Parasite cambió la historia de los Premios Oscar

Parasite

La noche del pasado domingo 10 de febrero, fue en la que se llevó a cabo la edición número 92 de los Premios Oscar, el máximo galardón de la industria cinematográfica. Y es que ha dejado como el mayor ganador a una película extranjera. Estamos hablando de Parasite, una película surcoreana de drama, suspenso y humor negro dirigida por Boon Jonn-Ho.

La ceremonia se llevó a cabo en el Dolby Theatre, de la ciudad de Los Ángeles, en donde el film Parasite, de Boon Jonn-Ho, hizo historia tras obtener los galardones más codiciados de la noche: mejor guion original, mejor director, mejor película internacional y mejor película.

Parasite es la primera película extranjera en alzarse con esta estatuilla, siendo el cineasta surcoreano un verdadero hito en la historia de los Oscar.

Parasite
“Parasite”y Bong Joon Ho hacen historia en los Oscar. Fuente: www.bbc.com

Parasaite retrata a Corea del Sur como un país desigual

Parasite ganó el Oscar a mejor película, siendo la primera producción de habla no inglesa en obtener dicho galardón. El film es un retrato con humor negro de las relaciones entre pobres y ricos en Corea del Sur.

La película es una crítica a las agudas diferencias de clase en una sociedad capitalista y desigual. En ella se narra la historia de la familia Kim, una familia que vive en un humilde semisótano. Estos se las ingenian para poner en marcha un complot para sacarle dinero a los Park, una familia privilegiada que reside en Seúl, la capital de Corea del Sur.

En la realidad, conseguir trabajo en Corea del Sur  no es difícil ni requiere mucho tiempo, a pesar de tener una tasa de desempleo de un 3,6%.

De los países de la Organización para la Cooperación y el Desarrollo Económicos (OCDE), Corea del Sur es el país con la menor tasa de desempleo de larga duración en alcanzar el 1,4%. Su estilo de vida saludable lo llevan a entrar en la lista de 10 países con mayor esperanza de vida.

Bong Joon-ho, el director vetado en Corea del Sur que conquistó Hollywood

Desde comienzos de los 2000, Boon Jonn-Ho empezó a proyectarse internacionalmente, ganando críticas favorables y acumulando premios en festivales fuera de su país.

Parasite es el séptimo largometraje que ha dirigido y que lo llevó a ganar cuatro estatuillas en la 92va edición de los Premios Oscar.

Boon Jonn-Ho alterna o combina roles de productor, director y guionista. Es conocido por abarcar temas políticos, humor negro y largas secuencias que combina géneros de ciencia ficción, destrucción apocalíptica, crítica social y comedia. Sus películas tienden a abordar la polarización de la sociedad, ya sea por clase, casta o jerarquía.

Debido a sus opiniones políticas, estuvo incluido en la lista secreta de artistas vetados por el anterior gobierno conservador de Corea del Sur, presidido por Park Geun-hye. La mandataria, tras ser expuesta por formar parte de una red de corrupción en el seno del Ejecutivo, Park fue condenada a 24 años de cárcel.

Boon Jonn-Ho, entre la sociología y el cine

Boon Jonn-Ho nació en la ciudad surcoreana de Daegu en 1969. Estudió sociología en la Universidad de Yonsei. Allí, Boon formó un club de cine con otros estudiantes llamado la Puerta Amarilla e hizo sus primeros ensayos fílmicos.

En los años 90, culminó un programa en la Academia de Artes de Cine de Corea. En dicho proyecto, produjo varios cortos en colaboración con sus compañeros de estudio.

Bong Joon-ho  lanzó su primer largometraje en 2000, «Perros que ladran nunca muerden». Su segunda cinta titulada «Memorias de un asesino», concursó en el festival de cine de San Sebastián y obtuvo tres galardones incluyendo el de mejor director.

Su primer gran éxito de taquilla fue con la película de ciencia ficción The Host («El huésped»). La película fue acogida en el Festival de Cannes de 2006. Dicha producción estableció un récord de taquilla en Corea del Sur y en el resto del mundo. La empresa cinematográfica estadounidense Universal Studios compró los derechos para realizar una versión en inglés.

Boon llegó a integrar el jurado del Festival de Cine Independiente de Sundance, la sección Caméra d’Or del Festival de Cannes y en Festival Internacional de Cine de Edimburgo.

En 2013, Bong dirigió su primera película en inglés, Snowpiercer, y en 2017, lanzó una coproducción fantástica con el nombre titular de «Okja». Esta última, fue degran éxito a pesar de la polémica que generó en el Festival de Cannes, tras ser producida por Netflix.

Finalmente, «Parasite» es la película que hizo historia en Hollywood, siendo la primera cinta de habla no inglesa ganadora del Oscar en las categorías: mejor película, mejor director, mejor guion original y mejor filme internacional.

Boon Jung-Ho
Boon Jung-Ho produjo varios cortos en 16 mm y colaboraciones con sus compañeros de estudios. Fuente: https://www.bbc.com/

Pirasite, ganadora de los Premios Oscar

Corea es una nación que se encuentra entre las15 economías más grandes del mundo, donde la esperanza de vida está entre las más altas del planeta y casi la mitad de la población tiene educación superior. Sin embargo, en la película, la familia Kim tiene problemas para encontrar empleo y se buscan ganarse la vida con trabajos como doblar cajas de pizzas en su semisótano infestado de insectos.

Cuando Ki-woo, el hijo mayor de la familia es contratado para trabajar con los Park, los Kim ponen en marcha un complot para conseguir que todos acaben trabajando para aquella familia adinerada.

Lo mejor de los Premios Oscar

Los espectadores y asistentes a la gala pudieron deleitarse con diferentes presentaciones musicales. Entre ellas, se apreció la increíble reunión de las principales cantantes que hacen la voz de Elsa en Frozen 2 interpretaron “Into The Unkown”, un grupo de mujeres liderado por Indina Menzel.

Uno de los momentos más emotivos de la velada fue la sección en la que se conmemora a las vidas perdidas del último año. El toque musical estuvo a cargo de la cantante juvenil Billie Eilish quien, junto a su hermano Finneas O’Conell, interpretaron el tema “Yestarday” de The Beatles, mientras en la pantalla aparecían algunas de las personalidades que dejaron este mundo terrenal, entre ellos Kobe Bryant.

La sorpresiva aparición de Eminemm quien interpretó “Lose Yourself”, causó furor entre los asistentes.

Por otra parte, en los últimos días las redes sociales y los medios se habían visto revolucionados por la falta de nominaciones a féminas en esta edición, por lo que Brie Larson, Sigourney Wevaer y Gal Gadot levantaron la voz exclamando que las mujeres merecen mucho más en la industria.

Finalmente, la ceremonia cerró con broche de oro tras entregar el premio a mejor película a la cinta surcoreana Parasite, del director Boon Joon-Ho.

Lista de ganadores de los Premios Oscar

Mejor Actriz: Renée Zellweger, Judy

Mejor Actor: Joaquin Phoenix, Joker

Mejor actriz de reparto: Laura Dern, Marriage Story

Mejor actor de reparto: Brad Pitt, Once Upon a time in Hollwyood

Mejor película extranjera: Parasite

Mejor película de animación: Toy Story 4

Mejor Guion original: Parasite

Mejor Guion adaptado: Jojo Rabbit

Mejor Fotografía: ‘1917’

Mejor diseño de vestuario: Little Women

Mejor Documental: American Factory

Mejor Corto Documental: Learning to skateboard in a warzone

Mejor Maquillaje y peluquería: Bombshell

Mejor Banda sonora original: Joker

Mejor Canción Original: Rocketman, Elton John

Mejor Diseño de producción: Once Upon a time in Hollywood

Mejor cortometraje de animación: Hair Love

Mejor Cortometraje: The Neighbor’s Window

Mejor Mezcla de sonido: ‘1917’

Mejor Edición de sonido: Ford V Ferrari

Mejor edición: Ford v Ferrari

Mejores efectos viasuales: ‘1917’

Referencias

https://oceandrive.com.ve/entretenimiento/una-ola-de-emociones-y-sorpresas-parasite-marco-un-hito-en-la-historia-de-los-oscar/

https://www.bbc.com/mundo/noticias-51445921

Sharon Choi, la traductora del director de ‘Parasite’, Bong Joon Ho, es la gran ganadora de esta temporada de premios

https://www.panorama.com.ve/espectaculos/Barreras-de-Hollywood-caen-con-el-Oscar-de-Parasite-20200211-0081.html

“Parasite”y Bong Joon Ho hacen historia en los Oscar

 

‘Mujercitas’, una historia con perspectiva feminista

Mujercitas

‘Mujercitas’ es un libro extraordinario publicado en 1868, el cual revolucionó el mundo de la literatura feminista. Louisa May Alcott, se arriesgó a contar parte de su historia, a través de cuatro niñas que viven en medio del paso de la niñez hacia la madurez y las consecuencias de la Guerra Civil de Estados Unidos.

A pesar de la existencia de diversas versiones de la obra de Louise May Alcott, la actriz estadounidense Greta Gerwig llevó este clásico de la literatura universal a la gran pantalla. Mujercitas narra la vida familiar de cuatro jóvenes hermanas: Meg, Jo, Amy y Beth March que enfrentan el paso de la madurez, mientras se desarrolla la Guerra de Secesión en Estados Unidos.

¿De qué se trata la novela?

