VOMA, el primer museo de arte virtual totalmente interactivo

VOMA

El Museo de Arte Virtual Online (VOMA), la primera institución artística digital y totalmente interactiva, pronto llevará la cultura a los usuarios.

La pandemia originada por la propagación del nuevo coronavirus ha obligado a cientos de museos e instituciones artísticas de todo el mundo a cerrar sus puertas o abrir en horarios restringidos a grupos menores de visitantes con mascarillas. Por tal motivo, han tenido que idear nuevas formas para hacer llegar la cultura a los usuarios amantes del arte.

Es por eso que cientos de colecciones y pinacotecas han sido exhibidas a través de un entorno online y en las redes sociales, acompañando a los amantes del arte durante el confinamiento.

La digitalización forzosa de los museos les ha permitido aprovechar los nuevos medios y canales como las exhibiciones mediante transmisiones online. En este contexto nace el Virtual Online Museum of Art (VOMA), el primer museo virtual totalmente interactivo.

VOMA
Museo de Arte Virtual Online (VOMA). Fuente: www.reasonwhy.es

¿Qué es el VOMA?

El 4 de septiembre, el Museo de Arte Virtual Online (VOMA) recibirá a sus primeros visitantes, siendo mucho más que otra sala de visualización online o digitalización de obras artísticas que existen en el mundo físico.

El VOMA es el primer museo virtual e interactivo del mundo, el cual contará con exposiciones extraídas de instituciones artísticas como el Museo d’Orsay, el Museo de Arte Moderno o el Instituto de Arte de Chicago.

El catálogo incluye grandes obras de arte, arquitectura visionaria, técnicas de videojuegos, imágenes generadas por ordenador e interactividad con el resto de la comunidad. Ahí podremos contemplar entre sus obras expuestas “Olympia”, de Édouard Manet, “El jardín de las delicias terrenales”, de Hieronymus Bosh o “La incredulidad de Santo Tomás”, de Caravaggio.

Un proyecto de Stuart Semple

El artista británico Stuart Semple, aprovechando el confinamiento, creó el primer museo digital capaz de exhibir el arte desde una perspectiva que el público nunca antes haya experimentado.

Stuart ha contado para su proyecto con un equipo arquitectos, diseñadores CGI (siglas en inglés de imágenes generadas por computadoras) y expertos en juegos. Entre ellos, la arquitecta Emily Mann y Lee Cavaliere, que se estrena como director de VOMA.

«Queremos que nuestros visitantes sientan que este es su espacio, que quieran volver una y otra vez, ya sea para visitar nuevas exposiciones a medida que avanza el programa o simplemente para pasar el rato», señaló el artista y fundador.

Un colección de obras de arte

En cuanto a las exposiciones, VOMA contará con un catálogo de obras maestras extraídas de prestigiosas instituciones artísticas internacionales, como el Museo d’Orsay de París, el Museo de Arte Moderno, el Museo Hermitage al Instituto de Arte de Chicago, el Museo del Prado de Madrid y el Metropolitan Museum of Art de Nueva York.

Las exposiciones serán comisariadas por el director del museo, el marchante de arte con sede en Londres Lee Cavalierel. Entre algunas de las obras artísticas se podrán contemplar: Olympia, de Manet, El jardín de las delicias, de El Bosco o La incredulidad de santo Tomás, de Caravaggio; así como las obras más modernas de Nan Goldin, Kara Walker o Li We, entre otros.

Cada pieza se muestra en alta resolución y se presenta junto a otros recursos relacionados y material de referencia, para comprender su contexto y dimensión. Además, VOMA presentará obras de arte originales encargadas a artistas contemporáneos internacionales, mediante el recién lanzado proyecto «Digital Firsts Commission». Las piezas artísticas serán presentadas en alta resolución.

De esta manera, la artista oriunda de Kenia, Phoebe Boswell, debutará presentando su última pieza acompañada de la cantante y compositora escocesa-nigeriana Bumi Thomas, que debutará con un paisaje sonoro. en el Artist Space de VOMA.

El museo ha habilitado una página web donde podemos introducir nuestra dirección de correo si queremos que nos avisen de cuándo será la próxima exposición.

Un edificio virtual

El museo está ambientado en un edificio digital, que permite a los usuarios recorrer libremente sus espacios y galerías en formato online, observar de cerca las obras de arte utilizando imágenes en 3D de alta resolución; así como leer reseñas de otros y conversar con amigos.

Se trata de construir una institución digital diseñado en un edificio virtual. “Una sala de visualización virtual puede parecer un lugar solitario: silencioso, vacío, a veces un poco incómodo”, explicó Semple, el artista detrás del proyecto.

Sin embargo, VOMA pretende ser lo contrario. “Queremos que nuestros visitantes sientan que este es su espacio, y queremos que quieran volver una y otra vez, ya sea para visitar nuevas exposiciones a medida que continúa el programa o simplemente para pasar el rato”, explica Semple.

Mientras el usuario pasea por sus salas, diseñadas por la arquitecta Emily Mann y basadas en formas simples, el edificio virtual será capaz de cambiar la iluminación y el clima, dependiendo de la ubicación y la estación en la que se encuentre el usuario.

Asimismo, el usuario podrá notar el impacto de los distintos fenómenos atmosféricos, como el viento y la lluvia, en la iluminación y el sonido del museo, e incluso admirar un bosque cercano en el exterior; creando un ambiente interactivo.

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VOMA es el primer museo totalmente virtual del mundo. Fuente: www.tendenciashoy.com

Una experiencia interactiva y en comunidad

El artista británico Stuart Semple, quien está detrás del proyecto VOMA, asegura que “Internet es el espacio público más inclusivo y democrático que tenemos, y es hora de que tengamos una institución al el estilo de un museo digital lista para inspirar y conectar a la audiencia online con un gran arte”.

De esta forma, Semple contó con un equipo de arquitectos, diseñadores CGI, expertos en juegos interactivos para crear un edificio digital que se adpata a cualquier zona horaria o ubicación geográfica.

VOMA brindará a los visitantes la oportunidad de ver las rutas que han tomado otros asistentes, leer sus reseñas e incluso interactuar y conectarse con amigos que se encuentran visitando el museo al mismo tiempo; creando una comunidad y experiencia interactiva e inmersiva. “El objetivo del arte es comunicar y compartir ideas (…) (pero) mucha gente no puede viajar a un museo”, explicó Semple.

La admisión al Voma será gratuita, por lo que se espera atraer una gran audiencia y diversa para el disfrute de las obras de arte que serán exhibidas.

VOMA
Museo de Arte Virtual Online (VOMA). Fuente: www.tendenciashoy.com

Referencias

https://www.reasonwhy.es/actualidad/voma-primer-museo-virtual-totalmente-interactivo-apertura-agosto

https://www.panorama.com.ve/espectaculos/El-primer-museo-virtual-del-mundo-abrira-en-septiembre-20200827-0060.html

https://www.tendenciashoy.com/arte/plastica/abre-sus-puertas-el-primer-museo-de-arte-virtual-del-mundo.html

https://www.trendencias.com/arte/nace-voma-primer-museo-completamente-virtual-e-interactivo-mundo-para-conectarse-gran-arte-confinamiento-ha-inspirado-millones-ideas-esta-nos-encanta

https://artsandyou.net/el-voma-el-primer-museo-totalmente-virtual-e-interactivo/

https://www.ferraraporter.com/conoce-el-primer-museo-interactivo-del-mundo-el-voma/

Luis Palacios, el diseñador venezolano que ganó reality show de costura en Argentina

Luis Palacios

El venezolano Luis Palacios el primer lugar del reality show Corte y Confección, un concurso de moda de la televisión argentina.

Con el el 31% de los votos populares, el venezolano se alzó con el título del “diseñador del año” en una gala final que terminó con la conmovedora alegría del joven, agradeciendo al público por el apoyo.

“Mamá, te amo. A toda Argentina, a toda Venezuela. Argentina me devolvió las ganas de vivir, había perdido la esperanza”, expresó el modisto venezolano.

Luis Palacios dejó su país para ayudar a su familia

Apasionado de la moda y el estilo, Luis Palacios inició dedicándose al diseño como freelancer.

El joven criollo dejó Venezuela para cumplir sus sueños en Argentina y ayudar a su familia, convirtiéndose en el diseñador del año del programa que conduce Andrea Politti. “La moda puede ser una salida para mi familia”, dijo el modisto venezolano.

El joven venezolano fue modelo en Venezuela, ahora es un diseñador irreverente y se considera un defensor de la diversidad. Según Palacios, la moda es para todos, para los diferentes cuerpos, para todas las edades “la gente debe sentirse feliz con lo que se pone”.

Luis migró a Argentina, donde donde participó en la tercera temporada del concurso televisivo Corte y Confección, obteniendo el primer lugar al superar a destacados participantes y ganarse el 31% de los votos por parte del público.

Luis Palacios
Luis Palacios. Fuente: estandardigital.com

Su participación en el programa Corte y Confección

La participación de Luis Palacios en el show fue bastante atípica, siendo el primer extranjero en ganar la competencia.

Luis Palacios participó en el programa por casualidad y sin tener conocimiento sobre moda. Esto lo motivó a incursionar en el mundo del diseño. Se trata de un programa de competencia donde diseñadores de diferentes países del mundo deben confeccionar atractivas piezas de vestir para ganarse el apoyo del jurado.

“El primer programa que yo me senté a ver cuando llegué a Argentina, fue Corte y Confección. Hacen un llamado a la tercera temporada y me postulé. Esa misma noche me volví loco y me puse a buscar en internet cómo cortar un patrón, como enhebrar una máquina, todo lo hice con la emoción de que en dos días tendría un casting en vivo en televisión nacional”, comentó Luis.

El joven modisto venezolano exhibió una creación inspirada en la orquídea, la flor nacional de Venezuela, logrando clasificar para la segunda etapa del casting.

A pesar de que hubo ocasiones en que el jurado no estuvo de acuerdo con él, arrasó entre el público argentino. Palacios fue el concursante con más sentencias de eliminatoria y el primer participante hombre que se dedicó trabajar solo. Sin embargo, arrasó en las votaciones del público argentino.

Por su parte, la diseñadora venezolana Mariana Ramos, ganadora del segundo lugar en el reality show Project Runway Latin América, expresó sus felicitaciones al joven modisto: “Bravo Luis Palacios, gracias por darnos este triunfo y esta alegría tan grande y ser el ganador de Corte y Confección 2020, viva la costura y que viva Venezuela”, expresó la modista.

El modisto venezolano obtuvo el 31% de los votos del público, por encima de sus competidores cercanos y ganó el premio. “Sos el gran diseñador del año”, fueron las palabras de halago de la presentadora Andrea Politti.

Luis Palacios
Luis Palacios ganó el primer lugar en el reality show «Corte y Confección». Fuente: www.elimpulso.com

Luis Palacios, el ganador de Corte y confección

Luis Alejandro Palacios, nacido en Ciudad Guayana, capital del estado Bolívar, en Venezuela, obtuvo la mayor votación del público, siendo el ganador de la tercera temporada de reality show Corte y Confección, transmitido por el canal ElTrece TV de Argentina.

El modisto criollo se impuso al resto de 18 aspirantes que llegaron a las finales en ingresaron al taller para la última fase de la competencia, tras obtener el 31% de las votaciones por parte del público.

La gran final de la tercera temporada de Corte y Confección fue transmitido el jueves 20 y viernes 21 de agosto.

