Los libros infantiles que te harán viajar

A continuación, recomendamos los 5 libros infantiles que te inspirarán a cambiar tu vida y a elegir mejor tu próximo destino; además, si vas de vacaciones familiares, convertirás a tus pequeños en incansables aventureros.

La Mansión de Calipa, por Tahir Shah

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La Mansión de Calipa, por Tahir Shah. Fuente: oceandrive.com.ve

El aclamado escritor de viajes inglés, Tahir Shah se llevó a su esposa india a Marruecos, donde viajó cuando era niño. La Mansión de Calipa es un libro extraordinario que te hará enamorarte de la cultura de Marruecos. El autor comparte el relato del traslado de su familia desde la brumosa Londres a la ciudad de Casablanca, donde convergen la tradición islámica y el folklore africano. Los testimonios del autor, enamoran al lector y lo hacen sentirse parte fundamental de la mágica historia.

Tahir Shah y su esposa, Rachana, cogieron a su familia en aumento y compraron una mansión abandonada y en ruinas. La casa vacía atrae a los yinn, espíritus invisibles propios del mundo musulmán, cuya presencia entorpece el sueño y los planes de renovación de la familia de Shah. Desde el ritual del exorcismo hasta las relaciones con los gánsteres vecinos, tendrán que habérselas con una cultura nueva de tradición islámica y el folklore africano. La Mansión del Califa traza el mapa de un año en la vida de una familia que se arriesga en un mundo de agudos contrastes al que cualquier verdadero amante de la aventura estaría encantadísimo en llamar su auténtico hogar.

Comer, Rezar, Amar, por Elizabeth Gilbert

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Comer, Rezar, Amar, por Elizabeth Gilbert. Fuente: oceandrive.com.ve

El libro esconde cientos de secretos que jamás llegaron a la película de Julia Roberts. Gilbert narra la historia de Elizabeth, de treinta y tantos años, deja atrás un matrimonio de siete años, un divorcio desgarrador y un desastroso romance posterior. Ante la necesidad de alejarse de todo, Elizabeth decide dar el gran paso, respirar hondo, dejar todo y marcharse de Nueva York. Así emprende un viaje a Roma (para aprender a comer), a la India (para aprender a rezar), y a Bali, (para aprender a amar).

Así que Elizabeth llega a Roma, donde descubre los placeres de la ciudad y conoce a Giovanni, quien posee el poder curativo de la pizza. Después de Italia, Elizabeth continúa su viaje por otros países, hasta dar la vuelta al mundo y, luego de conseguir la paz consigo misma, regresa a Nueva York.

Esta novela de autoayuda, es una reflexión sobre el amor en sus diferentes representaciones. Incluso el más escéptico lector soñará con encontrar a Dios algún día en un lugar de la India o quizá en un pedazo de pizza. La delicadeza de su historia, te hará enamorarte de los 3 destinos que son completamente diferentes. Y así como cada viaje tiene el poder de cambiarte la vida, la escritora analiza las posibilidades de sanación de cada lugar que visita.

Suave es la Noche, de Scott Fitzgerald

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Suave es la Noche, de Scott Fitzgerald. Fuente: oceandrive.com.ve

La última novela de Fitzgerald es una trágica historia de amor sobre Dick Diver, un psiquiatra estadounidense que se casa con su paciente Nicole una rica y atractiva joven emocionalmente perturbada. Dick se ve atrapado en una complicada relación con su mujer, y conoce a Rosemary, una actriz más joven que él, de la que se enamora, convirtiéndola en su amante. A partir de entonces, su vida se precipitará por una pendiente de miserias que salpican tanto a sus relaciones personales como al amor.

Suave es la noche, la novela más humana y compleja de  Fitzgerald . Es una narración de amor y pasión, que se ambienta en la Riviera francesa en la década de 1920, que te hará enamorarte completamente del ambiente francés y comprenderás que a veces, una atmósfera maravillosa y tranquila no es suficiente para vivir una historia de amor.

Jardines de Canela, de Shyam Selvaduraj

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Jardines de Canela, de Shyam Selvaduraj. Fuente: oceandrive.com.ve

Jardines de Canela es un barrio residencial de Colombo, capital de Sri Lanka. Transcurre el año 1927, cuando la independencia y el sufragio universal perturban las aguas del milenario país, donde las mujeres se limitan al silencioso cumplimiento de los deberes en el hogar, sin eclipsar jamás al hombre.

La historia se centra en un turbulento periodo de cambios, el cual le ha tocado vivir a Annalukshmi, una joven cuyos estudios se consideran casi un crimen y un obstáculo para encontrar marido. Tras escandalizar al barrio entero yendo en bicicleta a su trabajo, su madre decide buscarle el hombre adecuado para que siente cabeza. Al mismo tiempo, conocemos la historia de Balendran, un cabeza de familia ejemplar e hijo del mudaliyar, el encargado de poner en práctica la política colonial. La inesperada visita de un antiguo compañero de los tiempos de universidad en Inglaterra tiene un efecto perturbador sobre el protagonista.

Jardines de Canela es un retrato teñido de nostalgia sobre la placidez de la vida colonial súbitamente sacudida por la convulsión de los acontecimientos políticos. Los protagonistas, estimulados por el aire fresco de la libertad, ya no soportan vivir bajo el yugo de las convenciones sociales y deciden despojarse de sus complejos y expresar libremente sus deseos más íntimos. El paraíso perdido de Sri Lanka, es un lugar que puede ofrecerte una desconexión sensorial extraordinaria, sumergida en la magia del caribe.

La Joven de la Perla, por Tracy Chevalier

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La Joven de la Perla, por Tracy Chevalier. Fuente: oceandrive.com.ve

La joven de la perla es una novela histórica que tiene lugar en Delft, Holanda y está inspirada en el cuadro del pintor holandés Johannes Vermeer La joven de la perla. En el siglo XVII, Griet, una chica de 16 años, vive con su familia en el barrio más pobre de Delft, en el Reino de los Países Bajos. Cuando el padre de Griet queda ciego tras sufrir un accidente en un horno de cerámica, la joven se ve obligada a emplearse como doncella en la casa del pintor Vermeer a cambio de un mísero salario. Al principio se le cuesta adaptarse a los nuevos desafíos que la vida tiene para ella, pero pronto, se convertirá en musa. Con el encanto de la Europa del siglo XVII, Chevalier te hace entrar en una atmósfera nostálgica llena de tranquilidad y misterio.

Las Aventuras de Tin Tin, por Hergé

Las Aventuras de Tin Tin
Las Aventuras de Tin Tin, por Hergé. Fuente: oceandrive.com.ve

Las aventuras de Tintín  es una serie de historietas europeas del siglo XX, creada por el Georges Remi, conocido como Hergé. Tintín, el héroe de todas las infancias, el que recorrió el mundo enderezando entuertos y saliendo vencedor sus arriesgadas aventuras. Con recorridos increíbles por diferentes partes del planeta, Tintin es el primer acompañante ideal para iniciar a los niños en un viaje de mágicas aventuras. Sus narraciones sencillas pero llenas de detalles y maravillosas experiencias, transformarán a cualquier pequeño en todo un aventurero de corazón.