Es una novela semi autobiográfica de la infancia de Louisa May Alcott, quien creció en Massachusetts con sus 3 hermanas, en condiciones muy similares a sus personajes. La historia narra la vida de cuatro hermanas que buscan su camino a la adultez de la mejor forma posible. Alcott explora de manera sublime todas las preocupaciones que pueden pasar por la mente de una mujer en crecimiento.

Mujercitas
Mujercitas, la novela escrita por Louisa May Alcott en 1868. Fuente: oceandrive.com.ve

La importancia de la obra

La igualdad de derechos fue muy difícil en aquellos tiempos para las mujeres, debido a que las limitaciones de la época eran inimaginables. Más que una novela para jóvenes, es una crítica social que habla sobre las injusticias de la época.

Mujercitas
Mujercitas está basada en la vida íntima de la escritora, quien se ve a sí misma como Jo, una hermana que queire ser escritora. Fuente: oceandrive.com.ve

Mujercitas en la conquista del séptimo arte

Las adaptaciones cinematográficas han sido todo un éxito. La historia de las 4 hermanas llegó a la gran pantalla desde 1917 con la primera versión de Alexander Butler. Mujercitas  ya ha sido realizada en 7 versiones diferentes, siendo la última, de Greta Gerwig una de las más comentadas debido a sus 6 nominaciones al Óscar. Con esta adaptación Gerwig nos regala una de las mejores películas del 2019 y varias lecciones valiosas sobre la sororidad, la amistad, la familia y el amor. Es una historia que enseña sobre el amor, el trabajo y la vocación, al mismo tiempo repasa importantes tópicos sociales. La narrativa no tiene fecha de vencimiento y es sin duda, mucho más que un libro.

Los Flashbacks, el recurso más acertado del filme

Greta Gerwig optó por el recurso de los flasbacks para sustituir un tiempo lineal. Una decisión acertada que dota ciertas escenas de mayor emotividad al realizar ese contraste entre los recuerdos y el presente de las hermanas March. Las conexiones entre la realidad y la ficción, no solo son un elemento fascinante de ‘Mujercitas’, sino también su estructura narrativa,  siempre rica en emociones complejas.

Con una paleta de colores fríos y cálidos para diferenciar el pasado del presente, permiten al espectador adentrarse en la trama sin ningún inconveniente, en favor de un ambicioso ensayo sobre la relación entre los cimientos del pasado, las decisiones del presente y las consecuencias del futuro.

Mujercitas
Mujercitas. Fuente: www.enfemenino.com

Mujercitas cuenta con el mejor reparto

Hace 25 años se estrenó la película dirigida por Gillian Armstrong, ‘Mujercitas’ y protagonizadas por Winona Ryder, Christian Bale, Susan Sarandon, Kristen Dunst y Claire Danes. Desde entonces, esa fue la última versión más reconocida de la historia, desde que en 1933 se estrenara la protagonizada por Katherine Hepburn y dirigida por George Cukor.

En esta última versión, en la selección para las hermanas March, figuraron grandes estrellas jóvenes como Saroirse Ronan, Florence Pugh, Emma Watson, Eliza Scanlen, Timothée Chalamet junto a actrices icónicas como Meryl Streep y Laura Dern.

Mujercitas, un mensaje feminista sobre la madurez

El guion de la película nos deja apreciar el trasfondo feminista, cuyo mensaje refleja el dilema que representaba ser mujer en el siglo XIX.

Esto se puede apreciar en Jo (Saroirse Ronan), quien representa a la mujer incomprendida de su tiempo que desea vivir y desempeñarse como una escritora. Por otro lado, tenemos a Amy (Florence Pugh), quien se debate entre un matrimonio sin amor con un hombre de buena posición y su ambición de ser la mejor artista de su tiempo en una sociedad dirigida por hombres. También está Beth (Eliza Scanlen), una joven dulce y muy familiar que, a pesar de su personalidad tranquila; logra hacerse sentir en varios momentos conmovedores de la trama. Finalmente, está Meg (Emma Watson), que nos recuerda que la verdadera libertad de la mujer radica en poder elegir su propio destino.

El filme combina una exquisita paleta de colores y una perfecta dirección de arte que nos sumerge en pleno siglo XIX y al mismo tiempo ilustrarnos un discurso feminista actual. Estos saltos temporales, a los que acompaña el constante cambio de colores y texturas en la imagen (tonalidades frías para los momentos más aciagos y cálidas para los más felices), moldean una versión de la historia mucho más autoconsciente, cuyo objetivo es poner en relación el antes con el ahora para entender que somos lo que hemos vivido. Con Mujercitas, Greta Gerwig se consagra como una de los mejores directores de cine de nuestro tiempo.

Mujercitas
Mujercitas. Fuente: www.enfemenino.com

Mujercitas, una adaptación inesperada

En 1994, Susan Sarandon dió vida a la señora March, Winona Ryder a la díscola Jo y Christian Bale al querido Laurie en la última versión cinematográfica del clásico de la literatura ‘Mujercitas’, escrito por Louisa May Alcott. Pero en los últimos tiempos, la historia ambientada en la guerra de Secesión ha vuelto a reclamar la atención de los productores de cine, tras cumplir 150 años de la publicación de la obra en 2018.

Primero fue la miniserie producida por la BBC en la que Maya Hawke interpretaba a Jo. Después, una nueva versión con Lea Thompson como madre de la familia. Pero la versión de ‘Mujercitas’ que dirige Greta Gerwig, es la más esperada de todas y una de las películas con mayor expectativa.

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/es-mucho-mas-que-una-pelicula-la-revolucion-feminista-detras-de-mujercitas/

https://www.enfemenino.com/cultura/mujercitas-historia-sobre-madurez-perspectiva-feminista-s4009353.html

https://www.fotogramas.es/noticias-cine/a25598783/mujercitas-greta-gerwig-pelicula-fecha-estreno-trailer-reparto-fotos-sinopsis-nueva-version/

https://www.fotogramas.es/noticias-cine/a30271090/mujercitas-mejor-pelicula-2019/

 

Clásicos del cine venezolano que debes ver

Cine venezolano

La historia de la cinematografía en Venezuela ha sido escrita a través de cientos de películas extraordinarias que se han producido en nuestro país, y que han sido el reflejo de nuestra idiosincrasia. En el presente artículo, se repasa los 10 clásicos del cine venezolano increíbles que han sido obras de arte, en ocasión al día nacional del cine.

Asimismo, el cine venezolano refleja nuestra identidad nacional y reúne nuestra idiosincrasia. Hoy es el día celebramos a los que se han atrevido a adentrarse en el mágico mundo del séptimo arte. ¡FELIZ DÍA NACIONAL DEL CINE!

El inicio de nuestro cine

Clasicos del cine venezolano
En 1897, se presentó por primera vez al público la película, “Un célebre especialista sacando muelas en el Hotel Europa”. Fuente: oceandrive.com.ve

La historia del cine venezolano comenzó en 1897, cuando se exhibió al público la película, “Un célebre especialista sacando muelas en el Hotel Europa”. Fue la primera película venezolana de la historia. Fue proyectada por primera vez en el Teatro Baralt, Maracaibo en Zulia el 28 de Enero de 1897 y gracias a este homenaje, celebramos hoy el día de nuestro séptimo arte nacional.

No se conoce la producción de la cinta, ni quién fue el director. Tampoco existen copias disponibles del film, excepto una reconstrucción hecha con fotografías.

Una casa con vista al mar

La película del director venezolano Alberto Arvelo, es una historia que se desarrolla en Los Andes en el año 1948. Tomás Alonso, un campesino de los andes Venezolanos, muy pobre, que luego de la muerte de su esposa se ha quedado solo con su hijo Santiago Alonso en medio de una gran soledad y consiguen medio vivir gracias a lo que siembran y al trabajo que hace Tomas Alonso a otro hacendado vecino que tienen más recursos que él.

Buscando una manera de aliviar el dolor de su hijo Santiago, le da a éste una fotografía de su madre sacada frente a un lejano mar. Padre e hijo llevan su vida pobremente y se consuelan con la esperanza y el sueño de ver algún día el mar. La llegada de un forastero, un fotógrafo itinerante y un incidente inesperado desatan los nudos de la trama. Provocado por los lugareños crueles que lo desprecian por su pobreza, el pacífico Tomás se verá frente a un dilema: ser un hombre bueno y cobarde o un asesino que defiende a su hijo”. La pelea de Santiago con los hijos del Hacendado cambiara la existencia de padre e hijo.

La distancia más larga

La distancia más larga es la película de Claudia Pinto Emperador y fue co-producida conjuntamente con España. El filme narra la historia de Martina, una mujer española de 60 años, que tras recibir la mala noticia de que está a punto de fallecer, decide viajar a la Gran Sabana, el lugar en el que un día fue feliz, para decir adiós a la vida. Su intención es subir el monte Roraima y a mitad de camino dejarse morir. La repentina visita de su nieto Lucas no podría llegar en mejor momento. El joven, ignorante de la situación la acompaña en su viaje final; sin embargo,  no se quedará impasible cuando se entere de que realmente le está guiando hacia su muerte. Las relaciones familiares, la redención y la libertad de vivir, son los temas centrales de esta prueba latente de que en la vida existen las segundas oportunidades.

