Las historias de amor más icónicas

Romeo y Julieta

La Historia y la Literatura están llenas de legendarias historias de amor. Hemos aquí algunas de ellas, las cuales han sido contadas y representadas a lo largo de los siglos, proyectando la misma intensidad del sentimiento en sus lectores.

Sissi de Baviera y Francisco José: Un amor distanciado

Historias de amor
Sissi de Baviera y Francisco José. Fuente: www.taringa.net

En 1853, la princesa Sissi de Baviera y Francisco José se conocen en una localidad cerca de Salzburgo, mientras el Emperador estuvo de vacaciones. Así comenzó la historia de amor entre el Emperador y la princesa. Un año después se celebró la boda.

Sin embargo, Sissi no era feliz, debido a que Francisco José, a pesar que la amaba, tenía poco tiempo para dedicarle su esposa. Sissi pasaba la mayoría de las noches durmiendo sola, fuera de la cama imperial.

Luego la emperatriz se interesó en los asuntos de Estado y sus ideas liberales que pronto contribuyeron en la lucha por la igualdad del pueblo húngaro. Estas acciones lograron que Francisco José fuera consagrado Rey de Hungría.

La madre del Emperador nunca aceptó a Sissi. El ambiente tenso entre el Emperador, su madre y Sissi no auspiciaba grandes veladas y las cenas solían ser muy breves e incómodas.

La tensión llegó a tal punto que la Emperatriz comenzó a tener una vida bastante independiente de la de su marido, que se dedicó a viajar. Los viajes de Sissi se hicieron más frecuentes y prolongados. Visitaba a su familia en Alemania, Inglaterra, Venecia o la isla de Madeira sobre el Océano Atlántico, al cual llamaba su «paraíso secreto».

Tiempo después, el suicidio de su hijo, transformó profundamente el carácter de Sissi. Continuó viajando sólo con una dama de compañía y se registraba en los hoteles con un seudónimo: «Duquesa de Hohenberg». Cada vez se alejaba más de su marido, quien sólo se enteraba de su paradero por la prensa.

Sissi fue asesinada a la edad de 61 años en un atentado político. Junto al Palacio Real, su marido Francisco José, ordenó construir un parque abierto al público, con un memorial de Elizabeth.

John Lennon y Yoko Ono, la icónica pareja de los años 60

John Lennon y Yoko Ono
John Lennon y Yoko Ono. Fuente: www.taringa.net

Yoko Ono y John Lennon fueron una de las parejas más emblemáticas de los años 60. Enmarcados en la beatlemanía, ha sido la historia de una de las parejas más legendarias del mundo.

El 9 de noviembre de 1966 Lennon conoció a Yoko en una exhibición de arte, donde ella mostraba sus obras en la Indica Gallery. Su amigo, el artista inglés John Dunbar fue quien los presentó.

Yoko era el ying del yang de Lennon, ella provenía de una familia acomodada, era hija de un banquero. Mientras que él pertenecía a la clase trabajadora de Liverpool. Sin importar la diferencia de siete años de edad, estaban destinados a compartir su vida durante mucho tiempo.

A partir de 1968 la Lennon y Yoko comenzaron a colaborar artísticamente, lo cual no era de agrado al resto de los integrantes del grupo inglés, The Beatles. Juntos lanzaron un primer disco, titulado ‘Unfinished Music No. 1: Two Virgins’ y le siguieron varias colaboraciones más.

Tras varios años de relación la pareja se casó el 20 de marzo de 1969 en Gibraltar. Los recién casados pasaron su luna de miel en París y luego viajaron a Ámsterdam. Allí llevaron su matrimonio a la publicidad con su «Bed-In» (encamado) para protestar pacíficamente a favor de la paz. Ambos también permanecieron durante una semana sentados en la suite de un hotel.

John escribió su tema «The Ballad of John and Yoko», como crónica de su matrimonio, así como su «Bed-In» en Ámsterdam.

Muchos adjudican la separación de The Beatles a la influencia que Yoko tenía sobre Lennon. Después de conflictos y roces entre los integrantes de la banda, el grupo se separó en 1970.

Tristán e Isolda, una historia de amor legendaria

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La muerte de Tristán e Isolda. Fuente: www.taringa.net

El origen de esta leyenda se remonta a un relato celta que describía el romance entre una princesa inglesa y un guerrero irlandés. La historia inspiró a Richard Wagner para componer su famosa ópera (fruto del amor imposible del joven Wagner con Matilde Wesendok).

Es una historia que varía de muchísimas versiones a partir de la narrativa de distintos poetas.  La acción se sitúa en la Edad Media, siendo Tristán uno de los caballeros de la Mesa Redonda. El héroe medieval hace su primera aparición en el año 1232, según se basa en las dos las tesis más famosas al respecto: la del poeta anglo-normando Thomas, y la del francés Béroul.

La historia cuenta sobre los amores  entre el heróico caballero con Isolda, una joven princesa quien le cura sus heridas tras su enfrentamiento con Morholt, el tío de la aristócrata.

Tristán e Isolda bebieron por equivocación una poción de amor, tras lo cual ambos se enamoraron apasionadamente. Este hecho trajo una serie de adversidades en la pareja, de las cuales existen dos versiones sobre esta historia: una prosa y una poética. En la primera ambos retoman su idilio después de que los efectos de la poción finalicen mientras que, en la poesía, la pareja no vuelve a encontrarse hasta que Tristán yace en su lecho de muerte.

Rainiero de Mónaco y Grace Kelly, un cuento de hadas terminada en tragedia

Rainiero de Mónaco y Grace Kelly
Rainiero de Mónaco y Grace Kelly. Fuente: www.taringa.net

Grace Kelly de 25 años, tras ganar un Oscar, fue invitada a una sesión de fotos con el Príncipe Rainiero de Mónaco, para publicidad turística. Allí comenzó el romance más famoso de la historia de Mónaco que terminó fatalmente con la muerte de Grace en 1982.

Rainero III y Grace Kelly se casaron el 18 de abril de 1956 y tuvieron tres hermosos hijos.

La historia de Rainiero III y la estrella de Hollywood Grace Kelly pasó a la historia tras haber comenzado como un verdadero cuento de hadas y llegar a su fin en forma de pesadilla; ocasionando un final fatal en esta historia de amor.

El 13 de septiembre de 1982, la princesa sufrió un terrible accidente automovilístico junto a su hija. Aun cuando la niña salió ilesa, Grace quedó inconsciente y murió al día siguiente. Reiniero nunca superó su muerte, se alejó paulatinamente de la sociedad y viviendo completamente aislado en el palacio. Años después fue hospitalizado y murió con una salud muy deteriorada a los 81 años de edad.

Liu Guojiang y Xu Chaoqin y la Escalera del Amor

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Liu Guojiang y Xu Chaoqin. Fuente: muyhistoria.es

Esta es una increíble historia de amor que ha salido de China y ha logrado tocar al mundo. Es la historia de un hombre y una mujer que decidieron huir para vivir y amarse en paz por más de medio siglo.

Liu Guojiang era un muchacho de 19 años que se enamoró de Xu Chaoqing, una mujer viuda, diez años mayor que él y con dos hijos. Sus amigos y parientes criticaron fuertemente la relación debido a la diferencia de edades y el hecho de que Xu ya tuviera hijos.

Para esa época, una relación amorosa entre un hombre joven el amar a una mujer mayor era inaceptable e inmoral. Por tal razón, la pareja decidió fugarse y vivir en una cueva en el condado de Jiangjin en la sureña municipalidad de ChongQing.

Al principio la vida fue dura ya que ellos. Ambos tuvieron que comer pasto y raíces que encontraron en la montaña. En el segundo año de vivir en la montaña, Liu empezó y continuó por más de 50 años, a cavar con sus propias manos, 6,000 gradas para que su esposa pudiera bajar fácilmente la montaña.

Liu, un día regresó de su labor agrícola diaria y colapsó. Xu se sentó y oró por su esposo mientras moría en sus brazos.

Xu Chaoqin de 80 años de edad murió en la cueva que ha sido el hogar de la pareja por los últimos 50 años.

En el año 2006, su historia se convirtió en una de las 10 historias de amor más famosas de China. El gobierno local decidió preservar la escalera de amor y el lugar en que vivieron convirtiéndolo en un museo, para inmortalizar su historia de amor.

Diego Marcilla e Isabel de Segura, los amantes de Teruel

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Diego Marcilla e Isabel de Segura, los amantes de Teruel. Fuente: www.taringa.net

A principios del siglo XIII, vivieron en Teruel dos familias: los Segura y los Marcilla. Ambas familias vivían en buena armonía. Mientras que los Segura disfrutaban de una posición económica acomodada, los Marcilla eran más humildes. Una de las más famosas y trágicas historias de amor en España.

