Moai: El misterio de los gigantes de la Isla de Pascua

Moái

Moái, es como se denomina a las gigantescas estatuas monolíticas con forma humanoide que se encuentran situadas en la isla de Pascua, en Chile. Son la representación más importante del arte escultórico de la cultura Rapa Nui. Estas esculturas son el principal atractivo turístico de la isla.

La isla de Pascua, conocida como Rapa Nui en la lengua de sus habitantes, se encuentra al este de la Polinesia a 2.250 km de distancia de la la isla de Pitcairn, y a 3.747 km de la costa de Sudamérica.

En el mismo orden de ideas, la Isla de Pascua tiene una forma triangular y mide en su lado más largo tan sólo 22 km, mientras que su anchura no alcanza los 16 km.

Los primeros en llegar a la isla de Rapa Nui fueron los marineros polinesios, quienes entre el 450 y el 490 d. C., establecieron en ella una comunidad que creció y prosperó completamente aislada durante cerca de mil años.

Moái
Moái de la Isla de Pascua. Fuente: historia.nationalgeographic.com.es

Moái: Descripción de los esculturas de la Isla de Pascua

Existen más de novecientos moáis distribuidos por toda la isla. Los moais tienen una forma humanoide que comprenden la cabeza y la parte superior del cuerpo, justo por debajo de la cintura.

Estas estatuas carecen de piernas, con hombros y brazos, cuyos antebrazos aparecen en forma de relieve delante de la zona del abdomen. Los dedos de la mano son alargados y apuntan hacia un elemento de forma oval o rectangular, que bien pudiera simular el pliego de una prenda de vestir. La cara posterior de la estatua está decorada con bajorrelieves, en líneas rectas, curvas y en espiral.

El ára es la más elaborada de la escultura es el rostro, que se caracteriza por lo protuberante de la boca, la nariz, la frente y las cejas. La parte posterior de la cabeza suele ser plana, y a ambos lados de la cara suele haber dos grandes orejas de forma alargada.

En su mayoría, estas estatuas fueron labradas en toba del cono volcánico Rano Raraku, donde quedan más de cuatrocientos moái en diferentes fases de construcción.

Moais
Moáis colocados en hilera. Fuente: www.elespanol.com

Moái: La historia de las estatuas de la isla de Pascua

Los nativos de Rapa Nui desarrollaron diversas técnicas de construcción que se extendió entre el 700 d.C y el 1600 d.C Las evidencias arqueológicas indican que la cantera fue abandonada de manera repentina, quedando estatuas inconclusas. Todos los moáis fueron terminados, originalmente estaban situados sobre una plataforma o altar ceremonial, denominada ahu en idioma rapanui; pero fueron derribados por los isleños nativos en el siglo XV. Desde 1956 unos pocos de ellos han sido restaurados.

En un principio, estas estatuas llevaban también unos copetes hechos de piedra roja que mide más de diez toneladas denominados pukao, y que fue extraída del cráter de Puna Pau. Una vez tallada la escultura, el mismo se colocaba sobre las cabezas.

Moái
Moái con pukao. Fuente: imaginaisladepascua.com

En 1978, mientras se realizó la restauración del ahu Nau-Nau en la playa de Anakena, se descubrió que, en las cavidades oculares de las esculturas, habían placas de coral con las que se diseñaban los ojos de las estatuas. Estas fueron retiradas, destruidas, enterradas o arrojadas al mar, en donde también se han encontrado; lo que concuerda con la teoría de que los mismos pobladores los derribaron, quizás durante guerras tribales.

Los primeros navegantes europeos llegaron a la Isla de Pascua, a comienzos del siglo XVIII, y quedaron impresionados al ver cientos de estatuas enormes por toda la superficie de la isla.

Significado de los moáis de la Isla de Pascua

Aún no se tiene certeza del verdadero significado de los moáis, pero existen varias teorías que sugieren que las estatuas fueron talladas por los habitantes polinesios de la Isla de Pascua, entre los siglos IX y XVI. Se cree que estas esculturas fueron erigidas en representación de sus antepasados difuntos, proyectando su mana (poder sobrenatural) sobre sus descendientes.

Hay quien sostiene que eran representaciones de dioses, sin embargo, también se presume que son personificaciones de los miembros más ancianos y respetados de la comunidad que han fallecido.

Los moáis debían situarse sobre unas plataformas ceremoniales, denominadas ahu con sus rostros hacia el interior de la isla, a excepción de los siete situados en el Ahu Akivi y un moái de cuatro manos señalizando el solsticio de invierno en el Ahu Huri A Urenga. Pero, tras colocarles los ojos de coral con pupila de obsidiana o roca volcánica roja, se convertían en aringa ora (‘rostro viviente’) de un ancestro; cuyo nombre completo de las estatuas en el idioma local es aringa ora o te tupuna (‘rostros vivientes de los antepasados’).

De acuerdo a un estudio de Carl Lipo realizado por los investigadores de la Universidad Estatal de California, Matt Becker y Tanya Bronson, estas estatuas ceremoniales fueron colocadas para marcar los lugares donde se encontraba el agua potable, un recurso muy escaso en esa isla volcánica.

¿Cómo se construyeron los moais de la Isla de Pascua?

En la isla hay diseminados varios centenares de estatuas, la mayoría de ellas esculpidas en toba porosa, una roca de origen volcánico procedente de la cantera de Rano Raraku. La roca volcánica pudo cortarse con herramientas de basalto y obsidiana, dándoles su forma básica en la propia cantera. Posteriormente, fueron extraídas y enterradas parcialmente para esculpir los detalles.

En la cantera se han conservado numerosos restos de estatuas abandonadas e inconclusas; así como miles de picos de basalto con los que los escultores extrajeron los bloques de la cantera y las esculpieron.

Ladera del del cráter del volcán Rano Raraku
Los moáis están distribuidos en la ladera del del cráter del volcán Rano Raraku. Fuente: imaginaisladepascua.com

Los picos de basalto se utilizaban en combinación con agua para tallar mejor la piedra. A pesar de ello, la ausencia de herramientas de metal seguramente dificultaba el tallado de los bloques. Así, se presume que la estatua más grande de toda la isla, la célebre Paro, exigió el trabajo de entre diez o veinte hombres durante todo un año.

Aparentemente, las esculturas eran talladas de arriba hacia abajo, empezando por el rostro, y finalizando con la base, de modo que la estatua quedase anclada al suelo. Los rasgos del rostro y el resto de la cabeza se esculpían en la misma cantera, a excepción de los ojos, que se tallaban al final.

Fases de construcción de los moáis
Fases de construcción de los moáis. Fuente: imaginaisladepascua.com

¿Cómo se trasladaron los moais de la Isla de Pascua?

No se sabe exactamente cómo eran trasladados, pero es casi seguro que dicho proceso exigió el uso de trineos tirados con cuerdas o rodillos de madera transversales. Las estatuas eran cortadas por la base y se bajaba por la ladera de la cantera por medio de cuerdas. En la base se colocaba una especie de quilla, que se deslizaban por medio de una acanaladura que se surcaba en el suelo para ayudar a controlar el descenso.

Moái
Los nativos colocaban una quilla, que se deslizaban por medio de una acanaladura en el suelo para controlar el descenso. Fuente: imaginaisladepascua.com

La madera fue fundamental en el traslado de las estatuas desde la cantera hasta las plataformas ceremoniales. Las cuerdas se sujetaban a una serie de troncos de grandes dimensiones calzados en unos agujeros cavados en el borde de la cantera.

Moái
Los nativos trasladaban los moáis tirando de una cuerdas. Fuente: curiosfera-historia.com cuerdas

Esta teoría está basada en evidencias que sugieren que algunas de las estatuas fueron abandonadas durante el trayecto, toda vez que las mismas se encuentran están partidas, como si se hubiesen caído desde una posición vertical.

Cabe también suponer, que algunas estatuas fueron transportadas por mar por medio de balsas hasta el lugar elegido.

Moáis
Las estatuas fueron trasladadas desde la cantera hasta el lugar elegido. Fuente: curiosfera-historia.com

En 1982, el ingeniero checo Pavel Pavel, propone una teoría que sugiere que el traslado se realizaba balanceando el peso erguido de un un moai de unos tres metros de altura, haciéndolo parecer que la estatua podía “caminar». Según la tradición, los moai caminaban”.

Moái caminando
Según la tradición de los nativos de la Isla de Pascua, los moai “caminaban. Fuente: imaginaisladepascua.com

El geólogo Charles M. Love y su equipo de estudiantes hicieron excavaciones de tres caminos que tenían formas de “V” o “U”, los cuales sirvieron para transportar los moáis. Su anchura media 3,5 metros y en algunos tramos, las vías están flanqueadas por líneas de rocas volcánicas de un tipo conocido como pahoehoe.

En el año 2000, un equipo arqueológico estadounidense descubrió los antiguos nativos de la Isla de Pascua utilizaron máquinas complejas.

El misterio de los moáis de la Isla de Pascua

Aún existen muchas preguntas para resolver los misterios sobre los moai de la isla de Pascua.

Diseminadas en las la costa de la isla de Pascua, las enigmáticas estatuas han mantenido por siglos la mirada fija sobre el océano Pacífico y colocadas en hileras sucesivas sobre unas plataformas de piedra.

Moáis en hilera
Los moáis eran colocados en hileras sucesivas sobre unas plataformas de piedra. Fuente: es.wikipedia.org

Uno de los misterios para los arqueólogos ha sido responder preguntas sobre cómo se tallaron y enderezaron semejantes monolitos y con qué finalidad se erigieron.

¿Cuánto miden los moáis de la Isla de Pascua?

Las estatuas de la Isla de Pascua miden desde los 2 metros hasta los casi 10 metros de altura. La de mayor tamaño se conoce con el nombre de Paro y pesa 82 toneladas.

La altura media de los moai es de unos 4,5 metros, y el peso estándar mide alrededor de las 5 toneladas; sin embargo, hay más de 40 estatuas que pesan más de 10 toneladas.

No obstante, la estatua más grande, llamaba El Gigante, llegó a medir 20 metros de alto y habría alcanzado las 270 toneladas de peso de no haberse abandonado en la cantera de Rano Raraku.

