuál es la geometría y la danza, y el programa se encarga de hacer que la danza se materialice”, explicó.

Elías Crespín
La obra de Elías Crespín en el Museo de Louvre. Fuente: oceandrive.com.ve

Elías Crespín en el Museo de Louvre

Su trabajo impresionó tanto a la directiva del Museo de Louvre, que lo invitaron a crear una obra que permanecería permanentemente entre la colección de obras de arte que allí se exhiben. “Cuando salí de la reunión, no sentía las piernas. Si me lo hubieran dicho hace años jamás lo hubiera creído”, comentó Crespín.

Las esculturas móviles de Elias Crespin se componen de mallas metálicas modeladas a mano o de elementos individuales suspendidos por hilos invisibles, que forman en su conjunto figuras geométricas. La escultura pertenece a la categoría de “Plano Flexionante”, y consiste en una alineación paralela de 128 tubos cilíndricos suspendidos en el aire por hilos invisibles, impulsadas por pequeños motores que hacen una coreografía extraordinaria. Celestial y aéreo, el móvil aparece en reposo como un plano horizontal rectangular con una longitud de casi 10 metros (1,50 L x 9,50 L metros).

Según los expertos del Museo de Louvre, la escultura “…parece escapar de las leyes de la gravitación y cobra vida en el espacio en una amplitud de 3 a 4.50 metros de altura, al ritmo de secuencias determinadas por algoritmos digitales. Esta coreografía de onda, que se desarrolla sin ninguna linealidad mecánica, favorece la lentitud y promueve la contemplación y la maravilla. La escalera del Midi ofrece al visitante una parada en su viaje, convirtiéndose en el teatro de un ballet silencioso”.

Museo de Louvre
Museo de Louvre en París, Francia. Fuente: oceandrive.com.ve

Elías Crespín es el primer artista latinoamericano en ingresar al Museo de Louvre para mostrar su obra. Para más información, puedes seguirlo en su cuenta de Instagram, o en su página web.

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/talento-venezolano-la-magica-creacion-de-elias-crespin-que-vivira-para-siempre-en-el-louvre/

http://www.eliascrespin.net/es/biografia/

https://www.elnacional.com/entretenimiento/el-venezolano-elias-crespin-expondra-en-el-louvre-de-paris/

https://www.rgrart.com/es/artistas/elias-crespin

https://www.noticias.com.ve/elias-crespin-sera-el-primer-latinoamericano-en-mostrar-su-obra-en-el-louvre/

https://www.eluniversal.com/entretenimiento/57726/obra-del-artista-venezolano-elias-crespin-se-exhibira-en-el-louvre

https://www.milenio.com/cultura/arte/museo-louvre-elias-crespin-latinoamericano-exponer-obra

Las 1.500 obras que sobrevivieron a la Segunda Guerra Mundial

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Después de la Segunda Guerra Mundial habían desaparecido cientos de obras de arte desde diferentes frentes. En 2011, la revista alemana Focus publicó la noticia cuando apareció una colección de más de 1500 obras en el apartamento de Cornelius Gurlitt, natural de Munich. Un anciano de 80 años de edad que fue el heredero de más de un millar y medio de obras que su padre Hildebrand Gurlitt, un historiador y mecenas, había ocultado durante los años del conflicto.

Luego de la caída de los nazis, Cornelius negó tener las obras de arte. Su secreto ha sido salvaguardado durante casi setenta años. Una selección extraordinaria de obras, fue resguardada por el anciano que decidió protegerlas del famoso Holocausto resguardándolas cuidadosamente tras las baldosas de una cocina o envolviéndolas en latas de comida. Entre las piezas que se podían encontrar había obras dePablo Picasso, Paul Klee, Henri Matisse, Oskar Kokoschka entre otros.

Las obras fueron salvadas de Hitler

Durante la Segunda Guerra Mundial, Adolf Hitler prohibió todo tipo de producciones artísticas que “no compaginaban” con los ideales de sus políticas. Las quemas masivas de “libros prohibidos”; formaban parte de la cotidianidad. Las obras de arte eran confiscadas (por su valor monetario) y de no ser consideradas aceptables por el mandatario, eran destrozadas.

Las prohibiciones de Hitler se transformaron en el negocio de muchos. El padre de Cornelius, Hildebrand Gurlitt (1895-1956), fue uno de los principales marchantes autorizados por el régimen nazi para vender las obras confiscadas de los museos y coleccionistas alemanes al ser consideradas «arte degenerado», epígrafe que incluyó a impresionistas, surrealistas, cubistas o expresionistas.

Hildebrand Gurlitt es conocido ser uno de los mercaderes de arte más importantes del Tercer Reich, quien se encargó de crear su propia colección privada y clandestina, debido a las expropiaciones del ejército alemán. Todas las obras fueron confiscadas a familias judías o compradas bajo condiciones desfavorables para los que las vendían. Hildebrand murió y dejó  a Cornelius con la increíble colección bajo su cuidado.