Juan Martínez de Marcilla era un caballero popularmente conocido como Diego de Marcilla, quien regresa a Teruel rico y famoso tras combatir en múltiples batallas.

Diego está enamorado desde niño de Isabel de Segura quien también la ha correspondido. Pero mientras que ella es de una familia importante, él es hijo segundo de otra más modesta. Sin embargo, el padre de Isabel le concede cinco años de tiempo para enriqueciese y así desposar a su hija.

En 1.217, al cumplirse el plazo, Diego regresa a Teruel y se consuma la boda de Isabel con Pedro de Azagra. Al poco de llegar, Diego es informado de que el ambiente festivo y engalanamiento de la villa se debe a que Isabel de Segura acaba de desposarse. La presión de la familia y un pretendiente muy principal, han acelerado el enlace.

Diego comienza a tener sentimientos contradictorios y decide ir al encuentro de su amada, para escuchar de ella misma que se ha casado con Pedro Fernández de Azagra, hermano del Señor de Albarracín. Él le pide un beso a Isabel, pero ella se niega porque ahora pertenece a otro hombre. Diego no resiste la negativa y cae muerto fulminado por el dolor.

Al día siguiente en el funeral, cuando el cadáver del infortunado amante es transportado y depositado en el templo, Isabel de Segura sale de entre el tumulto de gente con la cara velada. Se acerca al fallecido y para darle el beso negado en vida y muere encima de él.

Juana la Loca y Felipe el Hermoso, el amor detrás de la locura

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Juana la Loca y Felipe el Hermoso. Fuente: ngenespanol.com

La tradición cuenta que Juana I de Castilla (1479-1555), conocida como Juana la Loca, enloqueció de amor.

El 21 de agosto de 1496, Juana se casó con el archiduque Felipe (1478-1506). Las crónicas relatan que la atracción física entre los novios fue muy intensa desde el momento de conocerse, obligando a precipitar el casamiento para permitir a los fogosos cónyuges consumarlo de manera inmediata.

A Felipe le gustaba el ardor de Juana, hasta que se cansó y buscó nuevas aventuras. La reina no estaba dispuesta a tolerar la infidelidad. Ella empezó a perder la razón, mientras que su marido estaba algo atemorizado por sus excesos. La monarca alternaba periodos de aislamiento con arrebatos inesperados de ira y pasaba noches enteras en vela y días sin comer.

Juana era una mujer culta que hablaba cinco idiomas. Se convirtió en heredera de los reinos de Castilla y Aragón tras la muertes de sus hermanos Juan e Isabel y de su sobrino Miguel. Tuvo varios hijos: Leonor, Carlos, Isabel, María y Catalina.

A principios de 1502, Juana comenzó a presentar los primeros síntomas de enfermedad mental.

Cuando Felipe murió, el 25 de septiembre de 1506, la reina hizo que colocaran el cadáver en una habitación de clausura para que ninguna mujer pudiera verlo. Cada día visitaba a su esposo y abría el ataúd con la llave que llevaba colgada al cuello. El cadáver estaba mal embalsamado y se fue descomponiendo. Finalmente, la reina accedió a trasladar a España el cadáver de su marido para enterrarle en Granada junto a los restos de Isabel la Católica.

El desequilibrio de Juana hizo que su padre, Fernando, asumiera de nuevo el gobierno de Castilla. En 1506 fue recluida en el castillo de Tordesillas, donde pasó el resto de su vida.

Cleopatra y Marco Antonio, una historia de amor apasionante

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Cleopatra y Marco Antonio. Fuente: culturizando.com

La relación entre estos personajes transcurrió desde el año 42 hasta el 30 a.C. en que se suicida Antonio. Con tan sólo 18 años, Cleopatra era la reina de Egipto. En el año 40 a. de C., con la ayuda de Julio César, destituyó a su hermano-esposo, con quien compartía el trono. Los matrimonios entre hermanos en el Antiguo Egipto eran costumbre en las castas reales para mantener el poder dentro de los clanes familiares.

Cleopatra se convirtió en la amante de Julio César. Ambos pasaban la mayor parte del tiempo en largas fiestas y banquetes reales y viajes por el Nilo.

Por amor, César intervino en una guerra en Egipto contra Pompeyo, en la que puso en peligro el imperio romano.

El romance entre César y Cleopatra ocasionó una guerra para restaurar a Cleopatra como reina de Egipto.

Luego, Cleopatra siguió a César Roma y tuvo un hijo con él: Cesáreo. Tras la muerte de Julio César en el 44 a. de C., Cleopatra huyó de Roma. Ganó entonces los afectos de Marco Antonio y con él regresó triunfante a Egipto en el 42 a. de C. Finalmente, Marco Antonio y Cleopatra se casaron en el año 36.

Esto enfureció Octavio, el nuevo emperador de Roma, debido a que Marco Antonio había rechazado a su hermana y decidió destruirlos. En el año 31 la flota de Antonio y Cleopatra fue totalmente aplastada por las fuerzas de Octavio.

Marco Antonio fue informado de que Cleopatra había muerto al envenenarse y decidió quitarse la vida tras recibir la falsa noticia de que ​Cleopatra había muerto. La reina egipcia resolvió también suicidarse tras hacer que una serpiente venenosa le mordiese.

El amor de leyenda de Shah Jahan y Mumtaz Mahal

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Shah Jahan y Mumtaz Mahal. Fuente: www.taringa.net

El emperador Shah Jehan y Muntaz Mahal: La historia de amor de esta pareja inspiró a la construcción de una de las siete maravillas del mundo y el monumento más famoso de la India, el Taj Mahal.

El príncipe Kurram se enamoró de la princesa Arjumand, de sólo 15 años, hija del Primer Ministro de la Corte. Impresionado por su belleza, le regaló un diamante que valía 10.000 rupias y así conquistó de inmediato el corazón de la princesa.

Finalmente, la boda tuvo lugar en el año 1612, y Arjumand se convirtió en la esposa favorita del príncipe. La Elegida del Palacio quedaría inmortalizada en el Taj Mahal.

El príncipe fue coronado y tomó el nombre de Shah Jahan, (Rey del Mundo). Cuatro años después, su amada y fiel esposa, Mumtaz Mahal, no resistió el parto de un nuevo hijo. Antes de morir, la reina le pidió a su rey que construyera en su memoria un monumento sin igual en el mundo.

El Taj Mahal está emplazado en un jardín simétrico, dividido en cuadrados iguales, cruzado por un canal que refleja su imponente imagen. El hijo del Shah Jahan rompió con la simetría, al enterrar a su padre al lado de Mumtaz Mahal. Ella está representada por una pequeña loza, y el Rey, por un tintero, símbolo de la mujer como un papel en blanco en la que escribe su marido.

El Shah Jahan vivió sus últimos años prisionero en el Fuerte Rojo. Desde ahí, contemplaba el Taj Mahal a través de su ventana. En su lecho de muerte, a los 74 años, pidió un espejo para ver la tumba de su esposa.

La tormentosa historia de amor de Frida Kahlo y Diego Rivera

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Frida Kahlo y Diego Rivera. Fuente: es.wikipedia.org

La historia de amor de Fridah Kahlo y Diego Rivera no fue la más idílica. Era una relación tóxica en la que las infidelidades por partes de ambos se sucedieron. Sin embargo,, Frida siempre declaró que el amor que sentía por Diego Rivera era inmenso

Frida Kahlo es a una de las pintoras más famosas de la cultura mexicana, una poetisa y la mujer que se ha convertido en icono feminista. La mexicana conoció a Diego Rivera en la Escuela Nacional Preparatoria. En 1929 se casaron siendo el tercer matrimonio de Rivera, quien contaba entonces con 43 años mientras que Frida tenía 22.

Frida era consciente de las infidelidades de Diego Rivera. Pero en 1935, descubrió que su marido también le había engañado con su hermana, Cristina Kahlo, lo que la llevó a sumirse en un estado de depresión. Tiempo después, Frida también sería infiel a Diego con León Trotski, una de las principales figuras de la revolución soviética.

En 1939, ambos poner fin a su matrimonio y se divorcian, pero un año después, tras la muerte de Trotski. Frida fue sometida a u duro interrogatorio, por parte de la policía.

Frida se marcha a San Francisco a vivir con Diego y vuelven a casarse de nuevo. En los años posteriores, la salud de la mexicana se torna delicada, debido a una bronconeumonía. Tras sufrir diferentes intervenciones médicas y un intento de suicidio Frida Kahlo murió en 1954 en su casa de Coyoacán.

La apasionada historia de amor entre Simón Bolívar y Manuela Sáenz 

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Simón Bolívar y Manuela Sáenz. Fuente: culturizando.com

Manuela Sáenz estaba enamorada de la independencia y del pensamiento de Bolívar. El 16 de junio de 1822, Bolívar llegó a Quito y sucedió el primer encuentro con quien sería su gran amor, Manuela Sáenz.