Lena, Leonela, Luis, Javier Matías son los cinco participantes que llegaron a la final, buscando convertirse en el diseñador del año en el reality show, conducido por la famosa presentadora argentina Andrea Politti.

En esta edición del programa participaron como jurados Verónica de la Canal, Matilda Blanco, Santiago Artemis, Flor de la Ve y Flavio Mendoza, personalidades del diseño, la moda y el espectáculo en Argentina. El jefe de taller fue Fabián Paz y el BAR estuvo conformado por Fabricio Aumenta, Fernando Cuellar Gerardo Casas.

El programa de Corte y confección fue el escenario de un mega show musical que contó con la participación de Melina Lezcano, Gastón Angrisiani, Germán Tripel, Ángela Leiva y Florencia Otero.

Luis Palacios
Luis Palacios en el programa «Corte y Confección». Fuente: estandardigital.com

Luis Palacios se inspiró en la orquídea

Venezuela dice “presente” en el reality show “Corte & Confección” de Argentina, debido al triunfo del guayanés Luis Alejandro Palacios, ganador del primer lugar en la tercera temporada del programa por su creatividad con el diseño.

El joven venezolano obtuvo el 31% de los votos del público, tras exhibir una creación inspirada en la orquídea, la flor nacional de Venezuela, en honor a este país; logrando pasar a la segunda etapa del casting.

Luis Palacios
Luis Palacios diseñó un vestido inspirado en la orquídea. la flor nacional de Venezuela. Fuente: www.lamananadigital.com

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/luis-palacios-el-disenador-venezolano-que-gano-un-programa-de-moda-

https://www.elimpulso.com/2020/08/22/venezolano-luis-palacios-gano-reality-show-de-costura-en-argentina/

https://estandardigital.com/venezolano-luis-palacios-gano-reality-show-de-costura-en-argentina-video/

https://www.lamananadigital.com/venezolano-gano-reality-show-de-costura-en-argentina/

https://noticialdia.com/2020/08/venezolano-gana-primer-premio-en-concurso-de-diseno-de-modas-en-argentina/

https://eltricolorarg.com/2020/08/22/el-venezolano-luis-palacios-se-consagro-como-el-gran-ganador-de-la-temporada-de-corte-y-confeccion-2020/

https://www.eltiempo.com/archivo/documento/MAM-467055

https://primicia.com.ve/placeres/guayanes-luis-palacios-destaca-en-programa-de-diseno-argentino/

https://primicia.com.ve/placeres/guayanes-luis-alejandro-palacios-gano-el-concurso-de-corte-y-confeccion-en-argentina/

Luchita Hurtado, la pintora venezolana más influyente según el top 100 de Times

Luchita Hurtado

Luchita Hurtado es una artista plástica venezolana que dedicó su creación al surrealismo y transformó el mundo a su alrededor en un ‘planeta vivo’. La artista venezolana de 98 años fue elegida por la cadena televisiva BBC del Reino Unido como una de las 100 mujeres más influyentes e inspiradoras de 2019. Su estilo artístico estuvo inmerso entre el surrealismo, y la abstracción informalista.

A lo largo de su dilatada carrera, Luchita Hurtado ha mantenido un riguroso compromiso con la experimentación, con estilos, formas y materiales, y en una variedad de medios. Las obras de Hurtado de las décadas de 1940 y 1950 consisten principalmente en pinturas y obras en papel que contienen formas abstractas, paisajes biomórficos, figuras totémicas y patrones. Estos primeros trabajos también transmiten las ideas de Hurtado sobre la humanidad, el universo y el cosmos, y la naturaleza y el medio ambiente, temas que continúan informando su obra.

Luchita Hurtado
Luchita Hurtado. Fuente: oceandrive.com.ve

¿Quién es Luchita Hurtado?

Luchita Hurtado  nació el 28 de octubre de 1920 en Maiquetía, Venezuela. Emigró con su familia a Estados Unidos cuando tenía 8 años, estableciéndose en la ciudad de Nueva York.

En esa ciudad, se formó como artista plástica en la Liga de estudiantes de arte de Nueva York.

Después de graduarse, a los 18 años, trabajó como voluntaria en el periódico en español La Prensa y conoció a su primer esposo, el periodista Daniel de Solar.

A principio de la década de los 40, Luchita Hurtado comenzó su carrera como ilustradora de moda para la revista internacional, Condé Nast, y como muralista para las tiendas departamentales de Lord & Taylor.

Luego, se trasladó a México, donde se relacionó con grandes artistas como Frida Kahlo, Remedios Varo, Leonora Carrington, Rufino Tamayo y Wolfgang Paalen, con quien contrajo matrimonio.

Luchita y su esposo Wolfgang Paalen se mudaron a San Francisco y allí formaron parte del Dynaton Group, un movimiento artístico post-surrealista, con influencias estéticas de la espiritualidad de las culturas precolombinas.

El grupo estaba integrado por Gordon Onslow-Ford y Lee Mullican (1919-1998), quien fuera el tercer marido de Luchita Hurtado y padre de sus dos hijos: el célebre artista Matt Mullican (1951) y el director creativo John Mullican.

En 1951 se mudó a Los Ángeles, hasta la fecha de su fallecimiento.

Luchita Hurtado
La mayor parte de las obras de Luchita Hurtado son autorretratos. Fuente: oceandrive.com.ve

Sus últimas exhibiciones y fallecimiento

Hurtado inauguró, en febrero de 2020, una exhibición que resume su trayectoria en el Museo de Arte del condado de Los Angeles, titulada: “Luchita Hurtado: I Live I Die I Will Be Reborn” (“Luchita Hurtado: Vivo, muero, renaceré”).

En 2018, exhibió en las Serpentine Galleries de Londres que abarcaba más de 120 obras de diferentes épocas, y luego fue trasladada a Los Angeles.

Entre sus creaciones destacan un conjunto de pinturas de finales de la década de 1960 y de 1970 que muestran cuerpos femeninos como paisajes surrealistas, y otros que presentan la forma femenina desnuda vista desde la perspectiva de una mujer.

Luchita Hurtado, con 98 años de edad, recibió un reconocimiento por su participación en la Bienal del Hammer Museum de Los Angeles, en 2018. Luego, fue incluida en los top 100 como una de las personas más influyentes de la revista TIME por sus aportes artísticos.

Luchita Hurtado falleció el 14 de agosto del 2020, a los 99 años de edad, habiendo conocido el éxito de su trabajo y obtenido el reconocimiento que se merece.

Luchita Hurtado
Luchita Hurtado, I Live I Die I will Be Reborn, vista de la exposición en Serpentine Galleries, Londres, 2019. Fuente: artishockrevista.com

Luchita Hurtado y su arte ecológico y surrealista

Luchita Hurtado pasó más de 80 años completamente inadvertida en el mundo del arte, a pesar de estar rodeada de grandes artistas como Frida Kahlo, Roberto Matta, Leonora Carrington, entre otras.

Hurtado estaba involucrada con las actividades del movimiento de mujeres, y las representaciones de su propio cuerpo son una afirmación de su propia presencia y poder.

Muchas de estas pinturas están representadas desde arriba, con los senos, brazos, piernas, pies y manos de Hurtado parcialmente visibles contra fondos de pisos estampados, jardineras y cestas tejidas.

En marcado contraste con el tradicional autorretrato sencillo o de tres cuartos, Hurtado se representó a sí misma desde un ángulo sesgado en el que su cuerpo es la única constante dentro de una variedad cambiante de fondos y escenarios.

Aunque la  mayor parte de sus obras artísticas son autorretratos de su propio cuerpo, su amor por la ecología y el planeta fueron su gran inspiración, al punto de ser considerada como una artista y activista de la ecología. Sus mensajes promueven la preservación del medio ambiente y del planeta.

​Su obra combina formas abstractas biomórficas, patrones indígenas y figuras totémicas más figurativas de las culturas precolombinas y nativo-americanas. En sus primeros trabajos aparecen formas elásticas y biomórficas; geometrías angulares y coloridas; y bosques de árboles-humanos.

También representa partes del cuerpo femenino como paisajes surrealistas. Hurtado produjo una serie de pinturas de paisajes en las que el cuerpo humano se fusiona con el desierto o las montañas: los senos se convierten en dunas de arena y un ombligo funciona como un agujero en el suelo. Algunas de sus obras se conservan en el MOMA de NY y el LACMA de Los Angeles.

Obra sin titulo
Esta obra sin título de 1969, es parte de la primera exhibición individual de Luchita Hurtado en Reino Unido. Fuente: oceandrive.com.ve

El reconocimiento de su talento

Luchita Hurtado inició su producción artística desde 1920, sin embargo, paso desapercibida hasta el 2018 cuando el público comenzó a conocer su trabajo.

La pintora venezolana de 98 años de edad recibió un reconocimiento por su participación en la Bienal del Hammer Museum de Los Angeles, en la exposición titulada, “Made in L. A. 2018”; evento en el que logró exhibir gran parte de su trabajo realizado por la década de los 70.

Después de la exposición, apareció en los top 100 como una de las personas más influyentes de la revista TIME, debido a sus aportes artísticos.

Luchita Hurtado
Luchita Hurtado en su casa y estudio de Santa Mónica. Fuente: artishockrevista.com

Luchita Hurtado y sus otras facetas

Además de pintar, Luchita Hurtado también se dedicaba a escribir poesía, participaba en movimientos ecologistas, feministas y activistas. También se interesó por la fotografía y la moda y diseñó por muchos años su propia ropa.

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/la-historia-de-luchita-hurtado-la-pintora-venezolana-que-llego-al-top-100-de-times/

https://www.caraotadigital.net/entretenimiento/quien-es-luchita-hurtado

https://www.diariolasamericas.com/cultura/muere-la-pintora-venezolana-luchita-hurtado-los-99-anos-n4205223

https://elsumario.com/luchita-hurtado-sin-lugar-a-dudas-inspiradora-e-influyente/

https://eltiempo.com.ve/2020/08/18/muere-la-pintora-venezolana-luchita-hurtado-a-los-99-anos/

https://www.eluniversal.com/entretenimiento/77997/fallece-la-artista-plastica-venezolana-luchita-hurtado-a-los-99-anos-de-edad

https://es.wikipedia.org/wiki/Luchita_Hurtado

https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/10847/Luchita%20Hurtado

https://hammer.ucla.edu/exhibitions/2018/made-in-la-2018/luchita-hurtado

Carlos Cruz-Diez, el maestro del arte cinético

Carlos Cruz-Diez

Carlos Cruz-Diez fue un artista plástico venezolano considerado uno de los protagonistas más relevantes del arte óptico y cinético, expresión artística que reivindica «la toma de conciencia de la inestabilidad de lo real”. Su trabajo enfatiza la participación y la interacción, la percepción espacial, y el movimiento como elementos clave para la experiencia artística.

El artista propuso el color como un fenómeno cromático concebido como una realidad autónoma que se desarrolla en el tiempo y en el espacio. La proposición artística de Carlos Cruz-Diez se fundamenta en sus ocho investigaciones que ponen de manifiesto los diferentes comportamiento del color: Couleur Additive, Physichromie, Induction Chromatique, Chromointerférence, Transchromie, Chromosaturation, Chromoscope y Couleur à l’Espace.

