Elías Crespín, el talento venezolano en el Museo de Louvre

Elías Crespín

El venezolano Elías Crespín será el primer latinoamericano en mostrar su obra en el Museo Louvre de París. Este artista estuvo influenciado desde muy joven por el mundo del arte y la ciencia. Una obra de Jesús Soto lo inspiró a transformar su vida y perseguir el arte como guía. Debido a su talento Elías Crespín fue seleccionado para decorar permanentemente una de las escaleras del museo más importante de Francia.

Reseña biográfica

Elias Crespin nació en 1965 en Caracas (Venezuela), donde vivió hasta su traslado a París en 2008. Estudió informática en Caracas. Nieto de artistas e hijo de matemáticos, comenzó a trabajar en su primera obra en 2002 a la que denominó Malla Electrocinética I.

Su trabajo fusiona sus dos universos de pertenencia, el arte y la informática. Basado en sus investigaciones en programación, aplica la tecnología a las artes plásticas para crear esculturas en movimiento. Al utilizar motores controlados por software personalizado, Elias logra animar las estructuras geométricas modulares que crea. Sus instalaciones consisten en arreglos de elementos metálicos y plásticos formados a mano o elementos individuales en formas geométricas, que están suspendidos en el aire por hilos de nylon casi imperceptibles.

Elias Crespin
Elias Crespin y su obra que pertenece a la categoría de “Plano Flexionante”. Fuente: www.elnacional.com

Sus obras se exhiben en los museos más importantes del mundo

Elías Crespin ha exhibido sus obras en diferentes lugares del mundo como Galerie Denise Rene Espace y Galería Graf Paris ambas en París pero también se ha presentado en Nueva York, Bruselas, Suiza y en Venezuela. Sus obras han sido expuestas en varias instituciones internacionales como la XIII Bienal de Cuenca 2016, la Bienal de Busan Corea en 2014, en el Museum of Fine Arts Houston, el Grand Palais de París, el Espace Culturel Louis Vuitton de París y en la Fondation Boghossian y la Verrière Hermès de Bruselas.

En 2018,  Elías Crespin participó en la exposición Artistas y robots en París, donde reside. Actualmente, sus esculturas se encuentran en las colecciones permanentes de importantes instituciones como The Museum of Fine Arts de Houston, El Museo del Barrio de Nueva York, el Museo de Arte Latino Americano de Buenos Aires y el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. La obra de Elías Crespín será la primera pieza de un latinoamericano exhibida en el Museo Louvre. Estará incluida entre las colecciones históricas del arte universal que incluye La Mona Lisa de Leonardo Da Vinci. La escultura denominada «L’Onde du Midi», se compone de 128 tubos metálicos suspendidos por cables, estos son impulsados por motores que crean una coreografía sutil.

Elías Crispín brilla en Francia

Gego, es la artista cinética más importante de Venezuela. Con orígenes alemanes, Gerturd Goldschmidt se transformó en todo un ícono del arte venezolano, cuando  decidió dedicarse al arte cinético y al op-art. Su trabajo fue revolucionario ya que  desafió todo los límites y tabúes de la época.

Su nieto Elías Crespín estudió ingeniería informática en la Universidad Central de Venezuela. El arte estuvo presente en su vida gracias a su abuela, quien le enseñó a ver siempre más allá de la cotidianidad.

Su inspiración surge cuando fue a ver en el Museo de Bellas Artes de Caracas una exposición dedicada a su abuela, donde se encontró una obra del cinetista Jesús Soto que lo dejó impactado.

Elías Crespín
Elías Crespín, el nieto de Gego. Fuente: oceandrive.com.ve

La ingeniería mezclada con el arte

Crespín desde el 2008 se mudó a París, Francia, estaba en búsqueda de su propia voz como artista y se reunió con el grandísimo maestro venezolano Cruz-Diez.

