El arte de la joyería en la historia

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El arte de la joyería, forma parte de la historia artística de nuestras regiones, y le ha dado un significado en la era del cobre, del bronce y  del hierro. Los seres humanos han utilizados joyas como símbolo de estatus, como filiación étnica o religiosa, de significado personal o para intercambio comercial.

Las joyas en la antigua Grecia

En la joyería en la antigua Grecia era frecuente el uso de joyas que respondían a la necesidad de adornarse. El uso de collares, pendientes, pulseras y anillos era lo más habitual. También las diademas y cadenas o cinturones eran frecuentes en las ceremonias. Por otra parte, las fíbulas y alfileres eran utilizadas para sostener las prendas en las vestimentas.

El uso de metales y gemas preciosas se remontan a 1600 a.C y, hacia el siglo 300 a.C., los griegos empleaban amatistasesmeraldas y perlas. Sus técnicas se basaban en piezas fundidas y piezas martilladas. Sin embargo,  el trabajo de granulado, filigrana, cincelado era el más frecuente. También es habitual encontrar piezas en oro repujado. Los griegos trabajaron el engaste de piedras en sus joyas, así como el uso de esmalte.

En la iconografía de las joyas era muy diversa, estaban presentes los motivos vegetales tales como rosetas, palmetas, hojas y bellotas; así como figuras de animales como los carneros, leones, serpientes y esfinges. También se evidenciaban representaciones humanas como divinidades y héroes. Estos motivos eran muy comunes en gargantillas, diademas, pendientes, sortijas o anillos y pulseras.

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Brazalete griego. Fuente: www.balclis.com

La joyería romana

La Joyería romana tuvo inspiraciones muy diversas, debido a la utilización de una gran variedad de materiales y recursos naturales extraídos de los territorios que estaban bajo su dominio. Además, como buenos comerciantes, accedieron a exóticas piedras preciosas que venían del lejano oriente.

Las joyas más utilizadas fueron broches, pulseras, pendientes, sortijas, botones y gargantillas entre otras. Los romanos usaron metales como la plata y el bronce, siendo el oro el más preciado. Asimismo, emplearon gemas preciosas como zafirosdiamantesesmeraldas gemas orgánicas como madera petrificada y ámbar.

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Collar romano. Fuente: www.balclis.com

La joyería en la Edad Media

Tras la caída de Roma, la joyería medieval destacó por la calidad de sus piezas. La Edad Media se caracterizó por joyas de plata como fíbulas, prendedores, collares, pendientes, horquillas y brazaletes.

De igual manera, los anillos o sortijas, pulseras, pendientes, broches, collares y fíbulas eran engarzadas con importante pedrería y eran muy usadas por la civilización de la época. Las armas también eran adormadas como joyas.

Las piedras preciosas se adquirían a través del comercio, siendo más frecuentes los zafiros que venían de Ceilán y Persia, las esmeraldas de Egipto y los diamantes de la India y África Central.

Las piezas de índole religioso fueron muy comunes, debido a que predominó la representación de formas asociadas al cristianismo.

La importancia de las joyas en el Renacimiento

El Renacimiento surge como movimiento cultural en Italia a partir del siglo XIV y fue extendiéndose por el resto de Europa durante el siglo XVI. El comercio de gemas preciosas en Europa hizo que estuviese disponible una gran variedad, fue una época de esplendor y las joyas comenzaron a vivir su momento artístico.

En el siglo XV, las joyas fueron de gran relevancia en la moda de la época. Los trajes de terciopelo y seda fueron bordados con pedrería y perlas.

Las joyas representaban un símbolo de prestigio y poder y estaban muy ligadas a la Corte. Muchas de ellas fueron fabricadas  con esmeraldas colombianas, topacios y amazonita de Brasil, espinela, iolita y crisoberilo de Sri Lanka, rubí de la India, lapislázuli afgano, turquesa persa, peridoto del Mar Rojo, ópalo, granate y amatista de Bohemia y Hungría.

Durante el proceso de creación, los colgantes, gargantillas, sortijas se efectuaba el labrado del oro, esmaltado y engarce de las piedras. Los “Llibres de Passanties” conservados en el Museo de Historia de la ciudad de Barcelona, son un claro testimonio de estas obras.

Los joyeros y orfebres renacentistas enriquecieron las técnicas aplicadas en joyería y emplearon nuevas “tecnologías” que les permitían tallar piedras de una mayor dureza y realizar grabados tallados sobre gemas.

Se extendió el uso de pendientes combinados con piedras barrocas, gemas incrustadas y esmalte.

Los broches con retratos en miniatura fueron muy populares, así como, la ornamentación de animales fantásticos como sirenas, cabezas de monstruos y centauros. Sin embargo, en un periodo dominado por la religión eran muy frecuentes el uso de cruces y medallas combinadas con oro, gemas y esmalte.