Carlos Cruz-Diez
Carlos Cruz-Diez. Fuente: cruz-diez.com

Sus Primeros Años y formación en el arte

Carlos Eduardo Cruz-Diez nació el 17 de agosto de 1923 en La Pastora, Caracas, Venezuela. Desde niño fue atraído por el arte y descubre el reflejo de la luz y el color producida por el impacto del sol en las vidrieras de la fábrica de botellas de su padre.

En 1940 se inscribe en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas, donde coincide con Jesús Soto, Narciso Debourg, Mateo Manaure y Alejandro Otero, entre otros. Allí obtiene el diploma de profesor de Artes Aplicadas. Paralelamente se gana la vida haciendo viñetas humorísticas para el diario La Esfera y la revista infantil Tricolor. Con su maestro, Rafael Ramón González, aprendió a no pintar el color plano y evidente de los objetos sino a interpretar los matices que lo componen. Años más tarde aprendió apreciar que el color está en el espacio que nos rodea y que el punto radica en saber ver el color.

Carlos Cruz-Diez
Retrato de Carlos Cruz-Diez. Fuente: www.venezuelatuya.com

Sus ilustraciones y su interés en el arte abstracto

En 1944, Carlos Cruz-Diez trabaja como ilustrador y diseñador gráfico de la revista El Farol de la Creole Petroleum Corporation y en la agencia publicitaria McCann-Erickson, en 1946. En 1947 realiza su primera exposición individual en el Instituto Venezolano-Americano de Caracas y luego, en 1953, es ilustrador del periódico El Nacional. Toda su producción plástica de estos años se enmarca dentro del realismo social.

Para 1954, comienza a interesarse por las corrientes abstractas y realiza una serie de proyectos para murales exteriores con elementos geométricos, en los que juega con el color, la sombra y el reflejo. Ese mismo año presenta estos proyectos en el XV Salón Oficial (1954).

Asimismo, en el año 1955, realiza una exposición individual en el Museo de Bellas Artes de Caracas, titulado, Carlos Cruz-Diez. Obras de 1949 al 55. Luego se traslada a Masnou (Barcelona), donde vive durante un año y después, viaja a París y visita a su compatriota Jesús Soto, que ese mismo año participaba en la mítica exposición Le Mouvement, en la galería Denise René. En 1956 expone en la galería Buchholz, en Madrid. Para 1956, expone en la Galería Buchholz de Madrid las series de Parénquimas y de Objetos rítmicos móviles.

En 1957, regresa a Venezuela y crea el Estudio de Artes Visuales, orientado al diseño gráfico e industrial. Al año siguiente, es nombrado director adjunto y profesor de la Escuela de Artes Plásticas de Caracas.

Fue en 1959 cuando Cruz-Diez realiza su primer Couleur Additive y Physichromie, también llamado Fisicromías, un proceso seriado, a través del cual efectuó la idea de la autonomía cromática y su impacto sobre el entorno del espectador. Durante esta etapa su gama cromática se reduce a sólo cuatro colores: rojo, verde, blanco y negro.

Couleur Additive
Couleur Additive. Fuente: www.venezuelatuya.com

Carlos Cruz-Diez y el Arte Cinético

En 1960, Cruz Diez presenta por vez primera las Fisicromías en el Museo de Bellas Artes de Caracas. Luego, decide mudarse a París con su familia, donde fija su residencia definitiva y un año después, participa en la exposición Bewogen Beweging en el Stedelijk Museum de Ámsterdam.

Para el año 1965, es nombrado Asesor en el Centro Cultural Noroit, en Arras (Francia) y participa en la exposición The Responsive Eye en el Museum of Modern Art de Nueva York,​ donde consigue la consagración oficial como maestro del arte cinético.

Carlos Cruz-Diez gana en 1971 el Premio Nacional de Artes Plásticas. De 1972 a 1973, el maestro del cinetismo se desempeña como profesor en la Escuela Superior de Bellas Artes y Técnicas Cinéticas, de París. En 1974, decora el Aeropuerto Internacional Simón Bolívar de Caracas con la obra Ambientación de color aditivo. Luego, realiza el proyecto El artista y la ciudad, un conjunto de obras desplegadas en la ciudad de Caracas; entre ellas, la creación de su Muro de color aditivo y los Silos de Inducción cromática en el río Guaire.

Ambientación de color aditivo.
Ambientación de color aditivo en el Cromointerferencia del color aditivo, en el aeropuerto internacional Simón Bolívar de Maiquetía. Fuente: iamvenezuela.com

Por otra parte, Carlos Cruz-Diez inaugura en París dos exposiciones: Oeuvres Récentes y Intégrations a l´architecture. Réalisations et projets, en 1975. En 1978 Cruz-Diez, conjuntamente con los artistas Jesús Soto, Gego y Mercedes Pardo, crearon unas serigrafías sobre seda titulada, La mano, la seda, el color-Taller Cobalto. La obra se exhiben en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas.

Carlos Cruz-Diez, un referente del cinetismo

Entre 1986 y 1993, el maestro Carlos Cruz-Diez es nombrado profesor del Instituto Internacional de Estudios Avanzados, en Caracas; exhibe en la galería madrileña Aele; fue invitado de honor en la II Bienal de La Habana; y recibe la Orden de las Artes y las Letras de Francia en grado de Oficial.

En 1989 se pública en Caracas la primera edición de su libro Reflexión sobre el color, basado en sus diversas investigaciones plásticas vinculadas al estudio del color como una «realidad autónoma en continua mutación». En 1991, realiza Fisicromía para Madrid, escultura de 2 x 40 metros para el Recinto Ferial Juan Carlos I, Madrid. Con Experiencia cromática aleatoria interactiva (1995) comienza a utilizar la tecnología digital en sus obras.

Fisicromía para Madrid
Fisicromía para Madrid. Fuente: patrimonioypaisaje.madrid.es

En 1997, fue nombrado Presidente y miembro del Consejo Superior de la Fundación Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez, en Caracas. Por otra parte, el artista realiza en La Habana su primera y única escultura, Inducción cromática para La Habana, con motivo a la celebración del cuadragésimo aniversario de Casa de las Américas, en 1999.

La creación del Museo y la Cruz-Diez Art Foundation

En 1997, el maestro del arte cinético fue nombrado Presidente y miembro del Consejo Superior de la Fundación Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez, ubicado en Caracas. Posteriormente, recibe la Orden de Comandante de las Artes y las Letras de Francia (2002) y el Doctorado Honoris Causa de la Universidad Simón Bolívar de Caracas (2006).

Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez
Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez en Caracas, Venezuela. Fuente: venezuelatuya.com

En 2005, la familia del maestro del cinetismo crea la Cruz-Diez Art Foundation y, en el año 2007, se exhibe en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) la exposición Lo[s] Cinético[s].

Articruz Panamá y Reconocimiento Internacional

En 2008, Cruz-Diez obtiene la nacionalidad francesa y realiza una exposición individual en la Society of Americas en Nueva York, titulado, (In)formed by Color. Y en el año 2009, la familia del maestro del cinetismo crea en Panamá el Atelier Articruz.

Articruz Panamá
Articruz Panamá. Fuente: panamericaworld.com

Para el año 2011, exhibe una gran exposición retrospectiva titulada, Carlos Cruz-Diez. Color in Space and Time en el Museum of Fine Arts de Houston en Estados Unidos. En el 2012, le fue otorgado el grado de Oficial de la Ordre National de la Légion d’honneur. Sus obras se exhiben en invaluables colecciones como: Museum of Modern Art, Nueva York; Tate Modern, Londres; Centre Georges Pompidou, París; Museum of Fine Arts, Houston; Wallraf-Richartz Museum, Colonia; Musée d’Art Moderne de la Ville de París, entre otros.

Fallecimiento

Carlos Cruz Diez falleció el 27 de julio de 2019, a los 92 años de edad, mientras dormía en su residencia en París.

Las obras de Carlos Cruz-Diez

El arte de Carlos Cruz-Diez se puede observar en el Museo de la Estampa y el Diseño Carlos Cruz-Diez ubicado en la avenida Bolívar de Caracas. Asimismo, se encuentran importantes obras de integración a la arquitectura que se despliegan en edificios públicos, como Cromointerferencia del color aditivo, en el aeropuerto internacional Simón Bolívar de Maiquetía, la Doble fisicromía cóncavo convexa, en Plaza Venezuela (Caracas), o la Inducción cromática merideña , en el aeropuerto Alberto Carnevali de la ciudad de Mérida, entre muchas otras.

Doble fisicromía cóncavo convexa
Doble fisicromía cóncavo convexa, en Plaza Venezuela (Caracas). Fuente: Cruz-Diez.com

Las obras de Carlos Cruz-Diez ha sido exhibida en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, la Bienal de Venecia, el Museo de Bellas Artes de Houston; así como en las galerías y museos europeos. Entre sus obras internacionales más importentes destacan: El Techo Physichromium, en la estación de Saint Quentin del ferrocarril de Francia; Escaleras engalanadas en el museo de Arte Contemporáneo de Viena; el Barco piloto en Liverpool, en conmemoración del centenario de la Primera Guerra Mundial; Transcomie Grande del Museo Universitario de Arte Contemporáneo en la Ciudad de México; una composición cromática en el estadio Marlins Park de Miami; La Lumiere et Mouvement en París; junto al también venezlolano Jesús Soto; las series de Parénquimas y de Objetos Rítmicos Móviles, exihibida en la Galería de Buchholz de Madri en 1956; y la exposición Bewage Bewegina en el Stedelijk Museum de Amsterdam, Países Bajos.

Referencias

https://es.wikipedia.org/wiki/Carlos_Cruz-Diez

http://www.cruz-diez.com/es/biografia/

https://www.rgrart.com/es/artistas/carlos-cruz-diez/series/physichromie#tab:slideshow

https://www.march.es/arte/palma/exposiciones/cruz-diez/cruz-diez.asp

https://medium.com/@ElDiariodeCCS/el-legado-del-color-que-nos-dej%C3%B3-carlos-cruz-diez-673b569c6a1f

https://www.venezuelatuya.com/biografias/carlos_cruz_diez.htm

https://www.ivenezuela.travel/carlos-cruz-diez-biografia/

https://iamvenezuela.com/2018/06/carlos-cruz-diez-2/

Frida Kahlo: vida y obra de la pintora más influyente de México

Frida Kahlo

Frida Kahlo fue la pintora más influyente en México y en Latinoamérica, debido a sus famosos autorretratos, siendo sus obras un material de contenido autobiográfico.

Sus pinturas se clasifican dentro del movimiento surrealista. La pintora creó un estilo propio tomando sus experiencias de vida, mezclándolos con los elementos de la naturaleza y la identidad mexicana, con el objeto de crear obras que la hicieron la pintora latinoamericana más reconocida en el arte.

Frida Kahlo
Frida Kahlo. Fuente:

Su nacimiento, infancia y juventud

Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón nació el 6 de julio de 1907 en Coyoacán, México. Fue hija del fotógrafo húngaro-alemán Guillermo Kahlo y de la mexicana nativa de Oaxaca, Matilde Calderón.

Frida fue la tercera de cinco hermanos: Matilde, Adriana, Cristina, y un hermano, llamado Guillermo. Este último falleció a los pocos días de su nacimiento. Por parte de su padre tuvo tres medias hermanas: Luisa, María y Margarita.

Frida Kahlo
La niña Frida Kahlo. Fuente: www.vogue.mx

Su infancia estuvo marcada por el sufrimiento físico y el padecimientos de muchas enfermedades. En 1913, contrajo una poliomielitis, dando inicio a una serie de sucesivas enfermedades, lesiones diversas, accidentes y operaciones. Esta enfermedad le dejó una secuela permanente: la pierna derecha más delgada que la izquierda.