Evolución de los moáis
Las estatuas de la Isla de Pascua miden desde los 2 metros hasta los casi 10 metros de altura. imaginaisladepascua.com

¿Cómo están distribuidos los moáis en la Isla de Pascua?

La mayoría de las estatuas se esculpieron con la intención de colocarlas sobre un plataforma de piedra, dispuestas a lo largo de la costa de Rapa Nui. Estas bases estaban compuestas de un núcleo de escombros revestidos con enormes bloques que medían hasta 3 metros perfectamente cortados.

De los aproximadamente novecientos moái en la Isla de Pascua, unos cuatrocientos se encuentran en la cantera de Rano Raraku, 288 vinculados a los ahu, y el resto dispersos en distintos puntos de la isla, probablemente abandonados en la ruta hacia algún ahu.

Los ojos y el pukao

En el año 1978, durante la reconstrucción del Ahu Nau Nau en Anakena, se encontraron restos de coral blanco y escoria roja; lo que indica que los ojos estaban hechos con estos materiales. Se cree que, una vez que el moai era instalado en su ahu, se le tallaban las cuencas de los ojos y, en una ceremonia ritual, se le colocaban los ojos fabricados con los materiales antes mencionados.

El último paso, consistía en colocar en lo alto de la cabeza una piedra o pukao de escoria roja, procedente de una cantera situada en Puna Pau.

Moais
Moais con pukaos del Ahu Nau Nau en Anakena. Fuente: imaginaisladepascua.com

Se han contabilizado 58 moais con un extraño tocado cilíndrico de color rojo sobre la cabeza, llamado pukao. Los mismos están hechos de escoria roja procedente de la cantera de Puna Pau, un pequeño volcán próximo a Hanga Roa. Se presume que representa el pelo amarrado en un moño y teñido de ocre, tal como era la costumbre polinésica.

Existen 31 pukaos abandonados en la cantera o exparcidos en el suelo, lo que sugiere que éstos se cayeron durante su traslado. Estos cilindros miden entre uno y dos metros de alto, por dos a tres metros de diámetro, cuyo peso oscila entre nueve y veinte toneladas. El ejemplar más grande de pukao mide 2 metros de diámetro y pesa más de 10 toneladas.

Tipos de moái

Existe varios tipos de moái, los cuales han evolucionado, según su diseño, tamaño, técnicas y materiales. Estas estatuas se pueden clasificar por altura de la siguiente manera:

El moái más grande

El moái más grande de la Isla de Pacua está situado en la cantera principal de Rano Raraku. Esta estaua gigantesca quedó sin terminar, y su tamaño es de casi 22 metros con un peso de 270 toneladas, se le conoce con el nombre de Te Tokanga (El gigante). Sus dimensiones son impensable aún para la tecnología moderna. La tradición isleña sostiene que este Moai estaba destinado al Ahu Vinapu.

Moái
Moai Te Tokanga en Rano Raraku. Fuente: imaginaisladepascua.com

En la misma cantera de Rano Raraku, las estatuas más grandes se encuentran abandonadas en la ladera montaña y han permanecido ahí durante siglos.

El moái más antiguo

Se trata del moai Tukuturi, descubierto en el año 1955 por Thor Heyerdah. Se estima que se creó en el siglo VI, 500-600 d. C.

Es una estatua que representa una figura femenina, cuyas manos están en posición de rezo. Su cuerpo está arrodillado o sentado, con la cabeza elevada al cielo ligeramente y las manos se encuentran en posición de orar.

Moái Kava-Kava

Se trata de una figura masculina tallada en madera, originalmente de toromiro. Su forma es esquelética con vientre hundido y prominentes costillas. Precisamente “Kava Kava” es el significado rapanui de la palabra costilla.

Su tronco es largo y las extremidades cortas con pies pequeños y su rostro es afilado, cuyo perfil suele acabar en una pequeña barba. Tiene orejas largas y puntiagudas y los ojos hechos de hueso y obsidiana, parecen tener un expresión de espanto.

Según la mitología de la isla esta figura representaría el aspecto de los espíritus o Aku-Aku que fueron vistos en Puna Pau por el ariki Tu’u Koihu, el primogénito de Hotu Matu’a.

Moái Papa’a

Es la versión femenina del moái Kava-Kava, con costillas poco prominentes, senos colgantes, cuyo aspecto es muy masculino, debido a que son enjutas, calvas y pequeñas barbas.

Moái Tangata

Figura masculina con rasgos y características humanas que posee un vientre prominente y la cabeza aumentada.

Moái Tangata Manu

Figura masculina con características estéticas muy similares al moái Kava-Kava aunque con una cabeza con forma de ave con un prominente pico.

¿Cuántos moái existen?

En la actualidad se tienen registrados algo más de 900 moai en la Isla de Pascua. Entre todos ellos podemos encontrar 400 ubicados en la cantera de Rano Raraku, 290 están asociados a los ahu y 210, están distribuidos en diferentes áreas.

Igualmente, existen entre 250 y 300 plataformas ceremoniales o ahú, de las cuales, 125 aún conservan su estatua.

Las estatuas están colocadas en hilera y mirando hacia el interior de la isla, en ángulo ascendente para no perturbar a los vivos, según las creencias de los nativos. 165 moai se ubican en Ahu, esparcidos alrededor de la isla formando un anillo sagrado. Otros estaban situados en Ahus más pequeños en el interior, tal como se encuentran colocados el Ahu Urenga, Hanga Kio’e, o el Huri a Urenga.

En algunos casos formaban grupos imponentes, como los 15 moais del Ahu Tongariki, cuyo peso supera las 70 toneladas cada uno. De igual manera, están dispuestas las 7 estatuas del Ahu Akivi o los 13 moai del Ahu Akahanga.

Moáis
Los moáis están dispuestos en hilera y mirando hacia el interior de la isla, en ángulo ascendente para no perturbar a los vivos, según las creencias de los nativos. Fuente: curiosfera-historia.com

¿Cuándo se descubrieron las estatuas moai?

El 5 de abril del año 1722, el navegante holandés Jacob Roggeveen desembarcó en la Isla de Pascua. Cuando los primeros europeos arribaron en el siglo XVII a la Isla de Pascua, quedaron impresionados al ver las estatuas moai dispersas en toda su superficie. Pero, 50 años después, las esculturas yacían desmoronadas en el suelo.

En la actualidad, muchas de las estatuas han sido restauradas, situándolas nuevamente sobre sus respectivas plataformas y restituyéndoles los ojos y las piedras que coronaban la cabeza.

El Capitán James Cook, en 1774 afirmó lo siguiente cuando observó las estatuas por primera vez:

Apenas podemos concebir cómo estos isleños, desprovistos de cualquier tipo de energía mecánica, pudieron enderezar semejantes estatuas y, más tarde, colocar en lo alto de sus cabezas los enormes bloques cilíndricos de piedra”.

Los moais de la isla de Pascua se esculpieron para garantizar la fertilidad

La cantera de Rano Raraku, en la Isla de Pascua, se extiende por las laderas de un antiguo volcán. De este lugar, los antiguos habitantes de Rapa Nui extrajeron la piedra para esculpir los famosos moais, las gigantescas estatuas de piedra.

La arqueóloga Anne Van Tilburg, conjuntamente, con la geoarqueóloga y especialista en suelos Sarah Sherwood, han estado estudiando las gigantescas estatuas durante treinta años.

Los resultados de esta investigación, publicados en la revista Journal of Archaeological Science, revelaron que Rano Raraku era un área agrícola productiva donde se plantaron plátano, taro y batata desde los siglos XIV al XIX.

El equipo investigador llegó a la conclusión de que los nativos de la isla creían que los moais eran los garantes de la fertilidad agrícola y que la clase dominante ordenó erigir las estatuas.

Por su parte, la geóloga, Sarah Sherwood explicó que la química del suelo mostraba altos niveles de elementos que son claves para el crecimiento de las plantas y para lograr un alto rendimiento. Asimismo, añadió que en la cantera, los movimientos de suelo y el flujo de piedras generó un sistema de retroalimentación perfecto de fertilizantes, nutrientes y agua.

Además, los nativos de la isla cultivaban una gran variedad de vegetales en la misma zona para mantener la fertilidad del suelo.

Referencias

https://es.wikipedia.org/wiki/Mo%C3%A1i

https://curiosfera-historia.com/estatuas-de-la-isla-de-pascua-moai/

https://historia.nationalgeographic.com.es/a/moais-isla-pascua-se-esculpieron-para-garantizar-fertilidad_15028

https://imaginaisladepascua.com/cultura-rapa-nui/moais/

https://cnnespanol.cnn.com/2019/01/11/isla-pascua-misterios-estatuas-chile-resueltos-investigadores/https://www.infobae.com/america/mundo/2019/12/16/revelaron-la-verdadera-razon-detras-de-las-misteriosas-estatuas-en-la-isla-de-pascua/

 

Alejandro Magno y su caballo Bucéfalo: La dupla conquistadora

Alejandro Magno y su caballo Bucéfalo

Bucéfalo, el caballo que acompañó a Alejandro Magno en todas de sus batallas y conquistas durante más de treinta años, siendo el más famoso de la Antigüedad. Este corcel fue el fiel compañero del rey de Macedonia, Media, Persia y faraón de Egipto y conquistador de Asia.

Alejandro Magno
Alejandro Magno y su caballo Bucéfalo. Fuente: blog.terranea.es

La historia de Bucéfalo

Existen tres versiones acerca de la historia de Bucéfalo. La más acertada es la que narra el historiador, filósofo y biógrafo, Plutarco, siendo la más tradicional.

La versión de Plutarco

El rey Filipo II de Macedonia adquirió el caballo por trece talentos a un tésalo (cono monetario de la antigua Grecia).

El animal era tosco, rebelde e indomable, y no permitía que nadie se le acercara. Ningún jinete pudo montar y mucho menos domar el caballo.

Filipo desestimó todas sus esperanzas para “domarlo” hasta que el joven Alejandro Magno, con quince años de edad, se dio cuenta de que el caballo tenía miedo de su propio sombra.