Bolívar y Sáenz, además de además de amantes eran cómplices y socios. Ambos manejaban los mismos ideales libertadores. Manuela le servía de informante a Bolívar, estudiaba los movimientos de las tropas y en más de una ocasión lo salvó de un atentado. Es por eso que algunos la conocen como “La libertadora del libertador”.

Pese a que Manuela estaba casada, consideraba a Bolívar como su verdadero amor, en cuerpo y alma. En numerosas ocasiones le recalcó al Libertador que era el único dueño de su corazón. Su esposo viajaba con frecuencia y estaba totalmente enterado de la relación entre ambos y aceptó voluntariamente su destino, con la condición de no poner fin al matrimonio.

Bolívar le expresaba su amor por medio de poéticas cartas. El amor de Manuela Sáenz y Simón Bolívar sobrevivió en el tiempo gracias a la fuerza de sus sentimientos, expresadas en sus cartas siendo testigos de un amor en tiempos de guerra.

Romeo y Julieta: La tragedia de Shakespiare

Romeo y Julieta
Romeo y Julieta. Fuente: www.taringa.net

Es la tragedia de William Shakespeare sobre una pareja de enamorados que sufre la terrible enemistad de sus familias: Montescos y Capuletos, en la ciudad de Verona, ltalia.

Este relato comienza con una reunión organizada por los Capuleto en la que asiste Romeo sin ser invitado y con un antifaz. Este al notar la presencia, dulzura y belleza de Julieta, la hija de los Capuleto, sintió el verdadero amor. Por su parte, ella también siente un gran afecto hacia el joven Montesco, por lo que firman su compromiso con un ardiente beso.

A la mañana siguiente, Romeo, para evitar ser descubierto por la familia Capuleto, asciende por las enormes murallas hasta la habitación de su amada. Romeo y Julieta se juran amor eterno sin importar sus consecuencias. Con la ayuda del fray Lorenzo y la nodriza de la joven, los enamorados se casan de forma clandestina.

Debido a una pelea entre Mercurio y Tebaldo, Romeo decide intervenir para separar a los contendientes. Sin embargo, fue inevitable la muerte de Mercurio a consecuencia de la riña. Luego, Romeo se enfrenta a Tebaldo y lo mata; provocando el encarcelamiento y el destierro del muchacho.

Julieta se hace pasar por muerta tomando un tóxico que funciona 40 horas, con el fin de no casarse con Paris, para irse muy lejos con su amado. Por su parte, fray Lorenzo se compromete a mantener informado a Romeo acerca de dicho plan. Sin embargo, este se entera de la muerte de su amada y decide ir a verla enfrentándose a París.

Romeo ingiere un veneno mortal decide quitarse la vida al ver a Julieta yacer en una tumba abierta, y con un beso se despide de ella. La doncella despierta y al ver a su amado muerto, decide suicidarse con el cuchillo que Romeo tenía consigo.

Referencias

https://www.taringa.net/+info/las-historias-de-amor-mas-famosas-del-mundo_12rn6j

https://www.enfemenino.com/espectaculos/historias-de-amor-famosas-s2205161.html

https://www.vix.com/es/imj/famosos/5312/las-historias-de-amor-mas-famosas-del-mundo

https://culturizando.com/la-apasionada-historia-amor-simon-bolivar-manuela-saenz-cartas-privadas/

 

 

Elías Crespín, el talento venezolano en el Museo de Louvre

Elías Crespín

El venezolano Elías Crespín será el primer latinoamericano en mostrar su obra en el Museo Louvre de París. Este artista estuvo influenciado desde muy joven por el mundo del arte y la ciencia. Una obra de Jesús Soto lo inspiró a transformar su vida y perseguir el arte como guía. Debido a su talento Elías Crespín fue seleccionado para decorar permanentemente una de las escaleras del museo más importante de Francia.

Reseña biográfica

Elias Crespin nació en 1965 en Caracas (Venezuela), donde vivió hasta su traslado a París en 2008. Estudió informática en Caracas. Nieto de artistas e hijo de matemáticos, comenzó a trabajar en su primera obra en 2002 a la que denominó Malla Electrocinética I.

Su trabajo fusiona sus dos universos de pertenencia, el arte y la informática. Basado en sus investigaciones en programación, aplica la tecnología a las artes plásticas para crear esculturas en movimiento. Al utilizar motores controlados por software personalizado, Elias logra animar las estructuras geométricas modulares que crea. Sus instalaciones consisten en arreglos de elementos metálicos y plásticos formados a mano o elementos individuales en formas geométricas, que están suspendidos en el aire por hilos de nylon casi imperceptibles.

Elias Crespin
Elias Crespin y su obra que pertenece a la categoría de “Plano Flexionante”. Fuente: www.elnacional.com

Sus obras se exhiben en los museos más importantes del mundo

Elías Crespin ha exhibido sus obras en diferentes lugares del mundo como Galerie Denise Rene Espace y Galería Graf Paris ambas en París pero también se ha presentado en Nueva York, Bruselas, Suiza y en Venezuela. Sus obras han sido expuestas en varias instituciones internacionales como la XIII Bienal de Cuenca 2016, la Bienal de Busan Corea en 2014, en el Museum of Fine Arts Houston, el Grand Palais de París, el Espace Culturel Louis Vuitton de París y en la Fondation Boghossian y la Verrière Hermès de Bruselas.

En 2018,  Elías Crespin participó en la exposición Artistas y robots en París, donde reside. Actualmente, sus esculturas se encuentran en las colecciones permanentes de importantes instituciones como The Museum of Fine Arts de Houston, El Museo del Barrio de Nueva York, el Museo de Arte Latino Americano de Buenos Aires y el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. La obra de Elías Crespín será la primera pieza de un latinoamericano exhibida en el Museo Louvre. Estará incluida entre las colecciones históricas del arte universal que incluye La Mona Lisa de Leonardo Da Vinci. La escultura denominada «L’Onde du Midi», se compone de 128 tubos metálicos suspendidos por cables, estos son impulsados por motores que crean una coreografía sutil.

Elías Crispín brilla en Francia

Gego, es la artista cinética más importante de Venezuela. Con orígenes alemanes, Gerturd Goldschmidt se transformó en todo un ícono del arte venezolano, cuando  decidió dedicarse al arte cinético y al op-art. Su trabajo fue revolucionario ya que  desafió todo los límites y tabúes de la época.

Su nieto Elías Crespín estudió ingeniería informática en la Universidad Central de Venezuela. El arte estuvo presente en su vida gracias a su abuela, quien le enseñó a ver siempre más allá de la cotidianidad.

Su inspiración surge cuando fue a ver en el Museo de Bellas Artes de Caracas una exposición dedicada a su abuela, donde se encontró una obra del cinetista Jesús Soto que lo dejó impactado.

Elías Crespín
Elías Crespín, el nieto de Gego. Fuente: oceandrive.com.ve

La ingeniería mezclada con el arte

Crespín desde el 2008 se mudó a París, Francia, estaba en búsqueda de su propia voz como artista y se reunió con el grandísimo maestro venezolano Cruz-Diez.

Arte y cálculo componen a este venezolano. Crespín es una mezcla de arte y cálculo y se considera sensible a las formas y a la lógica.  Tras hacer sus investigaciones artísticas en las que combina sus conocimientos como ingeniero con sus talentos artísticos, Crespín ha desarrollado un software que le permite crear esculturas en movimiento. A esta investigación que concierne el tiempo, la forma y el movimiento, Elias Crespin asocia el estudio del color a través de la experimentación con diferentes materiales y texturas, de la luz y de la sombra.

“He desarrollado un programa de control de mis esculturas. Que va avanzando. Voy por la versión 5.4. Es el centro de funcionamiento de cualquiera de mis obras. Le digo al programa cuál es la geometría y la danza, y el programa se encarga de hacer que la danza se materialice”, explicó.

Elías Crespín
La obra de Elías Crespín en el Museo de Louvre. Fuente: oceandrive.com.ve

Elías Crespín en el Museo de Louvre

Su trabajo impresionó tanto a la directiva del Museo de Louvre, que lo invitaron a crear una obra que permanecería permanentemente entre la colección de obras de arte que allí se exhiben. “Cuando salí de la reunión, no sentía las piernas. Si me lo hubieran dicho hace años jamás lo hubiera creído”, comentó Crespín.

Las esculturas móviles de Elias Crespin se componen de mallas metálicas modeladas a mano o de elementos individuales suspendidos por hilos invisibles, que forman en su conjunto figuras geométricas. La escultura pertenece a la categoría de “Plano Flexionante”, y consiste en una alineación paralela de 128 tubos cilíndricos suspendidos en el aire por hilos invisibles, impulsadas por pequeños motores que hacen una coreografía extraordinaria. Celestial y aéreo, el móvil aparece en reposo como un plano horizontal rectangular con una longitud de casi 10 metros (1,50 L x 9,50 L metros).