La relación de Frida con su padre siempre fue muy estrecha. Su padre siempre la acompañó en sus ejercicios y en los programas de rehabilitación y la animó a practicar diversos deportes como fútbol o boxeo, como parte de su recuperación.

Frida fue testigo de los continuos ataques epilépticos que padecía su padre. lo que reforzó su vínculo de solidaridad y empatía.

En cuanto a su educación, se cree que la artista asistió al Colegio Alemán durante su niñez; sin embargo, no existen registros de que haya asistido a esta escuela. Frida estudió su bachillerato en la Escuela Nacional Preparatoria, siendo parte del primer grupo de 35 mujeres en ser admitidas en esta escuela solo para hombres. Ahí conoció a futuros artistas e intelectuales como Salvador Novo, Carmen Jaime, Agustín Lira, Miguel Lira, Alfonso Villa, Manuel González Ramírez, Jesús Ríos y Valles, José Gómez Robleda y Alejandro Gómez Arias, siendo este último su novio.

Estos jóvenes rebeldes conformaron un grupo político y se autodefinían como los cachuchas, siendo crítico de la autoridad, protestaban contra las injusticias y se movilizaban por las reformas del sistema escolar. Su actividad y posición política eran impulsadas por las ideas anarquistas y revolucionarias románticas.

El trágico accidente que le cambió la vida

El 17 de septiembre de 1925, Frida sufrió un trágico accidente: el autobús en el que viajaba fue golpedo por un tranvía que lo empujó contra un muro, quedando completamente destruido. En consecuencia, su columna vertebral quedó fracturada en tres partes, sufrió además roturas en dos costillas, en la clavícula y tres en el hueso pélvico. Además, su pierna derecha se fracturó en once partes, su pie derecho se dislocó, su hombro izquierdo se descoyuntó y un pasamanos la atravesó por la cadera izquierda. Frida estuvo sin poder caminar durante tres meses y sufrió treinta y dos operaciones.

Retablo
Retablo. Fuente: www.biografiasyvidas.com

Tras el accidente, Frida comenzó a pintar, durante su período de recuperación. En septiembre de 1926 hizo su primer autorretrato al óleo, el cual dedicó a su novio Alejandro Gómez Arias. En 1927, pintó el Retrato de Miguel N. Lira, y un año más tarde realizó el retrato de su hermana Cristina.

Por otra parte, Frida entró en el entorno político. La joven artista comenzó a asistir a las reuniones políticas de Partido Comunista de México, organización en la que participaban varios de sus amigos cachuchas, y donde conoció al pintor Diego Rivera.

La historia de Frida Kahlo y Diego Rivera

Frida conoció a Diego Rivera en algunas veladas y reuniones a las que asistía con su amiga la fotógrafa Tina Modotti. El primer encuentro entre Frida y Diego fue cuando éste hacía el mural del anfiteatro de la Escuela Nacional Preparatoria.

La artista contrajo matrimonio con Diego Rivera el 21 de agosto de 1929. La historia entre ambos artistas estuvo llena de famosas infidelidades que involucró un amorío con la hermana de Frida, así como, una ruptura que los condujo a un divorcio en 1939 y un segundo matrimonio un año después.

Frida Kahlo y Diego Rivera
Frida Kahlo y Diego Rivera

En 1930, Frida tuvo su primer embarazo, pero debió ser interrumpido debido a que el feto presentaba una anomalía y a las secuelas del accidente de 1925. Según las opiniones médicas, la joven atista nunca podría tener hijos.

El arte de Frida estuvo altamente influenciado por su relación con el pintor y muralista, muchas veces representando su amor y obsesión por Diego. En las pinturas de ambos artistas, se evidencia la influencia de la identidad mexicana y de su historia. Frida incluso adoptó la vestimenta indígena tradicional mexicana moños trenzados con cintas de colores, collares exóticos y pendientes de estilo precolombino para conectar con su forma de vida y arte con su ascendencia mestiza.

Frida Kahlo y Diego Rivera en Estados Unidos

A consecuencia de las complicaciones políticas en México, Frida y Diego trasladaron su residencia a Estados Unidos entre 1931 y 1934 y pasando la mayor parte del tiempo en Nueva York y Detroit.

En 1932, Frida pintó Aparador en una calle de Detroit y luego, contempló un eclipse solar, que incorporó en algunas de sus obras creando el dualismo noche y día, siendo un elemento iconográfico recurrente en sus pinturas. Ese mismo año, Frida sufrió otro aborto y, durante su recuperación, pintó su autorretrato Aborto en Detroit.

Frida Kahlo regresa a Mexico y realiza sus primeras exposiciones

Frida y Diego a México en 1933. Pero, su relación de pareja tuvo un giro determinante cuando Rivera tuvo un romance con la hermana menor de Frida, Cristina, además de otras infidelidades. Luego, Frida inició otras relaciones amorosas con hombres y mujeres que provocaron en Rivera celos violentos. Pese a ello, sus relaciones lésbicas y extramatrimoniales por el resto de su vida.

Después, Frida sostuvo un romance con el revolucionario de Ucrania León Trotsky, quien vivió exiliado en la casa de la artista en Coyoacán junto a su esposa. Después del asesinato de Trotsky, Frida fue acusada de ser autora del homicidio y fue arrestada, pero finalmente, ella y su esposo fueron dejados en libertad.

En 1938 el poeta y ensayista André Bretón calificó su obra de surrealista en un ensayo que escribió para la exposición de Kahlo en la galería Julien Levy de Nueva York. Pero, Frida negó rotundamente dicha denominación, por lo que expresó: «Se me tomaba por una surrealista. Ello no es correcto, yo nunca he pintado sueños, lo que yo he representado era mi realidad.»

En 1939, Frida Kahlo terminó un autorretrato donde reflejaba sus dos personalidades: Las dos Fridas. En este cuadro, los corazones de las dos mujeres están conectados mediante una vena, pero una de ellas la corta con una tijera, mientras que la otra sostiene un retrato de Diego Rivera Ese mismo año expuso en París en la galería Renón et Collea donde se relacionó con el pintor malagueño Picasso.

Frida Kahlo y su reconocimiento artístico

El 6 de noviembre de 1939 Kahlo y Rivera se divorcian tras una serie de infidelidades. Frida regresó temporalmente a su casa de Coyoacán y cayó en una depresión que llevó a la artista a consumir alcohol como manera de aplacar sus sufrimiento físico y psicológico. Dos de sus obras pictóricas importantes reflejan este período de separación: Las dos Fridas y Dos desnudos en un bosque.

Luego del asesinato de Trotsky en agosto de 1940, Frida fue acusada de cometer dicho crimen y arrestada. No obstante, ella y su esposo fueron liberados y viajó a San Francisco para someterse en esa ciudad a una nueva operación quirúrgica y tras su recuperación, se trasladó a Nueva York.

Después del divorcio, Frida y Diego continuaron compartiendo gran parte de la vida social, artística y política que los unía. Pero, la pareja decidió volver a casarse y establecieron un nuevo acuerdo amistoso que consistía en vivir juntos, compartir los gastos, continuar con la colaboración artística y excluir de su relación la vida sexual de pareja.

Frida Kahlo
Autorretrato con monos (1943). Fuente: www.biografiasyvidas.com

Durante estos años, Frida participó en importantes exposiciones colectivas en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston y en el Museo de Arte de Filadelfia; lo que conllevó al incremento de su reconocimiento artístico. A partir de 1943 dio clases en la escuela La Esmeralda de la Ciudad de México.

En 1950, Frida tuvo que ser hospitalizada en Ciudad de México donde permaneció durante un año.

Sus últimos años y fallecimiento

En 1953, Frida sufrió una infección de gangrena que causó que le amputaran la pierna por debajo de la rodilla. Este hecho la sumió en una gran depresión que la condujo a intentar el suicidio en dos ocasiones. Durante ese tiempo escribía poemas en sus diarios, relacionados con el dolor y el sufrimiento.

El 19 de abril de 1954 ingresó al hospital inglés tras un intento de suicidio. Luego, el 6 de mayo, fue hospitalizada nuevamente tras sufrir una recaída. Sin embargo, continuó su ánimo de dedicarse a sus causas políticas, movilizándose con una silla de ruedas. El 2 de julio participó, junto a Diego Rivera y Juan O’Gorman, en una manifestación de protesta contra la intervención estadounidense en Guatemala.

Frida Kahlo falleció el 13 de julio de 1954, en Coyoacán. El acto funerario fue realizado en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México y su féretro fue cubierto con la bandera del Partido Comunista Mexicano. Este hecho fue motivo de fuertes críticas, por parte de la prensa nacional. Su cuerpo fue incinerado por el deseo y voluntad de la artista en el Crematorio Civil de Dolores y sus cenizas se conservan en la Casa Azul de Coyoacán.

Las pinturas más famosas de Frida Kahlo

Entre las primeras pinturas de Frida Kahlo destacan inicialmente sus primeros autorretratos. El 4 de julio de 1932, la artista pintó su cuadro Henry Ford Hospital (1932). Esta obra representa el aborto que tuvo en la ciudad de Detroit, Estados Unidos. La pintura hecha en óleo sobre una lámina metálica, cuyas dimensiones son 30,5 x 38 cm, muestra a una Frida sangrante posada sobre una cama, mientras que desde su vientre nacen seis venas rojas que atadas a objetos simbólicos de su sexualidad y de su embarazo perdido. Henry Ford Hospital (1932) está en el Museo Dolores Olmedo de México.

Frida Kahlo
Henry Ford Hospital (1932) Fuente: www.biografiasyvidas.com

Mi nacimiento (1932), es una obra que muestra a la madre de Frida con el rostro oculto, haciendo alusión a su muerte, mientras que la cabeza de la artista se encuentra sumida entre las piernas en un charco de sangre. Este cuadro fue pintado en el estilo de un «ex-voto retablo». La obra forma parte de la colección privada de arte de la cantante Madonna.

Frida Kahlo
Mi nacimiento (1932). Fuente: historia-arte.com

Unos cuantos piquetitos (1935), óleo sobre metal, 48 x 38 cm, está inspirada en el sufrimiento emocional de Frida por las infidelidades de Diego Rivera con su hermana Cristina. El título de la obra viene de un artículo de prensa en el que se publica la declaración policial de un asesino que decía que solo le había dado ‘unos cuantos piquetitos’. La obra forma parte de la colección del Museo Dolores Olmedo.

Frida Kahlo
Unos cuantos piquetitos (1935) Fuente: www.biografiasyvidas.com

Las dos Fridas (1939) es un cuadro al óleo, cuyas dimensiones son 1,73 m x 1,73 m, el cual muestra la separación entre las dos personalidades de Frida Kahlo. Los corazones de ambas están expuestos y conectados entre sí, donde una de las personalidades de Frida corta las arterias con una tijera, mientras que la otra sostiene un pequeño retrato de Diego Rivera. La pintura fue adquirida por el Instituto Mexicano de Bellas Artes en 1947 y, actualmente, forma parte de la colección del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México.

Frida Kahlo
Las dos Fridas (1939). fuente: www.biografiasyvidas.com

El Autorretrato con collar de espinas y un colibrí (1940), hecha con pintura al óleo con una medida de 47 cm x 61 cm, es una de las obras más famosas de Frida Kahlo, en donde se muestra estrangulada por un collar de espinas, mientras que el cadáver de un colibrí es acechado por un gato negro y un mono que asemeja su mascota. La obra es parte de la colección del Harry Ransom Center en Austin, Texas.