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Hitler, ante obras de “arte degenerado” que ordenó retirar de los museos alemanes. Fuente: elpais.com

El descubrimiento

Cornelius se había encargado de proteger la colección y la dividió, distribuyendolas entre su apartamento en Múnich (Alemania) y su casa de Salzburgo (Austria). Comprende en total 1.500 obras de grandes artistas como Matisse, Chagall, Klee, Beckmann, Rodin, Canaletto, entre otras figuras importantes de la expresión.

El 10 de septiembre de 2010, Cornelius se montó en un tren que realizaba el trayecto Zúrich-Múnich, cuando la policía en un control típico aduanero, advirtió que llevaba 10.000 euros en sus bolsillos. Enseguida encendió una alerta en el país y decidieron iniciar una investigación. Los funcionarios de Aduanas dieron con el tesoro artístico en primavera de 2011, después de que el anciano les llamara la atención durante su viaje en tren entre Múnich y Suiza. Llevaba 18 billetes de 500 euros en los bolsillos.

Dos años después, la fiscalía tuvo la autorización judicial para registrar el el apartamento del anciano en Múnich, cuando se encontró una colección más grande que la de La Galería de Londres. El estrés que le provocó a Gurlitt haber sido descubierto, le provocó un infarto y murió el 6 de mayo del 2014.

La colección está valorada en 1.000 millones de euros, según estimaciones de Meike Hoffmann, una historiadora del arte de Berlín, encargada de esclarecer el valor y el origen de las piezas. La lista de autores de las obras incluye un catálogo de la obra pictórica más significativa del pasado siglo, entre los que se menciona: Pablo Picasso, Henri Matisse, Marc Chagall, Paul Klee, Ernst Ludwig Kirchner, Emil Nolde, Franz Marc, Max Beckmann, Max Liebermann.

Cornelius Gurlitt
Cornelius Gurlitt. Fuente: oceandrive.com.ve

La revista Focus publicó la noticia

En 2011, la revista alemana Focus publicó la noticia cuando aparecieron más de 1500 obras en el apartamento de Cornelius Gurlitt, en Munich. Según relata «Focus», las obras fueron robadas por los nazis a coleccionistas judíos o las confiscaron. Alrededor de 300 forman parte de lo que los nazis llamaron «arte degenerado». En el caso de unos 200 cuadros, sus propietarios legítimos habían denunciado su desaparición. Según la revista alemana, las autoridades bávaras quisieron mantener en secreto el hallazgo por temor a los problemas diplomáticos y jurídicos que podrían surgir por posibles reclamaciones de los propietarios legítimos de las obras.

Según «Focus», las obras fueron adquiridas en las décadas de 1930 y 1940 por  Hildebrand Gurlitt. Durante las últimas décadas, su hijo Cornelius las guardó en su apartamento que, a juzgar por la descripción de «Focus», es cualquier cosa menos lujoso. Las obras se encontraban empaquetadas en distintas habitaciones oscuras, «llenas de basura», según la revista, y con estanterías montadas «de cualquier manera» por el propio anciano. La obra más antigua se remonta en el siglo XVI y todas, al margen de la suciedad y el polvo.

Cuando lo descubrieron, los funcionarios bávaros tardaron varios días en sacar las obras de la vivienda, y el sospechoso no opuso resistencia en ningún momento. Gurlitt no fue acusado de ningún delito y no hubo orden de detención dictada contra él.

Medio siglo perdidas

Durante los cincuenta años,  las obras permanecieron en un almacén clandestino, en el apartamento de Cornelius Gurlitt. El piso particular del apartamento de Cornelius encerraba un tesoro y una sorpresa para los agentes de Aduanas: 1.500 obras pintadas por lo más granado del periodo de entreguerras del siglo XX, valoradas en 1.000 millones de euros. Lienzos de Pablo Picasso, Emil Nolde, Henri Matisse, Max Beckmann o Max Liebermann.

El anciano vendió algunas de ellas y vivió de los ingresos que le reportaron. Incluso después de la confiscación de los cuadros, Cornelius también vendió un cuadro de Max Beckmann por 864.000 euros en la casa de subastas Lempertz de Colonia. Una de las obras decomisadas, fue un Matisse que pertenecía al coleccionista de arte judío Paul Rosenberg, abuelo de la periodista francesa Anne Sinclair. Sinclair lleva años luchando por la devolución de los cuadros de su abuelo robados por los nazis. Se trata de un retrato de mujer que Rosenberg tuvo que dejar en París al huir de los nazis.

En 2013, se subieron a internet una base de datos sobre obras de arte pertenecientes a judíos y robadas por los nazis durante la II Guerra Mundial, a iniciativa del Getty Research Institute de Los Ángeles.