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/5-libros-que-te-haran-querer-agarrar-el-primer-avion-que-veas-mas-uno-para-ninos/

https://elgeniomaligno.eu/shah-tahir-la-mansion-del-califa-nuestro-primer-ano-en-casablanca-alcala-la-real-ediciones-alcala-2008-mirko-lampis/

http://www.lecturalia.com/libro/37376/comer-rezar-amar

https://www.hermidaeditores.com/suave-es-la-noche

http://quelibroleo.hola.com/jardines-de-canela

https://books.google.co.ve/books/about/Jardines_de_canela.html?id=Wo-_AAAACAAJ&redir_esc=y

http://quelibroleo.hola.com/la-joven-de-la-perla

https://es.wikipedia.org/wiki/La_joven_de_la_perla_(novela)

https://www.revistadelibros.com/articulos/las-aventuras-de-tintin-de-herge

https://es.wikipedia.org/wiki/Las_aventuras_de_Tint%C3%ADn

 

Los Maestros de Simón Bolívar

maestros

Simón Bolívar, durante su infancia y juventud, tuvo la mejor educación por parte de los maestros más destacados en el siglo XVII y que influyeron en la vida del Libertador como Don Simón Rodríguez y Andrés Bello.

La educación humanista que tuvo el Libertador fue la base de lo que fue su desempeño a lo largo de la vida. Sin embargo, Bolívar también contó con otros profesores que existían para esa época y que ayudaron en su formación educativa. Entre ellos podemos mencionar a aquellos catedráticos y mentores como el Licenciado Sanz, el Padre Andújar, Guillermo Pelgrón, Carrasco y Vides, el Padre José Antonio Negrete, entre otros.

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El niño Simón Bolívar. Fuente: www.simonbolivar.info

El joven Bolívar además de la educación que recibía de sus tutores antes mencionados, también que se dice que fue impulsado por sus maestros.

Esto más adelante, cuando estuvo en Europa se interesó por la política y los libros clásicos de los autores de la antiguedad, griegos y romanos: Homero, Polibio, Plutarco, César, Virgilio. Asimismo, los clásicos modernos de España, Francia, Italia e Inglaterra lo introdujeron en este tipo de lecturas; así como, los más diversos sectores intelectuales: desde filósofos y políticos como Hobbes, hasta poetas como Tasso y Camoens, pasando por naturalistas como Buffon, astrónomos como Lalande y economistas como Adam Smith. En sus cartas pueden hallarse muchos nombres recomendados por sus maestros, entre los que detacan los enciclopedistas y planificadores de la Revolución Francesa como Montesquieu, Rousseau, D`Alembert, Condillac y Voltaire.

Francisco A. Carrasco: profesor de aritmética y escritura

Bolívar recibía  sus primeras lecciones aritmética y escritura de la mano de Francisco A. Carrasco, un empleado de altísima confianza de la familia Bolívar y tutor de Simón y sus hermanos. Carrasco se desempeñaba en labores de contador y cajero en una tienda de importaciones.

Don Fernando Vides: profesor de aritmética y escritura

Don Fernando Vides instruyó al niño Simón en las clases de aritmética, primeras letras y escritura y fue el tutor de sus hermanos.

Fray Francisco de Andújar

El Fray Francisco de Andújar, un monje capuchino fundador de la academia de matemáticas en Caracas, fue el responsable de la formación en matemáticas de Simón Bolívar, durante su niñez.

Guillermo Pelgrón

Don Guillermo Pelgrón le dio clases a Simón Bolívar en lengua y cultura latina y gramática.

Pedro Palacios y Sojo

Pedro Palacios Sojo, también conocido como el “Padre Sojo”, fue un sacerdote y maestro de música desde mediados del siglo XVIII. Fue maestro y tío abuelo por la línea materna de Simón Bolívar, quien estableció una relación estrecha con el joven a través de la enseñanza de la música.

El Padre Sojo tenía su escuela de música, establecida en el pueblo de Chacao en Caracas. Allí instruyó a grandes músicos de la historia de Venezuela como José Ángel Lamas, Juan José Landaeta (autor de la música del Himno Nacional de Venezuela), Lino Gallardo, Cayetano Carreño, entre otros.

José Antonio Negrete

Fue maestro de Bolívar en las cátedras de historia y religión.

Simón Rodríguez

Simón Rodríguez
Simón Rodríguez. Fuente: elpais.com

Simón Rodríguez fue un escritor, filósofo y educador venezolano, reconocido tanto por sus obras como por haber sido el más influyente de los maestros y mentores de Bolívar.

Rodríguez ejerció la docencia en la Escuela de Lectura y Escritura para Niños, donde conoció al pequeño Simón, y presentó sus críticas, inspirado en las ideas de Rousseau, acerca del modelo educativo de las naciones americanas.

Rodríguez destacó la importancia que cada república independiente debía darle a la originalidad en sus modelos e instituciones, a través de su célebre obra Sociedades Americanas.

Simón Bolívar
Simón Bolívar. Fuente: www.simonbolivar.info

Ávido lector y amante de la libertad, Simón Rodríguez impactó en Bolívar durante la adolescencia, cuando su familia lo envió a Europa para que aprendiera de bellas artes y buenas costumbres.

En Europa, Rodríguez y Bolívar se reencontraron en Francia en el año 1804, donde influyó en como mentor e impulsó sus ideas independentistas en el futuro Libertador. Ambos viajaron por Francia e Italia, presenciaron la coronación de Napoleón Bonaparte como rey de Italia y subieron juntos al Monte Sacro, en Roma, donde Simón Bolívar recitó su célebre juramento por la Independencia de América.

Andrés Bello

Andrés Bello
Andrés Bello. Fuente: biografiadee.com

Andrés Bello fue uno de los humanistas y educadores más importantes de toda la historia de Venezuela y América Latina. Su trabajo de Bello dio origen al Código Civil; realizó su crítica más importante en el proceso independista; promovió la creación de instituciones educativas y medios de comunicación; aportó grandes obras a la literatura y al estudio de las primeras letras, entre otras contribuciones al humanismo.

Bello le impartió clases particulares de Geografía y Literatura a Simón Bolívar. Años más tarde, ambos conformaron en Europa la expedición diplomática hacia Londres para conseguir financiamiento para la causa independista.

Jerónimo Ustáriz y Tovar (Marqués de Ustáriz)

Bolívar, a los 15 años de edad, fue recibido en la cómoda casa del Marqués de Ustáriz en Madrid. Fue una de las personalidades más importantes en la vida y formación de Bolívar, a pesar de que la historiografía se enfoque en la influencia de Rodríguez y Bello.

En Madrid, Bolívar profundizó en sus lecturas de filósofos ilustrados, clásicos de la antigüedad, historiadores, oradores y poetas, incluyendo los clásicos modernos de España, Francia, Italia y Gran Bretaña. Además aprendió de equitación, baile y esgrima.

