Carlos Cruz-Diez, el maestro del arte cinético

Carlos Cruz-Diez

Carlos Cruz-Diez fue un artista plástico venezolano considerado uno de los protagonistas más relevantes del arte óptico y cinético, expresión artística que reivindica «la toma de conciencia de la inestabilidad de lo real”. Su trabajo enfatiza la participación y la interacción, la percepción espacial, y el movimiento como elementos clave para la experiencia artística.

El artista propuso el color como un fenómeno cromático concebido como una realidad autónoma que se desarrolla en el tiempo y en el espacio. La proposición artística de Carlos Cruz-Diez se fundamenta en sus ocho investigaciones que ponen de manifiesto los diferentes comportamiento del color: Couleur Additive, Physichromie, Induction Chromatique, Chromointerférence, Transchromie, Chromosaturation, Chromoscope y Couleur à l’Espace.

Carlos Cruz-Diez
Carlos Cruz-Diez. Fuente: cruz-diez.com

Sus Primeros Años y formación en el arte

Carlos Eduardo Cruz-Diez nació el 17 de agosto de 1923 en La Pastora, Caracas, Venezuela. Desde niño fue atraído por el arte y descubre el reflejo de la luz y el color producida por el impacto del sol en las vidrieras de la fábrica de botellas de su padre.

En 1940 se inscribe en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas, donde coincide con Jesús Soto, Narciso Debourg, Mateo Manaure y Alejandro Otero, entre otros. Allí obtiene el diploma de profesor de Artes Aplicadas. Paralelamente se gana la vida haciendo viñetas humorísticas para el diario La Esfera y la revista infantil Tricolor. Con su maestro, Rafael Ramón González, aprendió a no pintar el color plano y evidente de los objetos sino a interpretar los matices que lo componen. Años más tarde aprendió apreciar que el color está en el espacio que nos rodea y que el punto radica en saber ver el color.

Carlos Cruz-Diez
Retrato de Carlos Cruz-Diez. Fuente: www.venezuelatuya.com

Sus ilustraciones y su interés en el arte abstracto

En 1944, Carlos Cruz-Diez trabaja como ilustrador y diseñador gráfico de la revista El Farol de la Creole Petroleum Corporation y en la agencia publicitaria McCann-Erickson, en 1946. En 1947 realiza su primera exposición individual en el Instituto Venezolano-Americano de Caracas y luego, en 1953, es ilustrador del periódico El Nacional. Toda su producción plástica de estos años se enmarca dentro del realismo social.

Para 1954, comienza a interesarse por las corrientes abstractas y realiza una serie de proyectos para murales exteriores con elementos geométricos, en los que juega con el color, la sombra y el reflejo. Ese mismo año presenta estos proyectos en el XV Salón Oficial (1954).

Asimismo, en el año 1955, realiza una exposición individual en el Museo de Bellas Artes de Caracas, titulado, Carlos Cruz-Diez. Obras de 1949 al 55. Luego se traslada a Masnou (Barcelona), donde vive durante un año y después, viaja a París y visita a su compatriota Jesús Soto, que ese mismo año participaba en la mítica exposición Le Mouvement, en la galería Denise René. En 1956 expone en la galería Buchholz, en Madrid. Para 1956, expone en la Galería Buchholz de Madrid las series de Parénquimas y de Objetos rítmicos móviles.

En 1957, regresa a Venezuela y crea el Estudio de Artes Visuales, orientado al diseño gráfico e industrial. Al año siguiente, es nombrado director adjunto y profesor de la Escuela de Artes Plásticas de Caracas.

Fue en 1959 cuando Cruz-Diez realiza su primer Couleur Additive y Physichromie, también llamado Fisicromías, un proceso seriado, a través del cual efectuó la idea de la autonomía cromática y su impacto sobre el entorno del espectador. Durante esta etapa su gama cromática se reduce a sólo cuatro colores: rojo, verde, blanco y negro.

Couleur Additive
Couleur Additive. Fuente: www.venezuelatuya.com

Carlos Cruz-Diez y el Arte Cinético

En 1960, Cruz Diez presenta por vez primera las Fisicromías en el Museo de Bellas Artes de Caracas. Luego, decide mudarse a París con su familia, donde fija su residencia definitiva y un año después, participa en la exposición Bewogen Beweging en el Stedelijk Museum de Ámsterdam.

Para el año 1965, es nombrado Asesor en el Centro Cultural Noroit, en Arras (Francia) y participa en la exposición The Responsive Eye en el Museum of Modern Art de Nueva York,​ donde consigue la consagración oficial como maestro del arte cinético.

Carlos Cruz-Diez gana en 1971 el Premio Nacional de Artes Plásticas. De 1972 a 1973, el maestro del cinetismo se desempeña como profesor en la Escuela Superior de Bellas Artes y Técnicas Cinéticas, de París. En 1974, decora el Aeropuerto Internacional Simón Bolívar de Caracas con la obra Ambientación de color aditivo. Luego, realiza el proyecto El artista y la ciudad, un conjunto de obras desplegadas en la ciudad de Caracas; entre ellas, la creación de su Muro de color aditivo y los Silos de Inducción cromática en el río Guaire.

Ambientación de color aditivo.
Ambientación de color aditivo en el Cromointerferencia del color aditivo, en el aeropuerto internacional Simón Bolívar de Maiquetía. Fuente: iamvenezuela.com

Por otra parte, Carlos Cruz-Diez inaugura en París dos exposiciones: Oeuvres Récentes y Intégrations a l´architecture. Réalisations et projets, en 1975. En 1978 Cruz-Diez, conjuntamente con los artistas Jesús Soto, Gego y Mercedes Pardo, crearon unas serigrafías sobre seda titulada, La mano, la seda, el color-Taller Cobalto. La obra se exhiben en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas.

Carlos Cruz-Diez, un referente del cinetismo

Entre 1986 y 1993, el maestro Carlos Cruz-Diez es nombrado profesor del Instituto Internacional de Estudios Avanzados, en Caracas; exhibe en la galería madrileña Aele; fue invitado de honor en la II Bienal de La Habana; y recibe la Orden de las Artes y las Letras de Francia en grado de Oficial.

En 1989 se pública en Caracas la primera edición de su libro Reflexión sobre el color, basado en sus diversas investigaciones plásticas vinculadas al estudio del color como una «realidad autónoma en continua mutación». En 1991, realiza Fisicromía para Madrid, escultura de 2 x 40 metros para el Recinto Ferial Juan Carlos I, Madrid. Con Experiencia cromática aleatoria interactiva (1995) comienza a utilizar la tecnología digital en sus obras.

Fisicromía para Madrid
Fisicromía para Madrid. Fuente: patrimonioypaisaje.madrid.es

En 1997, fue nombrado Presidente y miembro del Consejo Superior de la Fundación Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez, en Caracas. Por otra parte, el artista realiza en La Habana su primera y única escultura, Inducción cromática para La Habana, con motivo a la celebración del cuadragésimo aniversario de Casa de las Américas, en 1999.

La creación del Museo y la Cruz-Diez Art Foundation

En 1997, el maestro del arte cinético fue nombrado Presidente y miembro del Consejo Superior de la Fundación Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez, ubicado en Caracas. Posteriormente, recibe la Orden de Comandante de las Artes y las Letras de Francia (2002) y el Doctorado Honoris Causa de la Universidad Simón Bolívar de Caracas (2006).

Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez
Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez en Caracas, Venezuela. Fuente: venezuelatuya.com

En 2005, la familia del maestro del cinetismo crea la Cruz-Diez Art Foundation y, en el año 2007, se exhibe en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) la exposición Lo[s] Cinético[s].

Articruz Panamá y Reconocimiento Internacional

En 2008, Cruz-Diez obtiene la nacionalidad francesa y realiza una exposición individual en la Society of Americas en Nueva York, titulado, (In)formed by Color. Y en el año 2009, la familia del maestro del cinetismo crea en Panamá el Atelier Articruz.

Articruz Panamá
Articruz Panamá. Fuente: panamericaworld.com

Para el año 2011, exhibe una gran exposición retrospectiva titulada, Carlos Cruz-Diez. Color in Space and Time en el Museum of Fine Arts de Houston en Estados Unidos. En el 2012, le fue otorgado el grado de Oficial de la Ordre National de la Légion d’honneur. Sus obras se exhiben en invaluables colecciones como: Museum of Modern Art, Nueva York; Tate Modern, Londres; Centre Georges Pompidou, París; Museum of Fine Arts, Houston; Wallraf-Richartz Museum, Colonia; Musée d’Art Moderne de la Ville de París, entre otros.

Fallecimiento

Carlos Cruz Diez falleció el 27 de julio de 2019, a los 92 años de edad, mientras dormía en su residencia en París.

Las obras de Carlos Cruz-Diez

El arte de Carlos Cruz-Diez se puede observar en el Museo de la Estampa y el Diseño Carlos Cruz-Diez ubicado en la avenida Bolívar de Caracas. Asimismo, se encuentran importantes obras de integración a la arquitectura que se despliegan en edificios públicos, como Cromointerferencia del color aditivo, en el aeropuerto internacional Simón Bolívar de Maiquetía, la Doble fisicromía cóncavo convexa, en Plaza Venezuela (Caracas), o la Inducción cromática merideña , en el aeropuerto Alberto Carnevali de la ciudad de Mérida, entre muchas otras.

Doble fisicromía cóncavo convexa
Doble fisicromía cóncavo convexa, en Plaza Venezuela (Caracas). Fuente: Cruz-Diez.com

Las obras de Carlos Cruz-Diez ha sido exhibida en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, la Bienal de Venecia, el Museo de Bellas Artes de Houston; así como en las galerías y museos europeos. Entre sus obras internacionales más importentes destacan: El Techo Physichromium, en la estación de Saint Quentin del ferrocarril de Francia; Escaleras engalanadas en el museo de Arte Contemporáneo de Viena; el Barco piloto en Liverpool, en conmemoración del centenario de la Primera Guerra Mundial; Transcomie Grande del Museo Universitario de Arte Contemporáneo en la Ciudad de México; una composición cromática en el estadio Marlins Park de Miami; La Lumiere et Mouvement en París; junto al también venezlolano Jesús Soto; las series de Parénquimas y de Objetos Rítmicos Móviles, exihibida en la Galería de Buchholz de Madri en 1956; y la exposición Bewage Bewegina en el Stedelijk Museum de Amsterdam, Países Bajos.

Referencias

https://es.wikipedia.org/wiki/Carlos_Cruz-Diez

http://www.cruz-diez.com/es/biografia/

https://www.rgrart.com/es/artistas/carlos-cruz-diez/series/physichromie#tab:slideshow

https://www.march.es/arte/palma/exposiciones/cruz-diez/cruz-diez.asp

https://medium.com/@ElDiariodeCCS/el-legado-del-color-que-nos-dej%C3%B3-carlos-cruz-diez-673b569c6a1f

https://www.venezuelatuya.com/biografias/carlos_cruz_diez.htm

https://www.ivenezuela.travel/carlos-cruz-diez-biografia/

https://iamvenezuela.com/2018/06/carlos-cruz-diez-2/

Frida Kahlo: vida y obra de la pintora más influyente de México

Frida Kahlo

Frida Kahlo fue la pintora más influyente en México y en Latinoamérica, debido a sus famosos autorretratos, siendo sus obras un material de contenido autobiográfico.

Sus pinturas se clasifican dentro del movimiento surrealista. La pintora creó un estilo propio tomando sus experiencias de vida, mezclándolos con los elementos de la naturaleza y la identidad mexicana, con el objeto de crear obras que la hicieron la pintora latinoamericana más reconocida en el arte.

Frida Kahlo
Frida Kahlo. Fuente:

Su nacimiento, infancia y juventud

Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón nació el 6 de julio de 1907 en Coyoacán, México. Fue hija del fotógrafo húngaro-alemán Guillermo Kahlo y de la mexicana nativa de Oaxaca, Matilde Calderón.

Frida fue la tercera de cinco hermanos: Matilde, Adriana, Cristina, y un hermano, llamado Guillermo. Este último falleció a los pocos días de su nacimiento. Por parte de su padre tuvo tres medias hermanas: Luisa, María y Margarita.