Por su parte, la Asociación Nacional de Museos de Holanda puso en marcha un inventario de 139 obras para que las familias judías identifiquen y recuperen las obras que les fueron arrebatadas.

Un gran aporte para el arte

Pese a que las pinturas tenían terribles marcas de guerra, las 1.500 pinturas se mantenían en buen estado. Antes de morir, Cornelius decidió entregar todas sus piezas al Museo de Arte de Berna, en Suiza. El Museo se dio a la dura tarea de rastrear a los dueños originales de las obras para tratar de remendar los errores del pasado de Gurlitt.

Museo de Arte de Berna
Museo de Arte de Berna. Fuente: oceandrive.com.ve

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/estaba-escondida-la-misteriosa-coleccion-de-1-500-obras-que-sobrevivio-a-la-segunda-guerra-mundial/

https://www.artelista.com/blog/las-pinturas-perdidas-en-la-segunda-guerra-mundial/

https://www.abc.es/cultura/arte/20131103/abci-recuperan-obras-arte-robadas-201311031421.html

https://elpais.com/cultura/2013/11/03/actualidad/1383505840_170909.html

https://www.elespectador.com/noticias/cultura/los-1500-cuadros-confiscados-los-nazis-articulo-456613

 

Los Maestros de Simón Bolívar

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Simón Bolívar, durante su infancia y juventud, tuvo la mejor educación por parte de los maestros más destacados en el siglo XVII y que influyeron en la vida del Libertador como Don Simón Rodríguez y Andrés Bello.

La educación humanista que tuvo el Libertador fue la base de lo que fue su desempeño a lo largo de la vida. Sin embargo, Bolívar también contó con otros profesores que existían para esa época y que ayudaron en su formación educativa. Entre ellos podemos mencionar a aquellos catedráticos y mentores como el Licenciado Sanz, el Padre Andújar, Guillermo Pelgrón, Carrasco y Vides, el Padre José Antonio Negrete, entre otros.

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El niño Simón Bolívar. Fuente: www.simonbolivar.info

El joven Bolívar además de la educación que recibía de sus tutores antes mencionados, también que se dice que fue impulsado por sus maestros.

Esto más adelante, cuando estuvo en Europa se interesó por la política y los libros clásicos de los autores de la antiguedad, griegos y romanos: Homero, Polibio, Plutarco, César, Virgilio. Asimismo, los clásicos modernos de España, Francia, Italia e Inglaterra lo introdujeron en este tipo de lecturas; así como, los más diversos sectores intelectuales: desde filósofos y políticos como Hobbes, hasta poetas como Tasso y Camoens, pasando por naturalistas como Buffon, astrónomos como Lalande y economistas como Adam Smith. En sus cartas pueden hallarse muchos nombres recomendados por sus maestros, entre los que detacan los enciclopedistas y planificadores de la Revolución Francesa como Montesquieu, Rousseau, D`Alembert, Condillac y Voltaire.

Francisco A. Carrasco: profesor de aritmética y escritura

Bolívar recibía  sus primeras lecciones aritmética y escritura de la mano de Francisco A. Carrasco, un empleado de altísima confianza de la familia Bolívar y tutor de Simón y sus hermanos. Carrasco se desempeñaba en labores de contador y cajero en una tienda de importaciones.

Don Fernando Vides: profesor de aritmética y escritura

Don Fernando Vides instruyó al niño Simón en las clases de aritmética, primeras letras y escritura y fue el tutor de sus hermanos.

Fray Francisco de Andújar

El Fray Francisco de Andújar, un monje capuchino fundador de la academia de matemáticas en Caracas, fue el responsable de la formación en matemáticas de Simón Bolívar, durante su niñez.

Guillermo Pelgrón

Don Guillermo Pelgrón le dio clases a Simón Bolívar en lengua y cultura latina y gramática.

Pedro Palacios y Sojo

Pedro Palacios Sojo, también conocido como el “Padre Sojo”, fue un sacerdote y maestro de música desde mediados del siglo XVIII. Fue maestro y tío abuelo por la línea materna de Simón Bolívar, quien estableció una relación estrecha con el joven a través de la enseñanza de la música.

El Padre Sojo tenía su escuela de música, establecida en el pueblo de Chacao en Caracas. Allí instruyó a grandes músicos de la historia de Venezuela como José Ángel Lamas, Juan José Landaeta (autor de la música del Himno Nacional de Venezuela), Lino Gallardo, Cayetano Carreño, entre otros.

José Antonio Negrete

Fue maestro de Bolívar en las cátedras de historia y religión.

Simón Rodríguez

Simón Rodríguez
Simón Rodríguez. Fuente: elpais.com

Simón Rodríguez fue un escritor, filósofo y educador venezolano, reconocido tanto por sus obras como por haber sido el más influyente de los maestros y mentores de Bolívar.