Según los expertos del Museo de Louvre, la escultura “…parece escapar de las leyes de la gravitación y cobra vida en el espacio en una amplitud de 3 a 4.50 metros de altura, al ritmo de secuencias determinadas por algoritmos digitales. Esta coreografía de onda, que se desarrolla sin ninguna linealidad mecánica, favorece la lentitud y promueve la contemplación y la maravilla. La escalera del Midi ofrece al visitante una parada en su viaje, convirtiéndose en el teatro de un ballet silencioso”.

Museo de Louvre
Museo de Louvre en París, Francia. Fuente: oceandrive.com.ve

Elías Crespín es el primer artista latinoamericano en ingresar al Museo de Louvre para mostrar su obra. Para más información, puedes seguirlo en su cuenta de Instagram, o en su página web.

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/talento-venezolano-la-magica-creacion-de-elias-crespin-que-vivira-para-siempre-en-el-louvre/

http://www.eliascrespin.net/es/biografia/

https://www.elnacional.com/entretenimiento/el-venezolano-elias-crespin-expondra-en-el-louvre-de-paris/

https://www.rgrart.com/es/artistas/elias-crespin

https://www.noticias.com.ve/elias-crespin-sera-el-primer-latinoamericano-en-mostrar-su-obra-en-el-louvre/

https://www.eluniversal.com/entretenimiento/57726/obra-del-artista-venezolano-elias-crespin-se-exhibira-en-el-louvre

https://www.milenio.com/cultura/arte/museo-louvre-elias-crespin-latinoamericano-exponer-obra

Las 1.500 obras que sobrevivieron a la Segunda Guerra Mundial

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Después de la Segunda Guerra Mundial habían desaparecido cientos de obras de arte desde diferentes frentes. En 2011, la revista alemana Focus publicó la noticia cuando apareció una colección de más de 1500 obras en el apartamento de Cornelius Gurlitt, natural de Munich. Un anciano de 80 años de edad que fue el heredero de más de un millar y medio de obras que su padre Hildebrand Gurlitt, un historiador y mecenas, había ocultado durante los años del conflicto.

Luego de la caída de los nazis, Cornelius negó tener las obras de arte. Su secreto ha sido salvaguardado durante casi setenta años. Una selección extraordinaria de obras, fue resguardada por el anciano que decidió protegerlas del famoso Holocausto resguardándolas cuidadosamente tras las baldosas de una cocina o envolviéndolas en latas de comida. Entre las piezas que se podían encontrar había obras dePablo Picasso, Paul Klee, Henri Matisse, Oskar Kokoschka entre otros.

Las obras fueron salvadas de Hitler

Durante la Segunda Guerra Mundial, Adolf Hitler prohibió todo tipo de producciones artísticas que “no compaginaban” con los ideales de sus políticas. Las quemas masivas de “libros prohibidos”; formaban parte de la cotidianidad. Las obras de arte eran confiscadas (por su valor monetario) y de no ser consideradas aceptables por el mandatario, eran destrozadas.

Las prohibiciones de Hitler se transformaron en el negocio de muchos. El padre de Cornelius, Hildebrand Gurlitt (1895-1956), fue uno de los principales marchantes autorizados por el régimen nazi para vender las obras confiscadas de los museos y coleccionistas alemanes al ser consideradas «arte degenerado», epígrafe que incluyó a impresionistas, surrealistas, cubistas o expresionistas.

Hildebrand Gurlitt es conocido ser uno de los mercaderes de arte más importantes del Tercer Reich, quien se encargó de crear su propia colección privada y clandestina, debido a las expropiaciones del ejército alemán. Todas las obras fueron confiscadas a familias judías o compradas bajo condiciones desfavorables para los que las vendían. Hildebrand murió y dejó  a Cornelius con la increíble colección bajo su cuidado.

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Hitler, ante obras de “arte degenerado” que ordenó retirar de los museos alemanes. Fuente: elpais.com

El descubrimiento

Cornelius se había encargado de proteger la colección y la dividió, distribuyendolas entre su apartamento en Múnich (Alemania) y su casa de Salzburgo (Austria). Comprende en total 1.500 obras de grandes artistas como Matisse, Chagall, Klee, Beckmann, Rodin, Canaletto, entre otras figuras importantes de la expresión.

El 10 de septiembre de 2010, Cornelius se montó en un tren que realizaba el trayecto Zúrich-Múnich, cuando la policía en un control típico aduanero, advirtió que llevaba 10.000 euros en sus bolsillos. Enseguida encendió una alerta en el país y decidieron iniciar una investigación. Los funcionarios de Aduanas dieron con el tesoro artístico en primavera de 2011, después de que el anciano les llamara la atención durante su viaje en tren entre Múnich y Suiza. Llevaba 18 billetes de 500 euros en los bolsillos.

Dos años después, la fiscalía tuvo la autorización judicial para registrar el el apartamento del anciano en Múnich, cuando se encontró una colección más grande que la de La Galería de Londres. El estrés que le provocó a Gurlitt haber sido descubierto, le provocó un infarto y murió el 6 de mayo del 2014.

La colección está valorada en 1.000 millones de euros, según estimaciones de Meike Hoffmann, una historiadora del arte de Berlín, encargada de esclarecer el valor y el origen de las piezas. La lista de autores de las obras incluye un catálogo de la obra pictórica más significativa del pasado siglo, entre los que se menciona: Pablo Picasso, Henri Matisse, Marc Chagall, Paul Klee, Ernst Ludwig Kirchner, Emil Nolde, Franz Marc, Max Beckmann, Max Liebermann.

Cornelius Gurlitt
Cornelius Gurlitt. Fuente: oceandrive.com.ve

La revista Focus publicó la noticia

En 2011, la revista alemana Focus publicó la noticia cuando aparecieron más de 1500 obras en el apartamento de Cornelius Gurlitt, en Munich. Según relata «Focus», las obras fueron robadas por los nazis a coleccionistas judíos o las confiscaron. Alrededor de 300 forman parte de lo que los nazis llamaron «arte degenerado». En el caso de unos 200 cuadros, sus propietarios legítimos habían denunciado su desaparición. Según la revista alemana, las autoridades bávaras quisieron mantener en secreto el hallazgo por temor a los problemas diplomáticos y jurídicos que podrían surgir por posibles reclamaciones de los propietarios legítimos de las obras.

Según «Focus», las obras fueron adquiridas en las décadas de 1930 y 1940 por  Hildebrand Gurlitt. Durante las últimas décadas, su hijo Cornelius las guardó en su apartamento que, a juzgar por la descripción de «Focus», es cualquier cosa menos lujoso. Las obras se encontraban empaquetadas en distintas habitaciones oscuras, «llenas de basura», según la revista, y con estanterías montadas «de cualquier manera» por el propio anciano. La obra más antigua se remonta en el siglo XVI y todas, al margen de la suciedad y el polvo.

Cuando lo descubrieron, los funcionarios bávaros tardaron varios días en sacar las obras de la vivienda, y el sospechoso no opuso resistencia en ningún momento. Gurlitt no fue acusado de ningún delito y no hubo orden de detención dictada contra él.

Medio siglo perdidas

Durante los cincuenta años,  las obras permanecieron en un almacén clandestino, en el apartamento de Cornelius Gurlitt. El piso particular del apartamento de Cornelius encerraba un tesoro y una sorpresa para los agentes de Aduanas: 1.500 obras pintadas por lo más granado del periodo de entreguerras del siglo XX, valoradas en 1.000 millones de euros. Lienzos de Pablo Picasso, Emil Nolde, Henri Matisse, Max Beckmann o Max Liebermann.

El anciano vendió algunas de ellas y vivió de los ingresos que le reportaron. Incluso después de la confiscación de los cuadros, Cornelius también vendió un cuadro de Max Beckmann por 864.000 euros en la casa de subastas Lempertz de Colonia. Una de las obras decomisadas, fue un Matisse que pertenecía al coleccionista de arte judío Paul Rosenberg, abuelo de la periodista francesa Anne Sinclair. Sinclair lleva años luchando por la devolución de los cuadros de su abuelo robados por los nazis. Se trata de un retrato de mujer que Rosenberg tuvo que dejar en París al huir de los nazis.

En 2013, se subieron a internet una base de datos sobre obras de arte pertenecientes a judíos y robadas por los nazis durante la II Guerra Mundial, a iniciativa del Getty Research Institute de Los Ángeles.

Por su parte, la Asociación Nacional de Museos de Holanda puso en marcha un inventario de 139 obras para que las familias judías identifiquen y recuperen las obras que les fueron arrebatadas.