Para ayudarle a superarlo, Alejandro le giró la cabeza hacia el sol, cegándole. De esa forma, el joven príncipe se subió de un salto y su padre sorprendido pronunció a siguiente frase: «Hijo, búscate un reino que se iguale a tu grandeza, porque Macedonia es pequeña para ti». Desde ese instante, se dice que Bucéfalo sólo se dejaba montar por Alejandro.

La versión de Pseudo Calístenes

La versión de Pseudo Calístenes, el libro que relata la vida de Alejandro Magno cuyo autor es anónimo, dice que Bucéfalo era un caballo hermoso, pero salvaje, al punto que cazaba y comía seres humanos para comérselos. Por tal motivo, Filipo le construyó una jaula de hierro a donde encerraría a todo aquel que le desobedecieran.

El Oráculo de Delfos le reveló a Filipo que, sólo aquel que pudiera montar a Bucéfalo sería el rey del mundo y podría cruzar la ciudad de Pela.

Al acercarse el joven príncipe, el caballo, extendiendo sus patas delanteras, relinchó suavemente, reconociendo a su único amo.

La versión de Diodoro Sículo

Por su parte, Diodoro Sículo (90 a. C. – 30 a. C.) fue un historiador griego del siglo I a. C. En su versión, el caballo fue un regalo de Demarato de Corinto, un príncipe etrusco oriundo de Corinto a mediados del siglo VII a. C.

El padre de Alejandro Magno, lo encerró en una jaula de oro, donde arrojaba a todo aquel que se atreviera a contradecirlo.

Pero el Oráculo de Delfos le pronóstico a Filipo que aquel que fuera capaz de montar a Bucéfalo y cruzar la ciudad de Pela, se convertiría en el rey de todo el mundo habitado.

Según Calístenes, Alejandro lo descubrió en las caballerizas reales y al acercarse el animal extendió sus patas delanteras y relinchó suavemente, reconociendo a su amo. El joven príncipe montó a Bucéfalo y recorrió toda la ciudad.

El significado del nombre griego Bucéfalo

Su nombre era Bucéfalo, palabra proveniente del idioa griego que significa “cabeza de buey”. Se cree que el nombre le fue dado por la forma de su cabeza especialmente ancha.

Algunos autores afirman que el equino tenía una mancha con forma de cabeza de toro en su espalda.

Alejandro Magno
Estatua de Alejandro Magno con Bucéfalo. Fuente: www.noticaballos.com

¿Cómo domó Alejandro Magno a Bucéfalo?

Cuando Alejandro Magno sólo contaba con quince años, a su padre, Filipo II de Macedonia, adquirió un caballo por la cantidad de trece talentos.

Bucéfalo era un corcel proveniente de a mejor cría de Tesalia, en Grecia, pero que nadie había sido capaz de controlar, ni siquiera los domadores más experimentados, ni los jinetes más hábiles.

El joven Alejandro Magno observó que el caballo era desconfiado y le temía a su propia sombra. Ante las risas de los presentes y las dudas de su padre, el joven príncipe se ofreció a intentar domar al corcel. Entonces se acercó al corcel y lo puso de cara al sol mientras le iba hablando con suavidad.

Su padre y todos los que estuvieron presentes quedaron asombrados de la hazaña, ya que pensaban que era imposible domar al corcel. Filipo le regaló el caballo a Alejandro, quien le dio el nombre de Bucéfalo.

Alejandro Magno
Alejandro Magno fue el único jinete capaz de domar a Bucéfalo. Fuente: www2.uned.es

Cuentan los historiadores que Filipo, ante la admiración de todos, se dirigió a Alejandro y le dijo: “Hijo, búscate un reino que se iguale a tu grandeza porque Macedonia es pequeña para ti”.

A partir de entonces Bucéfalo permitió que los criados se ocuparan de él, pero sólo permitió ser montado por Alejandro.

De esta forma el corcel se convirtió en el más fiel aliado de Alejandro Magno durante treinta años, acompañándole en todas sus conquistas militares en Asia y su lucha contra el Imperio Aqueménida.

Alejandro Magno y su caballo Bucéfalo conquistaron el mundo

Alejandro III de Macedonia (356 a. C. – 323 a. C.), más conocido como Alejandro Magno o Alejandro el Grande, fue el Rey de Macedonia, Hegemón de Grecia, Faraón de Egipto, Gran Rey de Media y Persia hasta su muerte. Sus dominios se extendieron hasta el Oriente Próximo y Asia Oriental.

Era hijo y sucesor del Rey Filipo II de Macedonia y de Olimpia, princesa de Epiro. Su padre lo preparó para reinar otorgándole formación militar, siendo Aristóteles el responsable de su educación intelectual.

Alejandro Magno también tenía su mejor y más querido caballo. Un hermoso corcel negro azabache con una mancha blanca en la frente en forma de estrella, llamado Bucéfalo, cuyo nombre significa “Cabeza de Toro”.

Alejandro Magno y su caballo Bucéfalo
Alejandro Magno y su caballo Bucéfalo en la batalla de Issos. Fuente: blog.terranea.es

Alejandro Magno gobernó a Macedonia, tras la muerte de Filipo. Conquistó el vasto imperio de Persia, y recuperó las ciudades costeras de Asia Menor e islas del mar Egeo. Formó un ejército griego en el año 334 a. C. de apenas 40.000 hombres, para llevar a cabo una guerra de venganza de los griegos, contra el poderoso Imperio persa, bajo el liderazgo de Macedonia.

Alejandro Magno, tras conquistar el Imperio aqueménida, dio inicio a una época de intercambio cultural, llamado Período helenístico (323 a. C. – 30 a. C.).

El Rey de Macedonia cruzó el Helesponto hacia Asia Menor y conquistó el Imperio persa, gobernado por Darío III. Su Imperio se extendió desde Grecia, pasando por el Oriente Próximo, Asia Central, conquistando el Indo y Egipto, donde fundó la ciudad de Alejandría.

En la India, Alejandro Magno derrotó al rey Poro en la batalla del Hidaspes en el año 326 a. C. Luego, retornó a Babilonia, donde falleció en extrañas circunstancias, sin completar sus planes de conquista de la península arábiga.

Alejandro Magno y su caballo Bucéfalo, amigos inseparables

Posterior a que Alejandro Magno logro montar a Bucéfalo surgió una amistad especial entre ellos.

La lealtad del caballo Bucéfalo fue tal que se dejaba montar por Alejandro Magno. Un futuro conquistador y emperador y su gran caballo iniciaron sus aventuras, reconociéndose el uno al otro.

Alejandro Magno tuvo los cuidados necesarios con su caballo Bucéfalo y le daba la mejor alimentación.

El amor de Alejandro por su caballo era admirable. En tal sentido se tornó un vínculo especial entre él y su caballo, mediante una conexión y una confianza, siendo la dupla conquistadora que se combinaba en grandes batallas.

Alejandro Magno y su caballo Bucéfalo
Alejandro Magno y su caballo Bucéfalo Fuente: blog.terranea.es

La muerte de Bucéfalo

Bucéfalo vivió, aproximadamente, durante tres décadas de la mejor manera, ya que su dueño se esmeró por brindarle alimentación y minuciosos cuidados.

Cuando Bucéfalo comenzó a presentar problemas respiratorios Alejandro encomendó a un esclavo su cuidado permanente. Pocas semanas después Bucéfalo se tumba sobre el suelo presagiando su muerte.

Alejandro, ante el lecho de muerte de su fiel amigo, se arrodilló a su lado acariciándolo. Al expirar su último aliento, cubrió la cabeza de Bucéfalo para darle paz. El monarca sintió un dolor profundo, tras la pérdida irreparable de su caballo.

Alejandro Magno y Bucéfalo eran amigos inseparables. En su homenaje, el Rey de Macedonia fundó la ciudad Alejandría Bucéfala. Se presume que este sitio está localizado frente al moderno pueblo de Jhelum, en la provincia del Panyab, al noreste del actual Pakistán.

Referencias

https://blog.terranea.es/bucefalo-caballo-alejandro-magno/

https://www.noticaballos.com/bucefalo.html

https://www.pololine.com/es/articulos/alejandro-magno-y-bucefalo-a-la-conquista-del-mundo/

https://getafe.ayeryhoyrevista.com/alejandro-magno-y-bucefalo/

https://www.muyhistoria.es/h-antigua/articulo/el-caballo-que-conquisto-el-mundo-951458636075

https://siempreconectado.es/bucefalo-caballo-alejandro-magno/

https://www.gustavomirabal.es/caballos/bucefalo-alejandro-magno-gustavo-mirabal/

https://www.gustavomirabal.es/uncategorized/bucefalo-un-caballo-magno/

https://gustavomirabalcastro.online/jinetes/alejandro-magno-y-su-caballo-bucefalo/

https://es.wikipedia.org/wiki/Buc%C3%A9falo

https://es.wikipedia.org/wiki/Alejandro_Magno

 

Día del Libro y del Idioma Español

Día Internacional del Libro

Hoy 23 de abril se celebra el Día del Libro, conocido oficialmente, como el Día Internacional del Libro  a nivel mundial. La celebración de esta fecha se realiza con el objetivo de fomentar la cultura y la protección de la propiedad intelectual mediante el derecho de autor.  Desde 1988, la fecha fue promovida por la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO),  por sus siglas en inglés United Nations Educational, Scientific and Cultural Organization.

El Día del Libro una gran fiesta cultural, donde se realizan actividades que incluyen: la lectura de diversos textos, la realización de eventos literarios y se organizan ferias de libros en casi todas las ciudades del mundo. El objetivo de la UNESCO es “alentar a los jóvenes a descubrir el placer de la lectura y a valorar las contribuciones que ha hecho el sector libro a la humanidad”. Se trata de un día simbólico para la literatura mundial, en el que se conmemora el 23 de abril de 1616, el fallecimiento de los escritores: Miguel de Cervantes, William Shakespeare e Inca Garcilaso de la Vega

Miguel de Cervantes, el Manco de Lepanto

Miguel de Cervantes
Miguel de Cervantes. Fuente: www.buscabiografias.com

Miguel de Cervantes, conocido como el “Manco de Lepanto, fue un  novelista, poeta y dramaturgo, nacido en 1547 en Alcalá de Henares. Fue el autor de la obra maestra de la literatura española “Don Quijote de la Mancha”.

Cervantes falleció el 22 de abril en Madrid, siendo el 23 de abril la fecha registrada como el día de su muerte.