Macú, la mujer del policía

Este clásico del cine venezolano se estrenó en Venezuela en 1987, dirigida por la cineasta sueca-venezolana, Solveig Hoogesteijn. El argumento de esta película está basado en un hecho real, específicamente el caso del agente policial Argenis Rafael Ledezma (el llamado “Monstruo de Mamera”), el cual fue condenado en 1980 a 30 años de cárcel.

El filme relata la historia de una niña de clase humilde que escapa de su casa a los once años con un policía mayor que ella. Años después, Macu ya tiene dos hijos. Macu conoce a Simón, un chico del barrio de su misma edad, con quien decide engañar a su marido Ismael y se arma el triángulo amoroso más célebre de nuestra pantalla grande. Ismael empieza a sospechar de Macu y su nuevo amigo. Un día Simón y otros dos chicos del barrio desaparecen. Es una de las películas venezolanas más polémicas de la historia. Fue protagonizada por Daniel Alvarado, María Luisa Mosquera y Frank Hernández.

ARAYA

La película franco-venezolana, dirigida por Margot Benacerraf, es un documental que describe las vidas de los trabajadores que extraen la sal de la mar en las costas de la Península de Araya en Venezuela; aimismo, muestra como la explotación industrial arrasa con los métodos antiguos de los que ellos siguen haciendo uso. Es un clásico del cine venezolano que nos da un acercamiento extraordinario para entender las vidas de todos aquellos que trabajan incansablemente bajo el inclemente sol de Araya.

Oriana

La primera película de la directora venezolana Fina Torres está basada en el cuento “Oriane, tía Oriane” de la escritora colombiana Marvel Moreno.

Esta película narra la historia de una joven que viaja al pasado al recorrer la casa de su tía fallecida y va descubriendo miles de secretos cuando tuvo su primera experiencia amorosa. Pero eso se combina con una historia de misterio en una casa antigua, llena de ruidos extraños, en la que merodea el que parece ser un fantasma. La película es un clásico del cine venezolano que ganó el premio Camera d’Or en el Festival de Cine de Cannes de 1985.

El chico que miente

Es una película de la peruana Marité Uga, producida bajo la mirada de la venezolana Mariana Rondón. La película trata sobre la historia de un chico de 13 años que inicia un viaje por la costa de Venezuela y, para lograr sobrevivir, usa sus dotes de seducción, reinventando una y otra vez su propia historia en la tragedia del deslave. Poco a poco se irá revelando su verdadero pasado. Hace 10 años, la Tragedia del Deslave le arrebató a su madre, ahora él cree que la puede encontrar. Le espera un difícil camino, pero también está por descubrir su propio universo de afectos y sentimientos. Es una de las películas venezolanas que recorren la historia después del deslave ocurrido en el Estado Vargas (Venezuela), en 1999.

El pez que fuma

El pez que fuma es un clásico del cine venezolano por excelencia. Es una película del director venezolano Román Chalbaud estrenada en 1977. El pez que fuma” es el nombre de un prostíbulo nada selecto regentado por la Garza, donde se desarrollan las historias de intriga y amor que hacen de esta cinta un clásico. La película está protagonizada por Miguel Ángel Lanza, Orlando Urdaneta, Hilda Valera y Haydée Balza, entre otros.

El vendedor de orquídeas

Es un documental extraordinario dirigido por Lorenzo Vigas. La película cuenta la historia de uno de los artistas plásticos más influyentes de Venezuela y de América Latina, Oswaldo Vigas. Esta película acompaña a Vigas, quien a  sus 80 años, recorre los pueblos donde fue criado en busca de una pintura extraviada durante su adolescencia. De encontrarla, podría completar una exposición que prepara sobre los inicios de su carrera.

LIZ en septiembre

Liz en septiembre es el extraordinario film increíble de Fina Torres, que aborda la temática lésbica. La película narra la historia de seis amigas lesbianas, quienes se reúnen para celebrar el cumpleaños de Liz, una joven que decide dejar a su marido al enamorarse de otra mujer que tiene cáncer sin que lo parezca, a la que conoce junto con sus amigas en una playa del Caribe.

La llegada inesperada de Eva trastocará la vida de la protagonista. Se empeña en conquistarla y se entera de que Eva tiene esposo y está atravesando un duro momento por la reciente pérdida de su hijo. Es una de las películas venezolanas más importantes que tratan sobre la comunidad LGBTQ+. La película cuenta con la presencia de grandísimas actrices venezolanas como Eloísa Maturén, Patricia Velásquez, Mimí Lazo, Danay García, Arlette Torres, Elba Escobar, Sheila Monterola y María Flores Flores.

Juan

Es una película documental venezolana que se adentra en el mundo misterioso y extraordinario de una de las mentes más brillantes de nuestro arte: Juan Félix Sánchez. Con una visión muy personal de la apreciación del arte y un documental extraordinario lleno de testimonios vivos, Geyer creó una película dedicada al creador de la capilla de San Rafael de Mucuchíes y el complejo de El Tisure. Este documental busca preservar su legado en la memoria venezolana.

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/feliz-dia-del-cine-10-peliculas-venezolanas-que-seguro-no-conoces-y-debes-ver/

https://venezolano1975-cineenvenezuela.blogspot.com/2011/06/una-casa-con-vista-al-mar.html

https://www.noticiasbarquisimeto.com/2018/06/25/clasicos-del-cine-venezolano-que-no-debes-olvidar/

http://www.elchicoquemiente.com/

https://www.filmaffinity.com/es/film864054.html

https://www.elespectadorimaginario.com/liz-en-septiembre/

https://elestimulo.com/documental-se-adentra-en-legado-y-misterio-de-juan-felix-sanchez/

 

 

“Quién escribirá nuestra historia”, una crónica de valentía moral

“Quién escribirá nuestra historia”

¿Quién contará nuestra historia? es el título del libro del historiador Samuel Kassov, publicado en 2007 sobre el grupo Oneg Shabat (“La alegría del Shabat”), dirigido por el historiador Emanuel Ringelblum y el archivo secreto del gueto de Varsovia.

El impresionante drama documental dirigido por la directora Roberta Grossman y producido por Nancy Spielberg (hermana menor de Steven Spielberg), es un monumento al archivo secreto judío del gueto de Varsovia. Se trata de la cruda crónica extraordinaria sobre los horrores que se vivieron en la Segunda Guerra Mundial.

El film sobre el archivo secreto del gueto de Varsovia se estrenó a nivel mundial el pasado 27 de enero, Día Internacional de Conmemoración de las Víctimas del Holocausto. El evento dl estreno está previsto en Francia, Brasil y Sudáfrica, entre otros lugares del mundo.

El Espacio Ana Frank trae un evento sin precedentes que pretende redescubrir los archivos escondidos del Gueto de Varsovia. El film cuenta la historia de lo ocurrido dentro del Gueto en el que murieron más de 450.000 personas. Los registros documentales en los cuales se basó la filmación de esta película, fueron preservados en latas de leche y cajas de hojalata que estaban enterrados. Este registro sigue siendo un poderoso ejemplo de resistencia y un intento heroico de salvaguardar la historia para no olvidar jamás el terror del Holocausto.

“Quién escribirá nuestra historia”
Fuente: oceandrive.com.ve

¿Quién escribirá nuestra historia?

Quién escribirá nuestra historia narra los primeros meses de la guerra en Polonia, el establecimiento del gueto de Varsovia, las condiciones horribles en el gueto, las deportaciones masivas a Treblinka en el verano de 1942, la rebelión del gueto de Varsovia y la masacre final de los nazis en 1943.

El largometraje Quién escribirá nuestra historia, se trata de la primera película sobre el grupo Oneg Shabat, creado clandestinamente en 1940, el cual estaba dirigido por el historiador Emanuel Ringelblum (1900-1944), y que funcionó hasta su aniquilación. Con el propósito de mostrar la verdad completamente transparente, el grupo de 5 personas comenzó a escribir sus vivencias y a enterrarlas. Todo mientras las víctimas se encontraban en medio del Gueto. Únicamente ellos sabían del proyecto y solo 2 sobrevivieron.

La organización Espacio Anna Frank indica en su página Web lo siguiente: “La película narra la organización de un archivo secreto y clandestino en el Gueto de Varsovia desde noviembre de 1940, organizado por el historiador Emanuel Ringelblum, con un grupo de intelectuales de distintos ámbitos políticos, ideológicos, religiosos con el fin de preservar, en forma escrita, la vida en el Gueto de Varsovia y el sufrimiento de sus habitantes. El archivo recoge opiniones de rabinos, periodistas, filósofos, jóvenes, niños, maestros, en fin todas las representaciones de la sociedad, en documentos como monografías, cartas, documentos, periódicos, diarios y dibujos. Emanuel Ringelblum entendió que el destino final de las 450,000 personas hacinadas en el Gueto de Varsovia era la muerte, de ahí la necesidad de escribir la historia de la vida allí, en un importante acto de valentía moral”.

“Quién escribirá nuestra historia”
Fuente: oceandrive.com.ve

La Alegría del Shabat

En el film Quién escribirá nuestra historia, se muestra como con gran riesgo para sus vidas, el historiador Emanuel Ringelblum, y su grupo documentaron la vida diaria en el Gueto de Varsovia y reunieron evidencia de la aterradora experiencia sufrida por la comunidad judía bajo el nombre en clave de “Oneg Shabat”.