Frida Kahlo
Autorretrato con collar de espinas y un colibrí (1940). Fuente: elplaneta.com

En la pieza Autorretrato como tehuana, también concida como Diego en mi pensamiento (1943), es una pintura al óleo, cuyas medidas son 61 m x 76 m. En este cuadro aparece vestida con el traje tradicional tehuano de la cultura zapoteca, es un retrato que hace alusión a su obsesión con su relación y adoración por Diego Rivera. Esta obra es parte de la colección de Jacques y Natasha Gelman.

Frida Kahlo
Autorretrato como tehuana. Fuente: www.artehistoria.com

La columna rota (1944) hecha en 1944 en óleo sobre tela montada en aglomerado de 40 x 30.7 centímetros, es una representación del dolor que sintió Frida, tras sufrir su accidente a los 18 años. Esta pintura fue hecha tras una intervención de columna que la cual la dejó confinada a un corsé. En la obra se muestra en medio de un paisaje desértico sostenida por la estructura de metal, mientras que una columna atraviesa su cuerpo y reemplaza la suya. La pintura forma parte de la colección del Museo Dolores Olmedo.

La columna rota (1944)
La columna rota (1944). Fuente: pinterest.com

Viva la vida (1954), óleo sobre masonite, 59 x 50 cm, es una obra de la artista que representa la transformación del dolor en arte. La obra permanece en el Museo Frida Kahlo en la Ciudad de México.

Viva la vida (1954)
Viva la vida (1954). Fuente: pinterest.com

El museo de Frida Kahlo

El museo Frida Kahlo, también conocido como la Casa Azul, es el lugar en donde nació y murió la pintora mexicana.

La casona signada con el número 247 se encuentra ubicada en la calle Londres, en el sur de la Ciudad de México, en Coyoacán, la cual alberga elementos de la vida y obra de artista.

La Casa Azul fue convertida en museo en 1958. El museo Frida Kahlo alberga obras de la artista como Viva la vida (1954), Frida y la cesárea (1931) y Retrato de mi padre Wilhelm Kahlo (1952), entre muchas otras.

La Casa Azul
La Casa Azul. Fuente: www.ultimasnoticias.ec

La vestimenta de Frida Kahlo

La característica vestimenta de Frida Kahlo, adoptada durante su tiempo en Cuernavaca, refleja su conexión con el folklore mexicano y su ascendencia mestiza, adoptando la vestimenta tradicional tehuana para su vida cotidiana.

Sus atuendos consiste en el traje típico zapoteca, en el que predominan las flores,. Frida portaba la falda con un chal con flecos, cargada de accesorios como delicadas joyas de oro o prominentes collares. Asimismo, llevaba su cabello trenzado y las flores e hilos rojos adornaban su peinado, su maquillaje exageraba los rasgos de su rostro y resaltaba sus cejas.

La vestimenta de Frida Kahlo
La vestimenta de Frida Kahlo

Referencias:

https://es.wikipedia.org/wiki/Frida_Kahlo

https://www.vogue.mx/estilo-de-vida/articulo/frida-kahlo-biografia-frases-y-peliculas

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/k/kahlo.htm

https://historia.nationalgeographic.com.es/a/nacimiento-frida-kahlo-mito-siglo-xx_14468

https://historia-arte.com/artistas/frida-khalo

Alejandro Magno y su caballo Bucéfalo: La dupla conquistadora

Alejandro Magno y su caballo Bucéfalo

Bucéfalo, el caballo que acompañó a Alejandro Magno en todas de sus batallas y conquistas durante más de treinta años, siendo el más famoso de la Antigüedad. Este corcel fue el fiel compañero del rey de Macedonia, Media, Persia y faraón de Egipto y conquistador de Asia.

Alejandro Magno
Alejandro Magno y su caballo Bucéfalo. Fuente: blog.terranea.es

La historia de Bucéfalo

Existen tres versiones acerca de la historia de Bucéfalo. La más acertada es la que narra el historiador, filósofo y biógrafo, Plutarco, siendo la más tradicional.

La versión de Plutarco

El rey Filipo II de Macedonia adquirió el caballo por trece talentos a un tésalo (cono monetario de la antigua Grecia).

El animal era tosco, rebelde e indomable, y no permitía que nadie se le acercara. Ningún jinete pudo montar y mucho menos domar el caballo.

Filipo desestimó todas sus esperanzas para “domarlo” hasta que el joven Alejandro Magno, con quince años de edad, se dio cuenta de que el caballo tenía miedo de su propio sombra.

Para ayudarle a superarlo, Alejandro le giró la cabeza hacia el sol, cegándole. De esa forma, el joven príncipe se subió de un salto y su padre sorprendido pronunció a siguiente frase: «Hijo, búscate un reino que se iguale a tu grandeza, porque Macedonia es pequeña para ti». Desde ese instante, se dice que Bucéfalo sólo se dejaba montar por Alejandro.

La versión de Pseudo Calístenes

La versión de Pseudo Calístenes, el libro que relata la vida de Alejandro Magno cuyo autor es anónimo, dice que Bucéfalo era un caballo hermoso, pero salvaje, al punto que cazaba y comía seres humanos para comérselos. Por tal motivo, Filipo le construyó una jaula de hierro a donde encerraría a todo aquel que le desobedecieran.

El Oráculo de Delfos le reveló a Filipo que, sólo aquel que pudiera montar a Bucéfalo sería el rey del mundo y podría cruzar la ciudad de Pela.

Al acercarse el joven príncipe, el caballo, extendiendo sus patas delanteras, relinchó suavemente, reconociendo a su único amo.

La versión de Diodoro Sículo

Por su parte, Diodoro Sículo (90 a. C. – 30 a. C.) fue un historiador griego del siglo I a. C. En su versión, el caballo fue un regalo de Demarato de Corinto, un príncipe etrusco oriundo de Corinto a mediados del siglo VII a. C.

El padre de Alejandro Magno, lo encerró en una jaula de oro, donde arrojaba a todo aquel que se atreviera a contradecirlo.

Pero el Oráculo de Delfos le pronóstico a Filipo que aquel que fuera capaz de montar a Bucéfalo y cruzar la ciudad de Pela, se convertiría en el rey de todo el mundo habitado.

Según Calístenes, Alejandro lo descubrió en las caballerizas reales y al acercarse el animal extendió sus patas delanteras y relinchó suavemente, reconociendo a su amo. El joven príncipe montó a Bucéfalo y recorrió toda la ciudad.

El significado del nombre griego Bucéfalo

Su nombre era Bucéfalo, palabra proveniente del idioa griego que significa “cabeza de buey”. Se cree que el nombre le fue dado por la forma de su cabeza especialmente ancha.

Algunos autores afirman que el equino tenía una mancha con forma de cabeza de toro en su espalda.

Alejandro Magno
Estatua de Alejandro Magno con Bucéfalo. Fuente: www.noticaballos.com

¿Cómo domó Alejandro Magno a Bucéfalo?

Cuando Alejandro Magno sólo contaba con quince años, a su padre, Filipo II de Macedonia, adquirió un caballo por la cantidad de trece talentos.

Bucéfalo era un corcel proveniente de a mejor cría de Tesalia, en Grecia, pero que nadie había sido capaz de controlar, ni siquiera los domadores más experimentados, ni los jinetes más hábiles.

El joven Alejandro Magno observó que el caballo era desconfiado y le temía a su propia sombra. Ante las risas de los presentes y las dudas de su padre, el joven príncipe se ofreció a intentar domar al corcel. Entonces se acercó al corcel y lo puso de cara al sol mientras le iba hablando con suavidad.

Su padre y todos los que estuvieron presentes quedaron asombrados de la hazaña, ya que pensaban que era imposible domar al corcel. Filipo le regaló el caballo a Alejandro, quien le dio el nombre de Bucéfalo.

Alejandro Magno
Alejandro Magno fue el único jinete capaz de domar a Bucéfalo. Fuente: www2.uned.es

Cuentan los historiadores que Filipo, ante la admiración de todos, se dirigió a Alejandro y le dijo: “Hijo, búscate un reino que se iguale a tu grandeza porque Macedonia es pequeña para ti”.

A partir de entonces Bucéfalo permitió que los criados se ocuparan de él, pero sólo permitió ser montado por Alejandro.

De esta forma el corcel se convirtió en el más fiel aliado de Alejandro Magno durante treinta años, acompañándole en todas sus conquistas militares en Asia y su lucha contra el Imperio Aqueménida.

Alejandro Magno y su caballo Bucéfalo conquistaron el mundo

Alejandro III de Macedonia (356 a. C. – 323 a. C.), más conocido como Alejandro Magno o Alejandro el Grande, fue el Rey de Macedonia, Hegemón de Grecia, Faraón de Egipto, Gran Rey de Media y Persia hasta su muerte. Sus dominios se extendieron hasta el Oriente Próximo y Asia Oriental.

Era hijo y sucesor del Rey Filipo II de Macedonia y de Olimpia, princesa de Epiro. Su padre lo preparó para reinar otorgándole formación militar, siendo Aristóteles el responsable de su educación intelectual.

Alejandro Magno también tenía su mejor y más querido caballo. Un hermoso corcel negro azabache con una mancha blanca en la frente en forma de estrella, llamado Bucéfalo, cuyo nombre significa “Cabeza de Toro”.

Alejandro Magno y su caballo Bucéfalo
Alejandro Magno y su caballo Bucéfalo en la batalla de Issos. Fuente: blog.terranea.es

Alejandro Magno gobernó a Macedonia, tras la muerte de Filipo. Conquistó el vasto imperio de Persia, y recuperó las ciudades costeras de Asia Menor e islas del mar Egeo. Formó un ejército griego en el año 334 a. C. de apenas 40.000 hombres, para llevar a cabo una guerra de venganza de los griegos, contra el poderoso Imperio persa, bajo el liderazgo de Macedonia.

Alejandro Magno, tras conquistar el Imperio aqueménida, dio inicio a una época de intercambio cultural, llamado Período helenístico (323 a. C. – 30 a. C.).

El Rey de Macedonia cruzó el Helesponto hacia Asia Menor y conquistó el Imperio persa, gobernado por Darío III. Su Imperio se extendió desde Grecia, pasando por el Oriente Próximo, Asia Central, conquistando el Indo y Egipto, donde fundó la ciudad de Alejandría.

En la India, Alejandro Magno derrotó al rey Poro en la batalla del Hidaspes en el año 326 a. C. Luego, retornó a Babilonia, donde falleció en extrañas circunstancias, sin completar sus planes de conquista de la península arábiga.

Alejandro Magno y su caballo Bucéfalo, amigos inseparables

Posterior a que Alejandro Magno logro montar a Bucéfalo surgió una amistad especial entre ellos.

La lealtad del caballo Bucéfalo fue tal que se dejaba montar por Alejandro Magno. Un futuro conquistador y emperador y su gran caballo iniciaron sus aventuras, reconociéndose el uno al otro.

Alejandro Magno tuvo los cuidados necesarios con su caballo Bucéfalo y le daba la mejor alimentación.

El amor de Alejandro por su caballo era admirable. En tal sentido se tornó un vínculo especial entre él y su caballo, mediante una conexión y una confianza, siendo la dupla conquistadora que se combinaba en grandes batallas.