Alexander von Humboldt

Alexander von Humboldt
Alexander von Humboldt. Fuente: elpais.com

Alexander von Humboldt fue científico y naturalista alemán de gran influencia para la humanidad. Conoció a Bolívar durante su estancia en París y establecieron un lazo de amistad que se prolongó hasta la muerte de Bolívar, en 1830.

Humboldt dedicó varios años de estudio a la naturaleza del Nuevo Mundo. Bolívar nutrió su pensamiento de profundo humanismo, cosmovisión, respeto y conciencia naturalista. Asimismo, el Libertador reconoció cada descubrimiento como una hazaña que había dado más al continente que cualquier otro conquistador.

Referencias:

https://www.simonbolivar.info/maestros-de-sim%C3%B3n-bol%C3%ADvar

https://www.lifeder.com/maestros-simon-bolivar/

Los artistas venezolanos contemporáneos

Artistas venezolanos

Los artistas venezolanos transforman el caos cotidiano en creaciones maravillosas consideradas como verdaderas obras de arte, y que le dan al espectro artístico, todos los matices necesarios para brillar.

Alejandro Brito y su mágico foto realismo

El realismo de sus pinturas impresiona hasta a los más escépticos. Alejandro Brito es un artista dedicado a la pintura hiperrealista como forma de expresión pictorica, utilizado herramientas como el pincel y la aerografia para plasmar la belleza de la realidad en distintos medios como el lienzo, el cartón y la madera. Comenzó estudiando administración industrial, pero el arte y la pintura el amor de su vida  y de su mente. Ahora es un artista consolidado especializado en foto realismo con aerografía. Su misión es hacer que el público sienta cada una de las texturas de su obra.

Artistas venezolanos
Alejandro Brito. Artista Venezolano. Fuente: oceandrive.com.ve

Gato Botz; un espectáculo surrealista

Su talento logra transformar Caracas en el escenario perfecto de una obra surrealista. Su carrera comenzó con el diseño gráfico y con el tiempo se vió seducido por la fotografía. Caracas se convirtió en su musa y decidió transformarla para crear una “ciudad surrealista”. Su misión es darle al público una visión diferente de la cotidianidad, “muestro las obras arquitectónicas de la ciudad (…), para luego jugar con ellas desde la pantalla y hacer una intervención urbana”, comenta el artista.

Siul Rasse y su arte pictórico

Siul Rasse

Siul Rasse es una artista plástica venezolana nacida en La Guaira. Se graduó en la Universidad de Artes Plásticas (IUESAP) Armando Reverón, actualmente Universidad Nacional Experimental del Arte (UNEARTE), obteniendo en  el título de Licenciada en Artes Plásticas. Es una de las artistas venezolanas contemporáneas que promete convertirse en todo un ícono del arte nacional. Ha desarrollado su obra pictórica centrada en el dibujo y la pintura, con intervenciones a escala mural. Sus obras han sido exhibidas en importantes galerías nacionales e internacionales. Sus dibujios y pinturas presentan  acumulaciones de trazos, atmósferas cromáticas y texturas visuales. También dió inicio a nuevas posibilidades dentro del campo escultórico, donde sus obras se convirtieron en volúmenes orgánicos.

Reymond Romero y sus líneas de colores

Reymond Romero
Reymond Romero. Fuente: oceandrive.com.ve

Es un artista plástico residenciado en Carcas (Venezuela). Se formó en la Universidad de Artes Plásticas IUESAP Armando Reverón, actualmente UNEARTE, como Licenciado en Artes Plásticas, mención Multimedias y especializado en Textil Art y Fashion Art. También realizó sus estudios de Mercadeo del Arte en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos).

Reymond Romero es un artista vanguardista considerado el mejor colorista de su generación. Su trayectoria está avalada por diversas exposiciones a nivel nacional e internacional. Ver su obra es completamente indescriptible, con una utilización sublime del textil, el artista logra crear una textura que cautiva al público. “Mi obra se caracteriza por generar espacios visuales rigurosamente planificados, donde la superposición de contrastes y la colocación sucesiva de analogías que provienen de la abstracción geométrica, me han permitido generar secuencias cromáticas lineales en búsqueda de la sensación de movimiento”.

Romero ha  obtenido premios y reconocimientos formando parte de colecciones nacionales e internacionales. El objetivo del artista es seducir al espectador para que interactúe con un espacio tridimensional que solo puede ser percibido por los observadores más curiosos. Define su arte como un estudio del textil desde la perspectiva de la volumetría del color.

Tita Beaufrand; un espectáculo tropical

Las fotografías de Tita Beaufrand son la realización de un discurso creativo de fuerte fondo gráfico y experiencia visual que recrea la belleza sensual de la flora tropical, la exuberancia del color, los patrones orgánicos de la naturaleza y los expande a otros territorios desde la superficie de las cosas.

Basándose en fotografías que se procesan como arte gráfico, estas imágenes adquieren una calidad cercana a la pintura, se convierten en enfoques originales «fotográficos» como resultado de un elaborado proceso conceptual y digital. El color adquiere una nueva dimensión que explota en relaciones vibrantes y las formas se vigorizan, como si el espíritu del pop y el arte cinético se unieran en nuevas y divertidas relaciones.

Tita Beaufran
Tita Beaufran. Fuente: oceandrive.com.ve

Las secuencias compuestas que confrontan múltiples imágenes son signos de un vocabulario particular que establece relaciones estéticas y conceptuales; como en un juego de memoria que te invita a explorar el espacio y la forma, para hablar sobre la belleza, el entorno tropical, la naturaleza y sus espacios. Este universo sensual y visual es un discurso contemporáneo y creativo, construido como una radiografía particular del alma de las plantas; sus posibilidades y significados.

Sofía Saavedra; el arte con calor venezolano

Sofía Saavedra
Sofía Saavedra. Fuente: oceandrive.com.ve

Sofía Saavedra ofrece una identidad pictórica que mezcla a los más importantes exponentes de la pintura venezolana. La artista encentra su libertad creativa en un lienzo, pintura y un par de pinceles. “La pintura es un espacio para construir la libertad, es un auténtico medio de resistencia hacia la homogenización de los seres humanos, se convierte así en el medio ideal para transmitir la otredad y al mismo tiempo asumir el juego representacional de ser otros y así, poder complementarnos en la diferencia”, explica Saavedra.

Raúl Cardozo; el artista que narra la historia del país

Alcanzó la fama con su mural titulado “Una cena importante con Venezuela”, en la que eligió a los más importantes representantes de la historia del país -según su criterio- y los reunió a todos en una misma mesa. Su estilo es muy moderno y contemporáneo. “Cada momento que pienso en nuestra historia, comprendo que somos el resultado de cuantiosos acontecimientos y decisiones, pero también de personas que merecen que le rindamos honores por lo que hicieron, lo que lograron, pero sobre todo por la impronta que dejaron en todos venezolanos, una cena sería la ocasión propicia para homenajearlos”, explica Cardozo.