Ringelblum se empeñó en que el registro de la tragedia que vivieron los judíos polacos en el gueto debería sobrevivir a la destrucción causada por los nazis. Es por ello que el historiador y su grupo  enterraron el archivo en cajas de hojalata y latas de leche, el cual sigue siendo un poderoso ejemplo de resistencia y un intento heroico de salvaguardar la historia para no olvidar jamás el terror del Holocausto.

“Quién escribirá nuestra historia”
Fuente: oceandrive.com.ve

La historia desconocida más importante del Holocausto

En noviembre de 1940, días después de que los nazis encerraron a 450.000 judíos polacos en el Gueto de Varsovia, un grupo clandestino de periodistas e intelectuales decidieron formar una resistencia. Organizado por el historiador Emanuel Ringelblum, el grupo clandestino, cuyo nombre en clave era Óneg Shabat, (“La alegría del Shabat”),  luchó  para derrotar las mentiras y propaganda nazi.

Estos archivos contenían todo tipo de documentos de la vida cotidiana, así como informes, diarios y testimonios que los propios miembros de Oneg Shabat habían escrito o incitado a escribir a otras personas. Ellos vencieron a su enemigo criminal con la mejor arma  -la verdad- y lo arriesgaron todo para que el archivo sobreviviera a la guerra, incluso si ellos no lo lograrían. Así este film se ha convertido en la historia desconocida más importante del Holocausto.

“Quién escribirá nuestra historia”
Fuente: oceandrive.com.ve

¿Cuál es la importancia de la película? 

La veracidad de sus hechos contados en primera persona. Tener testimonios de personas que padecieron en carne propia las torturas, hace que el documental sea todavía más impactante. Para el embajador Milos Alcalay, presidente de Espacio Anna Frank, la relevancia del film es que “se logró derrotar lo que pudo ser una caricatura distorsionada del pueblo judío por parte del nazismo a través de los testimonios de quienes fueron testigos de la tragedia del Gueto de Varsovia, en lo que representó la búsqueda de la verdad, la lucha por la libertad y la vida. Hoy cuando empiezan a asomarse sombras de mentiras, discriminación y destrucción, es muy importante frente a las tensiones que vivimos, que recordemos que no debemos permitir que se repita el genocidio, la destrucción o el odio contra una nación o grupos que piensen distinto”.

La resistencia se expresa en muchas formas

Para mayor comprensión del Holocausto y sus dimensiones,Espacio Anna Frank estrenó justo antes del largometraje, el corto titulado, «Las voces de ayer nos hablan hoy». Se trata de una pieza audiovisual que explica, en forma ágil y didáctica, cómo a principios del siglo XX, los partidarios de ideologías y falsas creencias buscaban fundamentarlas en la ciencia para hacerlas pasar por verdades irrefutables. Con una duración de 7 minutos, el corto, realizado con la técnica de animación stop motion,  muestra que una de las causas del Holocausto fue la creencia de que las diferencias genéticas colocan a un grupo humano por encima de otro, es decir, que existen razas humanas más fuertes e inteligentes que otras.

Así mismo,Espacio Anna Frank presentó en la entrada de la Concha Acústica de Bello Monte, la exposición «Recuerda, Reflexiona, Reacciona», que representa el fenómeno de los genocidios, los cuales hoy siguen pasando en el mundo.

“Quién escribirá nuestra historia”
Fuente: puntodecorte.com

Una gran sala de cine para el espectador

La película Quién escribirá nuestra historia, fue presentada por la organización sin fines de lucro, Espacio Anna Frank, el pasado sábado 25 de enero,  en la Concha Acústica de Bello Monte, como parte de su conmemoración In Memoriam 2020, el cual se realiza todos los años. La cinta cinematográfica proyecta un mensaje de recordar algo que es necesario que no se olvide: El Holocausto o la Shoá.

El largometraje también fue proyectado en 13 estados de Venezuela y en 21 salas de Cinex y Cines Unidos. La presentación del filme a nivel nacional, forma parte de la programación “In Memoriam 2020” de Espacio Anna Frank, en el marco de la Resolución 60/7 de la Organización de las Naciones Unidas, que designó el 27 de enero como Día Internacional de la Conmemoración anual en memoria de las víctimas del Holocausto, fecha en la que, el ejército soviético liberó Auschwitz, el mayor campo de exterminio nazi.

La actividad se realizó bajo el patrocinio de las embajadas de Alemania, Argentina, Italia, Reino de los Países Bajos, Francia, España, Suiza y Polonia y como aliados: la Alcaldía de Baruta, el Comité Venezolano de Yad Vashem, la Concha Acústica de Bello Monte, la empresa distribuidora de películas Blancica,  los circuitos de cine: Cinex, Cines Unidos y Circuito Gran Cine, por medio de su Fundación Hacer Cine, así como el Circuito Unión Radio.

Referencias

https://puntodecorte.com/pelicula-quien-escribira-nuestra-historia/

https://oceandrive.com.ve/entretenimiento/quien-escribira-nuestra-historia-una-pelicula-sobre-el-gueto-de-varsovia-llega-a-la-concha-acustica-de-bello-monte/

https://www.elimpulso.com/2020/01/20/quien-escribira-nuestra-historia-la-pelicula-que-revela-la-resistencia-judia-contra-el-genocidio/

https://espacioannafrank.org/quien-escribira-nuestra-historia-redescubriendo-los-archivos-escondidos-del-gueto-de-varsovia/

https://esferacultural.com/quien-escribira-nuestra-historia-redescubre-los-archivos-del-gueto-de-varsovia/18260

https://elestimulo.com/espacio-anna-frank-proyectara-pelicula-sobre-gueto-de-varsovia/

https://www.dw.com/es/gueto-de-varsovia-qui%C3%A9n-contar%C3%A1-nuestra-historia/a-47239746

http://www.grancine.net/noticias-detalle.php?id=8715

https://www.youtube.com/watch?v=AheAwjZI6kM

Netflix presenta 5 documentales para los amantes de la moda

Netflix

Netflix es una de las plataformas más exitosas de streaming y del entretenimiento del mundo, y que además te permite aprender. Ahora es una pasarela donde se se exhibe una selección de 5 documentales para los amantes de la moda:

Gaga: Five Foot Two 

Gaga: Five Foot Two es un documental  dirigido por Chris Moukarbel que te da un acercamiento extraordinario a la carrera de Lady Gaga. Se enfoca en el proceso de creación de su quinto álbum estudio, Joanne (2016) y su actuación en el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl LI. Uno de los detalles más resaltantes del documental, es que muestra parte del backstage de sus grabaciones para American Horror Story: Roanoke.

La película, dirigida por el artista visual y documentalista Chris Moukarbel, hizo su debut en el Festival Internacional de Cine de Toronto 2017 antes de tener un estreno mundial en Netflix el 22 de septiembre de 2017. También se muestra durante el tramo europeo de Joanne World Tour de Gaga, antes de cada uno de sus espectáculos.

House of Z, la vida de Zac Posen

House of Z, es el documental que relata sobre la vida y obra del diseñador Zac Posen estrenada el 6 de septiembre en Vogue.com. La película muestra cómo era el proceso creativo de su casa de moda. Es una oportunidad única de entender cómo funciona una marca reconocida desde los adentros y una mirada nostálgica a uno de los diseñadores más famosos del mundo. El documental narra el comienzo, la caída y el ascenso del diseñador norteamericano de una de las marcas más glamorosas.

Dirigido por Sandy Chronopoulos, la cinta además muestra los testimonios del fantástico diseñador, así como las apariciones de figuras destacadas como Sean Combs, Claire Danes, Naomi Campbell y Paz de la Huerta, y editores y críticos como Nicole Phelps y André Leon Talley.

Dries

Por primera vez, el modisto Dries Van Noten permite que un cineasta lo acompañe en su proceso creativo y su rica vida hogareña. Durante todo un año, Reiner Holzemer documentó los pasos precisos que Dries da para concebir cuatro colecciones, las ricas telas, bordados y estampados exclusivos de sus diseños. Esta película ofrece una visión de la vida, la mente y el corazón creativo de un diseñador de modas maestro que, durante más de 25 años, se ha mantenido independiente en un panorama de consolidación de la moda y globalización.

Este documental explora la increíble pasión y el singular talento del famoso diseñador belga Dries van Noten, uno de los diseñadores de moda más excepcionales del mundo. Profundizando en una mirada más personal de la vida del artesano, salen a la luz las luchas y los triunfos de trabajar en la industria de la moda.

La película se desvanece dentro y fuera de Van Noten mientras trabaja en su colección de primavera de 2016 y reflexiona sobre el pasado.  Con una visión muy cercana de su proceso creativo, confección de colección y la búsqueda de su inspiración, la cinta te acerca a la vida del artista y a su vez, te hace entender su concepto de moda.

The True Cost

The True Cost es un documental sobre moda, que intenta responder a la pregunta de cuál es el coste verdadero de la ropa que llevamos. Es una historia del vestido y la Moda que trata sobre la ropa que llevamos, la gente que las hace y el impacto que esta industria tiene en el mundo.  En esta producción, Andrew Morgan nos lleva por un recorrido por las más grandes empresas de la moda y explica de forma cruda, la realidad detrás de cada prenda.

La película The True Cost  es un documental que invita a la reflexión y que te hará pensar y comprender cómo se alcanzan precios de ganga y, lo más importante, quién sufre por ello. La cinta estrenada en mayo de 2015, está filmada en países de todo el mundo, desde los más glamorosos hasta lo barrios bajos más oscuros y entrevista a los líderes mundiales de este campo incluidas Stella McCartney, Livia Firth y Vandana Shiva.