Alejandro Magno y su caballo Bucéfalo
Alejandro Magno y su caballo Bucéfalo Fuente: blog.terranea.es

La muerte de Bucéfalo

Bucéfalo vivió, aproximadamente, durante tres décadas de la mejor manera, ya que su dueño se esmeró por brindarle alimentación y minuciosos cuidados.

Cuando Bucéfalo comenzó a presentar problemas respiratorios Alejandro encomendó a un esclavo su cuidado permanente. Pocas semanas después Bucéfalo se tumba sobre el suelo presagiando su muerte.

Alejandro, ante el lecho de muerte de su fiel amigo, se arrodilló a su lado acariciándolo. Al expirar su último aliento, cubrió la cabeza de Bucéfalo para darle paz. El monarca sintió un dolor profundo, tras la pérdida irreparable de su caballo.

Alejandro Magno y Bucéfalo eran amigos inseparables. En su homenaje, el Rey de Macedonia fundó la ciudad Alejandría Bucéfala. Se presume que este sitio está localizado frente al moderno pueblo de Jhelum, en la provincia del Panyab, al noreste del actual Pakistán.

Referencias

https://blog.terranea.es/bucefalo-caballo-alejandro-magno/

https://www.noticaballos.com/bucefalo.html

https://www.pololine.com/es/articulos/alejandro-magno-y-bucefalo-a-la-conquista-del-mundo/

https://getafe.ayeryhoyrevista.com/alejandro-magno-y-bucefalo/

https://www.muyhistoria.es/h-antigua/articulo/el-caballo-que-conquisto-el-mundo-951458636075

https://siempreconectado.es/bucefalo-caballo-alejandro-magno/

https://www.gustavomirabal.es/caballos/bucefalo-alejandro-magno-gustavo-mirabal/

https://www.gustavomirabal.es/uncategorized/bucefalo-un-caballo-magno/

https://gustavomirabalcastro.online/jinetes/alejandro-magno-y-su-caballo-bucefalo/

https://es.wikipedia.org/wiki/Buc%C3%A9falo

https://es.wikipedia.org/wiki/Alejandro_Magno

 

Trasnocho Cultural apuesta por la experiencia del arte en la Web

Trasnocho Cultural

Desde hace dos meses las taquillas, salas de cine y teatro, galería, restaurante y café del Trasnocho Cultural han permanecido cerradas, debido al confinamiento por el coronavirus. Sin embargo, desde el pasado 15 de mayo, el Trasnocho Cultural ha sido el epicentro de la cultura caraqueña; transformando sus espectáculos en una alternativa online que ofrece la transmisión de obras teatrales y cine foros para que los usuarios puedan disfrutar desde la comodidad de su hogar.

El Centro Cultural, a través de su nueva página web, ofrece al público ver obras teatrales, cine foros, ventas de artesanía, libros, recetas de cocina, y mucho más, a través de su nueva página web. Asimismo, la plataforma está disponible para todos los interesados, con diferentes opciones de entretenimiento y varias modalidades de pago para disfrutar de cada contenido.

El Trasnocho Cultural desde nuestros hogares

Trasnocho Cultural
Trasnocho Cultural. Fuente: oceandrive.com.ve

Solveig Hoogesteijn, la directora del Trasnocho Cultural asegura que la intención de esta propuesta es darle al público un respiro y un acercamiento en sus espacios:

En este extraño momento en el que estamos viviendo, lleno de miedos, de amenazas contra nuestra integridad, en un país claramente hostil y ante una situación que sale fuera de nuestras manos, queremos decirle que usted sigue siendo para nosotros el protagonista”, explica la directora.

La directora del Centro Cultural Trasnocho, respecto a los esfuerzos de los trabajadores que se han sumado a esta propuesta añade lo siguiente: “Nos hemos mantenido atentos, buscando esa cercanía, creando nuevas maneras de encontrarnos, de darle sosiego ante esta situación inenarrable, reuniéndonos y planificando nuevas maneras para que Usted no pierda ese lugar de encuentro con la cultura, con lo enriquecedor de las artes, con el valor de estar ante un espectáculo que hoy genera comentarios virtuales, pero aplausos reales”.

Espectáculos virtuales con aplausos reales

La Señora Ímber
La Señora Ímber, obra teatral protagonizada por la actríz Julie Restifo y dirigida por Javier Vidal. Fuente: www.trasnochocultural.com

Desde el pasado viernes 15 de mayo, la página web del Trasnocho Cultural se ha transformado en un gran teatro virtual. “La digitalización permitirá que en Trasnocho Cultural, sigamos ofreciéndole momentos increíbles, llenos de sueños, que le inspirarán a abrir su mente, a olvidarse por un instante de este momento cruel e histórico y seguir, como siempre, siendo protagonistas”, comenta la directora.

La cartelera teatral fue activada desde la virtualidad con las presentaciones de las piezas que se han convertido en un clásico del teatro venezolano como “Sangre en el Diván” y “Los Hombros de América”, del Grupo Actoral 80 (GA80); así como “La señora Ímber”, de Samuel Hurtado, dirigido por Javier Vidal con el conjunto teatral Jota Creativa.

Cada montaje ha sido grabado para ser adaptados en un formato digital cómodo para que el público pueda disfrutarlos online. Su distribución contribuye con todos los artistas, autores, directores, productores y técnicos que han trabajado fuertemente para que éstos espectáculos sean posibles para mantener viva la cultura.

El Séptimo Arte presente en esta experiencia

Teatro Trasnocho
Teatro Trasnocho. Fuente: www.eluniversal.com

El cine también está presente en la propuesta del Trasnocho Cultural. Para los que se sienten más atraídos por el cine, podrán ser parte de cine foros. La programación cinematográfica también tendrá protagonismo en éste proceso de digitalización.

En el encuentro, denominado Cineforo Arquetipal, celebrado El 16 de mayo del presente año fue presentada la primera entrega con la producción cinematográfica titulada, “Melancolía”, de 2011 escrita y dirigida por Lars von Trier, con la participación del reconocido médico psiquiatra Dr. Luis Galdona.

Seguidamente, se han exhibido los diferentes ciclos semanales clásicos de la programación: Los martes son para la Ópera Digital; los miércoles para los Clásicos Trasnocho; jueves de Retrospectivas y los viernes, para la programación de Especiales Trasnocho.

La Sala TAC se transforma en una tienda virtual

La Sala TAC (Trasnocho Arte Contacto) se transforma en una tienda virtual para ofrecer profiteroles, productos artesanos nacionales y un catálogo de distintas exposiciones que se han realizado en el espacio.

Por su parte, la librería El Buscón tiene disponible sus libros para la venta, los cuales pueden ser entregados mediante un servicio de Delivery.

Trasnocho Cultural, un complejo cultural

Trasnocho Cultural
Fuente: oceandrive.com.ve

Trasnocho Cultural, también denominado Teatro Trasnocho​ es un complejo cultural, cuyo espacio está destinado a realizar eventos para fines académicos. Se trata de un centro cultural que cuenta con salas de teatro, cine y galería de arte inaugurado en Caracas (Venezuela), el 4 de octubre de 2001. Allí se presentan una variedad de eventos que incluyen numerosas obras de teatro y proyecciones de películas e incluye además, librerías, exposiciones y locales comerciales.

Con 27 años de construcción y una extensión de 5.000 metros cuadrados, el Trasnocho Cultural se convierte en el centro cultural y de entretenimiento de mayor éxito de público en Caracas.

La Fundación Trasnocho Cultural es una Asociación Civil sin fines de lucro que mantiene su operación exclusivamente con los ingresos del público a través de la presentación de numerosos eventos culturales. Asimismo, opera un equipo reducido de profesionales de alta experticia en sus respectivas áreas y de estricta orientación de servicio al público, siendo un centro auto-sustentable que brinda a los visitantes un espacio agradable, seguro, de múltiple oferta de arte y cultura.

Es el único espacio de cultura en Caracas que reúne al arte, la cultura y la gastronomía en un mismo lugar. Consta de 4 Salas de Cine, 2 teatros, una Galería de Artes Visuales TAC con Tienda de Arte y Artesanía, una librería, 2 restaurantes de comida nacional e internacional de fusión, una tienda de música, un espacio para talleres, conferencias y seminarios y un estacionamiento al mismo nivel con Espacio Expositivo para temas de interés de la comunidad.

Este centro cultural coadyuva al proceso de desarrollo, integración, fomento de valores e identificación con la sociedad.

Aquellos que deseen disfrutar de las distintas opciones que  ofrece el Centro Cultural, pueden ingresar a la página Web www.trasnochocultural.com. Para mayor información, podrá acceder a través de las redes sociales Twitter e Instagram @trasnochocult, y colocando la etiqueta #TrasnochoWeb. Facebook y el Canal de YouTube: Trasnocho Cultural.

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-breaking-news/el-show-debe-continuar-el-trasnocho-cultural-abre-la-ventana-del-arte-desde-la-web/

https://www.eluniversal.com/entretenimiento/70415/la-experiencia-trasnocho-regresa-pero-desde-la-virtualidad

http://www.grancine.net/noticias-detalle.php?id=8897

https://es.wikipedia.org/wiki/Trasnocho_Cultural

Isla-E, la plataforma online para disfrutar el teatro venezolano

Teatro

El Centro Cultural Virtual Isla-E es la nueva plataforma online para disfrutar el teatro venezolano en tiempos de cuarentena.

El coronavirus ha causado el distanciamiento social en Venezuela y en gran parte del mundo, siendo esta medida una de las más importantes para evitar el contagio. Esta situación trajo como consecuencia el cierre de los espacios culturales, entre ellos el Teatro.

Por tal motivo, los actores se han visto en la necesidad de reinventarse y ahora ofrecen presentaciones a través de las redes sociales o en plataformas digitales. Y este es el caso del Centro Cultural Virtual Isla-E, que en el mes de abril hizo su lanzamiento en Venezuela para cautivar a los espectadores que están en casa y son consumidores online.

El Centro Cultural Virtual Isla-e es una iniciativa de Richard Patiño, un ingeniero venezolano dedicado al diseño de ambientes virtuales para capacitación, que en el mes de abril hizo su lanzamiento en Venezuela para cautivar a los espectadores y amantes del teatro nacional desde sus hogares. “Al llegar la pandemia tuve la necesidad de contribuir con esta lucha. Tengo un conocimiento, existe una plataforma con resultados interesantes, y decidí colocarla al servicio del entretenimiento”.

Obra de teatro
Obra de teatro. Fuente: www.caraotadigital.net

¿Por qué recibe el nombre de Centro Cultural Virtual Isla-E?

La Isla Asesores en e-learning es una firma personal de Richard Patiño que ofrece servicios de implantación de sistemas de capacitación online, dirigidas a a empresas e instituciones; sin embargo, en los últimos años, han desarrollado ambientes virtuales para actividades no didácticas  como expoferias y, recientemente, el Centro Cultural Virtual Isla-E.

Su etimología consiste en eliminar la palabra learning y mantener el anglicismo “e” que hace referencia al término “electronic”, lo cual resulta decir Isla-E (Centro Cultural Virtual Isla-E).

¿Cómo funciona el Centro Cultural Virtual Isla-E?

Aquellas personas que deseen usar la plataforma, debe suscribirse enviando un correo electrónico a centroculturalislae@gmail.com, a fin de solicitar una cuenta de usuario y contraseña. Luego, podrá ingresar de manera gratuita a las distintas salas de teatro y ver las presentaciones en un horario de martes a domingo, de 8:00 a 10:00 pm.