Alberto José Sánchez y yuxtaposición de colores

Alberto José Sánchez nació en caracas, Venezuela en 1979.  Su pasión por la pintura comenzó desde muy temprano, se graduó en Negocios y tiempo después decidió dedicarse de lleno a su verdadera pasión: el arte contemporáneo.

Alberto José Sánchez
Alberto José Sánchez. Fuente: oceandrive.com.ve

En la adolescencia mostró interés por el arte cinético, experimentando y creando diversas obras con características claras de esta corriente artística. Su identidad pictórica la consiguió estudiando el arte cinético de Carlos Cruz-Diez, quien fue su principal mentor. Igualmente el artista plástico Jesús Soto fue una influencia importante durante esta etapa del artista. Se gradúa en Administración en la Universidad Metropolitana de Venezuela, pero nunca se desvincula del medio artístico. Años más tarde cursa estudios de Arte Contemporáneo en la Universidad Metropolitana.

Desde el 2007, Sánchez comenzó a desarrollar sus propias piezas con carácter óptico abstracto y geométrico. Sus obras se basan en figuras netamente geométricas en dos dimensiones, estructuralmente definidas para generar y sugerir una formación tridimensional gracias también a la aplicación de colores contrastantes y al uso de sombras. Su mural más grande se encuentra en la Iglesia Don Bosco en La Castellana.

Artistas venezolanos
El arte de Alberto José Sánchez. Fuente: oceandrive.com.ve

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/el-arte-es-vida-10-artistas-venezolanos-contemporaneos-maravillosos-que-amaras/

https://gbgarts.com/artistas/siul-rasse/

http://www.reymondromero.com/

https://www.titabeaufrand.com/

https://www.eluniversal.com/entretenimiento/2002/fabian-solymar-dagor-respira-propio-arte

https://elestimulo.com/ub/el-graffiti-nunca-muere/

https://www.france24.com/es/20190611-la-entrevista-wolfgang-salazar-badsura

http://albertojosesanchez.com/biografia

 

Ayounik Style: La marca que une el Medio Oriente y Occidente

Ayounik

Damia Frangie Mawad, una caraqueña abogado y locutora quien decidió fundar su propia marca especializada en pulseras. Nacida en Venezuela de familia libanesa, Frangie es una emprendedora  apasionadas por la moda y tenía la idea de crear “Ayounik”, una marca que refleja y plasma esa mezcla cultural del Medio Oriente y Occidente».

Ayounik es una palabra en árabe que significa “tus ojos”. Para Damia los ojos son algunas de las obsesiones que le atraen desde pequeña, debido a la presencia tan marcada que tienen en la cultura del Mediterráneo. Al igual que el brillo, las piedras, lentejuelas y escarcha, es decir, toda esa fantasía mágica que incluye al medio oriente.

Damia Frangie Mawad
Damia Frangie Mawad. Fuente: pinterest.es

Ayounik  conjuga la cultura libanesa con la venezolana

La marca busca reflejar esa mezcla que involucra la practicidad, sencillez y alegría de occidente con el brillo, el misticismo y la fuerza cultural del Medio Oriente.

Los productos de Ayounik

Ayounik  ofrece seis líneas de pulseras, algunos zarcillos y anillos. Los modelos de pulseras son únicos y hechos totalmente a mano. Éstas son tejidas con hilos de colores llamativos;  posteriormente, son intervenidas con cristales en distintos colores, formas y estilos que resaltan la pureza y el brillo. La marca utiliza hilos de algodón de colores, cristales y apliques especiales.

Ayounik
Las pulseras coloridas de Ayounik. Fuente: www.elimpulso.com

¿Quiénes participan en el proceso creativo?

Los diseños son propios de Damia Frangie. El proceso creativo comienza con ideas que nacen de paisajes, imágenes, materiales, colores y texturas.

¿Dónde encontrar sus creaciones?

Ayounik  vende directamente a través de su cuenta de Instagram, @AyounikStyle y mediante el correo info@ayounik.com; así como en su página web internacional. Asimismo, dispone de 40 tiendas en Venezuela y algunas en Miami, Panamá y México.

Ayounik y Shop VF rinden un homenaje a Carlos Cruz Diez

La identidad artística de Venezuela, se mueve al ritmo del arte cromático del maestro del cinetismo Carlos Cruz Diez. A  fin de rendirle honores al célebre artista plástico, Ayounik en conjunto con Shop VF, diseñaron una serie de pulseras de cuentas que se asemejan a sus colores.

Ayounik
Ayounik VF hace un homenaje a Venezuela con su nueva línea de joyería. Fuente: oceandrive.com.ve

El piso del Aeropuerto Internacional Simón Bolívar es un ícono de nuestra cultura debido a sus colores, siendo todo un símbolo nacional. Ayounik unió su talento con Shop VF, para crear una pieza inspirada en el mencionado terminal aéreo.

Se trata de un pedacito de su tierra pegado a la muñeca. Ambas marcas, además de  honrar al maestro Cruz Diez, trabajan juntas en pro de una misión titulada “Beca a un pana”.

La misión “Beca un pana”, tiene como propósito ayudar a los venezolanos a crecer y al desempeño académico de los jóvenes, tomando en cuenta su participación cultural y deportiva. Ayounik y Shop VF apuestan e invierten en la educación venezolana facilitando herramientas de crecimiento y desarrollo; y que permitan a las nuevas generaciones alcanzar su independencia económica y crear nuevas oportunidades en un mundo competitivo.

Ayounik enaltece a Venezuela en LAFS

En la segunda edición del Latin American Fashion Summit (LAFS), celebrado este año en Cartagena Colombia, el talento venezolano fue enaltecido gracias a los accesorios de Ayounik.

Ayounik
Ayounik deja en alto el talento venezolano con sus accesorios. Fuente: oceandrive.com.ve

En dicho evento, los diseñadores, empresarios, expertos y grandes celebridades de la confección, presentaron cientos de propuestas novedosas que buscan posicionar a Latinoamérica como una potencia de moda. Fue la única marca venezolana entre los patrocinantes que se encargó de hacer más de 500 pulseras, completamente a mano, que fueron entregados a los participantes al momento de registrarse para el ingreso al evento.

El propósito de la pulsera es conectar a todos los asistentes entre sí; y a la vez, conectarlos con la historia de la moda y la preservación de técnicas ancestrales en la industria por cientos de miles de años. Dichos accesorios tenían frases icónicas inspiradas en la novela “Amor en tiempos de cólera”, del famoso escritor colombiano Gabriel García Márquez.

Ayounik sigue apoyando al talento venezolano. Su participación en la LAFS la posiciona como una de las marcas venezolanas con mayor proyección internacional.

Los accesorios Ayounik vinculados al e-commerce

La marca de accesorios se une al e-commerce. Damia Frangie, directora y diseñadora de la firma, aseguró que con este servicio sus clientes disfrutarán de ventajas exclusivas.

Desde su lanzamiento en 2014, Ayounik ha sido una referente en el diseño de accesorios. Esta aceptación se ha concretado a través de las alianzas con otras marcas de moda como Melao, Khoül Outfits, Seta Appareal y Beco.