Franca: Chaos And Creation

Franca: Chaos and Creation es una película documental de 2016 dirigida por Francesco Carrozzini. La cinta se centra la vida íntima y privada de en su madre Franca Sozzani , la famosa editora en jefe de Vogue Italia durante casi tres décadas, y destaca su influencia innovadora en los editoriales de moda al tiempo que explora la relación entre Sozzani y Carrozzini como madre e hijo. Llena de caos pero envuelta en creatividad, la famosa italiana ha transformado por completo el concepto de fashionista. Una visión íntima a su vida, su creación y sus demonios.

La película se estrenó el 2 de septiembre de 2016 en la categoría «Cinema nel Giardino» en el 73 ° Festival Internacional de Cine de Venecia, donde recibió críticas positivas de la industria de la moda. Fue sede de su estreno en América del Norte durante el 24º Festival Internacional de Cine de Hamptons en octubre de 2016 y también se proyectó en el AFI Fest en Los Ángeles el 15 de noviembre de 2016. En septiembre de 2017, Carrozzini anunció que la película recibirá un lanzamiento especial en Italia del 25 al 27 de septiembre de 2017 como parte del Fashion Film Festival Milano y estará disponible para transmitir en todo el mundo en Netflix a partir de octubre de 2017.

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/5-documentales-de-netflix-que-debes-ver-si-eres-un-amante-de-la-moda/

https://es.wikipedia.org/wiki/Gaga:_Five_Foot_Two

https://www.damenoticias.com/nota/335885-house-of-z-el-documental-del-disenador-zac-posen

https://scadmanor.com/dries-van-noten-netflix-fashion-documentary/

https://www.driesfilm.com/

https://unarmarioconbuenfondo.com/the-true-cost/

http://www.area-documental.com/player.php?titulo=The%20True%20Cost

https://www.codigonuevo.com/sociedad/the-true-cost-documental-hara-dejes-comprar-inditex

https://en.wikipedia.org/wiki/Franca:_Chaos_and_Creation

Nella: Nuestra Latin Grammy

Nella

Nella es la nueva voz venida de la Isla de Margarita (Venezuela) para iluminar al mundo. Es la cantante venezolana ganadora del Latin Grammy como Mejor artista nuevo. Su “voz quebrada” como ella la nombra, es capaz de enamorar a cualquiera que la escuche.

Graduada de Berklee College of Music, Nella brilló como solista en la noche de los Latin Grammy, y su música es un encuentro vanguardista y de raíz entre el folclor venezolano, los sonidos de su tiempo y de la influencia de las melodías Andaluzas. En pocas palabras, sus temas son un constante homenaje a la música hispana.

Nella Latin Grammy
Nella ganó el premio Grammy Latino como la mejor artista revelación. Fuente: www.panorama.com.ve

Nella y su carrera musical

En su estadía en los Estados unidos, Nella se une al guitarrista y compositor español, Javier Limón, quien fuera su mentor musical en su carrera artística, bajo el sello discográfico, Casa Limón Music.

En su primer concierto en Nueva York, la solista venezolana cantó con Linda Briceño y Jorge Glem en el Rockwood Music Hall, quienes la acompañaron en su tema, ‘Se muere por volver’. Luego la joven artista se embarcó en su primer tour internacional, que la llevó a presentarse en escenarios de Venezuela, Panamá, México, Estados Unidos, España e Inglaterra.

Su mentor musical

Javier Limón es un músico español que fundó la disquera Casa Limón Music. Ha compuesto más de 100 discos para artistas reconocidos como Alejandro Sanz, Alicia Keys y Juan Luis Guerra. Limón ha sdo galardonado con más de 30 premios por su talento a lo largo de su carrera.

Nella interpreta sus temas en la película “Todos lo saben”

En el 2018, la ganadora del Latin Grammy participó como cantante y actriz junto a Javier Bardem, Ricardo Darín y Penélope Cruz en la película del  ganador del Oscar, el director Iraní Asghar Farhadi, titulada “Todos lo saben”, interpretando canciones escritas por Javier Limón y temas folclóricos Venezolanos. Durante su tour “Me llaman Nella”, presentó un nuevo repertorio que incluyó las canciones de la mencionada película, a cual fue estrenada en el Festival de Cannes.

Nella
Nella Rojas: una cantante de fuego y canela. Fuente: www.viceversa-mag.com

Nella y su carrera discográfica

Nella presentó su primer trabajo discográfico titulado “Voy» en Mayo del 2019. El álbum contó con las composiciones y producción de Javier Limón para el sello Casa Limón Records y distribuido a nivel mundial, a través de la compañía estadounidense de música y entretenimiento, The Orchard.

La joven cantante venezolana ha compartido escenarios con grandes artistas como Alejandro Sanz, Jennifer Lopez, Carlos Vives, Luis Enrique, Susana Baca, Los Amigos Invisibles, Caramelos de Cianuro, Guaco, entre otros. Luego de ganar el Latin Grammy en 2019, la cantante se propone continuar con su carrera musical.

Nela y sus mejores canciones

Desde su infancia, Nella siente un profundo amor por el canto, el cual se evidencia en cada una de sus presentaciones. A continuación, se muestran 10 videos con sus mejores temas:

Negra Atilia, un merengue tradicional

Es un merengue tradicional venezolano. El tema es en una obra de arte en acústico. La cantante venezolana ofrece al público esta interpretación completamente en blanco y acapella.

Voy, una melodía deliciosa

Es un video filmado en Nueva York en el que Nella presenta este tema con esencia de Frank Sinatra, dirigido por la venezolana Federica Arévalo y escrita por el español Javier Limón.

Me Llaman Nella, su presentación ante el mundo

Es su primer sencillo compuesto por Javier Limón. Nella se presenta ante el mundo con una canción que le hace homenaje a su tierra natal: la Isla de Margarita.

Volveré a mi Tierra, un canto del inmigrante

Es un video en el que Nella presenta en su sencillo un himno a la nostalgia y a la idiosincrasia de su país.

Everybody Knows, un salto a la fama

Nella, conjuntamente con Javier Limón, logró darle música a la película española “Todos lo saben”,  protagonizada por Penélope Sosa y Javier Barden.

Te dirán, que Nella es increíble

Acompañada con un increíble grupo musical, Nella interpreta una canción en versión acústica que habla de amor.

Tonada de Luna Llena, un homenaje a Simón

Nella interpreta una versión modernizada y espectacular del clásico tema del eterno maestro Tio Simón. Una de las canciones más icónicas de la música venezolana.

Tu Amor es Paz

‘Amor es paz’ es un video donde la ganadora del Latin Grammy interpreta este tema como parte de los White Sessions de U-LAB, grabado en vivo en Boston, Massachusetts, donde le dedica la canción a Margarita, su tierra natal.

El Fin De La Fiesta junto con Javier Limón

La copla ‘El Fin de fiesta’ interpretada por la joven cantante venezolana en los White Sessions de U-LAB, grabado en vivo en Boston, Massachusetts, en conjunto con el guitarrista y compositor Javier Limón.

Referencias

https://oceandrive.com.ve/entretenimiento/nuestra-latin-grammy-10-increibles-canciones-de-nella-que-debes-escuchar/

https://www.nellarojas.com/bio-1

https://www.vogue.mx/estilo-de-vida/articulo/quien-es-nella-rojas-cantante-venezolana-nominada-latin-grammy

https://www.viceversa-mag.com/nella-rojas-una-cantante-de-fuego-y-canela/

https://primicia.com.ve/placeres/nella-rojas-una-estrella-que-va-en-ascenso/

 

 

 

La resurrección digital de James Dean

James Dean

Se ha confirmado  uno de los regresos más inesperados en la historia del cine, la resurrección digital de James Dean. La estralla juvenil de la era dorada de Hollywood, luego de cumplir 64 años de su muerte, volverá a actuar para la que será su cuarta película; lo que pone al descubierto la avidez necrológica de la industria del cine.

Para quienes no conozcan a James Dean, fue un actor juvenil estadounidense, conocido durante la década de los 50 y que murió prematuramente, hace 64 años a los 24 años de edad en un accidente automovilístico.

James Dean
www.xataka.co

Antecedentes

En 1957, el director Ed Wood anunció la aparición Béla Lugosi para promocionar su película Plan 9 From Outer Space. La realidad es que Wood había utilizado material antiguo de Lugosi y lo había introducido en su película con calzador.

Los estudios de Hollywood suelen recurrir a un doble para sustituir a un actor fallecido durante un rodaje. Brandon Lee, por ejemplo, murió en 1993 debido a una negligencia técnica durante la grabación de El cuervo y la productora decidió sustituirlo por otro actor para finalizar sus escenas. De igual manera sucedió con Philip Seymour Hoffman en Los juegos del hambre: sinsajo (2014), con Carrie Fisher en El ascenso de Skywalker, de la saga Star Wars, en la que se reciclaron tomas de El despertar de la fuerza, y con Paul Walker, tras fallecer en un accidente automovilístico en 2013, durante el rodaje de la película Fast & Furious 7.

La técnica de digitalización

Hoy en día, el escenario se construye con un croma y una computadora. La digitalización de la imagen de un actor que se había comprometido a participar en una película tiene todo el sentido. No obstante, la modernidad nos brinda un giro de guión: la producción de películas nuevas en las que actúan estrellas de cine fallecidas hace años. Como ocurre, por ejemplo, con James Dean, que a pesar de haber muerto en 1955, va a interpretar un personaje en la que será su cuarta película, Finding Jack. El filme se situará en la época de la Guerra de Vietnam y tratará sobre los 10.000 perros militares abandonados tras el citado conflicto bélico.