Arte y cálculo componen a este venezolano. Crespín es una mezcla de arte y cálculo y se considera sensible a las formas y a la lógica.  Tras hacer sus investigaciones artísticas en las que combina sus conocimientos como ingeniero con sus talentos artísticos, Crespín ha desarrollado un software que le permite crear esculturas en movimiento. A esta investigación que concierne el tiempo, la forma y el movimiento, Elias Crespin asocia el estudio del color a través de la experimentación con diferentes materiales y texturas, de la luz y de la sombra.

“He desarrollado un programa de control de mis esculturas. Que va avanzando. Voy por la versión 5.4. Es el centro de funcionamiento de cualquiera de mis obras. Le digo al programa cuál es la geometría y la danza, y el programa se encarga de hacer que la danza se materialice”, explicó.

Elías Crespín
La obra de Elías Crespín en el Museo de Louvre. Fuente: oceandrive.com.ve

Elías Crespín en el Museo de Louvre

Su trabajo impresionó tanto a la directiva del Museo de Louvre, que lo invitaron a crear una obra que permanecería permanentemente entre la colección de obras de arte que allí se exhiben. “Cuando salí de la reunión, no sentía las piernas. Si me lo hubieran dicho hace años jamás lo hubiera creído”, comentó Crespín.

Las esculturas móviles de Elias Crespin se componen de mallas metálicas modeladas a mano o de elementos individuales suspendidos por hilos invisibles, que forman en su conjunto figuras geométricas. La escultura pertenece a la categoría de “Plano Flexionante”, y consiste en una alineación paralela de 128 tubos cilíndricos suspendidos en el aire por hilos invisibles, impulsadas por pequeños motores que hacen una coreografía extraordinaria. Celestial y aéreo, el móvil aparece en reposo como un plano horizontal rectangular con una longitud de casi 10 metros (1,50 L x 9,50 L metros).

Según los expertos del Museo de Louvre, la escultura “…parece escapar de las leyes de la gravitación y cobra vida en el espacio en una amplitud de 3 a 4.50 metros de altura, al ritmo de secuencias determinadas por algoritmos digitales. Esta coreografía de onda, que se desarrolla sin ninguna linealidad mecánica, favorece la lentitud y promueve la contemplación y la maravilla. La escalera del Midi ofrece al visitante una parada en su viaje, convirtiéndose en el teatro de un ballet silencioso”.

Museo de Louvre
Museo de Louvre en París, Francia. Fuente: oceandrive.com.ve

Elías Crespín es el primer artista latinoamericano en ingresar al Museo de Louvre para mostrar su obra. Para más información, puedes seguirlo en su cuenta de Instagram, o en su página web.

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/talento-venezolano-la-magica-creacion-de-elias-crespin-que-vivira-para-siempre-en-el-louvre/

http://www.eliascrespin.net/es/biografia/

https://www.elnacional.com/entretenimiento/el-venezolano-elias-crespin-expondra-en-el-louvre-de-paris/

https://www.rgrart.com/es/artistas/elias-crespin

https://www.noticias.com.ve/elias-crespin-sera-el-primer-latinoamericano-en-mostrar-su-obra-en-el-louvre/

https://www.eluniversal.com/entretenimiento/57726/obra-del-artista-venezolano-elias-crespin-se-exhibira-en-el-louvre

https://www.milenio.com/cultura/arte/museo-louvre-elias-crespin-latinoamericano-exponer-obra

Cristóbal Balenciaga: Maestro de la Alta Costura

Cristóbal Balenciaga

Cristóbal Balenciaga, mejor conocido como Balenciaga, fue un célebre diseñador de moda español, considerado elmaestro de la alta costura, que desempeñó su trabajo principalmente en la ciudad de París durante más de tres décadas. Fue uno de los diseñadores más admirados del siglo XX por la creatividad y perfección de sus diseños, que ejerció particular influencia en las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial.

Biografía

Cristóbal Balenciaga Eizaguirre nace en el seno de una familia humilde y muy católica en Guetaria, Guipúzcoa (España), el 21 de enero de 1895. Su padre era un pescador y su madre, una costurera.