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Dama renacentista. Fuente: www.balclis.com

La joyería Barroca

En la época del barroco, a las piezas de índole religiosa y simbólica heredadas del pasado, se sumaron otras joyas puramente ornamentales, que realzaban la calidad de elaboración y la riqueza de los materiales, que exhibía el status social del portador.

Las formas profanas o fantasiosas respondían a criterios estéticos o de capricho, imponiéndose paulatinamente frente a las religiosas o votivas. Por ejemplo, los colgantes de tipo altaret, piezas que podrían considerarse verdaderas esculturas o cuadros portátiles, e incluso frentes arquitectónicos en miniatura.

En el siglo XVIII las gemas se presentaban siempre en monturas cerradas. Los joyeros de la época se dieron cuenta de la importancia de destacar el brillo de la pedrería y decidieron abrir las monturas y sujetar las gemas al aire para que lucieran en todo su esplendor.

La joyería en el siglo XIX

Durante el siglo XIX, en el ámbito de la joyería se destacó el historicismo con fuentes de inspiración, desde clásicas hasta barrocas.

Tras la aparición del Romanticismo, la joyería se convirtió en una manifestación del sentir apasionado, y a las joyas se les dotó de una gran carga simbólica y emotiva. Ya fuera como recuerdo de un difunto o de un ser amado, las joyas se usaban con guardapelos o portarretratos, e incluso piezas elaboradas con cabello humano.

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Evolución de la joyería. Fuente: www.jorgejuanjoyeros.es

La seductora joyería de principios del siglo XX

Los últimos coletazos del colonialismo europeo del siglo XIX coincidieron con una era de riqueza, de refinamiento y de sofisticación que se vio bruscamente interrumpida con el inicio de la Primera Guerra Mundial. Este período, que denominamos Belle Époque, a nivel de las artes, significó el regreso de antiguos temas y motivos.

El gran representante de la joyería de esta época fue el francés Louis Cartier, se encargó de buscar patrones en documentos antiguos, para recuperar diseños del pasado. El siglo XVIII fue su principal fuente de inspiración.

Desde 1900, aparecieron distintos movimientos artísticos como el Art Nouveau, las piezas de autor y de diseño.

Las piezas de principios de siglo XX han sido mucha importancia para los coleccionistas de joyas. El diamante fue la gema más popular junto con la perla, y era habitual enmarcarlo en líneas de esmalte negro o de ónix, de modo que se consideraba una estética en la que predomina el “blanco y negro”. Los orfebres se inspiraron en la aportación estilística de los ballets rusos de Diaghilev y el redescubrimiento de culturas, tales como la egipcia o la japonesa. La Segunda Guerra Mundial supuso el final de los locos años 20 y dio paso a una nueva década mucho más explosiva.

La joyería en los años 40-50

En la década de 1940, el oro era el principal metal precioso, aun cuando se empleara en hojas más delgadas y ligeras. Las cadenas cilíndricas, tubos de oro sinuosos y los broches grandes con motivos florales se pusieron de moda en esa época.

Al finalizar la Segunda Guerra Mundial, las casas de alta costura parisinas como Christian Dior, Yves Saint Laurent y Chanel vistieron a las mujeres más glamurosas de la sociedad. El oro amarillo siguió teniendo gran popularidad y se combinó con gemas como turquesas, amatistas, así como, las joyas cubiertas en oro y diamantes.

Personalidades como Grace Kelly y Jackie Kennedy fueron un referente de estilo y pusieron en gran valor los collares de perlas.

Por otra parte, el platero Georg Jensen, destacó debido a sus diseños escandinavos, los cuales son muy valorados por los coleccionistas de todo el mundo.

La joyería exhuberante de la segunda mitad del siglo XX

Durante la década de 1960, los ingleses y su estética más pop dominaron el mercado de la moda y las joyas con complementos de gran tamaño, como las pulseras, gargantillas y enormes pendientes de colores saturados o metalizados de inspiración futurista.

Italia, por su parte, relevó a Francia como referente de estilo y firmas como Gucci o Ferragamo, los cuales eran los símbolos del cool juvenil.

En la década de los 70 las joyas comenzaron expresar espiritualidad en vez de opulencia. Van Cleef and Arpels marcó la pauta de la era con piezas en oro engastadas con rubíes, esmeraldas y diamantes. La casa italiana Bulgari diseñó piezas como gargantillas, pulseras o pendientes que tanto podrían ser usadas de día como de noche.

Los años 80 fue la década del poder y la gloria. El color negro dominó la moda y servía de fondo para las llamativas y ostentosas joyas en oro pulido. Las mujeres ejecutivas se vestían con grandes joyas para lucir poderosa y femenina.