Frida Kahlo
La niña Frida Kahlo. Fuente: www.vogue.mx

Su infancia estuvo marcada por el sufrimiento físico y el padecimientos de muchas enfermedades. En 1913, contrajo una poliomielitis, dando inicio a una serie de sucesivas enfermedades, lesiones diversas, accidentes y operaciones. Esta enfermedad le dejó una secuela permanente: la pierna derecha más delgada que la izquierda.

La relación de Frida con su padre siempre fue muy estrecha. Su padre siempre la acompañó en sus ejercicios y en los programas de rehabilitación y la animó a practicar diversos deportes como fútbol o boxeo, como parte de su recuperación.

Frida fue testigo de los continuos ataques epilépticos que padecía su padre. lo que reforzó su vínculo de solidaridad y empatía.

En cuanto a su educación, se cree que la artista asistió al Colegio Alemán durante su niñez; sin embargo, no existen registros de que haya asistido a esta escuela. Frida estudió su bachillerato en la Escuela Nacional Preparatoria, siendo parte del primer grupo de 35 mujeres en ser admitidas en esta escuela solo para hombres. Ahí conoció a futuros artistas e intelectuales como Salvador Novo, Carmen Jaime, Agustín Lira, Miguel Lira, Alfonso Villa, Manuel González Ramírez, Jesús Ríos y Valles, José Gómez Robleda y Alejandro Gómez Arias, siendo este último su novio.

Estos jóvenes rebeldes conformaron un grupo político y se autodefinían como los cachuchas, siendo crítico de la autoridad, protestaban contra las injusticias y se movilizaban por las reformas del sistema escolar. Su actividad y posición política eran impulsadas por las ideas anarquistas y revolucionarias románticas.

El trágico accidente que le cambió la vida

El 17 de septiembre de 1925, Frida sufrió un trágico accidente: el autobús en el que viajaba fue golpedo por un tranvía que lo empujó contra un muro, quedando completamente destruido. En consecuencia, su columna vertebral quedó fracturada en tres partes, sufrió además roturas en dos costillas, en la clavícula y tres en el hueso pélvico. Además, su pierna derecha se fracturó en once partes, su pie derecho se dislocó, su hombro izquierdo se descoyuntó y un pasamanos la atravesó por la cadera izquierda. Frida estuvo sin poder caminar durante tres meses y sufrió treinta y dos operaciones.

Retablo
Retablo. Fuente: www.biografiasyvidas.com

Tras el accidente, Frida comenzó a pintar, durante su período de recuperación. En septiembre de 1926 hizo su primer autorretrato al óleo, el cual dedicó a su novio Alejandro Gómez Arias. En 1927, pintó el Retrato de Miguel N. Lira, y un año más tarde realizó el retrato de su hermana Cristina.

Por otra parte, Frida entró en el entorno político. La joven artista comenzó a asistir a las reuniones políticas de Partido Comunista de México, organización en la que participaban varios de sus amigos cachuchas, y donde conoció al pintor Diego Rivera.

La historia de Frida Kahlo y Diego Rivera

Frida conoció a Diego Rivera en algunas veladas y reuniones a las que asistía con su amiga la fotógrafa Tina Modotti. El primer encuentro entre Frida y Diego fue cuando éste hacía el mural del anfiteatro de la Escuela Nacional Preparatoria.

La artista contrajo matrimonio con Diego Rivera el 21 de agosto de 1929. La historia entre ambos artistas estuvo llena de famosas infidelidades que involucró un amorío con la hermana de Frida, así como, una ruptura que los condujo a un divorcio en 1939 y un segundo matrimonio un año después.

Frida Kahlo y Diego Rivera
Frida Kahlo y Diego Rivera

En 1930, Frida tuvo su primer embarazo, pero debió ser interrumpido debido a que el feto presentaba una anomalía y a las secuelas del accidente de 1925. Según las opiniones médicas, la joven atista nunca podría tener hijos.

El arte de Frida estuvo altamente influenciado por su relación con el pintor y muralista, muchas veces representando su amor y obsesión por Diego. En las pinturas de ambos artistas, se evidencia la influencia de la identidad mexicana y de su historia. Frida incluso adoptó la vestimenta indígena tradicional mexicana moños trenzados con cintas de colores, collares exóticos y pendientes de estilo precolombino para conectar con su forma de vida y arte con su ascendencia mestiza.

Frida Kahlo y Diego Rivera en Estados Unidos

A consecuencia de las complicaciones políticas en México, Frida y Diego trasladaron su residencia a Estados Unidos entre 1931 y 1934 y pasando la mayor parte del tiempo en Nueva York y Detroit.

En 1932, Frida pintó Aparador en una calle de Detroit y luego, contempló un eclipse solar, que incorporó en algunas de sus obras creando el dualismo noche y día, siendo un elemento iconográfico recurrente en sus pinturas. Ese mismo año, Frida sufrió otro aborto y, durante su recuperación, pintó su autorretrato Aborto en Detroit.

Frida Kahlo regresa a Mexico y realiza sus primeras exposiciones

Frida y Diego a México en 1933. Pero, su relación de pareja tuvo un giro determinante cuando Rivera tuvo un romance con la hermana menor de Frida, Cristina, además de otras infidelidades. Luego, Frida inició otras relaciones amorosas con hombres y mujeres que provocaron en Rivera celos violentos. Pese a ello, sus relaciones lésbicas y extramatrimoniales por el resto de su vida.

Después, Frida sostuvo un romance con el revolucionario de Ucrania León Trotsky, quien vivió exiliado en la casa de la artista en Coyoacán junto a su esposa. Después del asesinato de Trotsky, Frida fue acusada de ser autora del homicidio y fue arrestada, pero finalmente, ella y su esposo fueron dejados en libertad.

En 1938 el poeta y ensayista André Bretón calificó su obra de surrealista en un ensayo que escribió para la exposición de Kahlo en la galería Julien Levy de Nueva York. Pero, Frida negó rotundamente dicha denominación, por lo que expresó: «Se me tomaba por una surrealista. Ello no es correcto, yo nunca he pintado sueños, lo que yo he representado era mi realidad.»

En 1939, Frida Kahlo terminó un autorretrato donde reflejaba sus dos personalidades: Las dos Fridas. En este cuadro, los corazones de las dos mujeres están conectados mediante una vena, pero una de ellas la corta con una tijera, mientras que la otra sostiene un retrato de Diego Rivera Ese mismo año expuso en París en la galería Renón et Collea donde se relacionó con el pintor malagueño Picasso.

Frida Kahlo y su reconocimiento artístico

El 6 de noviembre de 1939 Kahlo y Rivera se divorcian tras una serie de infidelidades. Frida regresó temporalmente a su casa de Coyoacán y cayó en una depresión que llevó a la artista a consumir alcohol como manera de aplacar sus sufrimiento físico y psicológico. Dos de sus obras pictóricas importantes reflejan este período de separación: Las dos Fridas y Dos desnudos en un bosque.

Luego del asesinato de Trotsky en agosto de 1940, Frida fue acusada de cometer dicho crimen y arrestada. No obstante, ella y su esposo fueron liberados y viajó a San Francisco para someterse en esa ciudad a una nueva operación quirúrgica y tras su recuperación, se trasladó a Nueva York.

Después del divorcio, Frida y Diego continuaron compartiendo gran parte de la vida social, artística y política que los unía. Pero, la pareja decidió volver a casarse y establecieron un nuevo acuerdo amistoso que consistía en vivir juntos, compartir los gastos, continuar con la colaboración artística y excluir de su relación la vida sexual de pareja.

Frida Kahlo
Autorretrato con monos (1943). Fuente: www.biografiasyvidas.com

Durante estos años, Frida participó en importantes exposiciones colectivas en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston y en el Museo de Arte de Filadelfia; lo que conllevó al incremento de su reconocimiento artístico. A partir de 1943 dio clases en la escuela La Esmeralda de la Ciudad de México.

En 1950, Frida tuvo que ser hospitalizada en Ciudad de México donde permaneció durante un año.

Sus últimos años y fallecimiento

En 1953, Frida sufrió una infección de gangrena que causó que le amputaran la pierna por debajo de la rodilla. Este hecho la sumió en una gran depresión que la condujo a intentar el suicidio en dos ocasiones. Durante ese tiempo escribía poemas en sus diarios, relacionados con el dolor y el sufrimiento.

El 19 de abril de 1954 ingresó al hospital inglés tras un intento de suicidio. Luego, el 6 de mayo, fue hospitalizada nuevamente tras sufrir una recaída. Sin embargo, continuó su ánimo de dedicarse a sus causas políticas, movilizándose con una silla de ruedas. El 2 de julio participó, junto a Diego Rivera y Juan O’Gorman, en una manifestación de protesta contra la intervención estadounidense en Guatemala.

Frida Kahlo falleció el 13 de julio de 1954, en Coyoacán. El acto funerario fue realizado en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México y su féretro fue cubierto con la bandera del Partido Comunista Mexicano. Este hecho fue motivo de fuertes críticas, por parte de la prensa nacional. Su cuerpo fue incinerado por el deseo y voluntad de la artista en el Crematorio Civil de Dolores y sus cenizas se conservan en la Casa Azul de Coyoacán.

Las pinturas más famosas de Frida Kahlo

Entre las primeras pinturas de Frida Kahlo destacan inicialmente sus primeros autorretratos. El 4 de julio de 1932, la artista pintó su cuadro Henry Ford Hospital (1932). Esta obra representa el aborto que tuvo en la ciudad de Detroit, Estados Unidos. La pintura hecha en óleo sobre una lámina metálica, cuyas dimensiones son 30,5 x 38 cm, muestra a una Frida sangrante posada sobre una cama, mientras que desde su vientre nacen seis venas rojas que atadas a objetos simbólicos de su sexualidad y de su embarazo perdido. Henry Ford Hospital (1932) está en el Museo Dolores Olmedo de México.

Frida Kahlo
Henry Ford Hospital (1932) Fuente: www.biografiasyvidas.com

Mi nacimiento (1932), es una obra que muestra a la madre de Frida con el rostro oculto, haciendo alusión a su muerte, mientras que la cabeza de la artista se encuentra sumida entre las piernas en un charco de sangre. Este cuadro fue pintado en el estilo de un «ex-voto retablo». La obra forma parte de la colección privada de arte de la cantante Madonna.

Frida Kahlo
Mi nacimiento (1932). Fuente: historia-arte.com

Unos cuantos piquetitos (1935), óleo sobre metal, 48 x 38 cm, está inspirada en el sufrimiento emocional de Frida por las infidelidades de Diego Rivera con su hermana Cristina. El título de la obra viene de un artículo de prensa en el que se publica la declaración policial de un asesino que decía que solo le había dado ‘unos cuantos piquetitos’. La obra forma parte de la colección del Museo Dolores Olmedo.

Frida Kahlo
Unos cuantos piquetitos (1935) Fuente: www.biografiasyvidas.com

Las dos Fridas (1939) es un cuadro al óleo, cuyas dimensiones son 1,73 m x 1,73 m, el cual muestra la separación entre las dos personalidades de Frida Kahlo. Los corazones de ambas están expuestos y conectados entre sí, donde una de las personalidades de Frida corta las arterias con una tijera, mientras que la otra sostiene un pequeño retrato de Diego Rivera. La pintura fue adquirida por el Instituto Mexicano de Bellas Artes en 1947 y, actualmente, forma parte de la colección del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México.

Frida Kahlo
Las dos Fridas (1939). fuente: www.biografiasyvidas.com

El Autorretrato con collar de espinas y un colibrí (1940), hecha con pintura al óleo con una medida de 47 cm x 61 cm, es una de las obras más famosas de Frida Kahlo, en donde se muestra estrangulada por un collar de espinas, mientras que el cadáver de un colibrí es acechado por un gato negro y un mono que asemeja su mascota. La obra es parte de la colección del Harry Ransom Center en Austin, Texas.

Frida Kahlo
Autorretrato con collar de espinas y un colibrí (1940). Fuente: elplaneta.com

En la pieza Autorretrato como tehuana, también concida como Diego en mi pensamiento (1943), es una pintura al óleo, cuyas medidas son 61 m x 76 m. En este cuadro aparece vestida con el traje tradicional tehuano de la cultura zapoteca, es un retrato que hace alusión a su obsesión con su relación y adoración por Diego Rivera. Esta obra es parte de la colección de Jacques y Natasha Gelman.