William Shakespeare, el Bardo de Avon

William Shakespeare
William Shakespeare. Fuente: www.lavanguardia.com

William Shakespeare, conocido como el Bardo de Avon, nació el 26 de abril de 1564, en Stratford-upon-Avon, Inglaterra. Fue un dramaturgo, poeta y actor inglés, y considerado como el escritor más importante en lengua inglesa y autor de las obras más célebres de la literatura universal, entre las que destacan: Romeo y Julieta, Otelo, Hamlet.

El Inca Garcilaso de la Vega

Garcilaso de la Vega
Garcilaso de la Vega. Fuente: es.wikipedia.org

Inca Garcilaso de la Vega, es el apodo por el cual es conocido Gómez Suárez de Figueroa, escritor e historiador del siglo XVI, nacido en Cuzco. Fue escritor e historiador, considerado como el primer mestizo biológico y espiritual de América. Su obra máxima Comentarios Reales, narra la historia, cultura e instituciones sociales del imperio incaico, y la segunda parte, que llamó Historia general del Perú, habla de la conquista de esas tierras y de las guerras civiles.

La celebración del Día del Libro

Día del Libro
Día del Libro. Fuente: http://ciudadvalencia.com.ve/

La idea original de la celebración del Día del Libro fue propuesta en Cataluña por el escritor valenciano Vicente Clavel, a la Cámara Oficial del Libro de Barcelona en 1923. La propuesta fue aprobada por el rey Alfonso XIII de España en 1926. El 7 de octubre de ese mismo año, se llevó a cabo la primera festividad del Día del Libro. En 1930, se instaura definitivamente la fecha del 23 de abril como Día del Libro y en 1995, la Conferencia General de la UNESCO en París, decidió aprobar el 23 de abril de cada año como el “Día Mundial del Libro y del Derecho de Autor”.

La celebración del Día del Idioma

Día del Idioma
Día del Idioma. Fuente: iesa151-macari.blogspot.com

En 2010, la Organización de las Naciones Unidas (ONU) decretó la celebración de la diversidad cultural y multilingüismo, mediante la instauración del Día de la Lengua para cada uno de los seis idiomas oficiales del ente internacional, que son español, francés, chino, inglés, ruso y árabe.

El español es lengua oficial hablada en más de 20 países del mundo. Según la ONU, el objetivo de la conmemoración de Día del Idioma Español, es divulgar “la historia, cultura y el uso del español como idioma”, que cuenta con más de 500 millones de hispanohablantes en el mundo.

Día del Libro y del Idioma español es un homenaje a Miguel de Cervantes

Don Quijote de la Mancha
Don Quijote de la Mancha, la obra maestra de Miguel de Cervantes. Fuente: www.elimpulso.com

El libro ha formado parte de la historia de la humanidad, un medio de  transmisión de valores y saberes; para la recreación, la expresión estética y el goce imaginativo; además ha sido  un instrumento que expresa en alto grado, el potencial de la razón y las capacidades creativas de las diferentes civilizaciones.

El 23 de abril fue elegido como el Día del Libro y del Idioma Español, debido a que sucedieron tres hechos importantes para la literatura a nivel mundial.

Cada año en esta fecha, se conmemora el Día del Idioma Español, en homenaje y reconocimiento al célebre escritor don Miguel de Cervantes Saavedra, quien falleció el 23 de abril el año 1616.

Con su gran obra “Don Quijote de La Mancha”, Miguel de Cervantes Saavedra, conocido como el “Manco de Lepanto”, fue el escritor más insigne de la época, dejando un importante legado en otras obras literarias, como “Novelas ejemplares”, “La Galatea” y “Viaje al Parnaso”.

El idioma español se originó en la zona central del norte de Hispania, donde era considerado como el latín vulgar del Imperio Romano. Los idiomas derivados del latín se conocen como las lenguas “romances”, siendo el castellano –como comúnmente se conoce al español– es una de las más hermosas y ricas en palabras.

El Instituto Cervantes

El Instituto Cervantes lanzó el libro “Las 500 dudas más frecuentes del español”, una obra imprescindible para usar nuestra lengua correctamente y en toda su riqueza expresiva. Entre sus funciones, el centro de estudio procura que el español usado en los medios y las academias hispanoamericanas tenga los elementos necesarios para su correcto uso, siendo también uno de los enfoques prioritarios de la Real Academia Española de la Lengua.

En diciembre del año pasado, el Instituto Cervantes publicó el manual titulado, ‘El buen uso del español’, que reúne las principales herramientas para usar la lengua de modo correcto, desde “la gramática y la ortografía académicas explicadas con un lenguaje claro y conciso que permite una fácil comprensión que nos ayudará a usarla en toda su riqueza”.

Kuala Lumpur, la Capital Mundial del Libro 2020

Kuala Lumpur
Kuala Lumpur (Malasia). Fuente: www.lavanguardia.com

La UNESCO, la Unión Internacional de Editores, la Federación Internacional de Libreros y la Federación Internacional de Asociaciones e Instituciones Bibliotecarias eligen la que será la capital mundial del libro, cuya vigencia es a partir del 23 de abril de cada año. Este año 2020, el turno le corresponde a Kuala Lumpur (Malasia) en 2020.

El Día Internacional del Libro en  España

El rey Alfonso XIII firmó un Real Decreto el 6 de febrero de 1926 con el fin de celebrar la Fiesta del Libro Español. El motivo de la festividad era que para entonces se creía que Cervantes el 7 de octubre.

La idea original de esta celebración fue del escritor y editor valenciano Vicente Clavel Andrés, quien propuso a la Cámara Oficial del Libro de Barcelona, que se celebrara en octubre de cada año, en la fecha del nacimiento de Cervantes. La entidad aprobó la propuesta en marzo de 1925. En 1930, se establece la fecha del 23 de abril como Día del Libro, fecha en la que murió Cervantes, en contradicción a la propuesta de Vicente Clavel.

La celebración prevaleció en toda España, especialmente en las ciudades que alberga la sede de Universidades, desde Barcelona hasta Cataluña. Sin embargo, la denominación oficial se fue diluyendo, tras coincidir con el «Día de San Jorge». En otras zonas no universitarias de España la fiesta se mantenía con escasa importancia o incluso no se celebraba, aunque desde la década de los años 80 del siglo XX, la tradición fue retomada en Madrid y, con el tiempo, en Cataluña, mediante el intercambio y regalo de rosas y libros entre parejas y personas queridas en esa fecha, convirtiéndose en una de las jornadas populares más celebradas. Esta tradición fue uno de los argumentos utilizados por la UNESCO para declarar el 23 de abril «Día Internacional del Libro».

En España se hace la entrega anual del Premio Cervantes, siendo el mayor galardón otorgado a los autores hispanos.

El Día del Libro y del Idioma español en Venezuela

Rómulo Gallegos
Rómulo Gallegos. Fuente: soynuevaprensadigital.com

El 23 de abril es el Día del Libro y del Idioma español, también rinde homenaje a los escritores y novelistas venezolanos, siendo un día simbólico para la literatura mundial.

El libro, impreso o manuscrito, ha constituido parte importante de la historia humana, siendo una representación de los pensamientos de los hombres y las mujeres más resaltantes en las letras y el lenguaje escrito. Gracias a ellos se ha mantenido la perdurabilidad de la cultura y la trasmisión del conocimiento, los saberes y valores en las sociedades, a través de este instrumento de lectura donde se expresa el grado más alto de las capacidades intelectuales de las civilizaciones; enriqueciendo la cultura espiritual en la humanidad.

En Venezuela, se han destacado grandes escritores que, con su aporte, han contribuido al enriquecimiento de la literatura latinoamericana, entre ellos se mencionan: Rómulo Gallegos, quien fuera novelista y político: entre sus obras más resaltantes se encuentra Doña Bárbara, siendo nominado al Premio Nobel de la Literatura, durante los años 1959 y 1963; y Arturo Uslar Pietri, un importante intelectual del siglo XX, siendo escritor, abogado, periodista y político, su novela más resaltante fue: «Lanzas Coloradas», ambientada en la guerra de independencia venezolana.

Igualmente, se hace mención de otros autores de la Venezuela de antaño como los Cronistas de las Indias: Juan de Castellanos, Fray Pedro de Aguado y Fray Pedro Simón, quienes dedicaron su vida a los escritos coloniales venezolanos.

En tiempos de la independencia, se destaca a Andrés Bello quien también fuera maestro de Simón Bolívar, resaltó por sus escritos neoclásicos, y Simón Rodríguez, quien fuera el principal mentor de El Libertador, que con su letra criticaba a la autoridad española, de aquella época.

Andrés Bello
Andrés Bello. Fuente: lanacionweb.com

Referencias

https://es.wikipedia.org/wiki/D%C3%ADa_Internacional_del_Libro

http://www.ine.gov.ve/index.php?option=com_content&view=article&id=983%3Adia-del-libro-y-el-idioma-23-de-abril&catid=154%3Aefemerides&Itemid=3

https://www.cimos.com.ve/dia-del-libro-y-del-idioma/

https://www.notilogia.com/2018/04/23-de-abril-dia-del-libro-y-del-idioma.html

http://ciudadvalencia.com.ve/dia-internacional-del-libro-2019/

https://lanacionweb.com/cosas-del-mundo/hoy-se-celebra-el-dia-del-libro-y-del-idioma/

 

Las historias de amor más icónicas

Romeo y Julieta

La Historia y la Literatura están llenas de legendarias historias de amor. Hemos aquí algunas de ellas, las cuales han sido contadas y representadas a lo largo de los siglos, proyectando la misma intensidad del sentimiento en sus lectores.

Sissi de Baviera y Francisco José: Un amor distanciado

Historias de amor
Sissi de Baviera y Francisco José. Fuente: www.taringa.net

En 1853, la princesa Sissi de Baviera y Francisco José se conocen en una localidad cerca de Salzburgo, mientras el Emperador estuvo de vacaciones. Así comenzó la historia de amor entre el Emperador y la princesa. Un año después se celebró la boda.

Sin embargo, Sissi no era feliz, debido a que Francisco José, a pesar que la amaba, tenía poco tiempo para dedicarle su esposa. Sissi pasaba la mayoría de las noches durmiendo sola, fuera de la cama imperial.