Rodríguez ejerció la docencia en la Escuela de Lectura y Escritura para Niños, donde conoció al pequeño Simón, y presentó sus críticas, inspirado en las ideas de Rousseau, acerca del modelo educativo de las naciones americanas.

Rodríguez destacó la importancia que cada república independiente debía darle a la originalidad en sus modelos e instituciones, a través de su célebre obra Sociedades Americanas.

Simón Bolívar
Simón Bolívar. Fuente: www.simonbolivar.info

Ávido lector y amante de la libertad, Simón Rodríguez impactó en Bolívar durante la adolescencia, cuando su familia lo envió a Europa para que aprendiera de bellas artes y buenas costumbres.

En Europa, Rodríguez y Bolívar se reencontraron en Francia en el año 1804, donde influyó en como mentor e impulsó sus ideas independentistas en el futuro Libertador. Ambos viajaron por Francia e Italia, presenciaron la coronación de Napoleón Bonaparte como rey de Italia y subieron juntos al Monte Sacro, en Roma, donde Simón Bolívar recitó su célebre juramento por la Independencia de América.

Andrés Bello

Andrés Bello
Andrés Bello. Fuente: biografiadee.com

Andrés Bello fue uno de los humanistas y educadores más importantes de toda la historia de Venezuela y América Latina. Su trabajo de Bello dio origen al Código Civil; realizó su crítica más importante en el proceso independista; promovió la creación de instituciones educativas y medios de comunicación; aportó grandes obras a la literatura y al estudio de las primeras letras, entre otras contribuciones al humanismo.

Bello le impartió clases particulares de Geografía y Literatura a Simón Bolívar. Años más tarde, ambos conformaron en Europa la expedición diplomática hacia Londres para conseguir financiamiento para la causa independista.

Jerónimo Ustáriz y Tovar (Marqués de Ustáriz)

Bolívar, a los 15 años de edad, fue recibido en la cómoda casa del Marqués de Ustáriz en Madrid. Fue una de las personalidades más importantes en la vida y formación de Bolívar, a pesar de que la historiografía se enfoque en la influencia de Rodríguez y Bello.

En Madrid, Bolívar profundizó en sus lecturas de filósofos ilustrados, clásicos de la antigüedad, historiadores, oradores y poetas, incluyendo los clásicos modernos de España, Francia, Italia y Gran Bretaña. Además aprendió de equitación, baile y esgrima.

Alexander von Humboldt

Alexander von Humboldt
Alexander von Humboldt. Fuente: elpais.com

Alexander von Humboldt fue científico y naturalista alemán de gran influencia para la humanidad. Conoció a Bolívar durante su estancia en París y establecieron un lazo de amistad que se prolongó hasta la muerte de Bolívar, en 1830.

Humboldt dedicó varios años de estudio a la naturaleza del Nuevo Mundo. Bolívar nutrió su pensamiento de profundo humanismo, cosmovisión, respeto y conciencia naturalista. Asimismo, el Libertador reconoció cada descubrimiento como una hazaña que había dado más al continente que cualquier otro conquistador.

Referencias:

https://www.simonbolivar.info/maestros-de-sim%C3%B3n-bol%C3%ADvar

https://www.lifeder.com/maestros-simon-bolivar/

Los artistas venezolanos contemporáneos

Artistas venezolanos

Los artistas venezolanos transforman el caos cotidiano en creaciones maravillosas consideradas como verdaderas obras de arte, y que le dan al espectro artístico, todos los matices necesarios para brillar.

Alejandro Brito y su mágico foto realismo

El realismo de sus pinturas impresiona hasta a los más escépticos. Alejandro Brito es un artista dedicado a la pintura hiperrealista como forma de expresión pictorica, utilizado herramientas como el pincel y la aerografia para plasmar la belleza de la realidad en distintos medios como el lienzo, el cartón y la madera. Comenzó estudiando administración industrial, pero el arte y la pintura el amor de su vida  y de su mente. Ahora es un artista consolidado especializado en foto realismo con aerografía. Su misión es hacer que el público sienta cada una de las texturas de su obra.

Artistas venezolanos
Alejandro Brito. Artista Venezolano. Fuente: oceandrive.com.ve

Gato Botz; un espectáculo surrealista

Su talento logra transformar Caracas en el escenario perfecto de una obra surrealista. Su carrera comenzó con el diseño gráfico y con el tiempo se vió seducido por la fotografía. Caracas se convirtió en su musa y decidió transformarla para crear una “ciudad surrealista”. Su misión es darle al público una visión diferente de la cotidianidad, “muestro las obras arquitectónicas de la ciudad (…), para luego jugar con ellas desde la pantalla y hacer una intervención urbana”, comenta el artista.