Frida Kahlo
Autorretrato como tehuana. Fuente: www.artehistoria.com

La columna rota (1944) hecha en 1944 en óleo sobre tela montada en aglomerado de 40 x 30.7 centímetros, es una representación del dolor que sintió Frida, tras sufrir su accidente a los 18 años. Esta pintura fue hecha tras una intervención de columna que la cual la dejó confinada a un corsé. En la obra se muestra en medio de un paisaje desértico sostenida por la estructura de metal, mientras que una columna atraviesa su cuerpo y reemplaza la suya. La pintura forma parte de la colección del Museo Dolores Olmedo.

La columna rota (1944)
La columna rota (1944). Fuente: pinterest.com

Viva la vida (1954), óleo sobre masonite, 59 x 50 cm, es una obra de la artista que representa la transformación del dolor en arte. La obra permanece en el Museo Frida Kahlo en la Ciudad de México.

Viva la vida (1954)
Viva la vida (1954). Fuente: pinterest.com

El museo de Frida Kahlo

El museo Frida Kahlo, también conocido como la Casa Azul, es el lugar en donde nació y murió la pintora mexicana.

La casona signada con el número 247 se encuentra ubicada en la calle Londres, en el sur de la Ciudad de México, en Coyoacán, la cual alberga elementos de la vida y obra de artista.

La Casa Azul fue convertida en museo en 1958. El museo Frida Kahlo alberga obras de la artista como Viva la vida (1954), Frida y la cesárea (1931) y Retrato de mi padre Wilhelm Kahlo (1952), entre muchas otras.

La Casa Azul
La Casa Azul. Fuente: www.ultimasnoticias.ec

La vestimenta de Frida Kahlo

La característica vestimenta de Frida Kahlo, adoptada durante su tiempo en Cuernavaca, refleja su conexión con el folklore mexicano y su ascendencia mestiza, adoptando la vestimenta tradicional tehuana para su vida cotidiana.

Sus atuendos consiste en el traje típico zapoteca, en el que predominan las flores,. Frida portaba la falda con un chal con flecos, cargada de accesorios como delicadas joyas de oro o prominentes collares. Asimismo, llevaba su cabello trenzado y las flores e hilos rojos adornaban su peinado, su maquillaje exageraba los rasgos de su rostro y resaltaba sus cejas.

La vestimenta de Frida Kahlo
La vestimenta de Frida Kahlo

Referencias:

https://es.wikipedia.org/wiki/Frida_Kahlo

https://www.vogue.mx/estilo-de-vida/articulo/frida-kahlo-biografia-frases-y-peliculas

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/k/kahlo.htm

https://historia.nationalgeographic.com.es/a/nacimiento-frida-kahlo-mito-siglo-xx_14468

https://historia-arte.com/artistas/frida-khalo

Alejandro Magno y su caballo Bucéfalo: La dupla conquistadora

Alejandro Magno y su caballo Bucéfalo

Bucéfalo, el caballo que acompañó a Alejandro Magno en todas de sus batallas y conquistas durante más de treinta años, siendo el más famoso de la Antigüedad. Este corcel fue el fiel compañero del rey de Macedonia, Media, Persia y faraón de Egipto y conquistador de Asia.

Alejandro Magno
Alejandro Magno y su caballo Bucéfalo. Fuente: blog.terranea.es

La historia de Bucéfalo

Existen tres versiones acerca de la historia de Bucéfalo. La más acertada es la que narra el historiador, filósofo y biógrafo, Plutarco, siendo la más tradicional.

La versión de Plutarco

El rey Filipo II de Macedonia adquirió el caballo por trece talentos a un tésalo (cono monetario de la antigua Grecia).

El animal era tosco, rebelde e indomable, y no permitía que nadie se le acercara. Ningún jinete pudo montar y mucho menos domar el caballo.

Filipo desestimó todas sus esperanzas para “domarlo” hasta que el joven Alejandro Magno, con quince años de edad, se dio cuenta de que el caballo tenía miedo de su propio sombra.

Para ayudarle a superarlo, Alejandro le giró la cabeza hacia el sol, cegándole. De esa forma, el joven príncipe se subió de un salto y su padre sorprendido pronunció a siguiente frase: «Hijo, búscate un reino que se iguale a tu grandeza, porque Macedonia es pequeña para ti». Desde ese instante, se dice que Bucéfalo sólo se dejaba montar por Alejandro.

La versión de Pseudo Calístenes

La versión de Pseudo Calístenes, el libro que relata la vida de Alejandro Magno cuyo autor es anónimo, dice que Bucéfalo era un caballo hermoso, pero salvaje, al punto que cazaba y comía seres humanos para comérselos. Por tal motivo, Filipo le construyó una jaula de hierro a donde encerraría a todo aquel que le desobedecieran.

El Oráculo de Delfos le reveló a Filipo que, sólo aquel que pudiera montar a Bucéfalo sería el rey del mundo y podría cruzar la ciudad de Pela.

Al acercarse el joven príncipe, el caballo, extendiendo sus patas delanteras, relinchó suavemente, reconociendo a su único amo.

La versión de Diodoro Sículo

Por su parte, Diodoro Sículo (90 a. C. – 30 a. C.) fue un historiador griego del siglo I a. C. En su versión, el caballo fue un regalo de Demarato de Corinto, un príncipe etrusco oriundo de Corinto a mediados del siglo VII a. C.

El padre de Alejandro Magno, lo encerró en una jaula de oro, donde arrojaba a todo aquel que se atreviera a contradecirlo.

Pero el Oráculo de Delfos le pronóstico a Filipo que aquel que fuera capaz de montar a Bucéfalo y cruzar la ciudad de Pela, se convertiría en el rey de todo el mundo habitado.

Según Calístenes, Alejandro lo descubrió en las caballerizas reales y al acercarse el animal extendió sus patas delanteras y relinchó suavemente, reconociendo a su amo. El joven príncipe montó a Bucéfalo y recorrió toda la ciudad.

El significado del nombre griego Bucéfalo

Su nombre era Bucéfalo, palabra proveniente del idioa griego que significa “cabeza de buey”. Se cree que el nombre le fue dado por la forma de su cabeza especialmente ancha.

Algunos autores afirman que el equino tenía una mancha con forma de cabeza de toro en su espalda.

Alejandro Magno
Estatua de Alejandro Magno con Bucéfalo. Fuente: www.noticaballos.com

¿Cómo domó Alejandro Magno a Bucéfalo?

Cuando Alejandro Magno sólo contaba con quince años, a su padre, Filipo II de Macedonia, adquirió un caballo por la cantidad de trece talentos.

Bucéfalo era un corcel proveniente de a mejor cría de Tesalia, en Grecia, pero que nadie había sido capaz de controlar, ni siquiera los domadores más experimentados, ni los jinetes más hábiles.

El joven Alejandro Magno observó que el caballo era desconfiado y le temía a su propia sombra. Ante las risas de los presentes y las dudas de su padre, el joven príncipe se ofreció a intentar domar al corcel. Entonces se acercó al corcel y lo puso de cara al sol mientras le iba hablando con suavidad.

Su padre y todos los que estuvieron presentes quedaron asombrados de la hazaña, ya que pensaban que era imposible domar al corcel. Filipo le regaló el caballo a Alejandro, quien le dio el nombre de Bucéfalo.

Alejandro Magno
Alejandro Magno fue el único jinete capaz de domar a Bucéfalo. Fuente: www2.uned.es

Cuentan los historiadores que Filipo, ante la admiración de todos, se dirigió a Alejandro y le dijo: “Hijo, búscate un reino que se iguale a tu grandeza porque Macedonia es pequeña para ti”.

A partir de entonces Bucéfalo permitió que los criados se ocuparan de él, pero sólo permitió ser montado por Alejandro.

De esta forma el corcel se convirtió en el más fiel aliado de Alejandro Magno durante treinta años, acompañándole en todas sus conquistas militares en Asia y su lucha contra el Imperio Aqueménida.

Alejandro Magno y su caballo Bucéfalo conquistaron el mundo

Alejandro III de Macedonia (356 a. C. – 323 a. C.), más conocido como Alejandro Magno o Alejandro el Grande, fue el Rey de Macedonia, Hegemón de Grecia, Faraón de Egipto, Gran Rey de Media y Persia hasta su muerte. Sus dominios se extendieron hasta el Oriente Próximo y Asia Oriental.

Era hijo y sucesor del Rey Filipo II de Macedonia y de Olimpia, princesa de Epiro. Su padre lo preparó para reinar otorgándole formación militar, siendo Aristóteles el responsable de su educación intelectual.

Alejandro Magno también tenía su mejor y más querido caballo. Un hermoso corcel negro azabache con una mancha blanca en la frente en forma de estrella, llamado Bucéfalo, cuyo nombre significa “Cabeza de Toro”.

Alejandro Magno y su caballo Bucéfalo
Alejandro Magno y su caballo Bucéfalo en la batalla de Issos. Fuente: blog.terranea.es

Alejandro Magno gobernó a Macedonia, tras la muerte de Filipo. Conquistó el vasto imperio de Persia, y recuperó las ciudades costeras de Asia Menor e islas del mar Egeo. Formó un ejército griego en el año 334 a. C. de apenas 40.000 hombres, para llevar a cabo una guerra de venganza de los griegos, contra el poderoso Imperio persa, bajo el liderazgo de Macedonia.

Alejandro Magno, tras conquistar el Imperio aqueménida, dio inicio a una época de intercambio cultural, llamado Período helenístico (323 a. C. – 30 a. C.).

El Rey de Macedonia cruzó el Helesponto hacia Asia Menor y conquistó el Imperio persa, gobernado por Darío III. Su Imperio se extendió desde Grecia, pasando por el Oriente Próximo, Asia Central, conquistando el Indo y Egipto, donde fundó la ciudad de Alejandría.

En la India, Alejandro Magno derrotó al rey Poro en la batalla del Hidaspes en el año 326 a. C. Luego, retornó a Babilonia, donde falleció en extrañas circunstancias, sin completar sus planes de conquista de la península arábiga.

Alejandro Magno y su caballo Bucéfalo, amigos inseparables

Posterior a que Alejandro Magno logro montar a Bucéfalo surgió una amistad especial entre ellos.

La lealtad del caballo Bucéfalo fue tal que se dejaba montar por Alejandro Magno. Un futuro conquistador y emperador y su gran caballo iniciaron sus aventuras, reconociéndose el uno al otro.

Alejandro Magno tuvo los cuidados necesarios con su caballo Bucéfalo y le daba la mejor alimentación.

El amor de Alejandro por su caballo era admirable. En tal sentido se tornó un vínculo especial entre él y su caballo, mediante una conexión y una confianza, siendo la dupla conquistadora que se combinaba en grandes batallas.

Alejandro Magno y su caballo Bucéfalo
Alejandro Magno y su caballo Bucéfalo Fuente: blog.terranea.es

La muerte de Bucéfalo

Bucéfalo vivió, aproximadamente, durante tres décadas de la mejor manera, ya que su dueño se esmeró por brindarle alimentación y minuciosos cuidados.

Cuando Bucéfalo comenzó a presentar problemas respiratorios Alejandro encomendó a un esclavo su cuidado permanente. Pocas semanas después Bucéfalo se tumba sobre el suelo presagiando su muerte.

Alejandro, ante el lecho de muerte de su fiel amigo, se arrodilló a su lado acariciándolo. Al expirar su último aliento, cubrió la cabeza de Bucéfalo para darle paz. El monarca sintió un dolor profundo, tras la pérdida irreparable de su caballo.

Alejandro Magno y Bucéfalo eran amigos inseparables. En su homenaje, el Rey de Macedonia fundó la ciudad Alejandría Bucéfala. Se presume que este sitio está localizado frente al moderno pueblo de Jhelum, en la provincia del Panyab, al noreste del actual Pakistán.