Luego la emperatriz se interesó en los asuntos de Estado y sus ideas liberales que pronto contribuyeron en la lucha por la igualdad del pueblo húngaro. Estas acciones lograron que Francisco José fuera consagrado Rey de Hungría.

La madre del Emperador nunca aceptó a Sissi. El ambiente tenso entre el Emperador, su madre y Sissi no auspiciaba grandes veladas y las cenas solían ser muy breves e incómodas.

La tensión llegó a tal punto que la Emperatriz comenzó a tener una vida bastante independiente de la de su marido, que se dedicó a viajar. Los viajes de Sissi se hicieron más frecuentes y prolongados. Visitaba a su familia en Alemania, Inglaterra, Venecia o la isla de Madeira sobre el Océano Atlántico, al cual llamaba su «paraíso secreto».

Tiempo después, el suicidio de su hijo, transformó profundamente el carácter de Sissi. Continuó viajando sólo con una dama de compañía y se registraba en los hoteles con un seudónimo: «Duquesa de Hohenberg». Cada vez se alejaba más de su marido, quien sólo se enteraba de su paradero por la prensa.

Sissi fue asesinada a la edad de 61 años en un atentado político. Junto al Palacio Real, su marido Francisco José, ordenó construir un parque abierto al público, con un memorial de Elizabeth.

John Lennon y Yoko Ono, la icónica pareja de los años 60

John Lennon y Yoko Ono
John Lennon y Yoko Ono. Fuente: www.taringa.net

Yoko Ono y John Lennon fueron una de las parejas más emblemáticas de los años 60. Enmarcados en la beatlemanía, ha sido la historia de una de las parejas más legendarias del mundo.

El 9 de noviembre de 1966 Lennon conoció a Yoko en una exhibición de arte, donde ella mostraba sus obras en la Indica Gallery. Su amigo, el artista inglés John Dunbar fue quien los presentó.

Yoko era el ying del yang de Lennon, ella provenía de una familia acomodada, era hija de un banquero. Mientras que él pertenecía a la clase trabajadora de Liverpool. Sin importar la diferencia de siete años de edad, estaban destinados a compartir su vida durante mucho tiempo.

A partir de 1968 la Lennon y Yoko comenzaron a colaborar artísticamente, lo cual no era de agrado al resto de los integrantes del grupo inglés, The Beatles. Juntos lanzaron un primer disco, titulado ‘Unfinished Music No. 1: Two Virgins’ y le siguieron varias colaboraciones más.

Tras varios años de relación la pareja se casó el 20 de marzo de 1969 en Gibraltar. Los recién casados pasaron su luna de miel en París y luego viajaron a Ámsterdam. Allí llevaron su matrimonio a la publicidad con su «Bed-In» (encamado) para protestar pacíficamente a favor de la paz. Ambos también permanecieron durante una semana sentados en la suite de un hotel.

John escribió su tema «The Ballad of John and Yoko», como crónica de su matrimonio, así como su «Bed-In» en Ámsterdam.

Muchos adjudican la separación de The Beatles a la influencia que Yoko tenía sobre Lennon. Después de conflictos y roces entre los integrantes de la banda, el grupo se separó en 1970.

Tristán e Isolda, una historia de amor legendaria

Historias de amor
La muerte de Tristán e Isolda. Fuente: www.taringa.net

El origen de esta leyenda se remonta a un relato celta que describía el romance entre una princesa inglesa y un guerrero irlandés. La historia inspiró a Richard Wagner para componer su famosa ópera (fruto del amor imposible del joven Wagner con Matilde Wesendok).

Es una historia que varía de muchísimas versiones a partir de la narrativa de distintos poetas.  La acción se sitúa en la Edad Media, siendo Tristán uno de los caballeros de la Mesa Redonda. El héroe medieval hace su primera aparición en el año 1232, según se basa en las dos las tesis más famosas al respecto: la del poeta anglo-normando Thomas, y la del francés Béroul.

La historia cuenta sobre los amores  entre el heróico caballero con Isolda, una joven princesa quien le cura sus heridas tras su enfrentamiento con Morholt, el tío de la aristócrata.

Tristán e Isolda bebieron por equivocación una poción de amor, tras lo cual ambos se enamoraron apasionadamente. Este hecho trajo una serie de adversidades en la pareja, de las cuales existen dos versiones sobre esta historia: una prosa y una poética. En la primera ambos retoman su idilio después de que los efectos de la poción finalicen mientras que, en la poesía, la pareja no vuelve a encontrarse hasta que Tristán yace en su lecho de muerte.

Rainiero de Mónaco y Grace Kelly, un cuento de hadas terminada en tragedia

Rainiero de Mónaco y Grace Kelly
Rainiero de Mónaco y Grace Kelly. Fuente: www.taringa.net

Grace Kelly de 25 años, tras ganar un Oscar, fue invitada a una sesión de fotos con el Príncipe Rainiero de Mónaco, para publicidad turística. Allí comenzó el romance más famoso de la historia de Mónaco que terminó fatalmente con la muerte de Grace en 1982.

Rainero III y Grace Kelly se casaron el 18 de abril de 1956 y tuvieron tres hermosos hijos.

La historia de Rainiero III y la estrella de Hollywood Grace Kelly pasó a la historia tras haber comenzado como un verdadero cuento de hadas y llegar a su fin en forma de pesadilla; ocasionando un final fatal en esta historia de amor.

El 13 de septiembre de 1982, la princesa sufrió un terrible accidente automovilístico junto a su hija. Aun cuando la niña salió ilesa, Grace quedó inconsciente y murió al día siguiente. Reiniero nunca superó su muerte, se alejó paulatinamente de la sociedad y viviendo completamente aislado en el palacio. Años después fue hospitalizado y murió con una salud muy deteriorada a los 81 años de edad.

Liu Guojiang y Xu Chaoqin y la Escalera del Amor

Historias de amor
Liu Guojiang y Xu Chaoqin. Fuente: muyhistoria.es

Esta es una increíble historia de amor que ha salido de China y ha logrado tocar al mundo. Es la historia de un hombre y una mujer que decidieron huir para vivir y amarse en paz por más de medio siglo.

Liu Guojiang era un muchacho de 19 años que se enamoró de Xu Chaoqing, una mujer viuda, diez años mayor que él y con dos hijos. Sus amigos y parientes criticaron fuertemente la relación debido a la diferencia de edades y el hecho de que Xu ya tuviera hijos.

Para esa época, una relación amorosa entre un hombre joven el amar a una mujer mayor era inaceptable e inmoral. Por tal razón, la pareja decidió fugarse y vivir en una cueva en el condado de Jiangjin en la sureña municipalidad de ChongQing.

Al principio la vida fue dura ya que ellos. Ambos tuvieron que comer pasto y raíces que encontraron en la montaña. En el segundo año de vivir en la montaña, Liu empezó y continuó por más de 50 años, a cavar con sus propias manos, 6,000 gradas para que su esposa pudiera bajar fácilmente la montaña.

Liu, un día regresó de su labor agrícola diaria y colapsó. Xu se sentó y oró por su esposo mientras moría en sus brazos.

Xu Chaoqin de 80 años de edad murió en la cueva que ha sido el hogar de la pareja por los últimos 50 años.

En el año 2006, su historia se convirtió en una de las 10 historias de amor más famosas de China. El gobierno local decidió preservar la escalera de amor y el lugar en que vivieron convirtiéndolo en un museo, para inmortalizar su historia de amor.

Diego Marcilla e Isabel de Segura, los amantes de Teruel

Historias de amor
Diego Marcilla e Isabel de Segura, los amantes de Teruel. Fuente: www.taringa.net

A principios del siglo XIII, vivieron en Teruel dos familias: los Segura y los Marcilla. Ambas familias vivían en buena armonía. Mientras que los Segura disfrutaban de una posición económica acomodada, los Marcilla eran más humildes. Una de las más famosas y trágicas historias de amor en España.

Juan Martínez de Marcilla era un caballero popularmente conocido como Diego de Marcilla, quien regresa a Teruel rico y famoso tras combatir en múltiples batallas.

Diego está enamorado desde niño de Isabel de Segura quien también la ha correspondido. Pero mientras que ella es de una familia importante, él es hijo segundo de otra más modesta. Sin embargo, el padre de Isabel le concede cinco años de tiempo para enriqueciese y así desposar a su hija.

En 1.217, al cumplirse el plazo, Diego regresa a Teruel y se consuma la boda de Isabel con Pedro de Azagra. Al poco de llegar, Diego es informado de que el ambiente festivo y engalanamiento de la villa se debe a que Isabel de Segura acaba de desposarse. La presión de la familia y un pretendiente muy principal, han acelerado el enlace.

Diego comienza a tener sentimientos contradictorios y decide ir al encuentro de su amada, para escuchar de ella misma que se ha casado con Pedro Fernández de Azagra, hermano del Señor de Albarracín. Él le pide un beso a Isabel, pero ella se niega porque ahora pertenece a otro hombre. Diego no resiste la negativa y cae muerto fulminado por el dolor.

Al día siguiente en el funeral, cuando el cadáver del infortunado amante es transportado y depositado en el templo, Isabel de Segura sale de entre el tumulto de gente con la cara velada. Se acerca al fallecido y para darle el beso negado en vida y muere encima de él.

Juana la Loca y Felipe el Hermoso, el amor detrás de la locura

Historias de amor
Juana la Loca y Felipe el Hermoso. Fuente: ngenespanol.com

La tradición cuenta que Juana I de Castilla (1479-1555), conocida como Juana la Loca, enloqueció de amor.

El 21 de agosto de 1496, Juana se casó con el archiduque Felipe (1478-1506). Las crónicas relatan que la atracción física entre los novios fue muy intensa desde el momento de conocerse, obligando a precipitar el casamiento para permitir a los fogosos cónyuges consumarlo de manera inmediata.

A Felipe le gustaba el ardor de Juana, hasta que se cansó y buscó nuevas aventuras. La reina no estaba dispuesta a tolerar la infidelidad. Ella empezó a perder la razón, mientras que su marido estaba algo atemorizado por sus excesos. La monarca alternaba periodos de aislamiento con arrebatos inesperados de ira y pasaba noches enteras en vela y días sin comer.