Siul Rasse y su arte pictórico

Siul Rasse

Siul Rasse es una artista plástica venezolana nacida en La Guaira. Se graduó en la Universidad de Artes Plásticas (IUESAP) Armando Reverón, actualmente Universidad Nacional Experimental del Arte (UNEARTE), obteniendo en  el título de Licenciada en Artes Plásticas. Es una de las artistas venezolanas contemporáneas que promete convertirse en todo un ícono del arte nacional. Ha desarrollado su obra pictórica centrada en el dibujo y la pintura, con intervenciones a escala mural. Sus obras han sido exhibidas en importantes galerías nacionales e internacionales. Sus dibujios y pinturas presentan  acumulaciones de trazos, atmósferas cromáticas y texturas visuales. También dió inicio a nuevas posibilidades dentro del campo escultórico, donde sus obras se convirtieron en volúmenes orgánicos.

Reymond Romero y sus líneas de colores

Reymond Romero
Reymond Romero. Fuente: oceandrive.com.ve

Es un artista plástico residenciado en Carcas (Venezuela). Se formó en la Universidad de Artes Plásticas IUESAP Armando Reverón, actualmente UNEARTE, como Licenciado en Artes Plásticas, mención Multimedias y especializado en Textil Art y Fashion Art. También realizó sus estudios de Mercadeo del Arte en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos).

Reymond Romero es un artista vanguardista considerado el mejor colorista de su generación. Su trayectoria está avalada por diversas exposiciones a nivel nacional e internacional. Ver su obra es completamente indescriptible, con una utilización sublime del textil, el artista logra crear una textura que cautiva al público. “Mi obra se caracteriza por generar espacios visuales rigurosamente planificados, donde la superposición de contrastes y la colocación sucesiva de analogías que provienen de la abstracción geométrica, me han permitido generar secuencias cromáticas lineales en búsqueda de la sensación de movimiento”.

Romero ha  obtenido premios y reconocimientos formando parte de colecciones nacionales e internacionales. El objetivo del artista es seducir al espectador para que interactúe con un espacio tridimensional que solo puede ser percibido por los observadores más curiosos. Define su arte como un estudio del textil desde la perspectiva de la volumetría del color.

Tita Beaufrand; un espectáculo tropical

Las fotografías de Tita Beaufrand son la realización de un discurso creativo de fuerte fondo gráfico y experiencia visual que recrea la belleza sensual de la flora tropical, la exuberancia del color, los patrones orgánicos de la naturaleza y los expande a otros territorios desde la superficie de las cosas.

Basándose en fotografías que se procesan como arte gráfico, estas imágenes adquieren una calidad cercana a la pintura, se convierten en enfoques originales «fotográficos» como resultado de un elaborado proceso conceptual y digital. El color adquiere una nueva dimensión que explota en relaciones vibrantes y las formas se vigorizan, como si el espíritu del pop y el arte cinético se unieran en nuevas y divertidas relaciones.

Tita Beaufran
Tita Beaufran. Fuente: oceandrive.com.ve

Las secuencias compuestas que confrontan múltiples imágenes son signos de un vocabulario particular que establece relaciones estéticas y conceptuales; como en un juego de memoria que te invita a explorar el espacio y la forma, para hablar sobre la belleza, el entorno tropical, la naturaleza y sus espacios. Este universo sensual y visual es un discurso contemporáneo y creativo, construido como una radiografía particular del alma de las plantas; sus posibilidades y significados.

Sofía Saavedra; el arte con calor venezolano

Sofía Saavedra
Sofía Saavedra. Fuente: oceandrive.com.ve

Sofía Saavedra ofrece una identidad pictórica que mezcla a los más importantes exponentes de la pintura venezolana. La artista encentra su libertad creativa en un lienzo, pintura y un par de pinceles. “La pintura es un espacio para construir la libertad, es un auténtico medio de resistencia hacia la homogenización de los seres humanos, se convierte así en el medio ideal para transmitir la otredad y al mismo tiempo asumir el juego representacional de ser otros y así, poder complementarnos en la diferencia”, explica Saavedra.

Raúl Cardozo; el artista que narra la historia del país

Alcanzó la fama con su mural titulado “Una cena importante con Venezuela”, en la que eligió a los más importantes representantes de la historia del país -según su criterio- y los reunió a todos en una misma mesa. Su estilo es muy moderno y contemporáneo. “Cada momento que pienso en nuestra historia, comprendo que somos el resultado de cuantiosos acontecimientos y decisiones, pero también de personas que merecen que le rindamos honores por lo que hicieron, lo que lograron, pero sobre todo por la impronta que dejaron en todos venezolanos, una cena sería la ocasión propicia para homenajearlos”, explica Cardozo.