Actualmente, en el siglo XXI, la joyería presenta un revival del siglo XX, encontrando en el mercado piezas de estilo Belle Époque o Art Déco, de estilo vintage como en los años 50 o exuberantes como las de los años 80 y 90.

Referencias

https://www.balclis.com/es/el-arte-de-la-joyeria-a-lo-largo-de-la-historia/

https://www.jewelrycooltrend.com/breve-historia-de-la-joyeria/#Joyeria_Contemporanea

http://bellezaporunproposito.mx/la-historia-de-la-joyeria/

 

El Museo Nacional del Prado celebra su bicentenario

Bicentenario

Este martes 19 de noviembre, el Museo Nacional del Prado celebra su bicentenario. Hace 200 años, abrió sus puertas en Madrid el Museo Real, génesis de la actual pinacoteca.

El Museo Nacional del Prado, ubicado en Madrid, España, es uno de los más importantes del mundo. Desde el 2013, ocupa el 18° lugar entre los museos de arte y alberga obras de maestros europeos desde el siglo XVI hasta el XIX.

Sus principales atracciones radican en la amplia presencia de obras de Velásquez, el Greco, Goya, Tiziano, Rubens y el Bosco.

Hasta febrero de 2017, el inventario de bienes artísticos comprendía de más de 35000 objetos desglosados de la siguiente manera: 8045 pinturas, 9561 dibujos, 5973 estampas y 34 matrices de estampación, 971 esculturas (además de 154 fragmentos), 1189 piezas de arte decorativo, 38 armas y armaduras, 2155 medallas y monedas, por encima de 15 000 fotografías, 4 libros y 155 mapas.

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Museo Nacional del Preado. Fuente: okdiario.com

Historia

El edificio que alberga el Museo de Prado, fue construido por orden de Carlos III, basado en los los diseños del arquitecto Juan de Villanueva en 1785.

Las obras de construcción se iniciaron durante el reinado de Carlos III hasta la regencia de Carlos IV, quedando el edificio finalizado a principios del siglo XIX. No obstante, fue usado para fines militares con la llegada de las tropas francesas a España y la Guerra de la Independencia, dejándolo en un estado de ruina.

A partir de 1818, el rey Fernando VII y su esposa Isabel de Braganza, aportaron fondos para el inicio de la recuperación del edificio, basado en el nuevo diseño de Villanueva, quien fue sustituido tras su muerte por su discípulo Antonio López Aguado.

Los tesoros de Fernando VII

Fernando VII se encargó de depositar parte de las colecciones reales conformadas desde el siglo XVI, primero con los Austrias y posteriormente con los Borbones. Entre las piezas que habían ido acumulando los distintos monarcas españoles sobresalen tesoros como El jardín de las delicias, de El Bosco; El caballero de la mano en el pecho, de El Greco; Las meninas, de Velázquez y La familia de Carlos IV, de Goya, entre otros.

El 18 de diciembre de 1869, tras el destronamiento de Isabel II, entró en vigencia una Ley que abolió el patrimonio de la Corona, el cual decreta que el museo pasa a formar parte de los “bienes de la nación”.

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Fernando VII. Fuente: es.wikipedia.org

El Museo del Prado en decadencia

Entre los siglos XIX y XX, el Prado estuvo en una situación de precariedad, debido al aporte insuficiente de recursos, por parte del Estado y las deficientes medidas de seguridad.  El artículo de Mariano de Cavia, publicado en 1891 en la portada de El Liberal, provocó una falsa alarma de incendio que ocasionó la adopción de medidas de urgencia para el mejoramiento del museo.

El Museo del Prado expoliado

En 1918, cuando el Tesoro del Delfin fue objeto del expolio, por parte de un empleado del museo, Rafael Coba. La mayoría de las piezas fueron recuperadas, a excepción de once; treinta y cinco de ellas presentaban desperfectos muy severos. Sin embargo, el museo sufrió otros robos en 1897 con la sustracción de un boceto de Murillo, Santa Ana enseñando a leer a la Virgen; y en 1961 otro ladrón intentó entrar al edificio por el tejado, aunque cayó al vacío y falleció.

El Museo del Prado en tiempos de crisis

Desde el comienzo de la contienda en 1936 se desarrolló la operación de salvamento de patrimonio español más importante de la historia: un éxodo que se prolongó durante tres años en el que las fuerzas republicanas evacuaron de España las principales obras del museo. Una gran parte de las obras maestras del Prado fueron evacuadas durante la Guerra Civil, ante el temor de que los bombardeos del bando franquista destruyesen el edificio y su contenido; así como, las cincuenta y cuatro obras del NAM, entre las cuales se encontraban: La condesa de Chinchón, de Goya y La condesa de Santovenia, de Eduardo Rosales.