Juana era una mujer culta que hablaba cinco idiomas. Se convirtió en heredera de los reinos de Castilla y Aragón tras la muertes de sus hermanos Juan e Isabel y de su sobrino Miguel. Tuvo varios hijos: Leonor, Carlos, Isabel, María y Catalina.

A principios de 1502, Juana comenzó a presentar los primeros síntomas de enfermedad mental.

Cuando Felipe murió, el 25 de septiembre de 1506, la reina hizo que colocaran el cadáver en una habitación de clausura para que ninguna mujer pudiera verlo. Cada día visitaba a su esposo y abría el ataúd con la llave que llevaba colgada al cuello. El cadáver estaba mal embalsamado y se fue descomponiendo. Finalmente, la reina accedió a trasladar a España el cadáver de su marido para enterrarle en Granada junto a los restos de Isabel la Católica.

El desequilibrio de Juana hizo que su padre, Fernando, asumiera de nuevo el gobierno de Castilla. En 1506 fue recluida en el castillo de Tordesillas, donde pasó el resto de su vida.

Cleopatra y Marco Antonio, una historia de amor apasionante

Historias de amor
Cleopatra y Marco Antonio. Fuente: culturizando.com

La relación entre estos personajes transcurrió desde el año 42 hasta el 30 a.C. en que se suicida Antonio. Con tan sólo 18 años, Cleopatra era la reina de Egipto. En el año 40 a. de C., con la ayuda de Julio César, destituyó a su hermano-esposo, con quien compartía el trono. Los matrimonios entre hermanos en el Antiguo Egipto eran costumbre en las castas reales para mantener el poder dentro de los clanes familiares.

Cleopatra se convirtió en la amante de Julio César. Ambos pasaban la mayor parte del tiempo en largas fiestas y banquetes reales y viajes por el Nilo.

Por amor, César intervino en una guerra en Egipto contra Pompeyo, en la que puso en peligro el imperio romano.

El romance entre César y Cleopatra ocasionó una guerra para restaurar a Cleopatra como reina de Egipto.

Luego, Cleopatra siguió a César Roma y tuvo un hijo con él: Cesáreo. Tras la muerte de Julio César en el 44 a. de C., Cleopatra huyó de Roma. Ganó entonces los afectos de Marco Antonio y con él regresó triunfante a Egipto en el 42 a. de C. Finalmente, Marco Antonio y Cleopatra se casaron en el año 36.

Esto enfureció Octavio, el nuevo emperador de Roma, debido a que Marco Antonio había rechazado a su hermana y decidió destruirlos. En el año 31 la flota de Antonio y Cleopatra fue totalmente aplastada por las fuerzas de Octavio.

Marco Antonio fue informado de que Cleopatra había muerto al envenenarse y decidió quitarse la vida tras recibir la falsa noticia de que ​Cleopatra había muerto. La reina egipcia resolvió también suicidarse tras hacer que una serpiente venenosa le mordiese.

El amor de leyenda de Shah Jahan y Mumtaz Mahal

Historias de amor
Shah Jahan y Mumtaz Mahal. Fuente: www.taringa.net

El emperador Shah Jehan y Muntaz Mahal: La historia de amor de esta pareja inspiró a la construcción de una de las siete maravillas del mundo y el monumento más famoso de la India, el Taj Mahal.

El príncipe Kurram se enamoró de la princesa Arjumand, de sólo 15 años, hija del Primer Ministro de la Corte. Impresionado por su belleza, le regaló un diamante que valía 10.000 rupias y así conquistó de inmediato el corazón de la princesa.

Finalmente, la boda tuvo lugar en el año 1612, y Arjumand se convirtió en la esposa favorita del príncipe. La Elegida del Palacio quedaría inmortalizada en el Taj Mahal.

El príncipe fue coronado y tomó el nombre de Shah Jahan, (Rey del Mundo). Cuatro años después, su amada y fiel esposa, Mumtaz Mahal, no resistió el parto de un nuevo hijo. Antes de morir, la reina le pidió a su rey que construyera en su memoria un monumento sin igual en el mundo.

El Taj Mahal está emplazado en un jardín simétrico, dividido en cuadrados iguales, cruzado por un canal que refleja su imponente imagen. El hijo del Shah Jahan rompió con la simetría, al enterrar a su padre al lado de Mumtaz Mahal. Ella está representada por una pequeña loza, y el Rey, por un tintero, símbolo de la mujer como un papel en blanco en la que escribe su marido.

El Shah Jahan vivió sus últimos años prisionero en el Fuerte Rojo. Desde ahí, contemplaba el Taj Mahal a través de su ventana. En su lecho de muerte, a los 74 años, pidió un espejo para ver la tumba de su esposa.

La tormentosa historia de amor de Frida Kahlo y Diego Rivera

Historias de amor
Frida Kahlo y Diego Rivera. Fuente: es.wikipedia.org

La historia de amor de Fridah Kahlo y Diego Rivera no fue la más idílica. Era una relación tóxica en la que las infidelidades por partes de ambos se sucedieron. Sin embargo,, Frida siempre declaró que el amor que sentía por Diego Rivera era inmenso

Frida Kahlo es a una de las pintoras más famosas de la cultura mexicana, una poetisa y la mujer que se ha convertido en icono feminista. La mexicana conoció a Diego Rivera en la Escuela Nacional Preparatoria. En 1929 se casaron siendo el tercer matrimonio de Rivera, quien contaba entonces con 43 años mientras que Frida tenía 22.

Frida era consciente de las infidelidades de Diego Rivera. Pero en 1935, descubrió que su marido también le había engañado con su hermana, Cristina Kahlo, lo que la llevó a sumirse en un estado de depresión. Tiempo después, Frida también sería infiel a Diego con León Trotski, una de las principales figuras de la revolución soviética.

En 1939, ambos poner fin a su matrimonio y se divorcian, pero un año después, tras la muerte de Trotski. Frida fue sometida a u duro interrogatorio, por parte de la policía.

Frida se marcha a San Francisco a vivir con Diego y vuelven a casarse de nuevo. En los años posteriores, la salud de la mexicana se torna delicada, debido a una bronconeumonía. Tras sufrir diferentes intervenciones médicas y un intento de suicidio Frida Kahlo murió en 1954 en su casa de Coyoacán.

La apasionada historia de amor entre Simón Bolívar y Manuela Sáenz 

Historias de amor
Simón Bolívar y Manuela Sáenz. Fuente: culturizando.com

Manuela Sáenz estaba enamorada de la independencia y del pensamiento de Bolívar. El 16 de junio de 1822, Bolívar llegó a Quito y sucedió el primer encuentro con quien sería su gran amor, Manuela Sáenz.

Bolívar y Sáenz, además de además de amantes eran cómplices y socios. Ambos manejaban los mismos ideales libertadores. Manuela le servía de informante a Bolívar, estudiaba los movimientos de las tropas y en más de una ocasión lo salvó de un atentado. Es por eso que algunos la conocen como “La libertadora del libertador”.

Pese a que Manuela estaba casada, consideraba a Bolívar como su verdadero amor, en cuerpo y alma. En numerosas ocasiones le recalcó al Libertador que era el único dueño de su corazón. Su esposo viajaba con frecuencia y estaba totalmente enterado de la relación entre ambos y aceptó voluntariamente su destino, con la condición de no poner fin al matrimonio.

Bolívar le expresaba su amor por medio de poéticas cartas. El amor de Manuela Sáenz y Simón Bolívar sobrevivió en el tiempo gracias a la fuerza de sus sentimientos, expresadas en sus cartas siendo testigos de un amor en tiempos de guerra.

Romeo y Julieta: La tragedia de Shakespiare

Romeo y Julieta
Romeo y Julieta. Fuente: www.taringa.net

Es la tragedia de William Shakespeare sobre una pareja de enamorados que sufre la terrible enemistad de sus familias: Montescos y Capuletos, en la ciudad de Verona, ltalia.

Este relato comienza con una reunión organizada por los Capuleto en la que asiste Romeo sin ser invitado y con un antifaz. Este al notar la presencia, dulzura y belleza de Julieta, la hija de los Capuleto, sintió el verdadero amor. Por su parte, ella también siente un gran afecto hacia el joven Montesco, por lo que firman su compromiso con un ardiente beso.

A la mañana siguiente, Romeo, para evitar ser descubierto por la familia Capuleto, asciende por las enormes murallas hasta la habitación de su amada. Romeo y Julieta se juran amor eterno sin importar sus consecuencias. Con la ayuda del fray Lorenzo y la nodriza de la joven, los enamorados se casan de forma clandestina.

Debido a una pelea entre Mercurio y Tebaldo, Romeo decide intervenir para separar a los contendientes. Sin embargo, fue inevitable la muerte de Mercurio a consecuencia de la riña. Luego, Romeo se enfrenta a Tebaldo y lo mata; provocando el encarcelamiento y el destierro del muchacho.

Julieta se hace pasar por muerta tomando un tóxico que funciona 40 horas, con el fin de no casarse con Paris, para irse muy lejos con su amado. Por su parte, fray Lorenzo se compromete a mantener informado a Romeo acerca de dicho plan. Sin embargo, este se entera de la muerte de su amada y decide ir a verla enfrentándose a París.

Romeo ingiere un veneno mortal decide quitarse la vida al ver a Julieta yacer en una tumba abierta, y con un beso se despide de ella. La doncella despierta y al ver a su amado muerto, decide suicidarse con el cuchillo que Romeo tenía consigo.

Referencias

https://www.taringa.net/+info/las-historias-de-amor-mas-famosas-del-mundo_12rn6j

https://www.enfemenino.com/espectaculos/historias-de-amor-famosas-s2205161.html

https://www.vix.com/es/imj/famosos/5312/las-historias-de-amor-mas-famosas-del-mundo

https://culturizando.com/la-apasionada-historia-amor-simon-bolivar-manuela-saenz-cartas-privadas/

 

 

‘Mujercitas’, una historia con perspectiva feminista

Mujercitas

‘Mujercitas’ es un libro extraordinario publicado en 1868, el cual revolucionó el mundo de la literatura feminista. Louisa May Alcott, se arriesgó a contar parte de su historia, a través de cuatro niñas que viven en medio del paso de la niñez hacia la madurez y las consecuencias de la Guerra Civil de Estados Unidos.