Alberto José Sánchez y yuxtaposición de colores

Alberto José Sánchez nació en caracas, Venezuela en 1979.  Su pasión por la pintura comenzó desde muy temprano, se graduó en Negocios y tiempo después decidió dedicarse de lleno a su verdadera pasión: el arte contemporáneo.

Alberto José Sánchez
Alberto José Sánchez. Fuente: oceandrive.com.ve

En la adolescencia mostró interés por el arte cinético, experimentando y creando diversas obras con características claras de esta corriente artística. Su identidad pictórica la consiguió estudiando el arte cinético de Carlos Cruz-Diez, quien fue su principal mentor. Igualmente el artista plástico Jesús Soto fue una influencia importante durante esta etapa del artista. Se gradúa en Administración en la Universidad Metropolitana de Venezuela, pero nunca se desvincula del medio artístico. Años más tarde cursa estudios de Arte Contemporáneo en la Universidad Metropolitana.

Desde el 2007, Sánchez comenzó a desarrollar sus propias piezas con carácter óptico abstracto y geométrico. Sus obras se basan en figuras netamente geométricas en dos dimensiones, estructuralmente definidas para generar y sugerir una formación tridimensional gracias también a la aplicación de colores contrastantes y al uso de sombras. Su mural más grande se encuentra en la Iglesia Don Bosco en La Castellana.

Artistas venezolanos
El arte de Alberto José Sánchez. Fuente: oceandrive.com.ve

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/el-arte-es-vida-10-artistas-venezolanos-contemporaneos-maravillosos-que-amaras/

https://gbgarts.com/artistas/siul-rasse/

http://www.reymondromero.com/

https://www.titabeaufrand.com/

https://www.eluniversal.com/entretenimiento/2002/fabian-solymar-dagor-respira-propio-arte

https://elestimulo.com/ub/el-graffiti-nunca-muere/

https://www.france24.com/es/20190611-la-entrevista-wolfgang-salazar-badsura

http://albertojosesanchez.com/biografia

 

Talento venezolano en la generación de relevo

Déborah Emperatriz

La nueva generación del talento venezolano, con ganas de crecer y reconstruir el país, se ha inspirado para trabajar por un cambio con el propósito de dejar el nombre de Venezuela en alto. A continuación se presenta una lista de los venezolanos más talentosos del momento.

Natalia Moretti; una belleza de rostro refrescante

Talento Venezolano
Natalia Moretti. Fuente: oceandrive.com.ve

Natalia Moretti, quien se dio a conocer por su actuación en la serie NPS, del canal televisivo, Venevisión. Hoy en día, se hace llamar “La guapa” en sus redes sociales, mediante los cuales se dedica a dar consejos de amor, lifestyle y tutoriales de belleza, así como los movimientos culturales en Caracas. También la hemos visto en un programa sobre moda llamado de “Zona VIP”, el cual se transmite en el canal IVC.

Andrés Mata, un guayoyo musical

Talento venezolano
Andrés Mata. Fuente: elestimulo.com

Andrés Mata, empezó su carrera musical con el Grupo Pepper. Sus rítmos caribeños y voz simpática promete darle un giro extraordinario a la música hecha en Venezuela. Actualmente, este artista de talento venezolano continúa moviendo fibras. Además, ha presentado sencillos como “Guayoyo” y “Señorita. Es compositor de sus propias canciones y director creativo de sus videos; siendo toda una promesa para la música venezolana.

Isa Boleta, la artista que ilustra el futuro

Talento venezolano
Isa Boleta. Fuente: https://oceandrive.com.ve/

Isabela Álvarez, mejor conocida como IsaBoleta en Instagram, ha conquistado a más de 20 mil seguidores con sus figuras femeninas llenas de color. Isa Boleta es una joven artista venezolana que crea ilustraciones de moda y pinturas inspiradas en figuras femeninas, diseño de interiores, naturaleza, fotografías de revistas y diseñadores de alta costura. El objetivo principal de su trabajo es crear un énfasis y atraer al espectador a este mundo de moda extravagante y transmitir sentimientos e historias a través de detalles y colores fuertes. Ella incorpora su nacionalismo y feminismo en la mayoría de sus obras de arte.

Talento venezolano
El arte de Isa Boleta. Fuente: oceandrive.com.ve

Su medio, pinturas e ilustraciones se exhiben principalmente a través de sus medios elegidos, instagram (donde llega a la mayoría de su audiencia). Ella también tiene un sitio Wix donde explica y recoge su cartera de trabajo. Creo que Instagram es excelente para sus medios elegidos, porque atrae a los espectadores, como yo, que se sienten atraídos por las cuentas de moda extravagantes. Atrapa específicamente a los espectadores no solo a través de los colores sino también de los mensajes detrás de ellos. Empoderar a las mujeres con talento venezolano para que sigan sus sueños como ella lo ha hecho. Su cuenta no solo ha alcanzado seguidores simples como yo, sino que su arte ha aparecido en revistas de moda más grandes como Vogue Uk, Marie Claire Latin America, Velvet Magazine, historias de Instagram de Marc Jacobs, etc.