La técnica para la resurrección de James Dean consiste en que se utilizarán imágenes del actor creadas digitalmente por el denominado Computer Generated Imagery (CGI). Las imágenes generadas por computadora son el resultado de la aplicación de la infografía y de los gráficos 3D generados por una computadora en el arte, los videojuegos, las películas, los programas y anuncios de televisión, animaciones, la simulación y en los medios impresos.

La recreación humana digital y sus retos

La recreación humana digital es un trabajo similar a lo que vimos con Carrie Fisher y Peter Cushing en el filme “Rogue One”, pero en ese caso, los actores estaban presentes físicamente en el escenario, ya que la reconstrucción computarizada se realizó sólo en el rostro. En el caso de James Dean, se habla de una recreación completa de cuerpo entero y no sólo del rostro.

Los derechos sobre la personalidad

En EEUU existen los llamados personality rights, que se refieren al uso comercial de lo que conforma la identidad de una persona, como su nombre, su voz o su imagen, se consideran una propiedad del individuo, pero cuando éste fallece pasan a pertenecer a sus herederos.

Worldwide XR es la compañía encargada de gestionar los “derechos sobre la personalidad” de James Dean. Actualmente, la empresa puede venderle a Hollywood la voz y la apariencia de cualquier estrella fallecida.

Una vez ha fallecido el individuo, los personality rights son propiedad de los herederos; solamente durante un período concreto de tiempo, dependiendo de las leyes de cada estado; en California, por ejemplo, son 70 años. Lo que implica que, dentro de muy poco, podamos ver a las estrellas de la era dorada de Hollywood actuando en películas futuras. Finalmente, los derechos fueron cedidos por la familia de James Dean.

James Dean
James Dean en la película «Gigante». Fuente: www.elmundo.es

James Dean y su cuarta película

Anton Ernst y Tati Golykh, los responsables de Magic City Films y directores de la cinta, mencionaron que  James Dean interpretará a un personaje llamado Rogan, un soldado que se convertirá en el mejor amigo de un perro labrador.

“Finding Jack” será una adaptación cinematográfica de la novela de Gareth Crocker, la cual se basará en la historia real sobre el abandono de más de 10.000 unidades caninas tras finalizar la Guerra de Vietnam.

El cuerpo de James Dean será recreado gracias al CGI, utilizando las viejas imágenes y vídeos del actor, mientras que la voz estará a cargo de un actor de doblaje. El trabajo será realizado por el estudio canadiense de efectos visuales Imagine Engine y la compañía sudafricana MOI Worldwide.

La versión digital de la estrella juvenil, no se limitará a un cameo puntual, sino que dará vida al personaje secundario de mayor relevancia del libreto.

Filmografía

James Dean, la estrella de la edad de oro de Hollywood, protagonizó tres películas durante su corta carrera que lo convirtieron en el ícono juvenil masculino: “Al Este Del Edén” (1955), donde fue nominado al Óscar y el BAFTA como Mejor Actor; “Rebelde Sin Causa” (1955), donde fue nominado al BAFTA como Mejor Actor; y “Gigante” (1956), que fue su última nominación al Óscar como Mejor Actor.

Referencias

https://www.elmundo.es/cultura/cine/2019/12/03/5de552eafc6c83192f8b45a3.html

https://es.wikipedia.org/wiki/J

https://www.alohacriticon.com/cine/actores-y-directores/james-dean/

https://www.xataka.com/cine-y-tv/resucitaran-a-james-dean-que-esta-muerto-1955-gracias-al-cgi-para-nueva-pelicula-que-se-estrenara-2020

https://www.kienyke.com/kien-fue/quien-fue-el-actor-james-dean

https://www.espinof.com/actores-y-actrices/resurreccion-digital-james-dean-revolucion-tecnica-necrofilia-cinefila

El documental prohibido de Yves Saint Laurent

Yves Sanit Laurent

El documental titulado, Yves Saint Laurent: The Last Collections, estrenada 18 años después de finalizar la producción, muestra los últimos años de vida del modisto.

En 1998, a petición de Pierre Bergé, cofundador de la firma y pareja de Yves Saint Laurent, se iniciaba la grabación del documental. Tres años más tarde, el propio Bergé emprendíó acciones legales para evitar el estreno de la película.

Esta semana se estrenó en Estados Unidos, la película sobre el trabajo diario del diseñador y que estuvo prohibida durante 11 años tras la demanda de Bergé.

El rodaje y temática de la película

Hace veinte años, Pierre Bergé, empresario y pareja del diseñador Yves Saint Laurent, quiso plasmar en un documental la vida en el atelier de la casa francesa.

El director de cine francés, Olivier Meyrou inició el rodaje del documental que mostraba tres años de la vida de Yves Saint Laurent. La película resaltó la producción de las últimas colecciones de moda del modisto antes de jubilarse y su relación con los trabajadores de su taller y con sus musas.

En el film se muestran imágenes del mítico desfile retrospectivo realizado en la ceremonia de clausura del Mundial de Fútbol de 1998 y del premio que le otorgó el  Consejo de Diseñadores de Moda de América (CFDA) en 1999.

Durante el rodaje, el equipo de producción fue testigo del trabajo de Yves Saint Laurent en su taller. Su creatividad y la relación con sus trabajadores son una parte importante del documental, mostrando al diseñador como una persona muy comprometida con su trabajo.

Sin embargo, Pierre Bergé, cofundador de la firma, aparece de forma muy distinta a la de su compañero. Mientras Yves Saint Laurent mantenía una relación cordial con los trabajadores del taller, Bergé se mostraba profiriendo órdenes y regaños con gritos a los empleados para controlar que cada detalle se adhiriese a las directrices marcadas.

El diseñador junto a Laetitia Casta en un desfile de Alta Costura en 1999. Fuente: www.telva.com

El motivo de la demanda

En 2001, un año antes de la jubilación del icónico diseñador, terminó la producción del documental titulado, Yves Saint Laurent: The Last Collections; sin embargo. la cinta no fue estrenada hasta 18 años después.

Según fuentes de la productora en declaraciones el New York Times, Bergé se enfadó con el realizador por no dejarle participar en la producción. El empresario estaba acostumbrado a tener todo bajo control y no poder tomar partido en el resultado final del documental no fue de su agrado. Por ello, inició las acciones legales para frenar su distribución.

El motivo del enfado se dio a conocer dos años después de la muerte de Bergé. “No le gustó la manera en la que quedaba retratado en la película”, explicaba uno de los productores al “New York Times”.

El fuerte temperamento de Bergé y los celos que sentía por el diseñador, se reflejan en varias partes de la producción. Un ejemplo es cuando coge la estatuilla del premio CFDA que se le entregó a Saint Laurent en 1999 y ante las cámaras expresa lo siguiente: “¿Lo compartes conmigo? ¡Gracias! Supongo que parte del mérito es mío”.

En la cinta,  Bergé aparece enfadado y dando gritos, mientras se muestra a un tímido Yves, que se le ve centrado en su trabajo hablando tranquilamente con sus empleados. “Era impresionante pero estaba siempre metido en su cabeza. Era prácticamente inalcanzable. Lo único que podíamos hacer era observarlo como si estuviéramos haciendo un documental de naturaleza”, contaba el director.

En 2017, falleció Bergé y con su muerte expiraron los derechos de imagen que impedían su proyección y distribución. De momento, el documental solo puede verse en Reino Unido, mostrando a un tímido Yves Saint Laurent, la relación con sus musas y los trabajadores del taller.

Yves Saint Laurent
Saint Laurent también se benefició de su larga asociación con la actriz francesa Catherine Deneuve, tras la creación del bolso de Dior que hizo famoso la princesa Diana de Gales. Arriba: Catherine Deneuve, Yves Saint Laurent y Pierre Bergé. Fuente: www.revistavanityfair.es

Celos, enfados y una demanda: lo que cuenta el documental sobre Yves Saint Laurent que Pierre Bergé quiso enterrar en el olvido

En 1999, Pierre Bergé permitió que el documentalista francés Olivier Meyrou grabara durante tres años la vida de Yves Saint Laurent.

El film estrenado en la Berlinale de 2007, Celebration, alternaba escenas en blanco y negro de la jornada diaria del diseñador en su atelier con otras en color con escenas de sus encuentros con algunas de sus musas y amigas personales, de sus desfiles en París y del trabajo que culminaría en su última colección antes de su retirada del mundo de la moda en 2002.

Yves Saint Laurent
Yves Saint Laurent rodeado de sus musas en su último desfile, en enero de 2002 (JEAN-PIERRE MULLER / GTRES). Fuente: www.lavanguardia.com

Por otra parte, quedaba retratado en el documental el fuerte temperamento de Pierre Bergé.

A pesar de la total libertad que tenía Meyrou para rodar la película, Bergé introdujo una demanda legal para que el documental no se exhibiera. “A Mr. Bergé no le gustó la manera en la que quedaba retratado en la película”, según explicó el año pasado uno de los productores al New York Times.

Al final del documental, por ejemplo, se le ve cogiendo la estatuilla del premio que la CFDA le entregó a Yves Saint Laurent en 1999. “¿Lo compartes conmigo?”, le dice celoso. “¡Gracias! Supongo que parte del mérito es mío”.