Un gran aporte para el arte

Pese a que las pinturas tenían terribles marcas de guerra, las 1.500 pinturas se mantenían en buen estado. Antes de morir, Cornelius decidió entregar todas sus piezas al Museo de Arte de Berna, en Suiza. El Museo se dio a la dura tarea de rastrear a los dueños originales de las obras para tratar de remendar los errores del pasado de Gurlitt.

Museo de Arte de Berna
Museo de Arte de Berna. Fuente: oceandrive.com.ve

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/estaba-escondida-la-misteriosa-coleccion-de-1-500-obras-que-sobrevivio-a-la-segunda-guerra-mundial/

https://www.artelista.com/blog/las-pinturas-perdidas-en-la-segunda-guerra-mundial/

https://www.abc.es/cultura/arte/20131103/abci-recuperan-obras-arte-robadas-201311031421.html

https://elpais.com/cultura/2013/11/03/actualidad/1383505840_170909.html

https://www.elespectador.com/noticias/cultura/los-1500-cuadros-confiscados-los-nazis-articulo-456613

 

Los artistas venezolanos contemporáneos

Artistas venezolanos

Los artistas venezolanos transforman el caos cotidiano en creaciones maravillosas consideradas como verdaderas obras de arte, y que le dan al espectro artístico, todos los matices necesarios para brillar.

Alejandro Brito y su mágico foto realismo

El realismo de sus pinturas impresiona hasta a los más escépticos. Alejandro Brito es un artista dedicado a la pintura hiperrealista como forma de expresión pictorica, utilizado herramientas como el pincel y la aerografia para plasmar la belleza de la realidad en distintos medios como el lienzo, el cartón y la madera. Comenzó estudiando administración industrial, pero el arte y la pintura el amor de su vida  y de su mente. Ahora es un artista consolidado especializado en foto realismo con aerografía. Su misión es hacer que el público sienta cada una de las texturas de su obra.

Artistas venezolanos
Alejandro Brito. Artista Venezolano. Fuente: oceandrive.com.ve

Gato Botz; un espectáculo surrealista

Su talento logra transformar Caracas en el escenario perfecto de una obra surrealista. Su carrera comenzó con el diseño gráfico y con el tiempo se vió seducido por la fotografía. Caracas se convirtió en su musa y decidió transformarla para crear una “ciudad surrealista”. Su misión es darle al público una visión diferente de la cotidianidad, “muestro las obras arquitectónicas de la ciudad (…), para luego jugar con ellas desde la pantalla y hacer una intervención urbana”, comenta el artista.

Siul Rasse y su arte pictórico

Siul Rasse

Siul Rasse es una artista plástica venezolana nacida en La Guaira. Se graduó en la Universidad de Artes Plásticas (IUESAP) Armando Reverón, actualmente Universidad Nacional Experimental del Arte (UNEARTE), obteniendo en  el título de Licenciada en Artes Plásticas. Es una de las artistas venezolanas contemporáneas que promete convertirse en todo un ícono del arte nacional. Ha desarrollado su obra pictórica centrada en el dibujo y la pintura, con intervenciones a escala mural. Sus obras han sido exhibidas en importantes galerías nacionales e internacionales. Sus dibujios y pinturas presentan  acumulaciones de trazos, atmósferas cromáticas y texturas visuales. También dió inicio a nuevas posibilidades dentro del campo escultórico, donde sus obras se convirtieron en volúmenes orgánicos.

Reymond Romero y sus líneas de colores

Reymond Romero
Reymond Romero. Fuente: oceandrive.com.ve

Es un artista plástico residenciado en Carcas (Venezuela). Se formó en la Universidad de Artes Plásticas IUESAP Armando Reverón, actualmente UNEARTE, como Licenciado en Artes Plásticas, mención Multimedias y especializado en Textil Art y Fashion Art. También realizó sus estudios de Mercadeo del Arte en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos).

Reymond Romero es un artista vanguardista considerado el mejor colorista de su generación. Su trayectoria está avalada por diversas exposiciones a nivel nacional e internacional. Ver su obra es completamente indescriptible, con una utilización sublime del textil, el artista logra crear una textura que cautiva al público. “Mi obra se caracteriza por generar espacios visuales rigurosamente planificados, donde la superposición de contrastes y la colocación sucesiva de analogías que provienen de la abstracción geométrica, me han permitido generar secuencias cromáticas lineales en búsqueda de la sensación de movimiento”.

Romero ha  obtenido premios y reconocimientos formando parte de colecciones nacionales e internacionales. El objetivo del artista es seducir al espectador para que interactúe con un espacio tridimensional que solo puede ser percibido por los observadores más curiosos. Define su arte como un estudio del textil desde la perspectiva de la volumetría del color.

Tita Beaufrand; un espectáculo tropical

Las fotografías de Tita Beaufrand son la realización de un discurso creativo de fuerte fondo gráfico y experiencia visual que recrea la belleza sensual de la flora tropical, la exuberancia del color, los patrones orgánicos de la naturaleza y los expande a otros territorios desde la superficie de las cosas.

Basándose en fotografías que se procesan como arte gráfico, estas imágenes adquieren una calidad cercana a la pintura, se convierten en enfoques originales «fotográficos» como resultado de un elaborado proceso conceptual y digital. El color adquiere una nueva dimensión que explota en relaciones vibrantes y las formas se vigorizan, como si el espíritu del pop y el arte cinético se unieran en nuevas y divertidas relaciones.

Tita Beaufran
Tita Beaufran. Fuente: oceandrive.com.ve

Las secuencias compuestas que confrontan múltiples imágenes son signos de un vocabulario particular que establece relaciones estéticas y conceptuales; como en un juego de memoria que te invita a explorar el espacio y la forma, para hablar sobre la belleza, el entorno tropical, la naturaleza y sus espacios. Este universo sensual y visual es un discurso contemporáneo y creativo, construido como una radiografía particular del alma de las plantas; sus posibilidades y significados.

Sofía Saavedra; el arte con calor venezolano

Sofía Saavedra
Sofía Saavedra. Fuente: oceandrive.com.ve

Sofía Saavedra ofrece una identidad pictórica que mezcla a los más importantes exponentes de la pintura venezolana. La artista encentra su libertad creativa en un lienzo, pintura y un par de pinceles. “La pintura es un espacio para construir la libertad, es un auténtico medio de resistencia hacia la homogenización de los seres humanos, se convierte así en el medio ideal para transmitir la otredad y al mismo tiempo asumir el juego representacional de ser otros y así, poder complementarnos en la diferencia”, explica Saavedra.

Raúl Cardozo; el artista que narra la historia del país

Alcanzó la fama con su mural titulado “Una cena importante con Venezuela”, en la que eligió a los más importantes representantes de la historia del país -según su criterio- y los reunió a todos en una misma mesa. Su estilo es muy moderno y contemporáneo. “Cada momento que pienso en nuestra historia, comprendo que somos el resultado de cuantiosos acontecimientos y decisiones, pero también de personas que merecen que le rindamos honores por lo que hicieron, lo que lograron, pero sobre todo por la impronta que dejaron en todos venezolanos, una cena sería la ocasión propicia para homenajearlos”, explica Cardozo.

Alberto José Sánchez y yuxtaposición de colores

Alberto José Sánchez nació en caracas, Venezuela en 1979.  Su pasión por la pintura comenzó desde muy temprano, se graduó en Negocios y tiempo después decidió dedicarse de lleno a su verdadera pasión: el arte contemporáneo.

Alberto José Sánchez
Alberto José Sánchez. Fuente: oceandrive.com.ve

En la adolescencia mostró interés por el arte cinético, experimentando y creando diversas obras con características claras de esta corriente artística. Su identidad pictórica la consiguió estudiando el arte cinético de Carlos Cruz-Diez, quien fue su principal mentor. Igualmente el artista plástico Jesús Soto fue una influencia importante durante esta etapa del artista. Se gradúa en Administración en la Universidad Metropolitana de Venezuela, pero nunca se desvincula del medio artístico. Años más tarde cursa estudios de Arte Contemporáneo en la Universidad Metropolitana.

Desde el 2007, Sánchez comenzó a desarrollar sus propias piezas con carácter óptico abstracto y geométrico. Sus obras se basan en figuras netamente geométricas en dos dimensiones, estructuralmente definidas para generar y sugerir una formación tridimensional gracias también a la aplicación de colores contrastantes y al uso de sombras. Su mural más grande se encuentra en la Iglesia Don Bosco en La Castellana.