La firma ha conquistado el territorio internacional con10 tiendas en Estados Unidos, tres en Panamá, cuatro en Líbano, dos en República Dominicana, Aruba y España; así como, en Croatia, Dubái y Australia.

Debido al imponente estilo de sus pulseras hechas a mano y con una producción superior a 1000 por día, la casa ha obtenido mayor alcance a través del e-commerce. A esta oportunidad de venta, también se suman otros éxitos como la participación de la misma en diferentes desfiles.

Ayounik se une al e-commerce. Fuente: oceandrive.com.ve

Referencias

¡Carlos Cruz Diez en tu muñeca! Ayounik VF hace un homenaje a Venezuela con su nueva línea de joyería

https://archivo.entornointeligente.com/articulo/9251107/Ayounik-Style-Accesorios-con-mezcla-del-Medio-Oriente-y-Occidente-15112016/

¡Venezuela presente en LAFS! Ayounik deja en alto el talento venezolano con sus accesorios

https://www.eluniversal.com/estilo-de-vida/10333/los-accesorios-ayounik-se-unen-al-ecommerce

https://www.elimpulso.com/2015/07/26/revistagala-ayounik-tejido-y-color-para-su-muneca/

El arte de la joyería en la historia

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El arte de la joyería, forma parte de la historia artística de nuestras regiones, y le ha dado un significado en la era del cobre, del bronce y  del hierro. Los seres humanos han utilizados joyas como símbolo de estatus, como filiación étnica o religiosa, de significado personal o para intercambio comercial.

Las joyas en la antigua Grecia

En la joyería en la antigua Grecia era frecuente el uso de joyas que respondían a la necesidad de adornarse. El uso de collares, pendientes, pulseras y anillos era lo más habitual. También las diademas y cadenas o cinturones eran frecuentes en las ceremonias. Por otra parte, las fíbulas y alfileres eran utilizadas para sostener las prendas en las vestimentas.

El uso de metales y gemas preciosas se remontan a 1600 a.C y, hacia el siglo 300 a.C., los griegos empleaban amatistasesmeraldas y perlas. Sus técnicas se basaban en piezas fundidas y piezas martilladas. Sin embargo,  el trabajo de granulado, filigrana, cincelado era el más frecuente. También es habitual encontrar piezas en oro repujado. Los griegos trabajaron el engaste de piedras en sus joyas, así como el uso de esmalte.

En la iconografía de las joyas era muy diversa, estaban presentes los motivos vegetales tales como rosetas, palmetas, hojas y bellotas; así como figuras de animales como los carneros, leones, serpientes y esfinges. También se evidenciaban representaciones humanas como divinidades y héroes. Estos motivos eran muy comunes en gargantillas, diademas, pendientes, sortijas o anillos y pulseras.

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Brazalete griego. Fuente: www.balclis.com

La joyería romana

La Joyería romana tuvo inspiraciones muy diversas, debido a la utilización de una gran variedad de materiales y recursos naturales extraídos de los territorios que estaban bajo su dominio. Además, como buenos comerciantes, accedieron a exóticas piedras preciosas que venían del lejano oriente.

Las joyas más utilizadas fueron broches, pulseras, pendientes, sortijas, botones y gargantillas entre otras. Los romanos usaron metales como la plata y el bronce, siendo el oro el más preciado. Asimismo, emplearon gemas preciosas como zafirosdiamantesesmeraldas gemas orgánicas como madera petrificada y ámbar.

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Collar romano. Fuente: www.balclis.com

La joyería en la Edad Media

Tras la caída de Roma, la joyería medieval destacó por la calidad de sus piezas. La Edad Media se caracterizó por joyas de plata como fíbulas, prendedores, collares, pendientes, horquillas y brazaletes.

De igual manera, los anillos o sortijas, pulseras, pendientes, broches, collares y fíbulas eran engarzadas con importante pedrería y eran muy usadas por la civilización de la época. Las armas también eran adormadas como joyas.

Las piedras preciosas se adquirían a través del comercio, siendo más frecuentes los zafiros que venían de Ceilán y Persia, las esmeraldas de Egipto y los diamantes de la India y África Central.

Las piezas de índole religioso fueron muy comunes, debido a que predominó la representación de formas asociadas al cristianismo.

La importancia de las joyas en el Renacimiento

El Renacimiento surge como movimiento cultural en Italia a partir del siglo XIV y fue extendiéndose por el resto de Europa durante el siglo XVI. El comercio de gemas preciosas en Europa hizo que estuviese disponible una gran variedad, fue una época de esplendor y las joyas comenzaron a vivir su momento artístico.

En el siglo XV, las joyas fueron de gran relevancia en la moda de la época. Los trajes de terciopelo y seda fueron bordados con pedrería y perlas.

Las joyas representaban un símbolo de prestigio y poder y estaban muy ligadas a la Corte. Muchas de ellas fueron fabricadas  con esmeraldas colombianas, topacios y amazonita de Brasil, espinela, iolita y crisoberilo de Sri Lanka, rubí de la India, lapislázuli afgano, turquesa persa, peridoto del Mar Rojo, ópalo, granate y amatista de Bohemia y Hungría.

Durante el proceso de creación, los colgantes, gargantillas, sortijas se efectuaba el labrado del oro, esmaltado y engarce de las piedras. Los “Llibres de Passanties” conservados en el Museo de Historia de la ciudad de Barcelona, son un claro testimonio de estas obras.

Los joyeros y orfebres renacentistas enriquecieron las técnicas aplicadas en joyería y emplearon nuevas “tecnologías” que les permitían tallar piedras de una mayor dureza y realizar grabados tallados sobre gemas.

Se extendió el uso de pendientes combinados con piedras barrocas, gemas incrustadas y esmalte.

Los broches con retratos en miniatura fueron muy populares, así como, la ornamentación de animales fantásticos como sirenas, cabezas de monstruos y centauros. Sin embargo, en un periodo dominado por la religión eran muy frecuentes el uso de cruces y medallas combinadas con oro, gemas y esmalte.

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Dama renacentista. Fuente: www.balclis.com

La joyería Barroca

En la época del barroco, a las piezas de índole religiosa y simbólica heredadas del pasado, se sumaron otras joyas puramente ornamentales, que realzaban la calidad de elaboración y la riqueza de los materiales, que exhibía el status social del portador.

Las formas profanas o fantasiosas respondían a criterios estéticos o de capricho, imponiéndose paulatinamente frente a las religiosas o votivas. Por ejemplo, los colgantes de tipo altaret, piezas que podrían considerarse verdaderas esculturas o cuadros portátiles, e incluso frentes arquitectónicos en miniatura.

En el siglo XVIII las gemas se presentaban siempre en monturas cerradas. Los joyeros de la época se dieron cuenta de la importancia de destacar el brillo de la pedrería y decidieron abrir las monturas y sujetar las gemas al aire para que lucieran en todo su esplendor.

La joyería en el siglo XIX

Durante el siglo XIX, en el ámbito de la joyería se destacó el historicismo con fuentes de inspiración, desde clásicas hasta barrocas.