A pesar de la existencia de diversas versiones de la obra de Louise May Alcott, la actriz estadounidense Greta Gerwig llevó este clásico de la literatura universal a la gran pantalla. Mujercitas narra la vida familiar de cuatro jóvenes hermanas: Meg, Jo, Amy y Beth March que enfrentan el paso de la madurez, mientras se desarrolla la Guerra de Secesión en Estados Unidos.

¿De qué se trata la novela?

Es una novela semi autobiográfica de la infancia de Louisa May Alcott, quien creció en Massachusetts con sus 3 hermanas, en condiciones muy similares a sus personajes. La historia narra la vida de cuatro hermanas que buscan su camino a la adultez de la mejor forma posible. Alcott explora de manera sublime todas las preocupaciones que pueden pasar por la mente de una mujer en crecimiento.

Mujercitas
Mujercitas, la novela escrita por Louisa May Alcott en 1868. Fuente: oceandrive.com.ve

La importancia de la obra

La igualdad de derechos fue muy difícil en aquellos tiempos para las mujeres, debido a que las limitaciones de la época eran inimaginables. Más que una novela para jóvenes, es una crítica social que habla sobre las injusticias de la época.

Mujercitas
Mujercitas está basada en la vida íntima de la escritora, quien se ve a sí misma como Jo, una hermana que queire ser escritora. Fuente: oceandrive.com.ve

Mujercitas en la conquista del séptimo arte

Las adaptaciones cinematográficas han sido todo un éxito. La historia de las 4 hermanas llegó a la gran pantalla desde 1917 con la primera versión de Alexander Butler. Mujercitas  ya ha sido realizada en 7 versiones diferentes, siendo la última, de Greta Gerwig una de las más comentadas debido a sus 6 nominaciones al Óscar. Con esta adaptación Gerwig nos regala una de las mejores películas del 2019 y varias lecciones valiosas sobre la sororidad, la amistad, la familia y el amor. Es una historia que enseña sobre el amor, el trabajo y la vocación, al mismo tiempo repasa importantes tópicos sociales. La narrativa no tiene fecha de vencimiento y es sin duda, mucho más que un libro.

Los Flashbacks, el recurso más acertado del filme

Greta Gerwig optó por el recurso de los flasbacks para sustituir un tiempo lineal. Una decisión acertada que dota ciertas escenas de mayor emotividad al realizar ese contraste entre los recuerdos y el presente de las hermanas March. Las conexiones entre la realidad y la ficción, no solo son un elemento fascinante de ‘Mujercitas’, sino también su estructura narrativa,  siempre rica en emociones complejas.

Con una paleta de colores fríos y cálidos para diferenciar el pasado del presente, permiten al espectador adentrarse en la trama sin ningún inconveniente, en favor de un ambicioso ensayo sobre la relación entre los cimientos del pasado, las decisiones del presente y las consecuencias del futuro.

Mujercitas
Mujercitas. Fuente: www.enfemenino.com

Mujercitas cuenta con el mejor reparto

Hace 25 años se estrenó la película dirigida por Gillian Armstrong, ‘Mujercitas’ y protagonizadas por Winona Ryder, Christian Bale, Susan Sarandon, Kristen Dunst y Claire Danes. Desde entonces, esa fue la última versión más reconocida de la historia, desde que en 1933 se estrenara la protagonizada por Katherine Hepburn y dirigida por George Cukor.

En esta última versión, en la selección para las hermanas March, figuraron grandes estrellas jóvenes como Saroirse Ronan, Florence Pugh, Emma Watson, Eliza Scanlen, Timothée Chalamet junto a actrices icónicas como Meryl Streep y Laura Dern.

Mujercitas, un mensaje feminista sobre la madurez

El guion de la película nos deja apreciar el trasfondo feminista, cuyo mensaje refleja el dilema que representaba ser mujer en el siglo XIX.

Esto se puede apreciar en Jo (Saroirse Ronan), quien representa a la mujer incomprendida de su tiempo que desea vivir y desempeñarse como una escritora. Por otro lado, tenemos a Amy (Florence Pugh), quien se debate entre un matrimonio sin amor con un hombre de buena posición y su ambición de ser la mejor artista de su tiempo en una sociedad dirigida por hombres. También está Beth (Eliza Scanlen), una joven dulce y muy familiar que, a pesar de su personalidad tranquila; logra hacerse sentir en varios momentos conmovedores de la trama. Finalmente, está Meg (Emma Watson), que nos recuerda que la verdadera libertad de la mujer radica en poder elegir su propio destino.

El filme combina una exquisita paleta de colores y una perfecta dirección de arte que nos sumerge en pleno siglo XIX y al mismo tiempo ilustrarnos un discurso feminista actual. Estos saltos temporales, a los que acompaña el constante cambio de colores y texturas en la imagen (tonalidades frías para los momentos más aciagos y cálidas para los más felices), moldean una versión de la historia mucho más autoconsciente, cuyo objetivo es poner en relación el antes con el ahora para entender que somos lo que hemos vivido. Con Mujercitas, Greta Gerwig se consagra como una de los mejores directores de cine de nuestro tiempo.

Mujercitas
Mujercitas. Fuente: www.enfemenino.com

Mujercitas, una adaptación inesperada

En 1994, Susan Sarandon dió vida a la señora March, Winona Ryder a la díscola Jo y Christian Bale al querido Laurie en la última versión cinematográfica del clásico de la literatura ‘Mujercitas’, escrito por Louisa May Alcott. Pero en los últimos tiempos, la historia ambientada en la guerra de Secesión ha vuelto a reclamar la atención de los productores de cine, tras cumplir 150 años de la publicación de la obra en 2018.

Primero fue la miniserie producida por la BBC en la que Maya Hawke interpretaba a Jo. Después, una nueva versión con Lea Thompson como madre de la familia. Pero la versión de ‘Mujercitas’ que dirige Greta Gerwig, es la más esperada de todas y una de las películas con mayor expectativa.

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/es-mucho-mas-que-una-pelicula-la-revolucion-feminista-detras-de-mujercitas/

https://www.enfemenino.com/cultura/mujercitas-historia-sobre-madurez-perspectiva-feminista-s4009353.html

https://www.fotogramas.es/noticias-cine/a25598783/mujercitas-greta-gerwig-pelicula-fecha-estreno-trailer-reparto-fotos-sinopsis-nueva-version/

https://www.fotogramas.es/noticias-cine/a30271090/mujercitas-mejor-pelicula-2019/

 

Pre-Fall 2020, la nueva colección 2020 de Nicolas Ghesquière para Louis Vuitton

Pre-Fall 2020

Nicholas Ghesquière, el director artístico encargado de ropa femenina de Louis Vuitton, lanzó una campaña para presentar su nueva colección Pre-Fall 2020. La misma se exhibe con portadas de libros clásicos de terror, romance y ciencia ficción.

El diseñador se ha inspirado en el cine de ciencia ficción y de terror.

El diseñador es amante de la ciencia ficción  y admite abiertamente que los 80’s fueron su época fashionista. Es por ello que, conjuntamente con la fotógrafa neoyorquina, Collier Schorr, reconocida por sus retratos surrealistas, hicieron la dupla perfecta que le dio vida a la sesión de fotos al mejor estilo de BlockBuster.

Ghesquière, antes de publicar la colección, mostró en su Instagram un avance, siendo él parte del elenco de League of Legends. Cada una de las musas de los cuentos ficticios, forman parte de su propia historia y algunas, incluso trabajaron en conjunto con el diseñador para crear un mundo todavía más loco y personalizado.

Pre-Fall 2020
Pre-Fall 2020. Fuente: oceandrive.com.ve

Pre-Fall 2020 de Louis Vuitton

A principios de esta semana, Nicolas Ghesquière publicó un retrato de sí mismo y del jugador de League of Legends Senna en su cuenta de Instagram. Ha hecho a medida una «piel de prestigio» de Louis Vuitton en el juego para ella, así como una colección cápsula del mencionado videojuego para la marca. La realidad virtual es la próxima frontera de la moda, y Ghesquière concuerda no solo con su obsesión de ciencia ficción, sino también con la narrativa de viajes en el tiempo que ha convertido en una parte central de su narrativa de la marca. El futuro ya está aquí.

Ghesquière, antes del otoño incluyó en una serie de «colaboraciones» a sus musas: Jennifer Connelly, Sophie Turner, Léa Seydoux. Estas estrellas son estrellas de novelas de terror y ciencia ficción imaginadas. E ha encargado portadas de libros y posters, creando looks de Louis Vuitton para que los artistas los usen. El fotógrafo Collier Schorr tomó las imágenes y un equipo de cuatro artistas internacionales creó las ilustraciones que lo acompañan, con resultados que parecen intencionalmente, y bastante satisfactorios, retro y de baja fidelidad. Ghesquière dice que los conceptos de libros y películas llegaron primero y la ropa en segundo lugar.

“William Peter Blatty, quien escribió El exorcista, nos dio los derechos para imprimir la portada del libro. Comenzó allí ”, explicó. «Es un gran símbolo para mí usar una ficción e incorporarla a un atuendo. Pensé, ¿qué es lo contrario? Usar la ficción como ilustración de la moda. Es una especie de efecto espejo en esta acción de representarlos a todos en estos personajes diferentes «. La estrella del pop sueco Robyn, por ejemplo, le contó a Ghesquière sobre un sueño suyo en el que conoce a un tigre que habla. Voila: The Night Chaser, en el que usa una camisola de lentejuelas y una falda de cuero inspirada en el motocross. Las garras gigantes de gato morado se aferran a sus hombros desnudos.

Pre-Fall 2020
Pre-Fall 2020. Fuente: oceandrive.com.ve

Pre-Fall 2020 está protagonizada por las musas de Louis Vuitton

Las musas de Louis Vuitton son protagonistas en cada historia. El diseñador ha presentado junto a sus musas una colección pre-fall 2020 inspiradas en las películas de terror y ciencia ficción vintage. Se trata de una de las campañas más originales en las que el diseñador recluta a las grandes estrellas del cine y televisión como Sophie Turner, Emma Roberts, Chloë Grace Moretz, Alicia Vikander, Léa Seydoux, Jennifer Connelly y Jaden Smith, entre otras muchas celebrities. Con colores muy brillantes y estilos muy variados, la marca asegura un futuro muy moderno, inspirados en las prendas más clásicas.