Artistas venezolanos
El arte de Alberto José Sánchez. Fuente: oceandrive.com.ve

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/el-arte-es-vida-10-artistas-venezolanos-contemporaneos-maravillosos-que-amaras/

https://gbgarts.com/artistas/siul-rasse/

http://www.reymondromero.com/

https://www.titabeaufrand.com/

https://www.eluniversal.com/entretenimiento/2002/fabian-solymar-dagor-respira-propio-arte

https://elestimulo.com/ub/el-graffiti-nunca-muere/

https://www.france24.com/es/20190611-la-entrevista-wolfgang-salazar-badsura

http://albertojosesanchez.com/biografia

 

Descubriendo la prodigiosa mente de Goya

Goya

Cuando hace 200 años el Museo del Prado abrió sus puertas, unas pinturas de Goya colgaban en las paredes de en una sala que daba acceso a la galería central: los retratos ecuestres de Carlos IV y María Luisa de Parma. El Prado, tras cumplir 200 años, ha querido celebrar su bicentenario con una exposición que busca descubrir la prodigiosa mente de Goya, uno de los maestros mejor representados en la pinacoteca, con unas 150 pinturas, medio millar de dibujos y todas sus series de estampas.

La exposición no reúne sus pinturas, sino sus dibujos. Es una exposición muy especial, porque reúne más de 300 dibujos de Goya, uno de los mejores dibujantes de la Historia del Arte. Parte de ellos proceden de los fondos del Prado; el resto, de colecciones privadas y grandes museos de todo el mundo. La exhibición abarca toda su carrera, desde sus primeros trabajos en Italia, cuando fue a Roma a aprender a dibujar del natural, hasta el final de sus días en Burdeos. Miguel Falomir, director del Prado, opina que esta exposición: «Es una de las mejores exposiciones que se pueden ver hoy en todo el mundo».

El Lego de los Patines de Francisco de Goya 

Goya
El Lego de los Patines de Francisco de Goya (1824-1828)
Cuaderno de Burdeos [H], hoja 28. Lápiz sobre papel verjurado, agrisado, 192 x 147 mm. Madrid, Museo Nacional del Prado. Fuente: Fuente: www.abc.es
Los dibujos de Goya destilan crítica política y religiosa, denuncia de los abusos de poder y manifiesta su compromiso social y humor. Basta con ver las lacónicas frases escritas a modo de títulos en sus dibujos: «Buena mujer. Parece», «Al desierto por ser santo. Amén», «¿Ve usted qué expresión? Pues no lo cree el marido», «Se le murió su amante y se le va al convento», «Este fue un cojo que tenía señoría».

El sancta sanctórum

El sancta sanctórum de la muestra, bajo el lucernario, está dedicado al Cuaderno C (1808-14), un diario gráfico en el que Goya expresaba, a través de sus dibujos, todo aquello que le preocupaba. El Prado conserva 120 de los 126 dibujos conocidos. En el centro de la sala, encerrado en una vitrina, se encuentra el cuaderno abierto y vacío, encuadernado en piel roja, con hierros dorados y gofrados. En las paredes, todos los dibujos están apiñados y sin cartelas, en una secuencia casi cinematográfica.

Los Cuadernos de Francisco Goya

Otra de las joyas de la exposición es el Cuaderno italiano, uno de sus dibujos más tempranos, contiene anotaciones manuscritas, recetas, datos biográficos y familiares. El Prado posee dibujos de todos sus álbumes y cuadernos, a excepción del que está señalado con la letra “D”, del que hay buenos ejemplos en esta muestra. Por la exposición van desfilando el Cuaderno de Sanlúcar, el de Madrid, el de bordes negros, el de viejas y brujas y el de Burdeos. Dibujos preparatorios para cartones de tapices, pinturas y estampas, copias de obras de Velázquez,  retratos familiares de su hijo Javier o su esposa, Josefa Bayeu. Muchos han sido restaurados, pero sin perder la pátina, la huella del tiempo. Goya los conservó toda su vida.  Pasaron a manos de su hijo y después de su nieto Mariano. Tras desperdigarse, acabaron en el Prado a través de distintas compras, donaciones y legados.

Ligereza y Atrevimiento de Juanito Apiñani en la de Madrid de Francisco De Goya

Goya
Ligereza y Atrevimiento de Juanito Apiñani en la de Madrid de Francisco De Goya
Dibujo preparatorio para la Tauromaquia 20. Lápiz rojo sobre papel verjurado, 186 x 1278 mm. (1814-16). Madrid, Museo Nacional del Prado. Fuente: www.abc.es

En 2014 el Prado y la Fundación Botín firmaron un convenio de colaboración para la elaboración de un catálogo que reúne un millar de los dibujos de Goya, un proyecto que consta de cinco volúmenes. Hasta los ahora, solo uno ha salido a la luz, en el que se retiraron seis atribuciones a Goya y se incorporaron dos. Una de éstas cuelga en la exposición: «Vista de Madrid desde la pradera de san Isidro», de una colección particular de Madrid. La Fundación Botín vuelve a sumarse a un proyecto del artista. El Centro Botín de Santander se inauguró en 2017 con dos exposiciones: una con los dibujos de Goya, coorganizando con el Prado esta exposición, que permanecerá abierta hasta el 16 de febrero de 2020. Cuando se presentó en el Centro Botín el primer volumen del catálogo razonado de sus dibujos, se exhibieron sus cartas dirigidas a Martín Zapater, amigo de su infancia, entre 1775 y 1803, evidenciándose que existía algo más que una buena amistad. «Amitié amoureux», escribía Goya en sus cartas a Martín Zapater, a quien se dirigía como «Mío de mi Alma.

Caricatura alegre Cuaderno de Madrid `{`B`}`, página 63. Francisco de Goya Pincel y aguada de tinta de hollín sobre papel verjurado, 232 x 142 mm 1795-96 Madrid, Museo Nacional del Prado. Fuente: www.abc.es

Autorretrato

La exposición inicia con un espléndido autorretrato de Goya, cedido por el Metropolitan Museum de Nueva York y se cierra con un sobrecogedor dibujo del Cuaderno de Burdeos: «Aun aprendo». «Se considera un autorretrato simbólico en el que el artista declara su afán inquebrantable de desarrollo personal». Asimismo, las reveladoras las palabras que Goya escribe a Joaquín María Ferrer en una carta fechada el 20 de diciembre de 1825 y que dan título a la exposición: «Agradézcame usted mucho estas malas letras, porque ni vista, ni pulso, ni pluma, ni tintero, todo me falta, solo la voluntad me sobra».

Goya
Autorretrato de Francisco Goya. Pincel y aguada de tinta de hollín sobre papel verjurado, 233 x 144 mm
1796
Nueva York, The Metropolitan Museum of Art, Harris Brisbane Dick Fund, 1935. Fuente: www.abc.es

Fuente:

https://www.abc.es/contentfactory/post/2019/11/19/viaje-a-la-prodigiosa-mente-de-goya/

 

El Arte del Realismo Socialista en el Museo Ruso de San Petersburgo de Málaga

Radiante Porvenir

La inauguración de la nueva exposición anual dedicada al arte del Realismo Socialista en el Museo Ruso de San Petersburgo de Málaga, un antiguo recinto de caballos de la antigua Guardia Imperial, ofrece hasta el 19 de enero una visión del trabajo de dos destacados pintores de la era soviética como Alexander Deineka y Alexander Samojvalov.

Museo Ruso de Málaga
Obra de Samojvalov en la exposición de San Petersburgo. Fuente: www.elmundo.es

Esta exposición nos acerca al legado artístico de la Unión Soviética, la cual persevera en los principales tópicos que el Realismo Socialista hizo propios y que, a través del arte, narran la historia de aquella inmensa nación, que dejó de existir hace ya más de veinte años.  La exhibición cuenta en total, 300 obras de 37 museos y 9 colecciones privadas que incluyen pinturas, esculturas y fotografías.

Radiante Porvenir. El arte del Realismo Socialista

La Colección del Museo Ruso de San Petersburgo de Málaga versa sobre el arte del «Realismo socialista». La exposición anual “Radiante porvenir. El arte del realismo socialista”, constituye más de un centenar de obras realizadas entre 1930 y la década de 1950, un período extremadamente controvertido en la historia del arte ruso.

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Entrada a la Exposición «Radiante Porvenir». Fuente: demuseospormalaga.com/

«Radiante porvenir» muestra el arte desarrollado en Rusia entre los años 1930 a 1950. La aparición de la Unión Soviética en 1922, tuvo a Vladimir Ilich Lenin y Iósif Stalin como sus principales “Líderes. Aquellos hombres, salidos del pueblo, se convertirían en íconos que el nuevo arte debía enaltecer.