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La condesa de Chinchón, de Goya. Fuente artehistoria.com

La ampliación de las instalaciones

A partir de los años 60, el Prado sufría limitaciones de espacio, debido a la gran afluencia turística. A lo largo de estos dos siglos, el número de visitantes ha ido creciendo exponencialmente, hasta alcanzar los 3.672.853 en 2018. En este tiempo se han acometido varias reformas sobre el edificio original de Villanueva, la primera en 1847. El proyecto de ampliación más ambicioso se llevó a cabo entre 2001 y 2007, cuando Rafael Moneo diseñó un anexo a la sede original, la llamada «ampliación de los Jerónimos».

Inventario de obras

En la actualidad, el Museo del Prado posee un inventario de 8.100 obras, de las cuales 1.300 se muestran en sus salas a lo largo de todo el año en su colección permanente.

Entre las obras de arte exhibidas en la pinacoteca destacan, cuadros como La anunciación, de Fra Angélico; El descendimiento de la cruz, de Roger van der Weyden; el Autorretrato de Alberto Durero y Las tres gracias, de Rubens, entre otros muchos.

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Salas de exhibicion del Museo Nacional del Prado. Fuente: ticketea.com

“Museo para los pintores”

Desde sus inicios a principios del siglo xix, el Museo del Prado ha contribuido al estudio y difusión de la pintura española, convirtiéndose además en un “museo para los pintores”, lugar de aprendizaje e inspiración para las nuevas generaciones de artistas como Eduardo Rosales, Francisco Pradilla, Ignacio Zuloaga y Joaquín Sorolla, entre muchos otros

También acudieron al museo los dos artistas que alcanzarían la fama universal: Pablo Picasso y Salvador Dalí. También asistieron a la pinacoteca madrileña los pintores franceses más innovadores del realismo y del impresionismo, como Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas, Toulouse-Lautrec y Édouard Manet, por nombrar algunos.

El Museo del Prado cumple dos siglos

Este 19 de noviembre, se conmemoran los 200 años del Museo Nacional del Prado. La celebración de su bicentenario comienza con una exposición que traspasa su relato con el de España y resalta la influencia de la colección en los grandes artistas. Para ello, se propone un recorrido por las historias en paralelo del museo y de España. También celebra el enorme poder de influencia de su colección en la modernidad de pintores españoles (Picasso o Antonio Saura) y extranjeros (Manet o Pollock).

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Visitantes del Museo Nacional del Prado. Fuente: elpais.com

Referencias:

https://es.wikipedia.org/wiki/Museo_del_Prado

https://elpais.com/cultura/2019/11/19/actualidad/1574118122_186467.html

https://elpais.com/cultura/2018/11/16/actualidad/1542396527_650402.html

Los Mejores Fotógrafos del Mundo de la Moda.

Mujer en un espacio urbano

La fotografía de moda es considerada por muchos uno de los géneros artísticos más influyentes. Desde hace décadas se han tenido grandes personajes, que han reflejado sus mejores trabajos a través de la fotografía. Son los protagonistas invisibles de las campañas publicitarias y editoriales de las revistas de moda más importantes del mundo. Estos artistas son los más conocidos y destacados de la industria fotográfica.

Estos profesionales del lente, son uno de los pilares fundamentales en la industria de la moda. Admirados por diseñadores, modelos y revistas especialistas en el sector, debido a su capacidad de transformar una imagen en una obra de arte. Los fotógrafos de moda captan la belleza más pura en un solo clic.  Son verdaderos artistas que consiguen que nos enamoremos de una prenda, de un bolso y de unos zapatos, a través de sus imágenes fotográficas. Este artículo está dedicado a los mejores fotógrafos, más famosos e influyentes en la industria de la moda.

Peter Lindbergh

Nació en Lissa en 1944. En los 90 fue el oficial de las Top Model como Naomi Campbell, Christy Turlington o Cindy Crawford. Considerado como uno de los grandes fotógrafos de moda, destaca por su obra en blanco y negro, y por despojar a sus modelos de cualquier artificio, sin maquillaje ni excesos y los peinados simples. Sus imágenes tienen mucha fuerza e intensidad y continúa trabajando para las revistas más prestigiosas del sector. Puede llegar a trasmitir emociones, con solo el juego de luz que realiza al momento de fotografiar.

Bruce Webber

Nacido en 1966, es un director de cine muy conocido por su trabajo con celebridades y modelos, el cual le ha servido para saber tratar y sacar lo mejor de ellas, a través del lente; además que toda su obra tiene un espíritu cinematográfico increíble. Fue el pionero en introducir el cuerpo masculino en la publicidad contemporánea y su estilo propio ha cautivado a revistas especializadas como GQ, Vanity Fair, Vogue o Rolling Stone. Destaca por sus campañas publicitarias para Calvin Klein, Ralph Lauren, Pirelli, Abercrombie & Fitch, Revlon y Gianni Versace.