Referencias

https://blog.terranea.es/bucefalo-caballo-alejandro-magno/

https://www.noticaballos.com/bucefalo.html

https://www.pololine.com/es/articulos/alejandro-magno-y-bucefalo-a-la-conquista-del-mundo/

https://getafe.ayeryhoyrevista.com/alejandro-magno-y-bucefalo/

https://www.muyhistoria.es/h-antigua/articulo/el-caballo-que-conquisto-el-mundo-951458636075

https://siempreconectado.es/bucefalo-caballo-alejandro-magno/

https://www.gustavomirabal.es/caballos/bucefalo-alejandro-magno-gustavo-mirabal/

https://www.gustavomirabal.es/uncategorized/bucefalo-un-caballo-magno/

https://gustavomirabalcastro.online/jinetes/alejandro-magno-y-su-caballo-bucefalo/

https://es.wikipedia.org/wiki/Buc%C3%A9falo

https://es.wikipedia.org/wiki/Alejandro_Magno

 

Trasnocho Cultural apuesta por la experiencia del arte en la Web

Trasnocho Cultural

Desde hace dos meses las taquillas, salas de cine y teatro, galería, restaurante y café del Trasnocho Cultural han permanecido cerradas, debido al confinamiento por el coronavirus. Sin embargo, desde el pasado 15 de mayo, el Trasnocho Cultural ha sido el epicentro de la cultura caraqueña; transformando sus espectáculos en una alternativa online que ofrece la transmisión de obras teatrales y cine foros para que los usuarios puedan disfrutar desde la comodidad de su hogar.

El Centro Cultural, a través de su nueva página web, ofrece al público ver obras teatrales, cine foros, ventas de artesanía, libros, recetas de cocina, y mucho más, a través de su nueva página web. Asimismo, la plataforma está disponible para todos los interesados, con diferentes opciones de entretenimiento y varias modalidades de pago para disfrutar de cada contenido.

El Trasnocho Cultural desde nuestros hogares

Trasnocho Cultural
Trasnocho Cultural. Fuente: oceandrive.com.ve

Solveig Hoogesteijn, la directora del Trasnocho Cultural asegura que la intención de esta propuesta es darle al público un respiro y un acercamiento en sus espacios:

En este extraño momento en el que estamos viviendo, lleno de miedos, de amenazas contra nuestra integridad, en un país claramente hostil y ante una situación que sale fuera de nuestras manos, queremos decirle que usted sigue siendo para nosotros el protagonista”, explica la directora.

La directora del Centro Cultural Trasnocho, respecto a los esfuerzos de los trabajadores que se han sumado a esta propuesta añade lo siguiente: “Nos hemos mantenido atentos, buscando esa cercanía, creando nuevas maneras de encontrarnos, de darle sosiego ante esta situación inenarrable, reuniéndonos y planificando nuevas maneras para que Usted no pierda ese lugar de encuentro con la cultura, con lo enriquecedor de las artes, con el valor de estar ante un espectáculo que hoy genera comentarios virtuales, pero aplausos reales”.

Espectáculos virtuales con aplausos reales

La Señora Ímber
La Señora Ímber, obra teatral protagonizada por la actríz Julie Restifo y dirigida por Javier Vidal. Fuente: www.trasnochocultural.com

Desde el pasado viernes 15 de mayo, la página web del Trasnocho Cultural se ha transformado en un gran teatro virtual. “La digitalización permitirá que en Trasnocho Cultural, sigamos ofreciéndole momentos increíbles, llenos de sueños, que le inspirarán a abrir su mente, a olvidarse por un instante de este momento cruel e histórico y seguir, como siempre, siendo protagonistas”, comenta la directora.

La cartelera teatral fue activada desde la virtualidad con las presentaciones de las piezas que se han convertido en un clásico del teatro venezolano como “Sangre en el Diván” y “Los Hombros de América”, del Grupo Actoral 80 (GA80); así como “La señora Ímber”, de Samuel Hurtado, dirigido por Javier Vidal con el conjunto teatral Jota Creativa.

Cada montaje ha sido grabado para ser adaptados en un formato digital cómodo para que el público pueda disfrutarlos online. Su distribución contribuye con todos los artistas, autores, directores, productores y técnicos que han trabajado fuertemente para que éstos espectáculos sean posibles para mantener viva la cultura.

El Séptimo Arte presente en esta experiencia

Teatro Trasnocho
Teatro Trasnocho. Fuente: www.eluniversal.com

El cine también está presente en la propuesta del Trasnocho Cultural. Para los que se sienten más atraídos por el cine, podrán ser parte de cine foros. La programación cinematográfica también tendrá protagonismo en éste proceso de digitalización.

En el encuentro, denominado Cineforo Arquetipal, celebrado El 16 de mayo del presente año fue presentada la primera entrega con la producción cinematográfica titulada, “Melancolía”, de 2011 escrita y dirigida por Lars von Trier, con la participación del reconocido médico psiquiatra Dr. Luis Galdona.

Seguidamente, se han exhibido los diferentes ciclos semanales clásicos de la programación: Los martes son para la Ópera Digital; los miércoles para los Clásicos Trasnocho; jueves de Retrospectivas y los viernes, para la programación de Especiales Trasnocho.

La Sala TAC se transforma en una tienda virtual

La Sala TAC (Trasnocho Arte Contacto) se transforma en una tienda virtual para ofrecer profiteroles, productos artesanos nacionales y un catálogo de distintas exposiciones que se han realizado en el espacio.

Por su parte, la librería El Buscón tiene disponible sus libros para la venta, los cuales pueden ser entregados mediante un servicio de Delivery.

Trasnocho Cultural, un complejo cultural

Trasnocho Cultural
Fuente: oceandrive.com.ve

Trasnocho Cultural, también denominado Teatro Trasnocho​ es un complejo cultural, cuyo espacio está destinado a realizar eventos para fines académicos. Se trata de un centro cultural que cuenta con salas de teatro, cine y galería de arte inaugurado en Caracas (Venezuela), el 4 de octubre de 2001. Allí se presentan una variedad de eventos que incluyen numerosas obras de teatro y proyecciones de películas e incluye además, librerías, exposiciones y locales comerciales.

Con 27 años de construcción y una extensión de 5.000 metros cuadrados, el Trasnocho Cultural se convierte en el centro cultural y de entretenimiento de mayor éxito de público en Caracas.

La Fundación Trasnocho Cultural es una Asociación Civil sin fines de lucro que mantiene su operación exclusivamente con los ingresos del público a través de la presentación de numerosos eventos culturales. Asimismo, opera un equipo reducido de profesionales de alta experticia en sus respectivas áreas y de estricta orientación de servicio al público, siendo un centro auto-sustentable que brinda a los visitantes un espacio agradable, seguro, de múltiple oferta de arte y cultura.

Es el único espacio de cultura en Caracas que reúne al arte, la cultura y la gastronomía en un mismo lugar. Consta de 4 Salas de Cine, 2 teatros, una Galería de Artes Visuales TAC con Tienda de Arte y Artesanía, una librería, 2 restaurantes de comida nacional e internacional de fusión, una tienda de música, un espacio para talleres, conferencias y seminarios y un estacionamiento al mismo nivel con Espacio Expositivo para temas de interés de la comunidad.

Este centro cultural coadyuva al proceso de desarrollo, integración, fomento de valores e identificación con la sociedad.

Aquellos que deseen disfrutar de las distintas opciones que  ofrece el Centro Cultural, pueden ingresar a la página Web www.trasnochocultural.com. Para mayor información, podrá acceder a través de las redes sociales Twitter e Instagram @trasnochocult, y colocando la etiqueta #TrasnochoWeb. Facebook y el Canal de YouTube: Trasnocho Cultural.

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-breaking-news/el-show-debe-continuar-el-trasnocho-cultural-abre-la-ventana-del-arte-desde-la-web/

https://www.eluniversal.com/entretenimiento/70415/la-experiencia-trasnocho-regresa-pero-desde-la-virtualidad

http://www.grancine.net/noticias-detalle.php?id=8897

https://es.wikipedia.org/wiki/Trasnocho_Cultural

Isla-E, la plataforma online para disfrutar el teatro venezolano

Teatro

El Centro Cultural Virtual Isla-E es la nueva plataforma online para disfrutar el teatro venezolano en tiempos de cuarentena.

El coronavirus ha causado el distanciamiento social en Venezuela y en gran parte del mundo, siendo esta medida una de las más importantes para evitar el contagio. Esta situación trajo como consecuencia el cierre de los espacios culturales, entre ellos el Teatro.

Por tal motivo, los actores se han visto en la necesidad de reinventarse y ahora ofrecen presentaciones a través de las redes sociales o en plataformas digitales. Y este es el caso del Centro Cultural Virtual Isla-E, que en el mes de abril hizo su lanzamiento en Venezuela para cautivar a los espectadores que están en casa y son consumidores online.

El Centro Cultural Virtual Isla-e es una iniciativa de Richard Patiño, un ingeniero venezolano dedicado al diseño de ambientes virtuales para capacitación, que en el mes de abril hizo su lanzamiento en Venezuela para cautivar a los espectadores y amantes del teatro nacional desde sus hogares. “Al llegar la pandemia tuve la necesidad de contribuir con esta lucha. Tengo un conocimiento, existe una plataforma con resultados interesantes, y decidí colocarla al servicio del entretenimiento”.

Obra de teatro
Obra de teatro. Fuente: www.caraotadigital.net

¿Por qué recibe el nombre de Centro Cultural Virtual Isla-E?

La Isla Asesores en e-learning es una firma personal de Richard Patiño que ofrece servicios de implantación de sistemas de capacitación online, dirigidas a a empresas e instituciones; sin embargo, en los últimos años, han desarrollado ambientes virtuales para actividades no didácticas  como expoferias y, recientemente, el Centro Cultural Virtual Isla-E.

Su etimología consiste en eliminar la palabra learning y mantener el anglicismo “e” que hace referencia al término “electronic”, lo cual resulta decir Isla-E (Centro Cultural Virtual Isla-E).

¿Cómo funciona el Centro Cultural Virtual Isla-E?

Aquellas personas que deseen usar la plataforma, debe suscribirse enviando un correo electrónico a centroculturalislae@gmail.com, a fin de solicitar una cuenta de usuario y contraseña. Luego, podrá ingresar de manera gratuita a las distintas salas de teatro y ver las presentaciones en un horario de martes a domingo, de 8:00 a 10:00 pm.

Para el disfrute de las obras teatrales, el usuario encontrará 4 ambientes en el que el usuario podrá encontrar reseñas del director, los actores o la compañía; una sinopsis de la obra; la presentación de la misma en formato audiovisual, grabada en casa con teléfono móvil u otro dispositivo; así como, un foro de socialización para interactuar con los actores, felicitarlos y hacer comentarios de la obra.

Patiño explicó que: “la planificación y administración de las funciones y asistencia será similar a la de una sala de teatro común; es decir, debe solicitar la entrada, en nuestro caso enviar correo con nombre y apellido, expresando el deseo de disfrutar de la función”.

Asimismo, señaló que la plataforma puede usarse con cualquier navegador, lo único que necesita el usuario es tener conexión en internet, una computadora o un teléfono celular.

Para finalizar, aclaró que es una “plataforma que la hace funcionar cómo un centro cultural físico en cualquier parte del mundo”.

Experiencias en la Isla-E

El proyecto Centro Cultural Virtual Isla-E, no es más que una innovación tecnológica que permite a las compañías teatrales hacer propuestas creativas desde cualquier parte del mundo.

Las obras “Caso de casa”, con Mario Sudano y Desireé Monasterios, y “Realidad muy restringida”, fueron las primeras en ser presentadas en este centro cultural virtual.

Desireé Monasterios, actriz de la obra venezolana Casos de casa, manifestó: “Nos gusta crear para esta plataforma porque tratamos, en lo posible, que la grabación sea en un solo plano, con recursos mínimos para no colocar características cinematográficas en cuanto planos, edición o cortes”.

Actualmente, se están presentando obras teatrales en este Centro Cultural virtual con funciones de lunes a domingo desde las 8 hasta las 10 p.m. Entre ellas: “Caso de casa” protagonizadas por los reconocidos y talentosos Mario Sudano y Desireé Monasterios y “Realidad muy restringida”.

Para mayor información ingrese a través de @la_isla_e y solicite su acceso a la plataforma. Para reservar entradas se debe enviar un correo con nombre y apellido, mediante el correo electrónico centroculturalislae@gmail.com y comience a disfrutar de este recorrido virtual por la sala de la obra seleccionada.

Isla-E
Mario Sudano y Desireé Monasterios en la obra de teatro titulada, «Caso de Casa». Fuente: www.eluniversal.com

Isla-E: Innovación tecnológica en la cuarentena

La cuarentena ha sido sinónimo de reinvento y creatividad en el mundo entero, pero los venezolanos han demostrado ser los pioneros en ingenio y colaboración. Este ha sido el caso del ingeniero venezolano Richard Patiño, creador y especialista en diseño e-learning, un software diseñado para dictar capacitación online adaptado para la realización de Ferias Virtuales Comerciales y, más recientemente, del Centro Cultural Virtual Isla-e.