Durante la época del régimen totalitario de Stalin, los artistas vanguardistas rusos más importantes como Kandisky,  Chagal o Malevich, fueron apartados sistemáticamente cuando no eran encarcelados para ser reeducados. El arte queda en mano de los artistas rusos más «académicos» que cultivan el arte figurativo, fácil de entender para el pueblo y con el que mandar mensajes claros y directos. Buscaban de forma épica y grandiosa mostrar el avance que se iba realizando en la industria, la agricultura o la carrera espacial. Los obreros participaban de los laboratorios y los soldados ganaban guerras, pero solo era una parte de la realidad. Una media verdad porque estaba prohibido explicar errores, fracasos o la represión.

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La lucha por la paz. Fuente: www.arteporexcelencias.com

El arte al servicio del poder muestra un estilo pictórico donde las obras estaban cargadas de simbología y mensaje socialista. Los líderes como Lenin o Stalin eran retratados como semidioses.

La exposición consta de 7 partes bien diferenciadas y bien organizadas como sello de identidad del museo.

Líderes

La primera parte se llama «Lideres», donde se dedican tres salas de la exposición a los retratos y estatuas de Lenin y Stalin. Por un lado, Lenin aparece como  un intelectual y Stalin como un dirigente poderoso.

En uno está Lenin en la tribuna, junto a sus camaradas del Partido Socialdemócrata, caminando junto al mar de Finlandia, o en el campo, sentado ante una hoguera de increíble realismo.   La «Estatua de Lenin» hecha en piedra roja con un acabado y una pose increíble con mirada al horizonte y un paso adelante. Muy sutil pero muy claro el mensaje de «En el V Congreso del Partido Obrero Socialdemócrata Ruso en Londres», donde estaban bolcheviques y mencheviques. En él están muy calmados y dialogando Lenin, Gorki y Stalin mientras que los mencheviques están tirándose los trastos  a la cabeza, discutiendo de forma agresiva.

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Vladimir Lenin de Serguei Merkurov. Fuente: demuseospormalaga.com/

La zona de Stalin es una pequeña sala donde se ha reproducido lo que podría ser un despacho de un dirigente de pueblo de la época, con proclamas, periódicos, libros «oficiales», un busto grande y basto de Lenin. En una de las piezas, la más fascinante de este espacio, aparece Stalin y el comisario de defensa Voroshílov paseando por las murallas del Kremlin. También lo vemos prestando juramento en el Segundo Congreso de los Soviets o junto al féretro del destacado líder bolchevique Kírov.

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Stalin y Voroshílov pasean por las murallas del Kremlin. Fuente: www.arteporexcelencias.com

El hombre nuevo

La zona denominada «El hombre nuevo», un pasillo de transito con muchas mujeres sonrientes, intelectuales, políticas y campesinas con reuniones y gente feliz cantando. Un precioso cuadro con una mujer rubia vestida al estilo europeo comparte protagonismo y abrazo con una mujer de piel morena al estilo oriental. El cuadro se llama «Delegadas» y el mensaje de pueblos unidos con mujeres protagonistas de la política es claro.

Para la felicidad del pueblo

Tras una pequeña sala dedicada a “El hombre nuevo”, encontramos óleos monumentales que relatan como aquellos líderes omnipresentes trabajaban «Para la felicidad del pueblo». En esta zona es donde más se evidencia el poder que Stalin  y lo que quería representar. Hay cuadros gigantes donde el dictador está reunido haciendo grandes acuerdos históricos como la firma del tratado de amistad y colaboración con la República Popular China (1950), sesiones de la Academia de las Ciencias para la construcción del principal canal del Turquestán, encuentros entre actores del teatro Stanislavski y militares de la fuerza aérea.

En el cuadro titulado «Sesión del presidium de la Academia de las Ciencias de la Unión Soviética», se observa una reunión de eruditos que discuten un proyecto en torno a varias mesas. La luz de los ventanales del fondo ilumina a las mujeres, viejos científicos con bonete dan paso a jóvenes de chaqueta y corbata, la nueva Rusia. Y todo presidido por un gran busto de Stalin y Lenin.

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«Sesión del Presidium de la Academia de las Ciencias de la Unión Soviética» de Vasili Yekanov explicado por una mediadora del museo. Fuente: demuseospormalaga.com/

En otro lienzo, se observa a Stalin, junto a sus colaboradores más cercanos discutiendo sobre un mapa las futuras plantaciones forestales; la transformación de la naturaleza en la que tendrían poder los soviéticos y sobre los hombres. En este óleo, uno de sus personajes fue oculto tras una capa de pintura que el espectador actual no es capaz de notar. Se trata de Lavrenti Beria, director de la KGB entre 1938 y 1953.

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Para la felicidad del pueblo. Fuente: www.arteporexcelencias.com

Trabajar por el futuro

El centro de la siguiente zona denominada «Trabajar por el futuro» es artísticamente una de las más interesantes donde son los hombres y mujeres del pueblo los protagonistas, principalmente las mujeres. Es en esta época cuando la mujer rusa deja de ser madre y esposa y se une a la construcción de la nueva patria, que la pone al frente de cooperativas agrícolas (koljos), a conducir maquinarias pesadas, siendo libres y autosuficientes. Es una sala dedicada a los trabajadores, a las fundiciones de acero, los campesinos y la revolución industrial y agrícola que emprendió el stalinismo. En el centro de la sala el boceto en bronce de «Obrero y koljosiana» de la artista Vera Mujina. La estatua final mediría 35 metros, incluido el pedestal y estaba coronando el pabellón Ruso de la Exposición Universal de 1937.

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Obrero y Koljosiana de Vera Mujina. Fuente: demuseospormalaga.com/

Aunque realista el estilo es muy modernista e expresionista, el «Retrato del trabajador de choque I.I. Guriat» de Vasili Zverev, muestra su mirada altiva, realzan las expresiones de su cara y su pose.

Los temas sociales e industriales dominan también estas salas. Sin embargo, la obra más realista aquí se centra en los hombres que hacían posible el desarrollo de la industria minera y metalúrgica del oro y el acero.  “Mineros escriben una carta…”, de 1937, es una composición de un brillo y veracidad impresionantes, quizás por la radiante luz de los Urales, tan bien plasmada por Vasili Yakovlev.

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Mineros escriben una carta. Fuente: www.arteporexcelencias

 Deportes

La zona dedicada a «Deportes» es donde más destacaron los rusos de la época stalinista. La obra «Corredores» de Aleksandr Deineka, uno de los pintores más importantes del Estilo Socialista, es un ejemplo de su trabajo siempre muy esquemático, con pocos detalles pero muy dinámico, con mucho movimiento. Colores apagados, algo planos pero donde la fuerza y la sutil estrella roja en todos los pantalones de los atletas mandan el mensaje. Hay varios cuadros de Deineka en esta exposición que exhibe todas las claves artísticas del estilo del realismo socialista.

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«S.M. Kirov en un desfile de atletas» de A. Samojvalov. Fuente: demuseospormalaga.com/

El “Deporte” ocupa otro sitio importante en la vida del pueblo soviético, aunado al arte de la época. Aquello de “espíritu sano, cuerpo sano” se convirtió en premisa para el hombre nuevo, que tenía en el deporte y la cultura un apoyo para enfrentar cualquier dificultad.  Sin embargo, esta atmósfera entusiasta y fructífera quedó eclipsada por la sombra oscura de la guerra. En junio de 1941 el ejército alemán invadió la URSS y otra vez son las mujeres el apoyo de una nación que lucha por su existencia.

La gran guerra patriótica

La sala de «La gran guerra patriótica»  está llena de cuadros potentes, emocionales, cruentos y piadosos como son las guerras. En ella se exhibe un cuadro gigantesco, titulado «El asalto de Sebastopol», que muestra las claves de «propaganda». Los rusos están avanzando, limpios, con los fusiles en alto y con las guerreras perfectamente abotonadas. Los alemanes están todos con el cuerpo hacia atrás, sucios, mal iluminados y algunos con la guerrera abierta viéndose la camiseta. La ciudad al fondo completamente destruida pero con un mar muy azul y una iluminación sobre los soldados rusos iguales al fondo del mismo color.

Museo Ruso de Málaga
Sala de «La gran guerra patriótica» con «El asalto de Sebastopol» y «El as derribado». Fuente: demuseospormalaga.com/

Otro de los cuadros de Deineka de esta exposición es «El as derribado», donde se observa a un aviador alemán que cae del cielo sobre unas vigas de acero. En él hay un mensaje oculto, porque acero en alemán se dice Stalin. Un detalle que no está en el catálogo, ni en la ficha técnica del cuadro.

Esta sala incluye dos cuadros con una composición y enfoque moderno, muy fotográficos, como es el caso de las obras tituladas, «Carretera en la línea del frente» y «Estación de ferrocarril en otoño», ambos de Yuri Pímenov. En el caso del primero hay un primer plano desde atrás de una conductora que te hace parecer en el cuadro como si fueras alguien que viaja en un automóvil. Moderno y clásico como la mujer que está en la estación del ferrocarril volviendo de la guerra con una botella de leche en su mochila.