Ellen Von Unwerth

Es una fotógrafa y directora alemana, especializada en erotismo femenino. Trabajó como modelo durante diez años antes de dedicarse a la fotografía de moda, publicitaria y editorial. Esta ex modelo ha dejado las pasarelas para pasar detrás del objetivo y hacer sus propias series de moda para el grupo Condé Nast, entre otros. Su primera experiencia fue en Kenia, donde tomó fotos de la población y de los niños de esta ciudad. Nunca se imaginó que las fotografías serían publicadas por la revista francesa JILL.

Las sesiones fotográficas que realizó con la supermodelo Claudia Schiffer la llevó a ambas directamente a la fama. A partir de ese momento, Ellen ha retratado imágenes en las portadas de las revistas más importantes del mundo, haciendo editoriales con las modelos más cotizadas del momento. Unwerth ha realizado campañas para las marcas con más prestigio dentro del ámbito. Sus imágenes son poderosas, destilan lujo, exuberancia y unerotismo sofisticado. Le gusta multiplicar los tratamientos y las técnicas como los encuadres estrechos, los colores vivos o el ruido visible en sus fotos.

Red Beauty
Fuente: https://fashionunited.com.pe

Steven Meisel

Es uno de los más controvertidos fotógrafos profesionales, creador de los editoriales de moda tal y como los conocemos hoy en día. Meisel es el desenfadado, divertido, seductor y más controvertido de los fotógrafos que trabajan actualmente en el sector.

Es el fotógrafo más surrealista. Sus trabajos son glamurosas e irreales, ya que le gusta jugar con los volúmenes, resaltar los colores y recrear mundos de fantasía, en las que aparecen extraños elementos que combinan perfectamente con la ropa.

Annie Leibovitz

Nació en Waterbury, Alemania en 1949. Es la primera fotógrafa en exponer sus trabajos en la Galería Nacional de Washington. Leibovitz se ganó el respeto de esta industria, gracias a mostrar la esencia fotográfica de sus modelos. Grandes figuras han pasado por su lente; Obama, la Reina Isabel, y fue la última en fotografiar a Jonh Lenon.

Es la fotógrafa más premiada y mejor pagada del mundo. Leibovitz ha realizado trabajos fotográficos para revistas más importantes de la moda como Vanity Fair y Vogue. Ha sido galardonada con importantes premios como el Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades en 2013 o el título de fotógrafa más influyente por la revista American Photo en 2005. También es conocida por sus retratos y por sus editoriales de moda. Leibovitz tienen un método conceptual y que se adapta a lo que quiere retratar y mostrar en el exterior.

Terry Richardson

Nació en el 1965 en Nueva York. Su primer trabajo fue para la diseñadora de moda londoniense, Katharine Hamnet. Richardson es un rebelde con una causa, convertir la fotografía en algo tremendamente divertido y provocador. Su trabajo se caracteriza por sus sediciosas imágenes que han cautivado a diseñadores como Marc Jacobs, Aldo , Supreme , Sisley , Yves Saint Laurent y Tom Ford, entre otros.

Terry Richardson ha fotografiado varias campañas para las revistas Rolling Stone, GQ, Vogue, Vanity Fair, Harper’s Bazar, i.D y Vice. Las modelos, cantantes y actrices son atraídos al concepto de fotografía que ha creado Richardson y que capta las imágenes más seductoras, desenfadadas y muy divertidas. También ha realizado una serie de retratos privados para el magnate italiano Renzo Rosso y es conocido por su temática “sexual” en situaciones mundanas y por haber retratado a famosos y políticos.

Mario Testino

Mario Testino (1954) es uno de los fotógrafos más reconocidos y famosos del mundo de la moda, Su nombre suena al gran público por su relación con la princesa Diana de Gales. Ahora continúa este vínculo con la familia real británica, gracias a su excelente relación con los Duques de Cambridge.  Una de sus figuras favoritas del famoso fotógrafo ha sido la modelo Kate Moss. Asimismo, ha realizado trabajos fotográficos con las revistas, Vogue, Elle y Harper´s Bazaar.

Testino es muy reconocido por sus campañas publicitarias geniales y por sus intrépidas fotografías de moda. Destaca por las cuantiosas exposiciones que se han realizado sobre sus imágenes, textura, atmósfera, su juego con las sombras y luces y los detalles que capta en un clic.

Mujer hermosa de Mario Testino
Fuente: mott.pe

Patrick Demarchelier

Nacido en El Havre, Francia en 1943, es un fotógrafo de moda que mezcla y fusiona todas las posibilidades a su alcance para ofrecer imágenes únicas y repletas de historias.