En el ámbito cultural, los profesionales del teatro se han agrupado para llevar a los hogares de todos los venezolanos propuestas teatrales para niños y adultos, durante el confinamiento.

“En medio de la cuarentena y viendo la situación que se cierne sobre la humanidad, pensé en qué podía hacer yo para contribuir y me dije: tengo una plataforma y un conocimiento que puedo poner al servicio de esta lucha, y me dediqué a acondicionar la plataforma para un formato de Centro Cultural, para llevar opciones de entretenimiento a las familias y ayudarles a quedarse en casa en compañía de los artistas de forma entretenida y gratuita”, explicó Patiño.

Por su parte, los artistas y creadores manifestaron que debía tratarse de un trabajo voluntario y que de esa manera lo han estado realizando, además de incluir al equipo técnico que hace posible este proyecto en particular; entre ellos ingeniero en sistema, diseñador gráfico administrador de redes y edición audiovisual.

“Agenda cultural en tiempos de cuarentena” presentó su primer festival virtual de teatro

La iniciativa “Agenda cultural en tiempos de cuarentena” presentó las novedades del teatro nacional. Las salas virtuales teatrales Isla-E se integran a su programación, mientras que Actores On-line Venezuela dan la bienvenida a nuevos talentos que se involucran en la idea de trasmitir, a través de las plataformas tecnológicas y por redes sociales, las obras teatrales.

En la agenda del primer festival de teatro virtual que se realizó desde Venezuela con la organización de reconocidas figuras de las artes, contó con un jurado calificador para cada presentación; entre ellas: Africa Salomé. «Soul: Los sonidos de la historia afroamericana» (Musical), Valentina Cabrera “Lola Viodegradable”, Toneb Castro y Leandro Campos “Aquí están las rubias” y Jeizer Ruiz ”Los pollitos dicen” .  Las obras fueron presentadas desde el 30 abril hasta el 03 mayo del presente año.

Las inscripciones para el primer festival virtual de teatro fue mediante correo electrónico, “Sin Compañía Festival”, el cual reunió al gremio artístico a través de las plataformas tecnológicas; siendo el primer Festival Internacional de Unipersonales de teatro, danza y pantomima.

En este evento, los artistas fueron los principales protagonistas, donde participaron actores, bailarines y mimos de cualquier país con ejercicio profesional de manera individual.

Los artistas compitieron a través de videos libres grabados desde sus hogares, mediante teléfono móvil, cámara de video tableta, laptop o cualquier dispositivo electrónico, siendo consecuentes con el llamado de #Quedateencasa.
Las categorías participantes fueron: teatro: monólogos, danza (coreografía o partitura corporal) y pantomima (ejecución de una rutina inédita).

La obra “Caso de Casa”

Se trata de una obra con anécdotas humorísticas y de reflexión, a partir de la experiencia de Victoria, la protagonista de la historia, que después de haber roto con su silencio, espera que alguien en verdad la haya escuchado.

Isla-E
Obra teatral «Caso de Casa». Fuente: contrapunto.com

”De una Realidad Muy Restringida”

Es un monólogo de Bernard-Marie Koltès de la obra «Regreso al desierto» que relata la historia de un  sobreviviente a un atentado urdido por su propio tío al volver a Francia de la guerra de Argelia. En esta adaptación, un simple muchacho que confía en lo que (no) sabe de la ciencia, y cree poder salir del mundo con un salto.

”Animalismo” con Alexander Rivera

Es una adaptación de la novela satírica del británico George Orwell, ”Rebelión en la granja”. Se trata de un monólogo en el que se relata cómo el régimen autoritario del Cerdo Napoleón corrompe el sistema político impuesto por el Cerdo Mayor en la granja. Los animales de la granja expulsan a los humanos tiranos y crean un sistema de gobierno propio, el ”Animalismo”, convirtiéndose en otra tiranía brutal.

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Obra de teatro titulada, «Animalismo». Fuente: www.eluniversal.com

Entretenimiento teatral gratuito en medio de la cuarentena

En medio de la cuarentena establecida para prevenir el brote del coronavirus, el ingeniero Richard Patiño desarrolló la plataforma para dar su aporte, en alianza con los actores y productores Mario y Desirée Sudano, e apoyo al teatro venezolano.

Los actores Mario y Desirée Sudano, ambos esposos, están al frente de la Gerencia de Programación que  presentan diferentes montajes de su repertorio, así como de otros dramaturgos, productores e intérpretes.

Las salas de teatro virtuales albergan propuestas de obras totalmente gratuitas, a través del Centro Cultural Virtual Isla-e. El usuario solo necesita una computadora o un teléfono celular con acceso a internet.

Referencias

https://www.kipupress.com/crean-plataforma-online-para-apoyar-el-teatro-venezolano/

https://contrapunto.com/cultura/actualidad-cultura/venezolano-crea-centro-cultural-virtual-para-ver-teatro-en-cuarentena-isla-e/

https://www.eluniversal.com/entretenimiento/68990/agenda-cultural-en-tiempos-de-cuarentena-presenta-nueva-programacion-y-primer-festival-virtual-de

https://www.eluniversal.com/entretenimiento/69569/centro-cultural-virtual-islae-entretenimiento-teatral-gratuito-en-cuarentena

https://www.eluniversal.com/entretenimiento/67771/centro-cultural-virtual-islae-innovacion-tecnologica-en-la-cuarentena

https://www.mscnoticias.com.ve/2020/04/centro-cultural-virtual-isla-e-innovacion-tecnologica-en-la-cuarentena/

https://ululeo.com/que-les-parece-se-crea-plataforma-digital-para-renovar-el-teatro-en-venezuela/

https://elpitazo.net/cultura/crean-plataforma-digital-al-servicio-del-teatro-venezolano-en-cuarentena/

Teresa Carreño, la prodigio del piano

Teresa Carreño

Teresa Carreño fue una pianista, cantante y compositora venezolana y una de las más importantes del mundo y de América Latina entre los siglos XIX y XX.

La niña prodigio

Teresa Carreño
Teresa Carreño, la niña pianista. Fuente: www.bbc.com

Bautizada como María Teresa Gertrudis de Jesús, nació en Caracas el 22 de diciembre de 1853 en el seno de una familia de músicos. Sus padres Manuel Antonio Carreño y Clorinda García de Sena y Rodríguez del Toro.

Teresa Carreño inició sus estudios musicales desde que era niña. Comenzó haciendo más de 500 ejercicios que le permitieron desarrollar sus habilidades, compuestos por su padre. Estos estudios los continuó con el pianista Jules Hohené, Georges Mathias.

En 1862 la familia Carreño García, a consecuencia de la guerra civil y de la crisis económica en Venezuela, parte a Nueva York.

Inmediatamente, Teresa comenzó a dar conciertos privados a familiares y amigos, demostrando sus habilidades con el piano y acrecentando su fama.

Su talento impresionó al compositor estadounidense Louis Moreau Gottschalk, considerado para la época como uno de los mejores pianistas del Nuevo Mundo. A los seis años publicó su primera obra, dedicada a su maestro y titulada «Gottschalk Waltz» («Vals de Gottschalk»), agotada en tres ediciones sucesivas en un solo año.

Teresa Carreño inicia su carrera musical

Louis Moreau Gottschalk
Louis Moreau Gottschalk. Fuente: https://www.bbc.com/

El 25 de noviembre de 1862, Teresa Carreño dio su primer concierto en público en la sala Irving Hall de Nueva York. Luego, tuvo cinco presentaciones más que incluye su exitosa actuación en la Academia de Música de Brooklyn. Tras sus exitosas presentaciones en la Gran Manzana, Carreño inicia su primera gira por Estados Unidos.

A los 9 años de edad, Teresa Carreño tocó el piano para el entonces presidente de Estados Unidos Abraham Lincoln, en el otoño de 1863. En su presentación, interpretó varias piezas compuestas por su maestro Gottschalk. Luego, debuta como solista con la Orquesta Sinfónica de Boston y con la Filarmónica de Londres.

Abraham Lincoln
Abraham Lincoln. Fuente: okdiario.com

Maestros e influencias

En París, conoce a compositores famosos de la talla de Rossini, creador de óperas universales como «El barbero de Sevilla», Gounod, Maurice Ravel, Claude Debussy, Vivier y el compositor húngaro Franz Liszt, quien incluso se ofrece a darle lecciones musicales que ella declina. Durante una gira por Londres, la pianista venezolana conoció a Anton Rubinstein, ex tutor de Tchaikovski.

En el salón de Madame Erard, Teresa tocó el piano a lado de Franz Liszt, quien quedó impresionado con las facultades interpretativas de la niña. A su corta edad realizó giras en Cuba, Estados Unidos y debutó en París el 3 de mayo de 1866. En uno de estos conciertos, conoció al destacado pianista Johannes Brahms, al compositor italiano Gioacchino Rossini y a la cantante de ópera Adelina Patti.

Teresa Carreño debutó como cantante de ópera

Teresa Carreño tenía una hermosa voz de mezzosoprano que fue descubierta por Rossini, quien le dio clases de canto, y debutó como mezzosoprano en la ópera Los hugonotes, de Giacomo Meyerbeer, en 1872.

En 1866, muere su madre contagiada por una epidemia de cólera. Luego viajó a España, donde presentó conciertos en diversas ciudades y, posteriormente, volvió a Estados Unidos para continuar su gira de conciertos.

Tiempos difíciles

En 1873, Teresa Carreño se casa con el violinista Emile Sauret y el 23 de marzo del año siguiente nace su hija Emile Sauret.

Teresa inicia su gira con su esposo, la cual resultó un fracaso, aunado a la pérdida de su segundo hijo que la llevó a disolver su matrimonio.

En esos días también falleció su padre, Manuel Antonio Carreño, y cayó en una fuerte crisis económica y se vió en la necesidad a entregar a su hija en adopción a su «amiga» alemana, la señora Bichoff; con la condición de que Teresa no la viese más.

De vuelta a Estados Unidos

Carreño regresó a Estados Unidos y, durante varios años, participó como cantante de ópera como en la obra de Zerlina, de Don Giovanni.

En 1916, la pianista venezolana ofreció en la Casa Blanca un recital de Navidad en honor al presidente de los Estados Unidos, Woodrow Wilson. Teresa Carreño desarrolló una exitosa carrera musical como pianista, compositora y cantante que la llevó a realizar numerosas giras internacionales, bajo la batuta de Gustav Mahler, junto a la New York Philharmonic Society.

En 1876, Teresa viaja a Boston en una gira como cantante, donde conoció al barítono italiano Giovanni Tagliapietra, con quien contrajo matrimonio y tuvo tres hijos: Lulú, Teresita  y Giovanni.

Juntos fundaron una empresa de conciertos denominada la Carreño-Donaldi Operatic Gem Company.

Teresa Carreño visita a Venezuela

En 1885, Carreño viajó por primera vez a Venezuela para hacer una gira de recitales.

Su segunda visita a Venezuela fue en febrero de 1887, invitada por el entonces presidente Antonio Guzmán Blanco. Este viaje fue un rotundo fracaso, debido a la mediocridad de la compañía de ópera que trajo consigo y por el comportamiento libertino de su esposo.

Teresa es obligada a quedarse en Venezuela por una decisión del Tribunal de Comercio del Distrito Federal, debido a una demanda de incumplimiento de pagos a uno de los miembros de la compañía. El 23 de agosto de 1887, regresa a Nueva York, con la ayuda del presidente Guzmán Blanco. Carreño permaneció en su país natal durante 10 años.

En 1889, Teresa se separó de su esposo Giovanni Tagliapietra, llevándose a sus hijos a Europa.

Teresa Carreño y su gira por Europa

Teresa Carreño
Teresa Carreño, la valquiria del piano. Fuente: www.bbc.com

En Europa, Carreño realizó varias giras por Alemania, Rusia y otros países europeos y conoce al compositor noruego Edward Grieg. Pero en Alemania, realizó diferentes conciertos, donde se consagró como concertista de fama internacional; y es bautizada como «la valquiria del piano» y como la «leona del teclado», debido al estilo fuerte e impetuoso de sus interpretaciones.