Cristóbal Balenciaga
Cristóbal Balenciaga. Fuente: www.vogue.es

Su trayectoria

A partir de la muerte de su padre, Balenciaga se dedicó a ayudar a su madre en el oficio de costurera para sustentar a la familia. En 1916, abrió una casa de alta costura en San Sebastián. Entre los años 1918 y 1924 se asoció con las hermanas Lizaso, y formaron la casa Balenciaga Lizaso. Finalmente se separaron a causa de una discusión.

Con el estallido de la guerra civil española se mudó a París, donde se convirtió en uno de los diseñadores más influyentes. En agosto de 1937, Balenciaga abrió su taller en París en la avenida George V. Impuso su estilo innovador, exhibiendo una línea de hombros caídos, cintura pinzada y caderas redondas.

A partir de los años 1950, Cristóbal Balenciaga lanzó el vestido camisero, el traje chaqueta y el tacón bajo. Al contrario que muchos modistos, hacía bocetos de sus creaciones pero no las confeccionaban. Cristóbal Balenciaga tuvo un total dominio de la costura y del manejo de tejidos.  Tenía predilección por los tejidos con bordados a mano, lentejuelas o pedrería.

Balenciaga era capaz de ajustar un vestido con un paño de tela, sin efectuar cortes ni costuras, en muy corto tiempo. Tenía una gran habilidad en crear prendas de vestir asombrosas con exquisitas formas y volúmenes, las cuales presentaban un acabado perfecto, casi escultórico, ocultando todas las botonaduras y puntadas de hilo. Su nivel de exigencia le llevaba a desarmar un vestido entero si no quedaba a su plena satisfacción.

Cristóbal Balenciaga fue un entusiasta de los grandes maestros de la pintura española. Sus favoritos eran las de Velázquez y Goya; sin embargo, sus modelos muestran influencias cubistas.

Cristóbal Balenciaga
Vestidos diseñados por Cristóbal Balenciaga. Fuente: es.wikipedia.org

Su Clientela

La lista de sus clientas contenía a las figuras de la alta sociedad y del mundo del espectáculo, entre ellas se incluyen: Marlene Dietrich, Greta Garbo, Grace Kelly, Ava Gardner, Audrey Hepburn, Jackie Kennedy, entre otras. Confeccionó los vestidos de boda de su majestad,​ la reina Fabiola de Bélgica y de la duquesa de Cádiz. Una de sus principales admiradoras y cliente fue la millonaria estadounidense Rachel L. Mellon, para quien realizó cientos de piezas.

Debido a que Chanel accedió a crear colecciones prêt-à-porter, Balenciaga rechazaba la idea de producir en serie. En 1968, renunció a que su firma diera entrada al prêt-à-porter, lo que motivó al cierre de su casa de modas y a su retiro.

Balenciaga es considerado como el padre del alta costura y Francia le otorgó el título de caballero de la Legión de Honor.

En 1973, fueron expuestos 150 de sus diseños con motivo de la reinauguración del Instituto de la Indumentaria en el Metropolitan Museum de Nueva York.

Muerte

Cristóbal Balenciaga falleció inesperadamente Jávea, en Alicante, el 23 de marzo de 1972, , tras sufrir un infarto de miocardio, seguido de un paro cardíaco, a los 77 años de edad. Fue enterrado en Guetaria, su localidad natal.

Legado

Tras su fallecimiento, la firma Balenciaga se mantuvo activa. La marca estuvo inactiva hasta 1986, cuando Jacques Bogart S. A. adquirió los derechos de la marca a los herederos de Balenciaga.

En la actualidad, Balenciaga ofrece productos de alta costura, prêt-à-porter, perfumería, joyas y accesorios. Los bolsos Balenciaga son unos de los más deseados por las fashion victims y sus zapatos son diseños originales. En las colecciones históricas del Museu Tèxtil i d’Indumentària destaca la de sombreros y tocados de Balenciaga, por su gran variedad de formas.