También se muestra su enfado en otra escena al notar que en la placa del obelisco de la plaza de la Concordia de París, aparecen su nombre, el del diseñador y el de la firma.

Pierre Bergé obtuvo ganancias a medias de la filmación. Dado que no había firmado su permiso para autorizar la utilización de su imagen en el film, ganó la demanda y el documental quedó prohibido durante más de una década. No obstante, el fallecimiento del empresario en 2017 levantó el veto, debido a que en Francia los derechos de imagen solo se mantienen en vida.

Referencias:

Https://www.telva.com/moda/noticias/2019/11/08/5dc54cd902136e853b8b45d0.html

Https://www.lavanguardia.com/de-moda/moda/20191106/471427591627/estreno-documental-prohibido-yves-saint-laurent-piere-berge.html

Https://www.revistavanityfair.es/lujo/moda/articulos/yves-saint-laurent-documental-demanda-pierre-berge/41099

La Noche de las Dos Lunas: Una reflexión sobre la maternidad

La Noche de las Dos Lunas

La nueva película de Miguel Ferrari, La Noche de las Dos Lunas es una coproducción entre Venezuela y España. El filme  relata la historia de Federica (Prakriti Maduro), una mujer que descubre que el bebé que está esperando no comparte su ADN. Por tal motivo, acude a la clínica donde se practicó un tratamiento de fecundación in vitro. Allí reconocen que cometieron el error de intercambiar su embrión por el de otra pareja. La clínica identifica a la mujer a quien le implantaron el feto y revelaron que esta había tenido un aborto. Federica decide continuar con el embarazo y conservar el bebé, pero los padres biológicos (Mariaca Semprún y Luis Gerónimo Abreu) no lo aceptan y emprenden una batalla para recuperarlo.

Cartelera de La Noche de las Dos Lunas. Fuente: www.fotogramas.es

Sobre la película

En esta película el director plantea una lúcida reflexión sobre la maternidad. Frente a la situación, cada implicado defiende sus convicciones, por cuanto a que la maternidad pertenece a la madre biológica, independientemente del vientre del que provenga o viceversa. Ferrari configura una historia de ficción con la intencionalidad de poner de relieve temas complejos sobre conflictos humanos contemporáneos que sobrepasan, no solamente la jurisprudencia, sino además los debates, reflexiones y estudios desarrollados hasta en el campo moral y ético.

El cineasta resalta toma en cuenta hasta el más mínimo detalle como la estética del film, utilizando los colores o la composición de los planos para describir el estado mental de sus personajes; asimismo, emplea sus cuerpos de una manera expresiva y original hasta el momento del nacimiento del bebé. Esta magnífica película podría estar nominada a los Premios Goya de este año.

La Noche de las Dos Lunas de Miguel Ferrari
La Noche de las Dos Lunas de Miguel Ferrari. Fuente: http://www.programaibermedia.com/

El éxito en España

La Noche de las Dos Lunas fue estrenada en España el 30 de agosto del presente año, luego de recorrer por festivales internacionales que inició en Montreal, en el que estuvo nominada como la Mejor Película, continuó en Málaga y obtuvo el premio a la Mejor Fotografía (para Alexandra Henao) en el Festival del Cine Venezolano.

Ferrari, actor y director de cine, actualmente residenciado en Madrid, es el único venezolano que ha ganado un premio Goya, galardón que obtuvo con su ópera prima Azul y no tan rosa (2012), con la que completó otros trece premios y cuatro nominaciones. La noche de las dos lunas es una producción cinematográfica basada en un hecho real que enfrenta a dos mujeres por la maternidad de un bebé tras un error médico en la fecundación in vitro. La película recibió la ayuda de Ibermedia a la Coproducción en la Convocatoria 2018.

Exhibición en Venezuela

El director Miguel Ferrari, llega a Venezuela desde España para promover «La noche de las dos lunas». Esta película fue estrenada hace un año en el Festival des Films du Monde de Montreal en Canadá, y formó parte de la selección oficial de la cuadragésima segunda edición de este festival “Clase A”.  El filme fue estrenado este año con éxito en 15 ciudades españolas, manteniéndose en las carteleras durante cuatro semanas.

La película fue rodada en varias locaciones de Caracas, entre las que destaca el Parque Nacional El Ávila, y se exhibe en las salas de cine de Venezuela desde el 25 de octubre del presente año.

Una historia de la vida misma

El director explicó que la historia fue inspirada por un caso de la vida real, cuando en abril de 2014, se publicó en la prensa internacional una noticia que le llamó la atención. Se trataba de un caso  en el hospital público Sandro Pertini de Roma en Italia, en el que implantan por error los embriones de una mujer en el útero de otra. El conflicto legal llega cuando la embarazada quiere quedarse con los gemelos tras el parto, pero la madre biológica no estaba dispuesta a aceptarlo.

A Miguel Ferrari le pareció una excelente historia y obtuvo los recursos para comenzar la producción de “La noche de las dos lunas”, gracias al apoyo del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC), en coproducción con España, y para esto vuelve a trabajar con la productora Malas compañías a cargo de Antonio Hens.

La filmación de La Noche de las Dos Lunas
La filmación de La Noche de las Dos Lunas. Fuente: http://www.cnac.gob.ve/

El elenco de actores

Al ser una coproducción con España, Miguel Ferrari debía incluir un actor o una actriz que encajara en su nueva historia. María Barranco es una conocida actriz española con una amplia experiencia en ese país, y que en Venezuela es reconocida por su participación películas como “Mujeres al borde un ataque de nervios” (1988), “¡Átame!” (1989), “Las edades de lulú” (1990) y “Las brujas de Zugarramurdi”. A ella se une el actor español Juan Jesús Valverde junto al elenco venezolano conformado por Mariaca Semprún, Prakriti Maduro, Luis Gerónimo Abreu, Albi de Abreu, Christian Mcgafney, Julie Restifo, Sócrates Serrano.

Mariaca Senprum
Mariaca Senprum. Fuente: http://www.cnac.gob.ve/

Sobre el título

El título también alude a los ciclos menstruales femeninos, a la luz de la Luna llena en la noche. De ahí que en la estética de la película prevalezca el azul en contraste con el rojo marciano, en un ambiente acuoso, melancólico, como de una noche de lluvia, alusiva al vientre materno lleno de vida envuelta de líquido amniótico, al rompimiento de fuentes.

Caracas: La locación perfecta

En la cinta se pueden identificar claramente lugares como el poblado de Galipán en el Ávila, e incluso el teleférico, desde donde se encuadra una vista panorámica de la capital venezolana. También aparece el Teatro Teresa Carreño con sus Cubos virtuales blancos que se proyectan en el foyer de la Sala Ríos Reyna, así como los Cubos vibrantes  frente a la Sala José Félix Ribas, ambas obras de Jesús Soto, creador de otras obras icónicas de Caracas.

La urbanización Cumbres de Curumo, un tramo de la avenida Libertador y la biblioteca de la Universidad Católica Andrés Bello, entre otras locaciones, también sirvieron de escenarios en la película.

Recorrido

La noche de las dos lunas representará a nuestro país en los festivales de Francia y tiene previsto su estreno en Estados Unidos, aproximadamente, en noviembre del presente año. Asimismo, el filme venezolano-español ya se exhibió en Canadá durante la pasada edición del festival de Montreal.

Ficha Técnica

Categoría: Drama

Duración: 117 minutos

Director: Miguel Ferrari

Guión: Miguel Ferrari, Lupe Gehrenbeck

País: Venezuela, España

Idioma: Español

Intérpretes: Prakriti Maduro, Mariaca Semprún, María Barranco, Luis Gerónimo Abreu, Albi De Abreu, Juan Jesús Valverde, entre otros.

http://www.cnac.gob.ve/
Fuente: http://www.cnac.gob.ve/

Referencias:

https://www.trasnochocultural.com/pelicula/la-noche-de-dos-lunas/

https://www.fotogramas.es/festival-de-malaga/a26880060/la-noche-de-las-dos-lunas-miguel-ferrari-maternidad-maria-barranco/

http://www.eluniversal.com/entretenimiento/52709/la-noche-de-las-dos-lunas-llega-el-25-de-octubre-a-venezuela

http://www.programaibermedia.com/nuestras-noticias/la-noche-de-las-dos-lunas-la-nueva-pelicula-de-miguel-ferrari-se-estrena-en-espana-el-30-de-agosto/

http://www.cnac.gob.ve/?p=7379

https://www.fotogramas.es/peliculas-criticas/a28794300/la-noche-de-las-dos-lunas-critica-pelicula/

http://www.correodelorinoco.gob.ve/la-noche-de-las-dos-lunas-se-vera-desde-el-25-de-octubre-en-nuestro-pais/

La Moda en el Cine

Breakfast at Tiffany’s

La moda y el cine es una relación muy distintiva, ya que entre ambas industrias existe complementariedad. La misma se inspira en el cine, especialmente en sus icónicos y personajes para promover las nuevas tendencias, así como de establecer sus nuevos diseños y colecciones. El vestuario cinematográfico se define y forma parte de los personajes más emblemáticos y conocidos del séptimo arte.

La ropa ha sido la herramienta psicológica en las artes escénicas. El vínculo entre moda y cine, más allá de las pretensiones de las divas deseosas de lujo y glamour, está asociado a las grandes firmas como estrategia publicitaria. Sin embargo, los cineastas han recurrido a los creadores del momento para dar una imagen de sus personajes, a través de la indumentaria.