Su tercer y cuarto matrimonio

En 1892, contrae matrimonio con el pianista Eugen d’Albert, con quien tuvo dos hijas, Eugenia y Hertha. Pero, en 1895 se separa de d’Albert, y en 1902 se casa con Arturo Tagliapietra, hermano de su segundo esposo, Giovanni.

Su última presentación y fallecimiento

En 1917, Teresa Carreño prepara una gira por Sudamérica, no sin antes visitar a Cuba, donde realizó su exitoso concierto con la Filarmónica de La Habana. Ahí comienza a sufrir serios quebrantos de salud. Pero, en su regreso a Nueva York, fue diagnosticada con parálisis parcial del nervio óptico, que amenazaba con extenderse al cerebro.

Teresa Carreño fallece el 12 de junio de 1917 en su apartamento situado en la Residencia Della Robbia, en el 740 de la West End Avenue, en Manhattan. Ahí fue develada una placa conmemorativa en su nombre, en 2003.

Tras su muerte, sus restos fueron cremados y sus cenizas fueron trasladadas a Venezuela en 1938 y, desde el 9 de diciembre de 1977, reposan en el Panteón Nacional.

Legado

Teatro Teresa Carreño
Teatro Teresa Carreño. Fuente: iamvenezuela.com

La figura de Teresa Carreño se cuenta entre la de los más grandiosos pianistas de su época. En su honor, se inauguró en 1983, el principal complejo cultural de Caracas que lleva su nombre, el Teatro Teresa Carreño; así mismo, fueron bautizadas una plaza en el parque El Calvario, dos calles, un colegio y una orquesta sinfónica juvenil de El Sistema.

Obras

A lo largo de su carrera, Teresa Carreño ofreció más de 5.000 conciertos y compuso más de 70 piezas musicales originales. Entre sus obras como compositora figuran: Himno a Bolívar; Saludo a Caracas; el vals “A Teresita”, dedicado a su hija; el Cuarteto para cuerdas en si bemol y el Bal en revé opus 26.

Referencias

https://es.wikipedia.org/wiki/Teresa_Carre%C3%B1o

https://www.venezuelatuya.com/biografias/carreno.htm

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/carreno_teresa.htm

https://www.bbc.com/mundo/noticias-51451987

Lina Cavalieri, la misteriosa musa de Piero Fornasetti

Lina Cavalieri

Por su nombre, pocas personas reconocen a Lina Cavalieri (1874-1944). Pero su rostro se ha vuelto tan famoso en todo el mundo por las obras del diseñador italiano Piero Fornasetti.

La fuente de inspiración que hizo famoso a este artista italiano del siglo XX, es su musa, Lina Cavalieri. El artista desarrolló una serie de dibujos  con más de 1000 interpretaciones del rostro misterioso de la mujer que se convirtió en su obsesión; siendo reproducidos en el mundo del diseño.

Lina Cavalieri era una cantante de ópera y actriz de cine mudo, quien ya era considerada una belleza en el siglo XIX. Tanto es así que, a punto de cumplir 40 años, lanzó un libro llamado My Beauty Secret , muy bien recibido por el público.

Piero Fornasetti fue seducido por la belleza de Lina Cavalieri

Piero Fornasetti
Piero Fornasetti. Fuente: www.sterlizie.com

Piero Fornasetti (Milán, 1913-1988)  fue pintor, escultor, grabador, diseñador y uno de los creadores italianos más originales del siglo XX. Su talento para el dibujo, lo ha convertido en una figura irremplazable en la historia del diseño.

Este genio milanés murió,  en 1988, dejando más de doce mil diseños. El más misterioso de sus temas de dibujos y el más obsesivo, era el rostro de  Lina Cavalieri. Fue la mujer que Fornasetti reprodujo  una y otra vez hasta convertirla en un marchamo, siendo el más reiterado entre sus diseños en los últimos cien años.

Lina Cavalieri, la musa de Piero Fornasetti

Lina Cavalieri
Lina Cavalieri. Fuente: www.sterlizie.com

Piero Fornasetti fue escultor, pintor, decorador de interiores, impresor de libros y creador de más de trece mil objetos, y su producción es una de las más grandes del siglo XX. Su estética, guiada por un lenguaje visual inmediatamente reconocible, está llena de color, humor, misterio, y magia.

Pero, su característica más evidente es la de cierta pasión y, a su vez, una obsesión por el estudio en serie de la evolución de temas específicos. A partir de una idea, Fornasetti la reformuló docenas de veces inventando e imaginando variaciones infinitas.

Los temas más recurrentes son el sol, naipes, arlequines, manos, autorretratos. Pero la más famosa de estas colecciones de imágenes es sin duda la primera en tener el nombre de “Tema e Variazioni ”. Se trata de un compendio de 350 piezas que rinde homenaje al rostro enigmático de una mujer de belleza clásica y formal, que ahora se ha convertido en un ícono.

En 1952, Piero Fornasetti encontró esta imagen hojeando una revista francesa de fines del siglo XIX y quedó fascinado con ella, convirtiéndola en su musa. La mujer era la cantante de ópera, Lina Cavalieri, muy admirada por la diva de la Belle Epoque, conocida por su talento artístico y por la fama de la seductora.

El misterio de su obsesión se origina debido a que nunca se llegaron a conocer personalmente, ya que para ese entonces, Lina ya había dejado de existir. Cuando los periodistas de la prensa italiana le preguntaban a Piero Fornasetti la razón de su comportamiento obsesivo, argumentaba lo siguiente: “Empecé a pintarla y nunca paré”.

Piero Fornasetti reinterpretó el rostro de Lina en forma fantástica y humorística plasmándola en diversos objetos cotidianos, convirtiéndola en su sello personal.

Piero Fornasetti en sus comienzos

En el año de 1932,  Piero Fornasetti fue expulsado de la Academia de Bellas Artes de Brera por insubordinación, pero fue en la Universidad de Milán, donde exhibe sus primeras pinturas.

Sus trabajos fueron presentados en eventos como las Trienales de Milán, que lo llevaron a relacionarse con Gio Ponti, uno de los arquitectos y diseñadores italianos más importantes del siglo XX. Juntos proyectaron la serie Architettura, los interiores del trasatlántico Andrea Doria, así como también la decoración del casino de San Remo y de la famosa pastelería milanesa Dulciora.

Los temas de Piero Fornasetti

Gran parte de sus trabajos son de temas concretos que utilizó en el grabado de soles, monedas, instrumentos musicales, arlequines, pero el más famoso es el bello y enigmático rostro de una mujer, la cantante de ópera Lina Cavalieri. Convertida en su musa, Fornasetti creó con la imagen del rostro de la soprano, una serie de 350 variaciones que llamó “Tema & Variazioni” y que utilizó en todo tipo de piezas.

La marca Fornasetti

Piero Fornasetti
Atelier de Piero Fornasetti. Fuente: www.sterlizie.com

Tras la muerte de Fornasetti en 1988, no se realizaron más versiones de la imagen de la Lina Cavalieri; sin embargo, la marca Fornasetti continúa reproduciendo sus diseños en la actualidad.

Piero Fornasetti es el responsable de las llamadas reinvenciones, se trata de nuevos diseños que se utilizan, transformándolos en un objeto del culto, dándole un toque indispensable en el mundo del Interiorismo Internacional.

Referencias

https://oceandrive.com.ve/bon-vivant/la-musa-de-piero-fornasetti-un-misterio-para-el-arte-y-el-diseno/

https://onthe50road.com/la-musa-espectral/

https://nuevo-estilo.micasarevista.com/decoradores-arquitectos/piero-fornasetti

https://www.sterlizie.com/arte-design/chi-era-lina-cavalieri-la-musa-di-piero-fornasetti/

https://revistacasaejardim.globo.com/Casa-e-Jardim/Decoracao/noticia/2018/11/quem-foi-lina-cavalieri-musa-de-piero-fornasetti.html

Génesis Vásquez invita a exponer el arte durante la cuarentena

Génesis Vásquez

La artista visual venezolana Génesis Vásquez, a través de sus obras pretende motivar al público a desarrollar sus habilidades artísticas, para contrarrestar los efectos emocionales provocados por el COVID-19. Esta venezolana, residenciada en Miami, considera que es importante expresar el arte durante la cuarentena.

¿Quién es Génesis Vásquez?

Génesis Vásquez
Génesis Vásquez. Fuente: oceandrive.com

Génesis Vásquez es una artista visual nacida en Caracas y residenciada en Florida (Estados Unidos), Es licenciada en administración de empresas de diseño y locutora certificada; además, participó con sus trabajos en Encuentro Glam a beneficio de Senos Ayuda en Mayo 2019. Actualmente, es una talentosa artista que exhibe sus obras en dos galerías, ubicadas en Caracas y una en Miami.

Génesis Vásquez considera el arte como un mecanismo de defensa

Génesis Vásquez
Génesis Vásquez. Fuente: www.caraotadigital.net

La artista caraqueña destaca que la cuarentena puede ser sobrellevada con las expresiones artísticas. Esta venezolana, residenciada en Miami, resaltó la importancia de mostrar el arte durante la cuarentena. Por  tal motivo, ha dispuesto sus obras como una forma de expresión, en la que se puede ver que el arte como una de las mejores herramientas para despejar la mente en situaciones de crisis.

En medio de la cuarentena, la joven artista venezolana considera que es de vital importancia hacer arte porque ayuda a elevar la imaginación, inspira y conecta con lo positivo. Asimismo, afirmó que el arte es una forma de seguir transmitiendo felicidad y energía.

Es por eso que la artista venezolana considera que el arte es un escape para enfrentar el aislamiento social o cuarentena para evitar la propagación del COVID-19. “El arte es un escape; si no me cree, intente por una semana no ver películas, escuchar música, pintar o leer un libro”, manifestó la joven caraqueña. De tal forma, la caraqueña ha presentado cada una de sus piezas artísticas.

El arte en las redes sociales

La artista caraqueña reflexiona que existe una relación entre el arte y el uso de las redes sociales. Al respecto, la artista venezolana felicitó a todas las personas que están utilizando las redes sociales para publicar sus dibujos o cualquier muestra de arte. “Las personas en cuarentena utilizan los días para recrearse, distraerse. A muchas ya les gustaba dibujar o lo están retomando, mientras otros lo están descubriendo; lo importante es hacer lo que nos hace feliz. Nunca es tarde para descubrir lo que nos gusta, además estamos en constantes cambios y siempre se pueden adquirir nuevos talentos”, aseguró Vásquez en una nota de prensa.

Génesis Vásquez nos guarda sorpresas creativas

Génesis Vásquez desea continuar exhibiendo su arte en diferentes partes del mundo. Es por eso que  mantendrá expuestas sus piezas en una presentación en la ciudad de Miami, una vez que se haya superado los efectos de COVID-19. “Quiero mantener las piezas que deseo presentar en esta ocasión como una sorpresa y sorprenderlos”, puntualizó la joven artista, a la vez que envió un mensaje para el gremio artístico, a quienes motivó a seguir creando y de compartir sus habilidades para persuadir a otros artistas.

Para mayor conocimiento sobre la artista, visite sus redes sociales, en donde encontrarás una amplia colección de sus obras.

El retrato del Dr. José Gregorio Hernández

Génesis Vásquez
Génesis Vásquez y su retrato del Dr. José Gregorio Hernández. Fuente: www.caraotadigital.net

La obra más emblemática de Génesis Vásquez es el retrato del Dr. José Gregorio Hernández.

El Dr. José Gregorio Hernández para los venezolanos, es un santo en quién depositan su fé. y en este momento, la joven artista caraqueña le pide por la salud de todas las personas del mundo, no solo por las que padecen COVID -19.

“Todas las noches antes de dormir y las mañanas al despertarme, tengo una estampita de él en la mesita de noche, pido por la salud de todas las personas en el mundo que estén padeciendo cualquier enfermedad, no solo COVID-19.”, expresó la artista.

Además del Dr. José Gregorio Hernández, la artista caraqueña ha pintado imágenes de vírgenes.

“Felicidad y energía”

La artista anima a su gremio a continuar creando y considera que es de vital importancia aplicar el arte durante la cuarentena. Al respecto la artista puntualizó “nos ayuda a elevar la imaginación, nos inspira, nos conecta con lo positivo y con lo que deseamos, con lo que aún no comenzamos.  Aunque en este tiempo es bien delicado todo lo que sucede; el arte es un escape, si no me creen, intenten por una semana no ver películas, escuchar música, pintar o leer un libro”.