Tras la aparición del Romanticismo, la joyería se convirtió en una manifestación del sentir apasionado, y a las joyas se les dotó de una gran carga simbólica y emotiva. Ya fuera como recuerdo de un difunto o de un ser amado, las joyas se usaban con guardapelos o portarretratos, e incluso piezas elaboradas con cabello humano.

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Evolución de la joyería. Fuente: www.jorgejuanjoyeros.es

La seductora joyería de principios del siglo XX

Los últimos coletazos del colonialismo europeo del siglo XIX coincidieron con una era de riqueza, de refinamiento y de sofisticación que se vio bruscamente interrumpida con el inicio de la Primera Guerra Mundial. Este período, que denominamos Belle Époque, a nivel de las artes, significó el regreso de antiguos temas y motivos.

El gran representante de la joyería de esta época fue el francés Louis Cartier, se encargó de buscar patrones en documentos antiguos, para recuperar diseños del pasado. El siglo XVIII fue su principal fuente de inspiración.

Desde 1900, aparecieron distintos movimientos artísticos como el Art Nouveau, las piezas de autor y de diseño.

Las piezas de principios de siglo XX han sido mucha importancia para los coleccionistas de joyas. El diamante fue la gema más popular junto con la perla, y era habitual enmarcarlo en líneas de esmalte negro o de ónix, de modo que se consideraba una estética en la que predomina el “blanco y negro”. Los orfebres se inspiraron en la aportación estilística de los ballets rusos de Diaghilev y el redescubrimiento de culturas, tales como la egipcia o la japonesa. La Segunda Guerra Mundial supuso el final de los locos años 20 y dio paso a una nueva década mucho más explosiva.

La joyería en los años 40-50

En la década de 1940, el oro era el principal metal precioso, aun cuando se empleara en hojas más delgadas y ligeras. Las cadenas cilíndricas, tubos de oro sinuosos y los broches grandes con motivos florales se pusieron de moda en esa época.

Al finalizar la Segunda Guerra Mundial, las casas de alta costura parisinas como Christian Dior, Yves Saint Laurent y Chanel vistieron a las mujeres más glamurosas de la sociedad. El oro amarillo siguió teniendo gran popularidad y se combinó con gemas como turquesas, amatistas, así como, las joyas cubiertas en oro y diamantes.

Personalidades como Grace Kelly y Jackie Kennedy fueron un referente de estilo y pusieron en gran valor los collares de perlas.

Por otra parte, el platero Georg Jensen, destacó debido a sus diseños escandinavos, los cuales son muy valorados por los coleccionistas de todo el mundo.

La joyería exhuberante de la segunda mitad del siglo XX

Durante la década de 1960, los ingleses y su estética más pop dominaron el mercado de la moda y las joyas con complementos de gran tamaño, como las pulseras, gargantillas y enormes pendientes de colores saturados o metalizados de inspiración futurista.

Italia, por su parte, relevó a Francia como referente de estilo y firmas como Gucci o Ferragamo, los cuales eran los símbolos del cool juvenil.

En la década de los 70 las joyas comenzaron expresar espiritualidad en vez de opulencia. Van Cleef and Arpels marcó la pauta de la era con piezas en oro engastadas con rubíes, esmeraldas y diamantes. La casa italiana Bulgari diseñó piezas como gargantillas, pulseras o pendientes que tanto podrían ser usadas de día como de noche.

Los años 80 fue la década del poder y la gloria. El color negro dominó la moda y servía de fondo para las llamativas y ostentosas joyas en oro pulido. Las mujeres ejecutivas se vestían con grandes joyas para lucir poderosa y femenina.

Actualmente, en el siglo XXI, la joyería presenta un revival del siglo XX, encontrando en el mercado piezas de estilo Belle Époque o Art Déco, de estilo vintage como en los años 50 o exuberantes como las de los años 80 y 90.

Referencias

https://www.balclis.com/es/el-arte-de-la-joyeria-a-lo-largo-de-la-historia/

https://www.jewelrycooltrend.com/breve-historia-de-la-joyeria/#Joyeria_Contemporanea

http://bellezaporunproposito.mx/la-historia-de-la-joyeria/

 

Las joyas más emblemáticas de la historia

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Grandes personalidades reyes y príncipe de la historia, así como, aristócratas y familias de la alta sociedad, fueron dueños de joyas emblemáticas que destacaron por su extrema belleza.

Esas mismas joyas pasaron por generaciones y ciudades hasta el día de hoy, siendo las más emblemáticas debido a quienes tuvieron la fortuna de usarlas.

Las joyas han sido siempre un elemento muy valioso para la mayoría de las civilizaciones. Estas piedras preciosas han servido como elemento de decoración pero también son un símbolo de poder y riqueza. Sin embargo, se convirtieron en una manifestación de dinero, poder y permanencia. Las joyas han estado presentes a lo largo de la historia. Algunas de ellas se convirtieron en piezas emblemáticas, exquisitas y únicas por lo que tuvieron más fama que sus poseedores.

El Diamante Hope

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El Diamante Hope. Fuente: argimirojoyero.com

El Diamante Hope se le conoce como el diamante azul gracias a su caracterizo tono azul intenso. Tiene un peso estimado peso de 45 quilates. Se trata de una de las joyas emblemáticas con una macabra leyenda detrás. Se dice que un sacerdote la robó de un santuario que homenajeaba a la diosa hindú Sita, y que al extraerse de forma despiadada, la diosa maldijo a todo aquel que la poseyera. Tal es el caso de Jean Baptiste Tefernier, el contrabandista que, en 1642, se encargó de trasportar el diamante Hope de Asia a Europa, murió durante ese mismo viaje devorado por una manada de perros.

Más tarde, la gema pasó a pertenecer al monarca francés Luis XIV, quien redujo a 67,5 quilates de los 112,5, para acabar con la mala fama del diamante,  y coincidió con la muerte de varios de sus hijos pequeños.  El rey prestó su joya a sus amigos: Nicholas Fouquet, condenado a cadena perpetua por malversación de fondos, y la princesa Lambrelle terminó apaleada por el pueblo, mientras que el propio rey murió arruinado y despreciado. Años después, Luis XIV regaló esta joya a María Antonieta de Austria, quien murió decapitada.

LuisXIV
LuisXIV. Fuente: www.marjoya.com

En 1980, el banquero Henry Thomas Hope, de quien recibe el nombre, adquirió la joya en 150.000 dólares. Debido a sus malos negocios, su familia terminó arruinada. Igualmente, el magnate americano Ned McLean terminó recluido en un manicomio, tras la muerte de sus dos hijos. Uno de ellos murió en un accidente de tránsito, mientras que su hija falleció por sobredosis. La joya quedó como parte de la herencia para sus nietos, su última dueña Evalyn McLean apareció muerta en su apartamento sin causa aparente, a los 25 años.

Finalmente, perteneció el joyero Harry Winston. Este último, optó por donarlo en 1958, al Museo Nacional de Historia Natural del Instituto Smithsoniano (Estados Unidos) donde permanece la joya hasta día de hoy.