Demarchelier mezcla estilos y crea nuevas propuestas visuales, el cual ha abierto su estilo fotográfico a un mundo lleno de imaginación y posibilidades. Ha trabajado con las revistas de moda más importantes como Rolling Stone, Glamour, Vannity Fair, Vogue y Harpe’r Bazzar; así como para grandes marcas como Dior.

Juergen Teller

Juergen Teller nació en Alemania en 1964. Es otro de los artistas más transgresores de la industria fotográfica y es el responsable de algunas de las más famosas campañas publicitarias de los últimos años. Tiene la capacidad de sacar la parte más bella de una imagen instantánea y prosaica. Desde 1998, es uno de los fotógrafos favorito de los modistas Marc Jacobs y Vivienne Westwood.

El famoso fotógrafo posee un estilo propio en un universo único que realza las carnes exhibidas, las arrugas, cicatrices y juega con una luz bruta, sin tratamiento y lejos de los clichés de las bellezas retocadas con el Photoshop.

Nick Knight

Es un fotógrafo de origen inglés, cuyo trabajo es considerado como innovador, debida a que en sus propuestas rompe los esquemas de la fotografía convencional de la moda. Su  originalidad de sus fotografías lo convierte en uno de los fotógrafos más influyente.

Knight es el predilecto por las marcas de moda, ya que le gusta cambiar de estilo cuando trabaja. Es reconocido en la cultura contemporánea, por fotografiar a los iconos musicales. Su punto fresco y tremenda originalidad le han convertido en uno de los fotógrafos más reconocidos.

Nick Knight tiene un particular y sorprendente estilo con sus imágenes que encierran una belleza no convencional. Es por ello que ha ganado numerosos premios para editoriales como para Vogue y las campañas publicitarias de Cristian Dior, Alexander McQueen, Calvin klein, Yves Saint Laurent, entre otros.

Además, es el director y creador de “show studio”, uno de los salones de artes más famosos en Inglaterra. Publicó un libro en el año 1982, Skinheads, por el cual fue premiado. Ha realizado una editorial con Cara Delevingne, quien fue una de sus principales musas en esta época.

Inez & Vinoodh

Inez Van Lamsweerde y Vinoodh Matadin sonuna pareja de artistas holandeses que trabaja juntos desde los años 90. Estos artistas presumen de ser adalides del estilo más maximalista del momento.

Su trabajo, que combina el arte digital y la fotografía, es muy preciado por las mejores revistas y las casas de moda como Balmain o Saint-Laurent. Inez&Vinoodh ponen en escena a las topmodels, mezclando elegancia con extremo, lo bello con los extraño y lo clásico con lo contemporáneo.

Richard Avedon

Richard Avedon (1923-2004) es reconocido por muchos por haber hecho de este género un arte. Su gran época fue en los años 60 y 70, donde no solo se dedicó a retratar, sino también fue jefe de fotografía de Harper’s Bazzar. Participó del servicio militar en la Segunda Guerra Mundial. Al terminar su labor, empezó a incursionar en el mundo de la fotografía de moda. Sus primeros trabajos eran ir a fotografiar a las calles de New York, bares, circos, playas y otros lugares. El domino de la luz en sus imágenes es maravilloso. Su especialidad eran los retratos, aunque también realizó fotografías. Fue de los primeros fotógrafos en dar “libertad” a las modelos y que no aparecieran en actitud sumisa o indiferente.

Steven Klein

Nacido en Rhode Island en 1954, es reconocido por su influencia en el mundo de la moda y arte. Se describe su labor como un arte conceptual y sexual. Este fotógrafo estadounidense es uno de más icónicos de nuestra época. Estudiante en pintura, más joven estaba fascinado por el estilo de Picasso y Bacon. Su trabajo se caracteriza por las poses sugestivas y expresiones marcadas de sus modelos. Colabora con i.D, Numero o W, entre otros. En 1985, ha fotografiado la campaña de Dior, más tarde Eva Mendes posaba delante de su cámara para Calvin Klein, y Madonna para Dolce & Gabbana. En 2010, realizó para Lady Gaga su videoclip “Alejandro” y en 2012, materializó el lanzamiento de su perfume “Fame”.

Fotografia de Steven Klein
Fuente: mott.pe

David LaChampelle

David Lachapelle es conocido mundialmente por su talento excepcional de saber combinar una estética hiperrealista con profundos mensajes sociales. Sus fotos coloridas y la estética en sus imágenes son poco exageradas y llenas de vida. Es muy minucioso en su trabajo, para no utilizar las ediciones. Sus proyectos han sido publicados en las revistas Vogue y Rolling Stone.