Según opina la artista “sin la expresión del arte, sería realmente difícil sobrellevar tantos días en casa”. Además, comenta “que bonito que en momentos delicados como los que estamos viviendo, yo pueda seguir transmitiendo felicidad y energía”.

Génesis Vásquez
Génesis Vásquez. Fuente: oceandrive.com

Génesis Vásquez se mantiene inspirada

Génesis Vásquez es una artista en ascenso que se ha destacado en las redes sociales por sus increíbles obras de arte.

Según Génesis Vásquez, “El arte siempre ha sido una forma de comunicación, y que bonito que en momentos delicados como los que estamos viviendo, yo pueda seguir transmitiendo felicidad y energía.”.

La artista caraqueña expresó que es bueno que las personas se tomen un tiempo para practicar el arte en medio de la cuarentena, puesto que esto les ayuda a distraerse. Asimismo comentó que “El mantenerme en constante creación me permite tener ideas, para seguir creando. Considero que es como una cadena; sin crear, no fluye”.

Referencias

https://oceandrive.com.ve/bon-vivant/la-creativa-genesis-vasquez-invita-al-publico-a-imaginar-y-a-poner-en-practica-sus-habilidades-artisticas/

elpitazo.net/cultura/artista-genesis-vasquez-escapa-de-la-cuarentena-a-traves-del-arte/

https://www.caraotadigital.net/entretenimiento/artista-venezolana-genesis-vasquez-arte-cuarentena

https://www.elfarandi.com/2020/04/27/felicidad-y-energia-genesis-vasquez/

https://abcnoticias.com.ve/genesis-vasquez-vivir-con-arte-en-cuarenta-es-felicidad-y-energia/

https://gossipvzla.com/desde-casa-la-artista-genesis-vasquez-habla-sobre-como-se-mantiene-inspirada-considero-que-es-como-una-cadena-sin-crear-no-fluye/

Los museos más grandes del mundo exhiben obras artísticas online

Museo del Prado

Los museos más grandes del mundo han protegido y resguardo las obras y testimonios artísticos durante siglos. En la actualidad, los museos más importantes de la historia de la humanidad han digitalizado sus colecciones para darle la oportunidad a millones de internautas de visitarlos virtualmente y disfrutar las obras de arte que transformaron la historia con solo tener acceso a internet y hacer clic.

El museo del Prado de Madrid

Museo del Prado
Museo del Prado de Madrid. www.muyinteresante.es

El Museo Nacional del Prado, es el más importante de España. Con dos siglos de historia, reúne la colección de arte español más grande del mundo. Tiene resguardadas las mejores obras de grandes pintores como Francisco Goya, Diego Velázquez y Pablo Picaso.

Hasta ahora, el museo cuenta con más de 18 mil obras digitalizadas. Este insigne museo español permitirle al público un acceso exclusivo a su extensa galería; además ofrece una opción de visita para niños en la que conocerán anécdotas, historias y curiosidades de diferentes obras de la pinacoteca más grande de España. También brinda la posibilidad a los internautas de hacer una visita a través de videos de las obras comentadas del Bosco, Goya, Murillo, Velázquez; Tiziano, o Maderuelo.

Museo de Louvre en París

Museo de Louvre
Museo de Louvre en París. www.muyinteresante.es

El Musée du Louvre es más icónico de París, después de la Torre Eiffel por su estructura piramidal y por albergar a la gran obra del maestro Leonardo Da Vinci, La Mona Lisa o Giocona.

El museo cuenta con varios tours online que permiten al usuario descubrir las maravillas sobre el Antiguo Egipto, las momias y faraones que marcaron esta civilización, así como obras del mundo medieval o en la maravilla de la pintura y escultura de Da Vinci y los genios del Renacimiento. Su colección también cuenta con una sala dedicada exclusivamente a Claude Monet que resulta ser una gran atracción para los amantes del arte. Cabe destacar que, dentro de su colección permanente, alberga el increíble trabajo del artista venezolano Elías Crespín.

Sus collecciones pueden ser vistas por separado en su página web, así como videos clasificados por temática que resultan increíbles.

El Rijksmuseum de Ámsterdam

Rijksmuseum
Rijksmuseum de Ámsterdam. Fuente: www.viator.com

El Rijksmuseum es el más importante de todo el Reino de los Países Bajos. Cuenta con una colección digitalizada de 210 mil obras de arte entre las cuales se incluyen piezas maestras, que reúne lo mejor del siglo de oro de la pintura holandesa.

El museo, desde hace dos años, ofrece una  excepcional oportunidad para disfrutar de obras de grandes maestros del arte como Rembrandt, Vermeer, Lucas van Leyden, Judith Leyster, que engalanan cada una de sus salas. Asimismo, tiene una serie de programas increíbles de educación en su página web.

La National Gallery de Londres

National Gallery
National Gallery de Londres

La  Galería Nacional (National Gallery) es el principal museo de arte de Londres. Es una de las pinacotecas más importantes del mundo. Su colección incluye más de 2300 pinturas extraordinarias de grandes artistas como  Rembrandt, Tiziano, Velázquez, Monet, Van Gogh y Miguel Ángel.  En su recorrido virtual, hecho de la mano con Google Street View, se puede visitar varias de sus exposiciones permanentes.

Mediante la plataforma digital, Google Culture se puede acceder a una selección de obras y biografías disponibles en la web.

El Metropolitan Museum of Art de Nueva York

Metropolitan Museum of Art
Metropolitan Museum of Art de Nueva York. Fuente: masdearte.com

El Museo Metropolitano de Arte ha puesto a disposición del público un total de 393.792 piezas convenientemente digitalizadas. Su colección es una de las más grandes del mundo, ya que incluye más de 500 piezas de Rafael, Picasso, Rembrandt, Velázques, decenas de cuadros de Monet, Van Gogh y Degas y, por supuesto, fotografías del imperio azteca, la cultura egipcia, caligrafía china o material de la India.

El museo ofrece una oportunidad única para disfrutar de algunas de las obras de arte más importantes del mundo de forma gratuita a través de su página en internet. Asimismo, se pueden apreciar las fotos que han sido publicadas en Alta Definición, las cuales tienen, al menos, un tamaño de diez megapíxeles.

Los Museos del Vaticano

Museo del Vaticano
Museo del Vaticano. Fuente: www.eluniverso.com

Los Museos del Vaticano cuentan con una de las colecciones de arte más impresionantes del mundo expuestas en diferentes salas.  Los 12 museos alojados dentro del Vaticano ofrecen la oportunidad a sus visitantes de hacer un recorrido virtual. En esta ocasión, el usuario puede tomar su tiempo para apreciar cada detalle de los espectaculares frescos que aquí se encuentran. Las obras artísticas como las de Perugino, Ghirlandaio, Botticelli, Cosimo Roselli y por supuesto, Miguel Ángel, son algunos de los grandes nombres que firman las obras de su interior. Siendo una de las más famosas La creación de Adán de Miguel Ángel, pintada en 1508.

La Capilla Sixtina del Palacio Apostólico, es la más icónica del Vaticano por su techo decorado por La creación de Adán, la famosa obra  de Miguel Ángel. Por otra parte, se exhiben esculturas como el Hércules del Teatro de Pompeya, Laocoonte y sus hijos de la que fue la Domus Aurea de Nerón o el Augusto de Prima Porta también se encuentran en la colección. La página web de los Museos Vaticanos ofrece a través de su menú “Colecciones” información de cada pieza en la que se detalla el autor, el año de creación y de encuentro, su ubicación original y una descripción de la obra.

Capilla Sixtina
Techo de la Capilla Sixtina. Fuente: viajes.nationalgeographic.com.es

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/nos-vamos-al-museo-4-museos-increibles-que-puedes-disfrutar-online/

https://vanguardia.com.mx/articulo/en-esta-cuarentena-visita-virtualmente-los-grandes-museos-del-mundo

https://www.expansion.com/economia-digital/2017/08/17/59949c54e5fdeaa7728b467a.html

https://www.creativosonline.org/blog/210-000-obras-de-arte-gratuitas-digitalizadas-por-rijksmuseum.html

https://travesiasdigital.com/noticias/galerias-de-arte-que-ofrecen-tours-virtuales

https://www.xatakamovil.com/conectividad/el-museo-metropolitano-de-arte-digitaliza-393-792-piezas

https://es.wikipedia.org/wiki/Museo_Metropolitano_de_Arte

https://www.admexico.mx/estilo-de-vida/cultura/articulos/capilla-sixtina-descubre-los-secretos-de-este-iconico-lugar-en-este-recorrido-virtual/6680

https://viajes.nationalgeographic.com.es/lifestyle/museos-mundo-visita-virtual_13248/6

Semana Santa: Significado, Costumbres y Tradiciones

Semana Santa

La Semana Santa, también denominada  Semana Mayor es un período sagrado del cristianismo que transcurre desde el Domingo de Ramos hasta el Domingo de Resurrección, siendo la más importante de la cristiandad.

Asimismo, la Semana Santa, es la verdad actualizada mediante las actividades litúrgicas, por parte de la Iglesia Católica, en la que se rememora la Pasión, Muerte y Resurrección de Cristo.

Esta época de conmemoración cristiana se realiza acuerdo al ciclo lunar, el primer plenilunio de primavera, es decir cuando transcurre el período de luna llena. Es la última semana de Cuaresma, y la semana previa al Domingo de Resurrección.

¿Qué es la Semana Santa?

La Semana Santa, conocida como Semana Mayor,  es un período sagrado del cristianismo, donde se conmemora anualmente la Pasión de Cristo. Esta tradición se basa en los acontecimientos ocurridos que van desde la entrada a Jerusalén, la última cena, el viacrucis, la muerte y resurrección de Jesús de Nazaret.

Es un período de intensa actividad litúrgica que da comienzo con el Domingo de Ramos y finaliza el Domingo de Resurrección, ​ aunque su suele iniciarse en varios lugares el viernes anterior (Viernes de Dolores).

Viernes de Dolores es el día inmediato anterior al Domingo de Ramos. En este día  se recuerdan los sufrimientos de la Virgen María saber que Jesús sería condenado y crucificado.

La fecha de la Semana Santa es variable, ya que puede realizarse entre los meses marzo y abril, coincidiendo con el período de luna llena del ciclo lunar.

blog.terranea.es
Fuente: blog.terranea.es

El significado y la importancia de la Semana Santa

La Semana Santa, conocida como Semana Mayor, es un período de ocho días que comienza con el Domingo de Ramos y culmina con el Domingo de Resurrección. Asimismo, la Semana Santa está precedida por la Cuaresma, un periodo de 40 días después del Miércoles de Ceniza, el cual sirve de preparación a la Semana Mayor y recuerda los días que, según la tradición, Jesús pasó en completa soledad en el desierto de Judea, donde fue tentado por Satanás en diversas ocasiones.

En este período, la Iglesia Católica conmemora el Triduo Pascual, que se refiere a los actos centrales de la Semana Santa en los que acontecieron los momentos de la Pasión, la Muerte y la Resurrección de Jesucristo, durante los días: Jueves Santo, Viernes Santo, Sábado Santo , seguido del Domingo de Resurrección.

Semana Santa, tiempo de oración y reflexión

La Semana Santa es una época dedicada a la oración y de reflexión sobre los momentos de la Pasión de Cristo, quien se sacrificó con su infinita misericordia, al recibir el castigo para salvar a la humanidad del pecado.

Además, la Semana Santa es el tiempo perfecto para que el ser humano medite se reconcilie y renueve su fe en Dios y cumplir con sus mandamientos.

Durante la Semana Santa, la Iglesia Católica cumple con diversos actos, como procesiones, la representación del drama de la muerte y pasión de Cristo, entre otros. Por su arte, los creyentes se someten a duras penitencias como símbolo de su sacrificio y, en el día Viernes Santo, los fieles guardan ayuno y se abstienen de comer carne.

La Semana Santa y sus orígenes

La Semana Santa tuvo su origen desde los inicios del cristianismo. Según algunos documentos ya en el siglo IV, en Egipto, Palestina, y la actual Turquí­a y Armenia, conmemoraban la Pasión de Cristo. Es probable que estas actividades se realizaran algunos años antes. Esta costumbre llegó a Europa en el siglo V.