Laura Guevara, una cantante con voz colorida

Talento venezolano
Laura Guevara. Fuente: www.flickr.com

Laura Guevara es una artista polifacética con talento venezolano destacada como cantante, compositora, artista plástica y bailarina; además, es licenciada en el arte audiovisual. Es una cantautora que combina su música con la cumbia, los tambores venezolanos, el folk, el funk, el reggae, el vals, el pop y el swing.

Su talento resalta gracias a la improvisación en una voz evocadora, que modula y mezcla sugerentes tonos oscuros, de blues y jazz, con la tonalidad clara y diáfana de sonidos ligeros y poderosos. En el 2015 la joven cantante Laura Guevara obtuvo 4 estatuillas en los premios Pepsimusic en Venezuela, a saber: Tema pop, Video pop, Tema del año, Video del año (todos por el sencillo Late), Artista pop, Artista femenina y Artista del año.

Nelson Müller, el nuevo Rockstar venezolano

Nelson Müller
Nelson Müller. Fuente: https://oceandrive.com.ve/

Nelson Müller, el joven vocalista es una de las figuras principales de la Orquesta de Rock Sinfónico Simón Bolívar. Su presencia escénica brillante y una voz poderosa, es lo que caracteriza a Nelson Müller, como una joven promesa venezolana en el género heavy metal, siendo todo un RockStar con talento venezolano que lo ha llevado a interpretar canciones de grupos como Metallica y Queen, en la sala Ríos Reyna del Teatro Teresa Carreño. Paralelamente, forma parte como vocalista de las bandas originales Terra Nullius, Electrocirkus y las agrupaciones de cover The Crow y Banda Poker y se le conoce por su proyecto “Nelson Müller  y sus Huele Bonche”.

Déborah Emperatriz, la voz que hipnotiza

Déborah Emperatriz
Déborah Emperatriz con la Orquesta de Rock Sinfónico Simón Bolívar en el la Sala Rios Reyna del Teatro Teresa Carreño. Fuente: www.ultimasnoticias.com.ve

Déborah Emperatrizes otra artista venezolana que se encuentra emprendiendo su carrera como solista. Su voz tiene el poder de hipnotizar a cualquiera. Es tan poderosa, que es la seleccionada para hacer tributos a Adele. Su poder vocal y su personalidad extravagante, la transforman en todo un ícono de los escenarios.

Esta joven cantante con talento venezolano formada en el Sistema de Orquestas Nacionales e Infantiles de Venezuela, con trayectoria en la Coral Simón Bolívar, la academia de Canto Fedora Alemán y la Orquesta de Rock Sinfónico Simón Bolívar ha interpretado un repertorio que incluye los temas más representativos de la balada pop anglosajona como Queen, Journey, Iron Maiden, Aerosmith, White Snake y Dream Theater, entre otras, y algunos temas de Rock en español. Además, sabe tocar el violencello.

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/la-generacion-de-relevo-10-venezolanos-talentosisimos-que-estan-marcando-la-pauta/

https://tenemosnoticias.com/noticia/fotos-natalia-difcil-despidi-207946/678098

https://gnembrini.wixsite.com/giovannanm/home/isa-boleta

https://www.musica.com/letras.asp?biografia=50238

http://noticias.ciudadccs.info/jovenes-talentos-nelson-muller-una-voz-guitarras-violines/

http://www.ultimasnoticias.com.ve/noticias/chevere/deborah-emperatriz-quiero-este-ano-enfocar-mi-carrera-como-cantautora/

https://steemit.com/steempress/@jesuslnrs/lapotenciavocaldedborahemperatrizysusaltoeneltiempo-te1kbznzbc

https://contrapunto.com/cultura/deborah-emperatriz-ofrecera-deathlove-rock-n-roll-a-beneficio-de-animales-de-la-calle/

 

 

 

 

 

Óscar Carvallo y el arte cinético de Carlos Cruz Diez

Oscar Carvallo

Oscar Carvallo ha estado muy relacionado con el mundo del arte. El arte cinético del maestro venezolano Carlos Cruz-Diez, resultó ser la inspiración perfecta del diseñador. Ahora su estilo se ha convertido en un homenaje al padre del cinetismo.

El descubrimiento de la moda

Nacido en Caracas, bajo el seno de una familia de fotógrafos y abogados, Óscar Carvallo comenzó a sentir interés por la moda, tras conocer a Guy Meliet, un renombrado francés, que fue discípulo de Christian Dior. Meliet fue el encargado de enseñarle sus técnicas sobre diseño y confección de vestuario.