El collar de María Antonieta

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El Collar de Maria Antonieta. Fuente: www.marjoya.com

María Antonieta fue la reina que gobernó a Francia durante el siglo XVIII. La monarca tenía fama entre la corte de ser una mujer muy frívola, debido a su gran colección de joyas.

Entre su colección tenía un collar de 648 diamantes, que Luis XV había encargado para su favorita, Madame du Barry. Sin embargo, éste murió antes de que la joya estuviera terminada, por lo que su amante nunca lo recibió. Entonces, el obispo de Rohan lo adquiere sin pagarlo e indica al joyero que se lo cobre a Marí­a Antonieta. El obispo se lo entrega finalmente a su amante, la condesa Jeanne Valois. Esta lo traslada el diamante a Londres, donde es desarmado y vendido por piezas.

Maria Antonieta
Maria Antonieta. Fuente: www.marjoya.com

Cuando el joyero intentó cobrar el dinero de la joya a la Reina María Antonieta, ésta descubre el engaño y la falsa condesa fue sentenciada a morir en la hoguera. El pueblo se solidariza con la condesa de Valois e inicia unas revueltas contra la reina y la corona.

La Perla Peregrina

La Perla Peregrina. Fuente: argimirojoyero.com

Se trata de una de las joyas más emblemáticas de la Casa Real de España porque está considerada como una de las mejores perlas del mundo. Su particularidad reside en su forma perfecta de lágrima y por su exquisito brillo nacarado. Fue descubierta en las aguas de Panamá en el año 1515.

La perla Peregrina fue ofrecida al rey Felipe II, el cual la acepto, por lo que viajó desde su país de origen hasta España donde la lucieron varias reinas que se encapricharon de ella.

María Tudor, Isabel de Borbón e  Isabel I de Portugal fueron algunas de las afortunadas que la portaron como collar durante ceremonias y fiestas, y con el tiempo fue posesión de Napoleón III.

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La Perla Peregrina perteneció a la reina María Tudor y a la actriz Elizabeth Taylor. Fuente: www.marjoya.com

En 1969, la perla llegó a formar parte de la colección privada de la actriz Elizabeth Taylor, como regalo de su cumpleaños, realizado por su esposo Richard Burton, quien la adquirió 37.000 dólares durante una subasta.

Tras el fallecimiento de la actriz, en el año 2011, la perla salió a subasta y finalmente se vendió por un precio de 9 millones de euros.

Anillo de Lady Di

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El Anillo de Lady Di. Fuente: argimirojoyero.com

Uno de los anillos más famosos de la historia es el que escogió la propia Diana de un catálogo cuando Carlos de Gales le propuso matrimonio, en 1981. Se trata en un anillo de oro blanco con un zafiro de 18 quilates, en un tono azul intenso, el cual está rodeado por 14 pequeños diamantes, recubierto por 14 diamantes. El anillo se convirtió en una pieza de joyería muy popular a nivel mundial y pasó a ser una de las joyas más deseadas del mundo.

La casa de joyeros Garrard se encargó de realizar este anillo exclusivo de diseño con un valor de 65 mil dólares.

En 2010, el hijo del príncipe Carlos, Guillermo, le regaló el anillo a su prometida, Kate Middleton al pedirle matrimonio, mientras le rendía un homenaje especial a su madre. Desde entonces el anillo Lady Di ha aumentado exponencialmente su valor hasta alcanzar los 336.480,000 euros.

El anillo que perteneció a la mítica Lady Di se convirtió en uno de los más populares de la historia y también uno de los más deseados, ya que se pueden encontrar réplicas a un precio más asequible.

Diamante Pink Star

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Diamante Pink Star. Fuente: www.marjoya.com

El famoso Diamante Pink Star es el más caro del mundo, el cual alcanza un valor 62,3 millones de euros. Se trata de una joya emblemática por ser un regalo de la naturaleza de 60 quilates en un tono rosa intenso. Su talla ovalada está libre de impurezas. Es el diamante más grande que se conoce con estas características de color y pureza. Sus dimensiones son de 2.69 por 2.06 centímetros.

El diamante Pink Star fue encontrado en África, en el año 1999. En el 2003, se mostró al mundo por primera vez y, actualmente, se encuentra enmarcado en un anillo.

Los Huevos de Pascua Fabergé

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Los Huevos de Fabergé. Fuenta: https://www.marjoya.com/

Los huevos de pascua de Fabergé son unas joyas emblemáticas que, sin duda, han pasado a la historia por ser un símbolo de la Rusia zarista. Más allá de ser joyas de un alto valor económico son consideradas obras de arte por sus detalles artísticos. Se trata de una impresionantecolección de joyería que consta de 69 huevos de Pascua, creada por el joyero ruso Carl Faberge para los zares de Rusia y otros miembros de la burguesía y nobleza, entre los años 1885 y 1917.

Faberge fue considerado uno de losmejores orfebres del mundo, se convirtió en el año 1870 en el responsable de la empresa familiar de joyería en San Petersburgo. Tras obtener la medalla de oro por exhibir sus obras en la exposición Panrusa, logró conseguir el cargo de joyero oficial de la casa real.

Para la Pascua de 1883, el Zar Alejandro III, encargó al joyero una pieza de joyería que consistía en un huevo grande con uno más pequeño adentro, y dentro de éste una gallina, para dárselo como regalo a su mujer. Faberge, en su lugar, creó 69 huevos de lujo, muy diferentes. El obsequio le gusto tanto a la zarina que ordenó hacer uno para cada Pascua. Cada pieza está hecha de varios metales: níquel, cobre, acero, oro, platino, plata y paladino. A su vez, las piedras utilizadas también eran muy diversas, zafiros, rubíes, esmeraldas y diamantes.

Zar Alejandro III Fuente: www.marjoya.com

Al caer la familia zarista, los huevos de Pascua Fabergé fueron saqueados y repartidos por todo el mundo. Aun cuando se desconoce su paradero, se ha reconocido que la reina Isabel II de Inglaterra posee tres de las 69 piezas de la colección.

huevo
Huevo de Fabergé. Fuente: www.marjoya.com

Referencias

https://www.marjoya.com/blog/2016/10/31/las-joyas-mas-importantes-de-la-historia/

https://theamaranta.com/brillo/las-joyas-mas-emblematicas-de-la-historia/

https://argimirojoyero.com/blog/joyas-famosas-historia/

 

 

La Moda en la Historia

Historia de la Moda

La historia de la moda expresa la evolución cronológica de las prendas de vestir. En un principio, el vestido era la necesidad básica del hombre para protegerse del frío y de las inclemencias del tiempo. Las vestimentas consistían en el uso de pieles de los animales que cazaban y, luego empleó la lana y productos vegetales como el lino y el algodón.

Con el tiempo, el vestido ha alcanzado un perfil estético, el cual refleja el gusto y el carácter de quien lo porta. Asimismo, el uso del vestido es acorde con factores climáticos y geográficos, así como sociales, religiosos y sexistas.