A principios del siglo IV había discrepancia en la cristiandad sobre cuándo había de celebrarse la Pascua cristiana o día de Pascua de Resurrección, con motivo de la conmemoración de la resurrección de Jesús de Nazaret.

En aquel tiempo, existían grupos de practicantes que utilizaban cálculos propios, en cuanto a las fechas en que acontecieron la muerte y resurrección de Jesucristo.

En el año 314 d. C., el Concilio de Arlés obligó a toda la Cristiandad a celebrar la Pascua el mismo día, y que esta fecha debía ser fijada por el Papa. Sin embargo, no todas las congregaciones acataron estos preceptos.

Pero en el año 325 d. C., el Concilio de Nicea I  estableció que la Pascua de Resurrección había de ser celebrada cumpliendo unas determinadas normas:

  • La Pascua debe celebrase en domingo.
  • No debe coincidir con la Pascua judía para evitar paralelismos o confusiones entre ambas religiones.
  • Los cristianos no deben celebrar la Pascua dos veces en el mismo año.

No obstante, continuaron las diferencias entre la Iglesia de Roma y la Iglesia de Alejandría. Ante esta situación, el Concilio de Nicea favoreció a los alejandrinos, estableciendo que la costumbre era que la fecha de la Pascua se calculaba en Alejandría, y que esta sería comunicada a Roma, y esta difundía el cálculo al resto de la cristiandad.

Finalmente, en el año 525 d. c., Dionisio el Exiguo, estableció que el cálculo alejandrino debía unificarse con el de la pascua cristiana.

¿Cómo se conmemora la Semana Santa?

El calendario lunar es el principal referente para determinar los días de la Semana Santa, en concordancia con los acontecimientos narrados en la Biblia.

En la antigüedad, el tiempo se medía por medio del calendario lunar. A lo largo de la historia, los cristianos intentaron establecer una fecha para la celebración del Domingo de Resurrección o de Pascua.

Tras varios siglos de cambios y de ajustes, se acordó que el Domingo de Resurrección sería el próximo inmediato, después de la primera luna llena tras el equinoccio de primavera boreal.

En otras palabras, una vez que inicia la primavera, el Domingo de Resurrección sería el primer domingo de la primera luna llena de la estación. Es por esto que el Domingo de Pascua estaría en el intervalo de tiempo que va del 22 de marzo al 25 de abril.

Domingo de ramos: la llegada de Jesús a Jerusalem

El Domingo de Ramos, conmemora la llegada triunfal de Jesucristo a Jerusalén, acogido por una gran multitud. Días después, esa misma gente reclamó su ejecución.

Domingo de Ramos
La llegada de Jesús a Jerusalem el Domingo de Ramos. Fuente: www.savellireligious.com

¿Qué se celebra el Lunes, Martes y Miércoles Santo?

La Semana Santa va más allá de los días centrales del Triduo Pascual. No solo hablamos del Domingo de Ramos, el día que da inicio a este período en la fe cristiana. Estamos hablando del Lunes, Martes y Miércoles Santo.

Semana Santa
Fuente: es.churchpop.com

¿Pero, qué se celebra en esos días?

Lunes Santo

Este día está dedicado a la meditación del Evangelio de la unción de Jesús, realizada por María de Betania (Juan 12, 1-11) en la casa de Lázaro.

Martes Santo

Se conmemora el momento en que Cristo reveló que uno de sus apóstoles lo va a traicionar, señalando a Judas. En este día se reflexiona en torno a la anticipación de Jesús acerca de las negaciones de Pedro y la traición de Judas Iscariote.

El texto del Evangelio según San Juan, registra que Jesús dijo a sus apóstoles que «uno de ellos habría de entregarlo». De igual manera, se reflexiona sobre el anuncio que Cristo le hizo a Pedro, en el que éste lo negaría tres veces antes que cante el gallo (Juan 13, 21-33.36-38).

Miércoles Santo

Este es el día de la conspiración de Judas Iscariote, quien entregó a Jesús ante los miembros del Sanedrín, el tribunal religioso de los judíos que buscaba aprehenderlo y condenarlo a muerte (Mateo 26, 14-25).

La Semana Santa y el Triduo Pascual

Se denomina como Triduo Pascual a los tres días de la Semana Santa en que se recapitula la pasión, muerte y resurrección de Jesucristo, a saber: Jueves Santo, Viernes Santo y Sábado Santo.

El Triduo Pascual concentra los momentos más importantes del año litúrgico en el cristianismo.

Jueves santo: la traición de Judas

El Jueves Santo celebra la última cena de Jesús de Nazaret con sus discípulos, la institución de la eucaristía, la orden sacerdotal y el lavatorio de pies.

En este día, los feligreses católicos realizan la visita de los siete templos o iglesias, con el objetivo de agradecer a Dios el don de la eucaristía y sacerdocio.

La Última Cena
La última cena. Jean Baptiste de Champaigne. Fuente: www.savellireligious.com

Viernes santo: la crucifixión de Jesús

Durante el Viernes Santo se solemniza la pasión de Cristo y el momento de su crucifixión en el Calvario para liberar al hombre del pecado y otorgarle la vida eterna.

En este día, los fieles del catolicismo guardan ayuno y la abstinencia de comer carne como penitencia.

La crucifiixión
La crucifiixión. Imagen tomada de la película «La Pasión de Cristo. Fuente: www.savellireligious.com

Sábado Santo: día de la vigilia

El Sábado Santo es el punto medio entre la muerte y la resurrección de Jesús, en el que se lleva a cabo una vigilia pascual. En este día se acostumbra a bendecir el agua y encender las velas en señal de la resurrección de Jesús, en la madrugada del domingo.

Domingo de Resurrección

El Domingo de Resurrección o Domingo de Pascua, se conmemora la resurrección de Jesucristo al tercer día después de su crucifixión y su primera aparición frente a sus discípulos.

La iglesia del Santo Sepulcro
La iglesia del Santo Sepulcro, Jerusalén. Fuente: www.savellireligious.com

Las tradiciones de Semana Santa en Venezuela

La Semana Santa se celebra en Venezuela desde los tiempos de la colonia, formando parte importante de nuestras tradiciones religiosas.

Las tradiciones de Semana Santa en Venezuela, implican la realización de distintas actividades religiosas en las que se conmemora la pasión, muerte y resurrección de Jesucristo.

Es por ello que en Venezuela se crearon costumbres donde los creyentes realizan diversas actividades religiosas.

En Caracas, por ejemplo, la Semana Santa comienza con la tradición de los Palmeros de Chacao, quienes tradicionalmente suben al Ávila para buscar las palmas a bendecir.

Por su parte, la Catedral de Caracas también ofrece misas y procesiones durante esa semana. No obstante, el Miércoles Santo ocurre en la Iglesia de Santa Teresa la costumbre más impactante de Venezuela desde el año 1.580: La procesión del Nazareno de San Pablo. En esta ceremonia, los feligreses vestidos con túnicas moradas, salen a venerar el Cristo milagroso, que salvó a Caracas de una epidemia de viruela en el siglo XVII.

La tradición religiosa para celebrar el Viernes Santo consiste en la que la iglesia otorga a los feligreses el sermón de las Siete Palabras, y visitar los Siete Templos de la capital que incluyen: La Catedra de Caracas, el Corazón de Jesús, la iglesia de Las Mercedes, San Francisco, Altagracia, la Santa Capilla y Santa Teresa.

El Sábado Santo se celebra la bendición del cirio pascual y el agua. Finalmente, el Domingo de Resurrección es cuando se realiza la quema de Judas, que es una tradición popular muy antigua, sobre todo en los barrios más populosos de la ciudad, donde la gente acostumbra a prenderle fuego a un monigote hecho de trapos y ropa usada.

Semana Santa
Procesión del Nazareno de San Pablo frente a la Iglesia Santa Teresa. Caracas (Venezuela). Fuente: www.eluniversal.com

La celebración de la Misa y procesión

El miércoles santo las personas y peregrinos asisten a los actos religiosos vistiendo prendas moradas. Seguidamente, se celebra la eucaristía, que inicia la procesión de la imagen de Cristo cargando la cruz desde la Iglesia de Santa Teresa, lo cual tiene como significado un símbolo de fe y esperanza.

La visita de los siete templos

La visita a los siete templos es una tradición que consiste en un recorrido en el que los devotos asisten a siete iglesias distintas. Esto simboliza la estancia de Jesús en el monte de los Olivos o Getsemaní, antes de ser capturado.

En Caracas, los feligreses hacen un recorrido por la ciudad para visitar las principales iglesias de la capital, entre las cuales se mencionan: La Catedra de Caracas, el Corazón de Jesús, la iglesia de Las Mercedes, San Francisco, Altagracia, la Santa Capilla y Santa Teresa.

El Via Crucis

Es una tradición donde los más devotos, hacen una representación para recrean la pasión de Cristo antes de su crucifixión.

La Quema de Judas

Es una de las tradiciones de Semana Santa en Venezuela que consiste en la elaboración y quema de un muñeco hecho con trapos y vestido con ropa vieja. Este monigote, generalmente, se le agregan características de personajes políticos o aquellas rechazadas por la sociedad.

La gastronomía

Religiosamente, mucha gente se abstiene de comer carnes rojas durante toda la semana. En su lugar se consume la carne blanca.

Dependiendo de la región, los dos platos más consumidos en estas fechas recaen a ser el famoso chigüire y el pescado seco o rayado, acompañados de yuca.

Los postres más populares en la época son el arroz con coco o con leche.

Semana Santa: Costumbres y tradiciones en otros países

La Semana Santa se realiza una vez al año para conmemorar la pasión, muerte y resurrección de Jesús de Nazaret

Distintos países celebran la Semana Mayor, con sus respectivas costumbres, creencias y tradiciones.

En España, donde se cree que todas las fechas de la Semana Santa, todos los años, pero también disfrutan de procesiones, un desfile religioso en el que las personas parten de un lugar y regresar a ese sitio, demostrando su creencia y su fe religiosa.

Seman Santa en España
Seman Santa en España. Fuente: www.eluniversal.com

Por otro lado, en Alemania se crea la figura de un conejo que reparte huevos a los niños, representando la fertilidad. En algunas zonas del norte del país se encienden hogueras gigantes con la finalidad de quemar los malos espíritus y darle la bienvenida a la primavera. También existe el Árbol de Pascua, en donde pintan huevos de colores y durante la semana los cuelgan en las ramas de los árboles para decorar sus hogares. Los huevos también son utilizados para decorar fuentes públicas, el sábado de Pascua, para recibir el domingo de resurrección, representando la limpieza y la vida que brinda el agua.

Huevos de Pascua
Huevos de Pascua

En los Estados Unidos la Semana Santa es conocida como “Easter” y es el domingo de Resurrección el día de mayor importancia. Además, utilizan el día para compartir en familia, realizar picnics y emprender la búsqueda de los huevos de pascua que se encuentran ocultos en distintos lugares de parques públicos y jardines.

El Desfile de Pascua Florida es una de las celebraciones más populares. El mismo parte de la Catedral de San Patricio y recorre la Quinta Avenida de Nueva York. En California se realizan escenificaciones de la Pasión de Cristo en las iglesias católicas que están presentes en el estado.

Referencias

https://es.catholic.net/op/articulos/18295/la-semana-santa-da-a-da.html#modal

https://www.turismoviajar.com/semana-santa-2020-fecha-de-la-semana-santa-y-que-se-recuerda/

https://www.arlingtondiocese.org/bienvenido-hispanohablantes/actividades-de-semana-santa-2019/

https://www.significados.com/semana-santa/

http://asovecen.interamerica.org/historia-de-la-semana-santa

https://blog.terranea.es/cuando-es-semana-santa/

https://es.churchpop.com/2019/04/16/que-se-celebra-el-lunes-martes-y-miercoles-santo/

https://www.milenio.com/cultura/dias-de-la-semana-santa-que-se-conmemora-en-cada-uno

https://www.notitarde.com/tradiciones-de-semana-santa-en-venezuela/

https://www.eluniversal.com/guia-turistica/3133/semana-santa-venezuela

https://www.eluniversal.com/doblevia/37821/costumbres-y-tradiciones-en-semana-santa

https://www.savellireligious.com/es/blog/La-Semana-Santa-Todo-Lo-Que-Tienes-que-Saber/