Carvallo desarrolló durante sus primeros años colecciones mostrando así el dominio de la costura y vistiendo así a las damas más elegantes de la sociedad. Su estilo se hizo presente en pasarelas de todo el mundo hasta que llegó a la capital de la moda: París.

Es allí donde Carvallo decide crear su marca Oscar Carvallo París, luego presentó su primera colección Prêt à Porter en la Fashion Week. En 2006 inauguró su primera boutique Prêt à Porter de Paris, realizando todas sus colecciones con el sello de Made in Italy. Para el 2013, Oscar Carvallo se presenta por primera vez durante la semana de la Haute Couture de París, presentando su colección “Femme Poisson“, inspirada en formas orgánicas de la naturaleza, el movimiento del mar y la elegancia femenina. Ese mismo año presenta en Julio su colección Eagle Eye.

Oscar Carvallo
Oscar Carvallo. Fuente: oceandrive.com.ve

Cruz-Diez se convirtió en su inspiración

Su alianza con Carlos Cruz-Diez comenzó en el 2008 cuando colaboró de primera mano con el maestro, creando una serie de telas inspiradas en sus obras, al integrar las fisicromías del maestro en las telas que dieron vida a su colección, Un voyage Cinétique” (un viaje cinético), una serie de volúmenes plisados y color, resultado de la colaboración del padres del arte cinético. Fue tan grande el éxito que resultó ser tan innovadora, que se hizo la presentación oficial a los medios en el Musée des Arts Décoratifs en París, donde el diseñador y el artista presentaron juntos el proyecto terminado.

Voyage Cinétique II

Los diseños de Oscar Carvallo y el arte cinético de las obras de Cruz-Diez dieron la oportunidad al diseñador de sumergirse en los plisados, los cuales también se convirtieron en prendas las bandas metálicas propias del artista, que bajo la aguja de Carvallo dibujaron volantes flamencos de colores y galácticos vestidos. Carvallo quedó tan encantado con el resultado, que decidió seguir trabajando con los colores y la visión artística de Cruz-Diez. Su segunda colección se tituló “Voyage Cinétique II”,  una colección en la que los juegos de color y movimiento que se presentó en la pasarela del Haute Couture Week en París. Desde entonces, Carvallo adoptó completamente el arte cinético como parte de su identidad visual.

Por su parte, Carlos Cruz Diez, desde sus inicios como cinetista, el maestro aseguraba que una obra de arte debía ser un mensaje claro, directo y diferente. Transformar sus creaciones en movimiento constante resulta extraordinario, por lo que en una oportunidad afirmó lo siguiente: “El fundamento para la invención del arte es el espacio: la obra ha de ser un ente viviente, y para poder percibirla uno ha de desplazarse”. Carvallo integró a la perfección el encaje de Calais, en los diseños cinéticos, en lo que describe como la unión del presente y el pasado.

Una pasión por el color

Óscar Carvallo y el arte cinético encontró su pasión gracias a las obras de Cruz-Diez. El color se convirtió en su musa permanente. “Yo quise llevar la obra de arte, como es la obra de arte, sobre el cuerpo”, explicó el diseñador, “en Latinoamérica trabajamos mucho el color, pero en Europa, el color se te va desvaneciendo poco a poco”.

Fue precisamente la influencia del artista plástico, quien ha dedicado su carrera al estudio del color, la que bañó las prendas de efusivas tonalidades estivales. Carvallo aseguró que el trabajo con el maestro Carlos Cruz Diez, quien tiene una «trayectoria inmensa a nivel mundial» le ha permitido unir arte y moda. Ambos artistas, convirtieron a la mujer en una obra de arte. El modisto presentó 35 looks cuyos estampados, formas, texturas y detalles se han creado a partir de seis pinturas realizadas por el artista plástico.

Óscar Carvallo y el arte cinético de Carlos Cruz Diez

La presencia de Cruz-Diez, transformó su visión. “El maestro me realizó seis cuadros de tres metros de largo que imprimimos en varios tipos de tela: seda, organdí, mikados entre otros y con esto, empezamos a realizar la colección”, explicó Carvallo. Fueron obras inéditas, hechas específicamente para el diseñador de modas.

Desde su primera colección, Carvallo ha presentado 3 colecciones alusivas al maestro y la más reciente la presentó en la Galería de Arte Pinto, en Miami, en conjunto con un nuevo libro que contará sus memorias y mostrará fotografías de todos sus procesos, estará editado por Skira Editore.

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/oscar-carvallo-el-disenador-venezolano-que-trabaja-con-piezas-de-carlos-cruz-diez/

https://mariacarolinamirabal.com/moda/oscar-carvallo-el-lord-de-la-moda-multicultural/

https://www.oscarcarvallo.com/es/about/el-disenador/

http://www.cruz-diez.com/es/news/web-prensa/2014/los-venezolanos-carvallo-y-cruz-diez-se-unen-en-la-alta-costura-cinetica.html