Empezó su carrera en los años 80, dónde exponía sus trabajos en las galerías de arte de Nueva York. El artista plástico y cineasta estadounidense Andy Warhol lo llevó a obtener su primer trabajo de fotógrafo en la revista Interview. Años más tarde, su talento fomentaba las páginas de Vogue Francia e Italia, Vanity Fair, GQ, Rolling Stone y i.D. Ha retratadoa a los famosos más internacionales como David Beckham, Madonna, Beyoncé, Katy Perry, Lady Gaga, Kanye West o Angelina Jolie. Asimismo, ha trabajado para Diesel Jeans, L’Oréal o Tod’s.

Los grandes museos del mundo han expuesto sus obras en países como Mexico, Israel, Corea del Sur o Taïwan. Sus fotografías también han sido exhibidas en el Museo de las Artes Decorativas de París en la exposición “Christian Dior: Couturier du Rêve”.

Referencias

https://www.trendencias.com/fotografos-de-moda/las-cuentas-de-instagram-de-los-mejores-fotografos-de-moda-del-mundo

https://www.lavanguardia.com/de-moda/moda/20160120/301555762961/fotografos-moda-importantes.html

https://mott.pe/noticias/los-10-mejores-fotografos-especializados-en-fotografia-de-moda/

https://mott.pe/noticias/los-10-mejores-fotografos-de-moda-que-debes-seguir-en-instagram/

https://fashionunited.com.pe/noticias/cultura/los-10-mejores-fotografos-de-moda-que-deberia-conocer/2017081022575

https://www.instagram.com/p/BVm3uizDsAG/

https://www.dukefotografia.com/blog/10-fotografos-moda-tienes-seguir-instagram/

https://www.ellahoy.es/moda/articulo/los-mejores-fotografos-de-moda-de-la-historia/270111/

http://www.magnolia-agency.com/los-7-fotografos-mas-influyentes-en-el-mundo-de-la-moda/

 

Oscar Carvallo: El Lord de la Moda Multicultural

Oscar Carvallo

Oscar Carvallo es el lord del mundo contemporáneo. Su vida está marcada por el éxito y la elegancia. Es uno de los hombres más sugerentes de la alta costura.

El diseñador Oscar Carvallo nació en Caracas (Venezuela). Desde niño demostró su preferencia por el arte del diseño, partiendo de la imagen de un retrato de sus abuelos.

Se graduó de abogado para continuar la tradición familiar. Decidió iniciar en el mundo de la moda  con el “couturier” francés Guy Meliet, alumno de Christian Dior, quien estaba establecido en Caracas y de quien aprendió las técnicas de la costura.

En los primeros años, Carvallo desarrolló colecciones de la alta costura, vistiendo a las damas más elegantes de Caracas y Latinoamérica.

Luego, partió a Milán (Italia), para realizar sus estudios de postgrado en moda en la Domus Academy. Sin embargo, hace una pausa para completar su formación profesional hasta 2003 que finaliza sus estudios. Durante ese tiempo, Carvallo trabaja en la producción de los grandes desfiles de las reconocidas firmas italianas como Roberto Cavalli y Vivienne Westwood.

Oscar Carvallo decide mudarse a París (Francia), la capital mundial de la moda, donde resuelve crear su firma denominada Oscar Carvallo París. Un año después, presentó su primera serie Prêt à Porter en la París Fashion Week.

Inauguración de Flagship Store y Haute Couture

En 2006, Carvallo inauguró su primera boutique Prêt à Porter de Paris, en la 10 Rue Cambon, donde todas sus colecciones llevan el sello de Made in Italy; lo que le permitió entrar en el mercado internacional de la moda. En el año 2011, instala su primer atelier en París, en la famosa Rue du Faubourg Saint Honoré, desarrollando colecciones exclusivas de “Haute Couture”, dirigida exclusivamente a clientes con exquisito gusto por la moda francesa.

Bio Haute Couture
Haute Couture. Fuente: https://www.oscarcarvallo.com

Los desfiles que lo impulsaron al éxito

En enero del 2013, Oscar Carvallo debuta durante la semana de la Haute Couture de París, su colección “Femme Poisson“, la cual se inspira en las formas orgánicas de la naturaleza, el movimiento del mar y la elegancia femenina; así como también exhibe su colección titulada, Eagle Eye.

La Combinación de Arte y Moda

Oscar Carvallo, también se ha relacionado con el mundo del arte. En 2008, trabaja con el artista plástico Carlos Cruz-Diez. El diseñador  integra el arte del movimiento en las telas que dieron vida a su serie “Un Voyage Cinétique“. La misma fue presentada para un evento en el Musée des Arts Décoratifs de París, conjuntamente con el artista plástico en enero de 2009.