Para el disfrute de las obras teatrales, el usuario encontrará 4 ambientes en el que el usuario podrá encontrar reseñas del director, los actores o la compañía; una sinopsis de la obra; la presentación de la misma en formato audiovisual, grabada en casa con teléfono móvil u otro dispositivo; así como, un foro de socialización para interactuar con los actores, felicitarlos y hacer comentarios de la obra.

Patiño explicó que: “la planificación y administración de las funciones y asistencia será similar a la de una sala de teatro común; es decir, debe solicitar la entrada, en nuestro caso enviar correo con nombre y apellido, expresando el deseo de disfrutar de la función”.

Asimismo, señaló que la plataforma puede usarse con cualquier navegador, lo único que necesita el usuario es tener conexión en internet, una computadora o un teléfono celular.

Para finalizar, aclaró que es una “plataforma que la hace funcionar cómo un centro cultural físico en cualquier parte del mundo”.

Experiencias en la Isla-E

El proyecto Centro Cultural Virtual Isla-E, no es más que una innovación tecnológica que permite a las compañías teatrales hacer propuestas creativas desde cualquier parte del mundo.

Las obras “Caso de casa”, con Mario Sudano y Desireé Monasterios, y “Realidad muy restringida”, fueron las primeras en ser presentadas en este centro cultural virtual.

Desireé Monasterios, actriz de la obra venezolana Casos de casa, manifestó: “Nos gusta crear para esta plataforma porque tratamos, en lo posible, que la grabación sea en un solo plano, con recursos mínimos para no colocar características cinematográficas en cuanto planos, edición o cortes”.

Actualmente, se están presentando obras teatrales en este Centro Cultural virtual con funciones de lunes a domingo desde las 8 hasta las 10 p.m. Entre ellas: “Caso de casa” protagonizadas por los reconocidos y talentosos Mario Sudano y Desireé Monasterios y “Realidad muy restringida”.

Para mayor información ingrese a través de @la_isla_e y solicite su acceso a la plataforma. Para reservar entradas se debe enviar un correo con nombre y apellido, mediante el correo electrónico centroculturalislae@gmail.com y comience a disfrutar de este recorrido virtual por la sala de la obra seleccionada.

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Mario Sudano y Desireé Monasterios en la obra de teatro titulada, «Caso de Casa». Fuente: www.eluniversal.com

Isla-E: Innovación tecnológica en la cuarentena

La cuarentena ha sido sinónimo de reinvento y creatividad en el mundo entero, pero los venezolanos han demostrado ser los pioneros en ingenio y colaboración. Este ha sido el caso del ingeniero venezolano Richard Patiño, creador y especialista en diseño e-learning, un software diseñado para dictar capacitación online adaptado para la realización de Ferias Virtuales Comerciales y, más recientemente, del Centro Cultural Virtual Isla-e.

En el ámbito cultural, los profesionales del teatro se han agrupado para llevar a los hogares de todos los venezolanos propuestas teatrales para niños y adultos, durante el confinamiento.

“En medio de la cuarentena y viendo la situación que se cierne sobre la humanidad, pensé en qué podía hacer yo para contribuir y me dije: tengo una plataforma y un conocimiento que puedo poner al servicio de esta lucha, y me dediqué a acondicionar la plataforma para un formato de Centro Cultural, para llevar opciones de entretenimiento a las familias y ayudarles a quedarse en casa en compañía de los artistas de forma entretenida y gratuita”, explicó Patiño.

Por su parte, los artistas y creadores manifestaron que debía tratarse de un trabajo voluntario y que de esa manera lo han estado realizando, además de incluir al equipo técnico que hace posible este proyecto en particular; entre ellos ingeniero en sistema, diseñador gráfico administrador de redes y edición audiovisual.

“Agenda cultural en tiempos de cuarentena” presentó su primer festival virtual de teatro

La iniciativa “Agenda cultural en tiempos de cuarentena” presentó las novedades del teatro nacional. Las salas virtuales teatrales Isla-E se integran a su programación, mientras que Actores On-line Venezuela dan la bienvenida a nuevos talentos que se involucran en la idea de trasmitir, a través de las plataformas tecnológicas y por redes sociales, las obras teatrales.

En la agenda del primer festival de teatro virtual que se realizó desde Venezuela con la organización de reconocidas figuras de las artes, contó con un jurado calificador para cada presentación; entre ellas: Africa Salomé. «Soul: Los sonidos de la historia afroamericana» (Musical), Valentina Cabrera “Lola Viodegradable”, Toneb Castro y Leandro Campos “Aquí están las rubias” y Jeizer Ruiz ”Los pollitos dicen” .  Las obras fueron presentadas desde el 30 abril hasta el 03 mayo del presente año.

Las inscripciones para el primer festival virtual de teatro fue mediante correo electrónico, “Sin Compañía Festival”, el cual reunió al gremio artístico a través de las plataformas tecnológicas; siendo el primer Festival Internacional de Unipersonales de teatro, danza y pantomima.

En este evento, los artistas fueron los principales protagonistas, donde participaron actores, bailarines y mimos de cualquier país con ejercicio profesional de manera individual.

Los artistas compitieron a través de videos libres grabados desde sus hogares, mediante teléfono móvil, cámara de video tableta, laptop o cualquier dispositivo electrónico, siendo consecuentes con el llamado de #Quedateencasa.
Las categorías participantes fueron: teatro: monólogos, danza (coreografía o partitura corporal) y pantomima (ejecución de una rutina inédita).

La obra “Caso de Casa”

Se trata de una obra con anécdotas humorísticas y de reflexión, a partir de la experiencia de Victoria, la protagonista de la historia, que después de haber roto con su silencio, espera que alguien en verdad la haya escuchado.

Isla-E
Obra teatral «Caso de Casa». Fuente: contrapunto.com

”De una Realidad Muy Restringida”

Es un monólogo de Bernard-Marie Koltès de la obra «Regreso al desierto» que relata la historia de un  sobreviviente a un atentado urdido por su propio tío al volver a Francia de la guerra de Argelia. En esta adaptación, un simple muchacho que confía en lo que (no) sabe de la ciencia, y cree poder salir del mundo con un salto.

”Animalismo” con Alexander Rivera

Es una adaptación de la novela satírica del británico George Orwell, ”Rebelión en la granja”. Se trata de un monólogo en el que se relata cómo el régimen autoritario del Cerdo Napoleón corrompe el sistema político impuesto por el Cerdo Mayor en la granja. Los animales de la granja expulsan a los humanos tiranos y crean un sistema de gobierno propio, el ”Animalismo”, convirtiéndose en otra tiranía brutal.

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Obra de teatro titulada, «Animalismo». Fuente: www.eluniversal.com

Entretenimiento teatral gratuito en medio de la cuarentena

En medio de la cuarentena establecida para prevenir el brote del coronavirus, el ingeniero Richard Patiño desarrolló la plataforma para dar su aporte, en alianza con los actores y productores Mario y Desirée Sudano, e apoyo al teatro venezolano.

Los actores Mario y Desirée Sudano, ambos esposos, están al frente de la Gerencia de Programación que  presentan diferentes montajes de su repertorio, así como de otros dramaturgos, productores e intérpretes.

Las salas de teatro virtuales albergan propuestas de obras totalmente gratuitas, a través del Centro Cultural Virtual Isla-e. El usuario solo necesita una computadora o un teléfono celular con acceso a internet.

Referencias

https://www.kipupress.com/crean-plataforma-online-para-apoyar-el-teatro-venezolano/

https://contrapunto.com/cultura/actualidad-cultura/venezolano-crea-centro-cultural-virtual-para-ver-teatro-en-cuarentena-isla-e/

https://www.eluniversal.com/entretenimiento/68990/agenda-cultural-en-tiempos-de-cuarentena-presenta-nueva-programacion-y-primer-festival-virtual-de

https://www.eluniversal.com/entretenimiento/69569/centro-cultural-virtual-islae-entretenimiento-teatral-gratuito-en-cuarentena

https://www.eluniversal.com/entretenimiento/67771/centro-cultural-virtual-islae-innovacion-tecnologica-en-la-cuarentena

https://www.mscnoticias.com.ve/2020/04/centro-cultural-virtual-isla-e-innovacion-tecnologica-en-la-cuarentena/

https://ululeo.com/que-les-parece-se-crea-plataforma-digital-para-renovar-el-teatro-en-venezuela/

https://elpitazo.net/cultura/crean-plataforma-digital-al-servicio-del-teatro-venezolano-en-cuarentena/

Teresa Carreño, la prodigio del piano

Teresa Carreño

Teresa Carreño fue una pianista, cantante y compositora venezolana y una de las más importantes del mundo y de América Latina entre los siglos XIX y XX.

La niña prodigio

Teresa Carreño
Teresa Carreño, la niña pianista. Fuente: www.bbc.com

Bautizada como María Teresa Gertrudis de Jesús, nació en Caracas el 22 de diciembre de 1853 en el seno de una familia de músicos. Sus padres Manuel Antonio Carreño y Clorinda García de Sena y Rodríguez del Toro.

Teresa Carreño inició sus estudios musicales desde que era niña. Comenzó haciendo más de 500 ejercicios que le permitieron desarrollar sus habilidades, compuestos por su padre. Estos estudios los continuó con el pianista Jules Hohené, Georges Mathias.

En 1862 la familia Carreño García, a consecuencia de la guerra civil y de la crisis económica en Venezuela, parte a Nueva York.

Inmediatamente, Teresa comenzó a dar conciertos privados a familiares y amigos, demostrando sus habilidades con el piano y acrecentando su fama.

Su talento impresionó al compositor estadounidense Louis Moreau Gottschalk, considerado para la época como uno de los mejores pianistas del Nuevo Mundo. A los seis años publicó su primera obra, dedicada a su maestro y titulada «Gottschalk Waltz» («Vals de Gottschalk»), agotada en tres ediciones sucesivas en un solo año.

Teresa Carreño inicia su carrera musical

Louis Moreau Gottschalk
Louis Moreau Gottschalk. Fuente: https://www.bbc.com/

El 25 de noviembre de 1862, Teresa Carreño dio su primer concierto en público en la sala Irving Hall de Nueva York. Luego, tuvo cinco presentaciones más que incluye su exitosa actuación en la Academia de Música de Brooklyn. Tras sus exitosas presentaciones en la Gran Manzana, Carreño inicia su primera gira por Estados Unidos.

A los 9 años de edad, Teresa Carreño tocó el piano para el entonces presidente de Estados Unidos Abraham Lincoln, en el otoño de 1863. En su presentación, interpretó varias piezas compuestas por su maestro Gottschalk. Luego, debuta como solista con la Orquesta Sinfónica de Boston y con la Filarmónica de Londres.

Abraham Lincoln
Abraham Lincoln. Fuente: okdiario.com

Maestros e influencias

En París, conoce a compositores famosos de la talla de Rossini, creador de óperas universales como «El barbero de Sevilla», Gounod, Maurice Ravel, Claude Debussy, Vivier y el compositor húngaro Franz Liszt, quien incluso se ofrece a darle lecciones musicales que ella declina. Durante una gira por Londres, la pianista venezolana conoció a Anton Rubinstein, ex tutor de Tchaikovski.