Obra

Su obra ha sido objeto de numerosas exposiciones en el Museo Metropolitano de Nueva York en 1973, con 180 modelos expuestos. El Museo Balenciaga, inaugurado en Guetaria el 10 de junio de 2011, posee una colección de 1200 piezas. El Museu Textil i d’Indumentària del Disseny Hub Barcelona tiene una extensa colección de vestidos y complementos (especialmente sombreros) de Balenciaga. El Museo del Traje de Madrid también tiene una colección de moda que incluye vestidos de Balenciaga.

Referencias

https://es.wikipedia.org/wiki/Crist%C3%B3bal_Balenciaga

https://www.vogue.es/moda/modapedia/disenadores/cristobal-balenciaga/172

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/balenciaga.htm

https://www.ecured.cu/Crist%C3%B3bal_Balenciaga

El Museo Nacional del Prado celebra su bicentenario

Bicentenario

Este martes 19 de noviembre, el Museo Nacional del Prado celebra su bicentenario. Hace 200 años, abrió sus puertas en Madrid el Museo Real, génesis de la actual pinacoteca.

El Museo Nacional del Prado, ubicado en Madrid, España, es uno de los más importantes del mundo. Desde el 2013, ocupa el 18° lugar entre los museos de arte y alberga obras de maestros europeos desde el siglo XVI hasta el XIX.

Sus principales atracciones radican en la amplia presencia de obras de Velásquez, el Greco, Goya, Tiziano, Rubens y el Bosco.

Hasta febrero de 2017, el inventario de bienes artísticos comprendía de más de 35000 objetos desglosados de la siguiente manera: 8045 pinturas, 9561 dibujos, 5973 estampas y 34 matrices de estampación, 971 esculturas (además de 154 fragmentos), 1189 piezas de arte decorativo, 38 armas y armaduras, 2155 medallas y monedas, por encima de 15 000 fotografías, 4 libros y 155 mapas.

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Museo Nacional del Preado. Fuente: okdiario.com

Historia

El edificio que alberga el Museo de Prado, fue construido por orden de Carlos III, basado en los los diseños del arquitecto Juan de Villanueva en 1785.

Las obras de construcción se iniciaron durante el reinado de Carlos III hasta la regencia de Carlos IV, quedando el edificio finalizado a principios del siglo XIX. No obstante, fue usado para fines militares con la llegada de las tropas francesas a España y la Guerra de la Independencia, dejándolo en un estado de ruina.

A partir de 1818, el rey Fernando VII y su esposa Isabel de Braganza, aportaron fondos para el inicio de la recuperación del edificio, basado en el nuevo diseño de Villanueva, quien fue sustituido tras su muerte por su discípulo Antonio López Aguado.

Los tesoros de Fernando VII

Fernando VII se encargó de depositar parte de las colecciones reales conformadas desde el siglo XVI, primero con los Austrias y posteriormente con los Borbones. Entre las piezas que habían ido acumulando los distintos monarcas españoles sobresalen tesoros como El jardín de las delicias, de El Bosco; El caballero de la mano en el pecho, de El Greco; Las meninas, de Velázquez y La familia de Carlos IV, de Goya, entre otros.

El 18 de diciembre de 1869, tras el destronamiento de Isabel II, entró en vigencia una Ley que abolió el patrimonio de la Corona, el cual decreta que el museo pasa a formar parte de los “bienes de la nación”.

Fernando VII
Fernando VII. Fuente: es.wikipedia.org

El Museo del Prado en decadencia

Entre los siglos XIX y XX, el Prado estuvo en una situación de precariedad, debido al aporte insuficiente de recursos, por parte del Estado y las deficientes medidas de seguridad.  El artículo de Mariano de Cavia, publicado en 1891 en la portada de El Liberal, provocó una falsa alarma de incendio que ocasionó la adopción de medidas de urgencia para el mejoramiento del museo.