Dior en “Pánico en la Escena” (1950)

Si el maestro del suspenso Alfred Hitchcock deseaba que la actriz Marlene Dietrich interpretara a una sospechosa diva teatral, entonces tendría que usar vestidos usados por Christian Dior.

Además de usar varios trajes de chaqueta Bar, Dietrich se lució como una verdadera villana en el filme Cisne Negro, usando un vestido negro e coctel de la serie Milieu du Siecle, así como el Palais Rose, un modelo de noche de la colección Trompe-l’oeil (primavera/verano 1949).

Givenchy en “Sabrina” (1954)

Sabrina fue la película ganadora del Premio Oscar por el mejor diseño de vestuario. Sin embargo, La diseñadora no incluyó a Hubert de Givenchy en sus agradecimientos. La modista aseguró que el diseñador no participó en la concepción de la indumentaria del personaje encarnado por Audrey Hepburn en la película de Billy Wilder, a pesar de que la actriz exigió usar los modelos de alta costura de la mencionada firma, los cuales fueron escogidos por ella misma. Esto molestó tanto a la actriz que, a partir de entonces, decidió incluir entre las cláusulas de sus contratos que solo el modisto francés podía vestirla en todas sus películas.

Balmain en “Y Dios Creó la Mujer” (1956)

La película que convirtió a Brigitte Bardot en un ícono sexual, fue el medio de la creación de la moda francesa que daría inicio a la era del prêt-à-porter. El modista Pierre Balmain realizó una dinámica indumentaria, a solicitud del director Roger Vadim, la cual presentó funcionales vestidos de estilo camiseros y faldas tipo lápiz con y sin botones, camisetas, polos y maillots. Asimismo, el traje de novia, corto y con transparencias de encaje, marcaría un hito. La desinhibición y rebeldía sexual de la protagonista hizo el resto.

Gyvenchi en Breakfast at Tiffany’s (1961)

Audrey Hepburn es la actriz que representa y le da vida a la palabra ‘”elegancia” en el gran clásico Breakfast at Tiffany’s. Vestida por Givenchy, reencarna a Petite Robe, quien representa un símbolo de la amistad recíproca entre el cine y la moda. Elegantes perlas, una tiara y unos guantes son los accesorios de elección para el emblemático vestido de seda negro que la actriz utiliza con mucho estilo en la escena en  frente al escaparate de Tiffany´s.

Breakfast at Tiffany’s
Breakfast at Tiffany’s Fuente: www.azureazure.com

Chanel en “El Año Pasado en Marienbad” (1961)

El cineasta Alain Resnais pidió a Gabrielle Chanel que le proporcionara a la elegante Delphine Seyrig distintas piezas de su última colección de alta costura, de manera que el personaje interpretado por la actriz pudiera sentirse real en una atmósfera soñadora.

Los vestidos de chifón y las capas de tul con remates de plumas, los petite robe noirs y los trajes de chaqueta de jacquard metalizado fue la indumentaria utilizada para interpretar la compleja cronología de la narración de la producción cinematográfica.

Delphine Seyrig
Delphine Seyrig, vestida por Coco Chanel en ‘El año pasado en Marienbad’. Fuente: www.elpais.com

Balenciaga en “Prohibido Enamorarse” (1961)

El maestro de la costura vasco Cristóbal Balenciaga fue un sueño para el séptimo arte. El diseñador participó en la confección de las indumentarias utilizadas en el cine popular del Desarrollismo, gracias a su amistad con la actriz cómica Isabel Garcés, a quien vistió en la película Prohibido enamorarse.

Yves Saint Laurent en “Belle de jour” (1967)

Yves Saint Laurent definió con sutileza la transformación de Séverine, el personaje  que interpretó Catherine Deneuve, a través de unos diseños que muestran la máxima expresión de la feminidad, domesticada y sexualmente desatada.

El vestuario resulta tan sadomasoquista como las prácticas a las que se entrega la protagonista, al hacer de la modestia una perversión. En el filme se observa muchas de las piezas de grandes éxitos de Saint Laurent, tal como los abrigos de doble botonadura, que Deneuve haría luego suyos fuera de la pantalla.

Paco Rabanne en “Barbarella” (1968)

Se consideraba a Paco Rabanne como el responsable del vestuario de la heroína espacial en la adaptación cinematográfica de los cómics de Jean-Claude Forest, debido a que experimentaba con metales y plásticos en aras de la costura del futuro. Sin embargo, fue el artista de figuras Jacques Fonteray quien creó aquellos atuendos desnudistas, de referencias orientales y medievales, inspirados en las ideas del diseñador, según consta en los créditos del filme.

Barbarella
Jane Fonda vestida por Paco Rabane en «Barbarella». Fuente: www.elpais.com

Saturday Night Fever (1971)

John Travolta con sus vistosos bailes y el ritmo de la música disco acompañada de grandes plataformas, pantalones campanas y las camisas de cuello en forma de la letra V, se convirtieron en la vestimenta de elección de los jóvenes en los años 70. La década de los 70 es sinónimo de Saturday Night Fever.

Saturday Night Fever
Saturday Night Fever. Fuente: sundancetv.la

Guy Laroche en ‘El gran rubio con un zapato negro’ (1972)

La comedia de espías, clásico de Yves Robert, donde su coprotagonista femenina, la inolvidable actriz francesa Mireille Darc estaba envuelta en un vestido de terciopelo negro con la espalda desnuda hasta el final de la misma, confeccionado por Guy Laroche.

Grease (1978)

La moda y estilo impuesto por Grease, realza el cabello engominado y patillas en los chicos, mientras que en las chicas visten con pantalones de cuero.

Giorgio Armani en ‘American Gigolo’ (1980)

John Travolta, aficionado a la moda de Giorgio Armani, convenció al director Paul Schrader para que le permitiera diseñar la indumentaria del personaje protagónico interpretado por Richard Gere en la película American Gigolo. Sus trajes de corte holgado, tejidos livianos, colores suaves y hombreras, dieron carta de naturaleza al hombre de éxito de los ochenta, al tiempo que se revelaba como nuevo tótem de la moda internacional.

Azzedine Alaïa en “A View To A Kill” (1985)

En su última interpretación como Agente 007, Roger Moore encontró la horma de su zapato en la modelo y cantante jamaiquina Grace Jones. En la decimocuarta entrega de la serie de películas de James Bond, Azzedine Alaïa, fue la firma responsable de vestir a Jones con algunos de los modelos que detallan su poderoso físico esculpido en cuero, punto y seda; así como  los vestidos de segunda piel con capucha.

Grace Jones
Grace Jones En la Mira de los Asesinos.. Fuente: www.elpais.com

Francis Montesinos en ‘Matador’ (1986)

Matador es la película en la que se recrea un desfile del diseñador de modas Francis Montesinos, en la que aparece la actriz Eva Cobo como novia ensangrentada.

Valentino: El Último Emperador (1987)

El último emperador es un documental dedicado al diseñador italiano, Valentino Garavani, ya que la película está repleta de escenas gloriosas donde se muestra un desfile de modas de alta costura opulento y lleno de celebridades.

Valentino en El Último Emperador
Valentino en El Último Emperador. Fuente: www.eurochanel.com

Prada en ‘Romeo+Julieta’ (1996)

La versión del drama de Shakespere a cargo de Baz Luhrmann, traslada la la rivalidad entre Montescos y Capuletos de la Verona medieval a la Venice Beach de California. La camisa hawaiana y el traje azul marino que Leonardo DiCaprio (Romeo) lleva en la escena la boda con Claire Danes (Julieta) marcaron la indumentaria del filme de la mano de Miuccia Prada.

Jean Paul Gaultier en ‘El quinto elemento’ (1997)

En la superproducción de Luc Besson, el diseñador Jean Paul Gaultier se encargó de vestir hasta el último extra con 954 atuendos elaborados para el film.

Mila Jovovich
Mila Jovovich vestida por Gautier en «El Quinto Elemento». Fuente: www.elpais.com

Rodarte en «Cisne negro» (2010)

En el drama psicosexual de Darren Aronofsky, los diseños de Rodarte, entre ellos los vestidos de cisne negro y cisne blanco que presentan todas las características de las Mulleavy, esa aproximación experimental a la costura, de carácter deconstructivo y abundante en velos que Natalie Portman, estrella del filme, ha exhibido por las alfombras rojas.

Natalie Portman "El Cisne Negro"
Natalie Portman «El Cisne Negro». Fuente: www.elpais.com

The Devil Wears Prada (2006)

El mundo de la moda ha resultado un argumento atractivo para el cine como es el caso de The Devil Wears Prada, titulada en Latinoamérica como El diablo viste a la moda de David Frankel. La película protagonizada por Anne Hathaway y Meryl Streep cuenta la historia de Andrea, una mujer recién contratada en una prestigiosa revista de moda como asistente de la editora, Miranda. Su trabajo parece simple y enriquecedor, pero lejos de la realidad, la joven ayudante se enfrenta a un infierno y se decepciona del entorno que pensaba que era un paraíso.

Referencias

http://www.sundancetv.la/blog/el-cine-y-la-moda

https://elpais.com/elpais/2019/03/18/estilo/1552925566_267045.html

https://www.azureazure.com/es/moda/moda-y-cine-una-mutua-atraccion