En el salón de Madame Erard, Teresa tocó el piano a lado de Franz Liszt, quien quedó impresionado con las facultades interpretativas de la niña. A su corta edad realizó giras en Cuba, Estados Unidos y debutó en París el 3 de mayo de 1866. En uno de estos conciertos, conoció al destacado pianista Johannes Brahms, al compositor italiano Gioacchino Rossini y a la cantante de ópera Adelina Patti.

Teresa Carreño debutó como cantante de ópera

Teresa Carreño tenía una hermosa voz de mezzosoprano que fue descubierta por Rossini, quien le dio clases de canto, y debutó como mezzosoprano en la ópera Los hugonotes, de Giacomo Meyerbeer, en 1872.

En 1866, muere su madre contagiada por una epidemia de cólera. Luego viajó a España, donde presentó conciertos en diversas ciudades y, posteriormente, volvió a Estados Unidos para continuar su gira de conciertos.

Tiempos difíciles

En 1873, Teresa Carreño se casa con el violinista Emile Sauret y el 23 de marzo del año siguiente nace su hija Emile Sauret.

Teresa inicia su gira con su esposo, la cual resultó un fracaso, aunado a la pérdida de su segundo hijo que la llevó a disolver su matrimonio.

En esos días también falleció su padre, Manuel Antonio Carreño, y cayó en una fuerte crisis económica y se vió en la necesidad a entregar a su hija en adopción a su «amiga» alemana, la señora Bichoff; con la condición de que Teresa no la viese más.

De vuelta a Estados Unidos

Carreño regresó a Estados Unidos y, durante varios años, participó como cantante de ópera como en la obra de Zerlina, de Don Giovanni.

En 1916, la pianista venezolana ofreció en la Casa Blanca un recital de Navidad en honor al presidente de los Estados Unidos, Woodrow Wilson. Teresa Carreño desarrolló una exitosa carrera musical como pianista, compositora y cantante que la llevó a realizar numerosas giras internacionales, bajo la batuta de Gustav Mahler, junto a la New York Philharmonic Society.

En 1876, Teresa viaja a Boston en una gira como cantante, donde conoció al barítono italiano Giovanni Tagliapietra, con quien contrajo matrimonio y tuvo tres hijos: Lulú, Teresita  y Giovanni.

Juntos fundaron una empresa de conciertos denominada la Carreño-Donaldi Operatic Gem Company.

Teresa Carreño visita a Venezuela

En 1885, Carreño viajó por primera vez a Venezuela para hacer una gira de recitales.

Su segunda visita a Venezuela fue en febrero de 1887, invitada por el entonces presidente Antonio Guzmán Blanco. Este viaje fue un rotundo fracaso, debido a la mediocridad de la compañía de ópera que trajo consigo y por el comportamiento libertino de su esposo.

Teresa es obligada a quedarse en Venezuela por una decisión del Tribunal de Comercio del Distrito Federal, debido a una demanda de incumplimiento de pagos a uno de los miembros de la compañía. El 23 de agosto de 1887, regresa a Nueva York, con la ayuda del presidente Guzmán Blanco. Carreño permaneció en su país natal durante 10 años.

En 1889, Teresa se separó de su esposo Giovanni Tagliapietra, llevándose a sus hijos a Europa.

Teresa Carreño y su gira por Europa

Teresa Carreño
Teresa Carreño, la valquiria del piano. Fuente: www.bbc.com

En Europa, Carreño realizó varias giras por Alemania, Rusia y otros países europeos y conoce al compositor noruego Edward Grieg. Pero en Alemania, realizó diferentes conciertos, donde se consagró como concertista de fama internacional; y es bautizada como «la valquiria del piano» y como la «leona del teclado», debido al estilo fuerte e impetuoso de sus interpretaciones.

Su tercer y cuarto matrimonio

En 1892, contrae matrimonio con el pianista Eugen d’Albert, con quien tuvo dos hijas, Eugenia y Hertha. Pero, en 1895 se separa de d’Albert, y en 1902 se casa con Arturo Tagliapietra, hermano de su segundo esposo, Giovanni.

Su última presentación y fallecimiento

En 1917, Teresa Carreño prepara una gira por Sudamérica, no sin antes visitar a Cuba, donde realizó su exitoso concierto con la Filarmónica de La Habana. Ahí comienza a sufrir serios quebrantos de salud. Pero, en su regreso a Nueva York, fue diagnosticada con parálisis parcial del nervio óptico, que amenazaba con extenderse al cerebro.

Teresa Carreño fallece el 12 de junio de 1917 en su apartamento situado en la Residencia Della Robbia, en el 740 de la West End Avenue, en Manhattan. Ahí fue develada una placa conmemorativa en su nombre, en 2003.

Tras su muerte, sus restos fueron cremados y sus cenizas fueron trasladadas a Venezuela en 1938 y, desde el 9 de diciembre de 1977, reposan en el Panteón Nacional.

Legado

Teatro Teresa Carreño
Teatro Teresa Carreño. Fuente: iamvenezuela.com

La figura de Teresa Carreño se cuenta entre la de los más grandiosos pianistas de su época. En su honor, se inauguró en 1983, el principal complejo cultural de Caracas que lleva su nombre, el Teatro Teresa Carreño; así mismo, fueron bautizadas una plaza en el parque El Calvario, dos calles, un colegio y una orquesta sinfónica juvenil de El Sistema.

Obras

A lo largo de su carrera, Teresa Carreño ofreció más de 5.000 conciertos y compuso más de 70 piezas musicales originales. Entre sus obras como compositora figuran: Himno a Bolívar; Saludo a Caracas; el vals “A Teresita”, dedicado a su hija; el Cuarteto para cuerdas en si bemol y el Bal en revé opus 26.

Referencias

https://es.wikipedia.org/wiki/Teresa_Carre%C3%B1o

https://www.venezuelatuya.com/biografias/carreno.htm

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/carreno_teresa.htm

https://www.bbc.com/mundo/noticias-51451987

Lina Cavalieri, la misteriosa musa de Piero Fornasetti

Lina Cavalieri

Por su nombre, pocas personas reconocen a Lina Cavalieri (1874-1944). Pero su rostro se ha vuelto tan famoso en todo el mundo por las obras del diseñador italiano Piero Fornasetti.

La fuente de inspiración que hizo famoso a este artista italiano del siglo XX, es su musa, Lina Cavalieri. El artista desarrolló una serie de dibujos  con más de 1000 interpretaciones del rostro misterioso de la mujer que se convirtió en su obsesión; siendo reproducidos en el mundo del diseño.

Lina Cavalieri era una cantante de ópera y actriz de cine mudo, quien ya era considerada una belleza en el siglo XIX. Tanto es así que, a punto de cumplir 40 años, lanzó un libro llamado My Beauty Secret , muy bien recibido por el público.

Piero Fornasetti fue seducido por la belleza de Lina Cavalieri

Piero Fornasetti
Piero Fornasetti. Fuente: www.sterlizie.com

Piero Fornasetti (Milán, 1913-1988)  fue pintor, escultor, grabador, diseñador y uno de los creadores italianos más originales del siglo XX. Su talento para el dibujo, lo ha convertido en una figura irremplazable en la historia del diseño.

Este genio milanés murió,  en 1988, dejando más de doce mil diseños. El más misterioso de sus temas de dibujos y el más obsesivo, era el rostro de  Lina Cavalieri. Fue la mujer que Fornasetti reprodujo  una y otra vez hasta convertirla en un marchamo, siendo el más reiterado entre sus diseños en los últimos cien años.

Lina Cavalieri, la musa de Piero Fornasetti

Lina Cavalieri
Lina Cavalieri. Fuente: www.sterlizie.com

Piero Fornasetti fue escultor, pintor, decorador de interiores, impresor de libros y creador de más de trece mil objetos, y su producción es una de las más grandes del siglo XX. Su estética, guiada por un lenguaje visual inmediatamente reconocible, está llena de color, humor, misterio, y magia.

Pero, su característica más evidente es la de cierta pasión y, a su vez, una obsesión por el estudio en serie de la evolución de temas específicos. A partir de una idea, Fornasetti la reformuló docenas de veces inventando e imaginando variaciones infinitas.

Los temas más recurrentes son el sol, naipes, arlequines, manos, autorretratos. Pero la más famosa de estas colecciones de imágenes es sin duda la primera en tener el nombre de “Tema e Variazioni ”. Se trata de un compendio de 350 piezas que rinde homenaje al rostro enigmático de una mujer de belleza clásica y formal, que ahora se ha convertido en un ícono.

En 1952, Piero Fornasetti encontró esta imagen hojeando una revista francesa de fines del siglo XIX y quedó fascinado con ella, convirtiéndola en su musa. La mujer era la cantante de ópera, Lina Cavalieri, muy admirada por la diva de la Belle Epoque, conocida por su talento artístico y por la fama de la seductora.

El misterio de su obsesión se origina debido a que nunca se llegaron a conocer personalmente, ya que para ese entonces, Lina ya había dejado de existir. Cuando los periodistas de la prensa italiana le preguntaban a Piero Fornasetti la razón de su comportamiento obsesivo, argumentaba lo siguiente: “Empecé a pintarla y nunca paré”.

Piero Fornasetti reinterpretó el rostro de Lina en forma fantástica y humorística plasmándola en diversos objetos cotidianos, convirtiéndola en su sello personal.

Piero Fornasetti en sus comienzos

En el año de 1932,  Piero Fornasetti fue expulsado de la Academia de Bellas Artes de Brera por insubordinación, pero fue en la Universidad de Milán, donde exhibe sus primeras pinturas.

Sus trabajos fueron presentados en eventos como las Trienales de Milán, que lo llevaron a relacionarse con Gio Ponti, uno de los arquitectos y diseñadores italianos más importantes del siglo XX. Juntos proyectaron la serie Architettura, los interiores del trasatlántico Andrea Doria, así como también la decoración del casino de San Remo y de la famosa pastelería milanesa Dulciora.

Los temas de Piero Fornasetti

Gran parte de sus trabajos son de temas concretos que utilizó en el grabado de soles, monedas, instrumentos musicales, arlequines, pero el más famoso es el bello y enigmático rostro de una mujer, la cantante de ópera Lina Cavalieri. Convertida en su musa, Fornasetti creó con la imagen del rostro de la soprano, una serie de 350 variaciones que llamó “Tema & Variazioni” y que utilizó en todo tipo de piezas.

La marca Fornasetti

Piero Fornasetti
Atelier de Piero Fornasetti. Fuente: www.sterlizie.com

Tras la muerte de Fornasetti en 1988, no se realizaron más versiones de la imagen de la Lina Cavalieri; sin embargo, la marca Fornasetti continúa reproduciendo sus diseños en la actualidad.

Piero Fornasetti es el responsable de las llamadas reinvenciones, se trata de nuevos diseños que se utilizan, transformándolos en un objeto del culto, dándole un toque indispensable en el mundo del Interiorismo Internacional.

Referencias

https://oceandrive.com.ve/bon-vivant/la-musa-de-piero-fornasetti-un-misterio-para-el-arte-y-el-diseno/

https://onthe50road.com/la-musa-espectral/

https://nuevo-estilo.micasarevista.com/decoradores-arquitectos/piero-fornasetti

https://www.sterlizie.com/arte-design/chi-era-lina-cavalieri-la-musa-di-piero-fornasetti/

https://revistacasaejardim.globo.com/Casa-e-Jardim/Decoracao/noticia/2018/11/quem-foi-lina-cavalieri-musa-de-piero-fornasetti.html