Arte y Moda
Arte y Moda. Fuente: https://www.oscarcarvallo.com

Voyage Cinétique II

En Enero 2014, se une nuevamente al maestro Carlos Cruz Diez, esta vez para presentar su colección Primavera/Verano, titulada “Voyage Cinétique II”, en la que los juegos de color y movimiento reinaron la pasarela de la semana de la Haute Couture de París. Ambos artistas, convirtieron a la mujer en una obra de arte. Carvallo presentó 35 looks cuyos estampados, formas, texturas y detalles se han creado a partir de seis pinturas realizadas por el artista plástico.

Oscar Carvallo mezcla la seda, la muselina, la seda gazar, el encaje de hormigas con neopreno, malla y tiras de metal. Con la interacción de colores y movimientos, las joyas finas creadas por el artista, completan los looks de colores brillantes. Esta colección puso en perspectiva la fascinante contribución de la obra de Carlos Cruz-Diez en su conjunto.

Voyage Cinetique II
Voyage Cinetique II. Fuente: https://www.oscarcarvallo.com

Save Our Souls

En Julio 2014, Oscar Carvallo presentó su colección couture Otoño/Invierno 2014, en París, titulado Save Our Souls (SOS). La serie de Carvallo finalizó con la participación del maestro Pancho Quilici, quien hizo una reflexión, a través de una estructura corporal aplicada al papel de la vestimenta como refugio de supervivencia.

El Universo Ready to Wear en Miami

En el año 2015, Oscar Carvallo desarrolló la línea Ready to Wear, inspirado en sus colecciones de Haute Couture Parisina. Abrió su primera flagship store en el Design District en Miami, donde ofreció sus piezas de alta costura.

El “Corazón Rojo” de  Oscar Carvallo

Oscar Carvallo, es el diseñador venezolano que viste a la segunda finalista del certamen Miss Universo Sthefany Gutiérrez. La entonces concursante, ha sido una de las encargadas de lucir piezas de la nueva colección denominada Corazón Rojo, alusivo al estampado que lleva la prenda en el lado izquierdo, la cual se vuelto muy reconocida en Estados Unidos.

Oscar Carvallo «Libera Su Alma» en Miami Fashion Week

En 2018, el modisto venezolano inauguró la pasarela Miami Fashion Week, con su colección “Free My Soul”.  El diseñador, una vez más, y reafirma su identidad en el mundo de la moda. Al respecto el Carvallo expresó que esta colección es importante, debido a que es el resultado de 18 años de trabajo en París, y que es la primera que presentada en EEUU.

Oscar Carballo en Miami Fashion Week.
Oscar Carballo en Miami Fashion Week. Fuente: https: www.diariolasamericas.com

Free My soul, según Carvallo, es una personificación de la firmeza y no solo de la tendencia juvenil actual que busca la manera de sentirse libre, sino que también representa el deseo de libertad de su país natal.

Oscar Carballo despide su desfile, jen Miami Fashion Week.
Oscar Carballo despide su desfile, junto a dos modelos, en Miami Fashion Week. Fuente: https: www.diariolasamericas.com

Chocolate con Alta Costura

En Venezuela, María Di Giacobbe y Chloé Doutre-Roussel, expertas en esa industria, tuvieron la iniciativa de llevar a cabo la creación de las 8 tabletas que conforman la colección Paris Haute Couture Chocolate del afamado diseñador.

La idea de esta iniciativa surge tras una visita de Di Giacobbe al atelier del diseñador venezolano en Miami, la cual expone la combinación constante entre la moda, la gastronomía y el arte.

Los chocolates, elaborados con cacao venezolano de las denominaciones Chuao, Carúpano Pintao y Tesoro, están envueltos en empaques con impresiones alusivas a la colección Voyage Cinetique del reconocido diseñador, la cual vibra con el cinetismo del maestro Carlos Cruz Diez. Las tabletas se pueden adquirir en Cacao de Origen, ubicado en la planta alta del secadero 5 de Hacienda La Trinidad, en Caracas.

Referencias:

https://www.oscarcarvallo.com/es/about/el-disenador/

https://www.diariolasamericas.com/cultura/oscar-carvallo-libera-su-alma-la-pasarela-que-inaugura-miami-fashion-week-n4151967

https://peopleenespanol.com/ponte-bella/oscar-carvallo-como-nunca-antes/

https://us.emedemujer.com/miami-lifestyle/oscar-carvallo-en-el-miami-fashion-week/

https://edvardavila.wordpress.com/2016/03/25/disenadores-venezolanos/

http://www.leonardovfashionbook.org/oscar-carvallo-springsummer-2014/

https://www.entornointeligente.com/todo-un-xito-a€-oscar-carvallo-el-diseador-venezolano-que-viste-a-sthefany-gutirrez-en-estados-unidos/

https://www.reporte1.com/el-es-el-disenador-venezolano-que-viste-a-sthefany-gutierrez-en-estados-unidos