Después de la guerra

La exposición termina con la sala «Después de la guerra» con cuadros optimistas y alegres que vuelven a mirar al futuro, al progreso y a la paz. El principio bíblico de convertir las espadas en arados toma vida, no solo en la escultura que se incluye en la muestra, sino también en el deseo de los soviéticos de volver a disfrutar del sol, del trabajo libre.

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En campos apacibles. Fuente: www.arteporexcelencias

El cuadro «Regreso» de Lidia Frolova-Bagreieva es el más conmovedor, donde un oficial de marina que regresa de la guerra abraza a su hijo frente a una ventana llena de luz.  El cuadro es muy dulce, sencillo en elementos, muy silencioso y estéticamente bastante esquemático. La pintora refleja el regreso de su marido marino de la guerra, una realidad que miraban de nuevo al futuro y del que esperaban prosperidad y progreso.

Museo Ruso de Málaga
Fragmento de «Regreso» de Lidia Frolova. Fuente: demuseospormalaga.com/

La exposición

La exposición es una apuesta valiente por parte del Museo Ruso de San Petersburgo. La carga ideológica de este estilo artístico aún está muy presente en nuestros días y la historia que tiene detrás aún es objeto de debates y controversias. Pero es historia, parte de la historia de Rusia y la están contando desde el arte, que es la mejor forma de conocer la historia.

Referencias

http://demuseospormalaga.com/el-arte-del-realismo-socialista-en-el-museo-ruso-de-san-petersburgo-de-malaga/

https://www.arteporexcelencias.com/es/radiante-porvenir-el-arte-del-realismo-socialista

https://www.genmalaga.com/evento/exposicion-radiante-porvenir-arte-del-realismo-socialista/

https://www.elmundo.es/cultura/2019/12/04/5de68cd2fc6c8362058b4580.html

https://artcayuso.blogspot.com/2010/11/realismo-socialista.html

El Museo Nacional del Prado celebra su bicentenario

Bicentenario

Este martes 19 de noviembre, el Museo Nacional del Prado celebra su bicentenario. Hace 200 años, abrió sus puertas en Madrid el Museo Real, génesis de la actual pinacoteca.

El Museo Nacional del Prado, ubicado en Madrid, España, es uno de los más importantes del mundo. Desde el 2013, ocupa el 18° lugar entre los museos de arte y alberga obras de maestros europeos desde el siglo XVI hasta el XIX.

Sus principales atracciones radican en la amplia presencia de obras de Velásquez, el Greco, Goya, Tiziano, Rubens y el Bosco.

Hasta febrero de 2017, el inventario de bienes artísticos comprendía de más de 35000 objetos desglosados de la siguiente manera: 8045 pinturas, 9561 dibujos, 5973 estampas y 34 matrices de estampación, 971 esculturas (además de 154 fragmentos), 1189 piezas de arte decorativo, 38 armas y armaduras, 2155 medallas y monedas, por encima de 15 000 fotografías, 4 libros y 155 mapas.

bicentenario
Museo Nacional del Preado. Fuente: okdiario.com

Historia

El edificio que alberga el Museo de Prado, fue construido por orden de Carlos III, basado en los los diseños del arquitecto Juan de Villanueva en 1785.

Las obras de construcción se iniciaron durante el reinado de Carlos III hasta la regencia de Carlos IV, quedando el edificio finalizado a principios del siglo XIX. No obstante, fue usado para fines militares con la llegada de las tropas francesas a España y la Guerra de la Independencia, dejándolo en un estado de ruina.

A partir de 1818, el rey Fernando VII y su esposa Isabel de Braganza, aportaron fondos para el inicio de la recuperación del edificio, basado en el nuevo diseño de Villanueva, quien fue sustituido tras su muerte por su discípulo Antonio López Aguado.

Los tesoros de Fernando VII

Fernando VII se encargó de depositar parte de las colecciones reales conformadas desde el siglo XVI, primero con los Austrias y posteriormente con los Borbones. Entre las piezas que habían ido acumulando los distintos monarcas españoles sobresalen tesoros como El jardín de las delicias, de El Bosco; El caballero de la mano en el pecho, de El Greco; Las meninas, de Velázquez y La familia de Carlos IV, de Goya, entre otros.

El 18 de diciembre de 1869, tras el destronamiento de Isabel II, entró en vigencia una Ley que abolió el patrimonio de la Corona, el cual decreta que el museo pasa a formar parte de los “bienes de la nación”.

Fernando VII
Fernando VII. Fuente: es.wikipedia.org

El Museo del Prado en decadencia

Entre los siglos XIX y XX, el Prado estuvo en una situación de precariedad, debido al aporte insuficiente de recursos, por parte del Estado y las deficientes medidas de seguridad.  El artículo de Mariano de Cavia, publicado en 1891 en la portada de El Liberal, provocó una falsa alarma de incendio que ocasionó la adopción de medidas de urgencia para el mejoramiento del museo.

El Museo del Prado expoliado

En 1918, cuando el Tesoro del Delfin fue objeto del expolio, por parte de un empleado del museo, Rafael Coba. La mayoría de las piezas fueron recuperadas, a excepción de once; treinta y cinco de ellas presentaban desperfectos muy severos. Sin embargo, el museo sufrió otros robos en 1897 con la sustracción de un boceto de Murillo, Santa Ana enseñando a leer a la Virgen; y en 1961 otro ladrón intentó entrar al edificio por el tejado, aunque cayó al vacío y falleció.

El Museo del Prado en tiempos de crisis

Desde el comienzo de la contienda en 1936 se desarrolló la operación de salvamento de patrimonio español más importante de la historia: un éxodo que se prolongó durante tres años en el que las fuerzas republicanas evacuaron de España las principales obras del museo. Una gran parte de las obras maestras del Prado fueron evacuadas durante la Guerra Civil, ante el temor de que los bombardeos del bando franquista destruyesen el edificio y su contenido; así como, las cincuenta y cuatro obras del NAM, entre las cuales se encontraban: La condesa de Chinchón, de Goya y La condesa de Santovenia, de Eduardo Rosales.

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La condesa de Chinchón, de Goya. Fuente artehistoria.com

La ampliación de las instalaciones

A partir de los años 60, el Prado sufría limitaciones de espacio, debido a la gran afluencia turística. A lo largo de estos dos siglos, el número de visitantes ha ido creciendo exponencialmente, hasta alcanzar los 3.672.853 en 2018. En este tiempo se han acometido varias reformas sobre el edificio original de Villanueva, la primera en 1847. El proyecto de ampliación más ambicioso se llevó a cabo entre 2001 y 2007, cuando Rafael Moneo diseñó un anexo a la sede original, la llamada «ampliación de los Jerónimos».

Inventario de obras

En la actualidad, el Museo del Prado posee un inventario de 8.100 obras, de las cuales 1.300 se muestran en sus salas a lo largo de todo el año en su colección permanente.

Entre las obras de arte exhibidas en la pinacoteca destacan, cuadros como La anunciación, de Fra Angélico; El descendimiento de la cruz, de Roger van der Weyden; el Autorretrato de Alberto Durero y Las tres gracias, de Rubens, entre otros muchos.

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Salas de exhibicion del Museo Nacional del Prado. Fuente: ticketea.com

“Museo para los pintores”

Desde sus inicios a principios del siglo xix, el Museo del Prado ha contribuido al estudio y difusión de la pintura española, convirtiéndose además en un “museo para los pintores”, lugar de aprendizaje e inspiración para las nuevas generaciones de artistas como Eduardo Rosales, Francisco Pradilla, Ignacio Zuloaga y Joaquín Sorolla, entre muchos otros

También acudieron al museo los dos artistas que alcanzarían la fama universal: Pablo Picasso y Salvador Dalí. También asistieron a la pinacoteca madrileña los pintores franceses más innovadores del realismo y del impresionismo, como Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas, Toulouse-Lautrec y Édouard Manet, por nombrar algunos.

El Museo del Prado cumple dos siglos

Este 19 de noviembre, se conmemoran los 200 años del Museo Nacional del Prado. La celebración de su bicentenario comienza con una exposición que traspasa su relato con el de España y resalta la influencia de la colección en los grandes artistas. Para ello, se propone un recorrido por las historias en paralelo del museo y de España. También celebra el enorme poder de influencia de su colección en la modernidad de pintores españoles (Picasso o Antonio Saura) y extranjeros (Manet o Pollock).

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Visitantes del Museo Nacional del Prado. Fuente: elpais.com

Referencias:

https://es.wikipedia.org/wiki/Museo_del_Prado

https://elpais.com/cultura/2019/11/19/actualidad/1574118122_186467.html

https://elpais.com/cultura/2018/11/16/actualidad/1542396527_650402.html