El Museo del Prado expoliado

En 1918, cuando el Tesoro del Delfin fue objeto del expolio, por parte de un empleado del museo, Rafael Coba. La mayoría de las piezas fueron recuperadas, a excepción de once; treinta y cinco de ellas presentaban desperfectos muy severos. Sin embargo, el museo sufrió otros robos en 1897 con la sustracción de un boceto de Murillo, Santa Ana enseñando a leer a la Virgen; y en 1961 otro ladrón intentó entrar al edificio por el tejado, aunque cayó al vacío y falleció.

El Museo del Prado en tiempos de crisis

Desde el comienzo de la contienda en 1936 se desarrolló la operación de salvamento de patrimonio español más importante de la historia: un éxodo que se prolongó durante tres años en el que las fuerzas republicanas evacuaron de España las principales obras del museo. Una gran parte de las obras maestras del Prado fueron evacuadas durante la Guerra Civil, ante el temor de que los bombardeos del bando franquista destruyesen el edificio y su contenido; así como, las cincuenta y cuatro obras del NAM, entre las cuales se encontraban: La condesa de Chinchón, de Goya y La condesa de Santovenia, de Eduardo Rosales.

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La condesa de Chinchón, de Goya. Fuente artehistoria.com

La ampliación de las instalaciones

A partir de los años 60, el Prado sufría limitaciones de espacio, debido a la gran afluencia turística. A lo largo de estos dos siglos, el número de visitantes ha ido creciendo exponencialmente, hasta alcanzar los 3.672.853 en 2018. En este tiempo se han acometido varias reformas sobre el edificio original de Villanueva, la primera en 1847. El proyecto de ampliación más ambicioso se llevó a cabo entre 2001 y 2007, cuando Rafael Moneo diseñó un anexo a la sede original, la llamada «ampliación de los Jerónimos».

Inventario de obras

En la actualidad, el Museo del Prado posee un inventario de 8.100 obras, de las cuales 1.300 se muestran en sus salas a lo largo de todo el año en su colección permanente.

Entre las obras de arte exhibidas en la pinacoteca destacan, cuadros como La anunciación, de Fra Angélico; El descendimiento de la cruz, de Roger van der Weyden; el Autorretrato de Alberto Durero y Las tres gracias, de Rubens, entre otros muchos.

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Salas de exhibicion del Museo Nacional del Prado. Fuente: ticketea.com

“Museo para los pintores”

Desde sus inicios a principios del siglo xix, el Museo del Prado ha contribuido al estudio y difusión de la pintura española, convirtiéndose además en un “museo para los pintores”, lugar de aprendizaje e inspiración para las nuevas generaciones de artistas como Eduardo Rosales, Francisco Pradilla, Ignacio Zuloaga y Joaquín Sorolla, entre muchos otros

También acudieron al museo los dos artistas que alcanzarían la fama universal: Pablo Picasso y Salvador Dalí. También asistieron a la pinacoteca madrileña los pintores franceses más innovadores del realismo y del impresionismo, como Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas, Toulouse-Lautrec y Édouard Manet, por nombrar algunos.

El Museo del Prado cumple dos siglos

Este 19 de noviembre, se conmemoran los 200 años del Museo Nacional del Prado. La celebración de su bicentenario comienza con una exposición que traspasa su relato con el de España y resalta la influencia de la colección en los grandes artistas. Para ello, se propone un recorrido por las historias en paralelo del museo y de España. También celebra el enorme poder de influencia de su colección en la modernidad de pintores españoles (Picasso o Antonio Saura) y extranjeros (Manet o Pollock).

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Visitantes del Museo Nacional del Prado. Fuente: elpais.com

Referencias:

https://es.wikipedia.org/wiki/Museo_del_Prado

https://elpais.com/cultura/2019/11/19/actualidad/1574118122_186467.html

https://elpais.com/cultura/2018/11/16/actualidad/1542396527_650402.html