Los egipcios, griegos y romanos, establecieron civilizaciones muy adelantadas a su tiempo. Desarrollaron artes como la literatura, la música y la pintura, también desarrollaron una gran creatividad en el diseño y un gran gusto por la moda.

Evolución del vestido

La historia del vestido comienza con la aparición del Homo Sapiens que, en principio se cubría con la piel de los animales que cazaba. En el período Neolítico, el ser humano desarrolló la habilidad de tejer e hilar. La ropa que usaba eran pequeños trozos de piel que no se adaptaban al cuerpo y que llevaban los primeros dibujos ornamentales, en forma de cenefas.

En las primeras civilizaciones como en Egipto, se hacían prendas más elaboradas, siendo el lino el material más utilizado para elaborar la tela. La base de la indumentaria era una pieza de lino que envolvía la cintura sujeta con un cinturón, denominada shenti.

En Mesopotamia, los sumerios solían vestir con largos mantones de lana adornados con franja de colores vivos, pliegues y pelambres de tela. Los asirios usaban túnicas de lana, de acuerdo a su clase social: los del pueblo llano las usaban hasta las rodillas y las clases dirigentes hasta los pies. Los persas vestían prendas de colores vivos, destacando el púrpura y el amarillo, adornados con dibujos de círculos, estrellas y flores de color azul, blanco o amarillo.

Antigüedad clásica

En la antigua Grecia, se usaba el lino, la lana, el algodón y la seda. El vestido más antiguo era la exomis. En aquella época, la moda era una forma de diferenciar las clases sociales: los campesinos usaban ropas con pieles curtidas o de lana gruesa con un gorro de cuero llamado kyne; las clases más altas usaban vestidos de lino o lana fina, llamado quitón, cubierto por un manto conocido como himatión. Las mujeres usaban una túnica larga denominada peplo.

Moda Antigua
Moda Antigua. Fuente: es.wikipedia.org

En Roma también se usaba el lino, la lana y la seda. La prenda de vestir más antigua era el sublgaculum, que consistía en un taparrabos.

Durante la época de la República, los romanos usaban la subúcula, que era una túnica que podía ser de dos tipos: dalmática con mangas, o colobium sin las mismas. Sobre ella llevaban una toga, según su ocupación: estrecha para los filósofos, ceñida para los guerreros, con una banda púrpura para sacerdotes y magistrados, y del mismo color con bordados de oro para altos dignatarios.

La ropa femenina consistía en un taparrabos y stropium, (lo que hoy sería el sujetador), sobre el que iban dos túnicas: la subúculo, larga hasta los pies y sin mangas, y el supparum, semejante al quitón griego. Encima se podía llevar el pallium, un manto colocado sobre la cabeza para las viudas.

Edad Media

Luego de la caída del Imperio Romano, los pueblos germánicos implantaron la práctica de coser la ropa. Usaban túnicas cortas de mangas largas, calzones largos o pantalones y un sayo sobre los hombros.

Generalmente, los hombres portaban dos túnicas: una fina de hilo a modo de camisa, denominada brial; y otra de lana más larga, de mangas estrechas con un cinturón de cuero; además usaban calzones y una capa.

Las mujeres, por otra parte, también llevaban dos túnicas: la camisia de mangas estrechas y la estola larga. Sobre ellas llevaban una capa, un manto o una clámide. El velo que cubría su cabeza, era de uso frecuente; así como los guantes de hilo para el verano y de piel para el invierno.

Desde el siglo XII, aumentó el uso de la seda y el algodón tenía su principal centro de producción en Italia. Apareció el vellux o terciopelo, y aumentó la producción de peletería.

Durante el siglo XIV, los calzones fueron más cortos. Sobre las camisas se llevaba un jubón, el cual era una prenda que cubría desde los hombros hasta la cintura.

Evolucion de la moda
Evolución de la moda. Fuente: godofredo.ninja

Edad Moderna

En el Renacimiento surgió el concepto de moda, tal como la conocemos en la actualidad, en el que se introdujeron nuevos géneros y la costura alcanzó un alto grado de profesionalización.

Durante el siglo XVI, el calzón era a modo de bombacho. Se usaba el jubón con capas que llevaba diversos tipos de adornos como la gorguera, tela de encajes fruncidos que cubría el cuello. En el atuendo femenino, surgió el corsé que ceñía a la cintura, sobre una falda acampanada llamada crinolina.

Para el siglo XVII, predominaron las formas sobrias, por influencia religiosa. El paño era el material más utilizado, y la seda estaba al alcance de las clases más elevadas de la sociedad. El jubón fue transformado a chaqueta y el calzón se alargó quedando por debajo de unas botas altas.

En Francia, la corte de Luis XIV benefició a la alta costura. Apareció la corbata en forma de lazo anudada al cuello y la casaca que era ajustada y tenía forma de campana en la parte inferior.

Siglo XVIII

En el siglo XVIII, se usaban las camisas de mangas anchas con corbata y chaqueta. Los calzones llagaban a las rodillas y medias. La casaca se hizo más estrecho y apareció el frac. El traje femenino era al estilo Watteau, con faldas abultadas sobre la crinolina con grandes drapeados plegados y colas que llegaban al suelo.

Durante los tiempos de la Revolución Francesa, la forma de vestir era uniforme. Los hombres usaban las casacas y pantalones largos, mientras que las mujeres usaban corpiños, faldas y chal de tela.

En Inglaterra, el hombre vestía con casacas de cuello alto, calzón hasta las rodillas y sombreros de copa. Las mujeres usaban vestidos largos con una cinta por debajo del pecho.

Siglo XIX

En el siglo XIX, la vestimenta era dedicada para el hombre moderno. El frac se hizo más corto y ancho, tomando la forma actual de la chaqueta; el pantalón era amplio por la parte superior y estrecho hasta los tobillos; y el abrigo de corte recto. En el vestido de la mujer, el talle se bajó a la cintura, con mangas anchas y hombreras y faldas anchas.

Por otra parte, apareció la figura del modista y la modelo, el género de punto y se inventó la máquina de coser.

Siglo XX

En el siglo XX, prevalecía la moda masculina inglesa, mientras que la femenina estuvo influenciada por la costura francesa. La indumentaria se fue simplificando, siendo de carácter práctico y utilitario de las prendas, así como el aspecto deportivo y urbano.

En la moda femenina, apareció la minifalda y comenzaron a usar pantalones, surgiendo la  “unisex”.

A mediados de siglo, en los Estados Unidos se impuso la moda juvenil, práctica y deportiva con el uso del blue-jean o pantalón vaquero. Seguidamente, el prét-á-porter, el diseño de moda a precios económicos, cobra auge debido a su producción en serie.

En las últimas décadas, se han proliferado los movimientos alternativos como la moda de las “tribus urbanas”. Esta tendencia busca diferenciarse al resto de la población basados en los gustos comunes de la música y la ropa vanguardista.

Referencias

https://es.wikipedia.org/wiki/Historia_de_la_moda

https://estudiantes.elpais.com/EPE2015/periodico-digital/ver/equipo/1862/articulo/la-moda-a-traves-de-la-historia