Pre-Fall 2020
Pre-Fall 2020. Fuente: oceandrive.com.ve

Pre-Fall 2020 imagina una «biblioteca portátil» de novelas románticas

Nicolas Ghesquière, director artístico de ropa de mujer de Louis Vuitton , ha reclutado a los talentos de las muchas musas de la casa de moda para su campaña Pre-Fall 2020.

Las portadas de libros de temática romántica, de terror y de ciencia ficción ha sido la base de la campaña, con cada entrada en la «biblioteca portátil» en la que se combina con modelos como: Jaden Smith, quien protagoniza Lost Planet, Angelica Ross está encerrada en The Escape Room, Alicia Vikander se esconde en The Wicked Mirror y Billie Lourd y Cody Fern ocupan un lugar central en Secret Spell . Cada imagen vienen acompañadas de lemas o frases como: («¡Los muertos muerden!» «¿Adivina quién? ¡El pasado, ese es quién!»). Louis Vuitton tambien ha producido una camiseta especial estampada con la portada de El exorcista original de William Peter Blatty.

Pre-Fall 2020
Pre-Fall 2020. Fuente: oceandrive.com.ve

Pre-Fall 2020, un look de la colección Louis Vuitton.

Para Pre-Fall 2020, Nicolas Ghesquière imaginó una serie de musas de Louis Vuitton como protagonistas de películas de terror y novelas de ciencia ficción. El producto final es un lookbook de 24 páginas de carteles de películas y portadas de libros que recuerdan una sesión de fotos de » America’s Next Top Model «, de la mejor manera posible.

Lamentablemente, la rubia blanqueadora no participó en el divertido proyecto, pero es difícil no pensar en las portadas de novelas románticas del ciclo siete con Fabio cuando se desplaza por las últimas imágenes de la casa francesa.

En lugar de Fabio, Ghesquière nos ofrece a Jennifer Connelly en un vestido plisado de encaje festoneado como la estrella de «Dreamkeeper»; Robyn con lentejuelas y cuero fresco en «The Night Chaser»; y Jaden Smith como un niño que mezcla patrones en «The Lost Planet». También está Léa Seydoux con una camiseta «Exorcista» usada bajo un brillante número de cóctel; Emma Roberts con un vestido rojo escarlata; Angelica Ross con una falda a cuadros decorada con botas lunares gigantes; y Sophie Turner luciendo un traje blanco, abrigo de camello y las mismas botas de luna. Billie Lourd, Cody Fern, Chloë Grace Moretz, Alicia Vikander, Stacy Martin, Kelsey Asbille, Doona Bae, Laura Harrier , Zhong Chuxi, Yaya, Noémie Merlant, Deepika Padukone, Woodkid, Rinko Kikuchi, Gugu Mbatha-Raw y Samara Weaving completan el reparto, cada uno obteniendo su propio momento de pulp fiction de estilo retro filmado por Collier Schorr.

«La moda es una novela», dicen las notas del lookbook de la marca de lujo. «Y la colección Pre-Fall 2020 se embarca en un viaje narrativo donde las prendas cuentan sus propias historias. En una ‘biblioteca portátil’, cada equipo escribe su propio capítulo compuesto por monólogos románticos».

Pre-Fall 2020
Pre-Fall 2020. Fuente: oceandrive.com.ve

La moda es una novela

Nicholas Ghesquière explicó: «La moda es una novela y la colección Pre-Fall 2020 se embarca en un viaje narrativo donde los personajes cuentan sus propias historias a través de las prendas. El resultado es una reunión de periodos, movimientos estilísticos y combinaciones acrónicas en un diálogo peculiar entre la rebelión estilística y la artesanía».

Para la presentación de la colección Pre-Fall 2020 de Louis Vuitton, Nicolas Ghesquière alistó a las musas de la marca como protagonistas de su propia novela de horror y ciencia ficción.

Para ilustrar esta colección vemos a personajes fotografiados por Collier Schor como Léa Seydoux en una playera de El Exorcista debajo de un cocktail dress; Emma Roberts en un vestido rojo; Sophie Turner en un traje sastre y botas gruesas, así como Deepika Padukone en un abrigo gris y botas verdes, por nombrar algunas; tomando portadas de libros o carteles de películas como protagonistas, adoptando el papel de aventureras en un encuentro de épocas, movimientos estilísticos y combinaciones anacrónicas.

En esta biblioteca, cada atuendo escribe su propio capítulo compuesto por monólogos románticos; asimismo, las portadas falsas y los carteles de este lookbook se inspiran en los 70 y 80, donde la colección es una combinación de estilos pasados, presentes y futuros.

Pre-Fall 2020
Pre-Fall 2020. Fuente: oceandrive.com.ve

Referencia

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/en-imagenes-la-increible-prefall-2020-collection-nicolas-ghesquiere-para-louis-vuitton/

https://www.vogue.com/fashion-shows/pre-fall-2020/louis-vuitton

https://ievenn.com/la-campana-de-louis-vuitton-pre-fall-2020-es-literalmente-de-pelicula/2273291/

https://hypebeast.com/2020/1/louis-vuitton-pre-fall-2020-nicolas-ghesquiere-jaden-smith

https://fashionista.com/2020/01/louis-vuitton-pre-fall-2020-collection-lookbook

 

Los libros infantiles que te harán viajar

A continuación, recomendamos los 5 libros infantiles que te inspirarán a cambiar tu vida y a elegir mejor tu próximo destino; además, si vas de vacaciones familiares, convertirás a tus pequeños en incansables aventureros.

La Mansión de Calipa, por Tahir Shah

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La Mansión de Calipa, por Tahir Shah. Fuente: oceandrive.com.ve

El aclamado escritor de viajes inglés, Tahir Shah se llevó a su esposa india a Marruecos, donde viajó cuando era niño. La Mansión de Calipa es un libro extraordinario que te hará enamorarte de la cultura de Marruecos. El autor comparte el relato del traslado de su familia desde la brumosa Londres a la ciudad de Casablanca, donde convergen la tradición islámica y el folklore africano. Los testimonios del autor, enamoran al lector y lo hacen sentirse parte fundamental de la mágica historia.

Tahir Shah y su esposa, Rachana, cogieron a su familia en aumento y compraron una mansión abandonada y en ruinas. La casa vacía atrae a los yinn, espíritus invisibles propios del mundo musulmán, cuya presencia entorpece el sueño y los planes de renovación de la familia de Shah. Desde el ritual del exorcismo hasta las relaciones con los gánsteres vecinos, tendrán que habérselas con una cultura nueva de tradición islámica y el folklore africano. La Mansión del Califa traza el mapa de un año en la vida de una familia que se arriesga en un mundo de agudos contrastes al que cualquier verdadero amante de la aventura estaría encantadísimo en llamar su auténtico hogar.

Comer, Rezar, Amar, por Elizabeth Gilbert

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Comer, Rezar, Amar, por Elizabeth Gilbert. Fuente: oceandrive.com.ve

El libro esconde cientos de secretos que jamás llegaron a la película de Julia Roberts. Gilbert narra la historia de Elizabeth, de treinta y tantos años, deja atrás un matrimonio de siete años, un divorcio desgarrador y un desastroso romance posterior. Ante la necesidad de alejarse de todo, Elizabeth decide dar el gran paso, respirar hondo, dejar todo y marcharse de Nueva York. Así emprende un viaje a Roma (para aprender a comer), a la India (para aprender a rezar), y a Bali, (para aprender a amar).

Así que Elizabeth llega a Roma, donde descubre los placeres de la ciudad y conoce a Giovanni, quien posee el poder curativo de la pizza. Después de Italia, Elizabeth continúa su viaje por otros países, hasta dar la vuelta al mundo y, luego de conseguir la paz consigo misma, regresa a Nueva York.

Esta novela de autoayuda, es una reflexión sobre el amor en sus diferentes representaciones. Incluso el más escéptico lector soñará con encontrar a Dios algún día en un lugar de la India o quizá en un pedazo de pizza. La delicadeza de su historia, te hará enamorarte de los 3 destinos que son completamente diferentes. Y así como cada viaje tiene el poder de cambiarte la vida, la escritora analiza las posibilidades de sanación de cada lugar que visita.

Suave es la Noche, de Scott Fitzgerald

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Suave es la Noche, de Scott Fitzgerald. Fuente: oceandrive.com.ve

La última novela de Fitzgerald es una trágica historia de amor sobre Dick Diver, un psiquiatra estadounidense que se casa con su paciente Nicole una rica y atractiva joven emocionalmente perturbada. Dick se ve atrapado en una complicada relación con su mujer, y conoce a Rosemary, una actriz más joven que él, de la que se enamora, convirtiéndola en su amante. A partir de entonces, su vida se precipitará por una pendiente de miserias que salpican tanto a sus relaciones personales como al amor.

Suave es la noche, la novela más humana y compleja de  Fitzgerald . Es una narración de amor y pasión, que se ambienta en la Riviera francesa en la década de 1920, que te hará enamorarte completamente del ambiente francés y comprenderás que a veces, una atmósfera maravillosa y tranquila no es suficiente para vivir una historia de amor.

Jardines de Canela, de Shyam Selvaduraj

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Jardines de Canela, de Shyam Selvaduraj. Fuente: oceandrive.com.ve

Jardines de Canela es un barrio residencial de Colombo, capital de Sri Lanka. Transcurre el año 1927, cuando la independencia y el sufragio universal perturban las aguas del milenario país, donde las mujeres se limitan al silencioso cumplimiento de los deberes en el hogar, sin eclipsar jamás al hombre.

La historia se centra en un turbulento periodo de cambios, el cual le ha tocado vivir a Annalukshmi, una joven cuyos estudios se consideran casi un crimen y un obstáculo para encontrar marido. Tras escandalizar al barrio entero yendo en bicicleta a su trabajo, su madre decide buscarle el hombre adecuado para que siente cabeza. Al mismo tiempo, conocemos la historia de Balendran, un cabeza de familia ejemplar e hijo del mudaliyar, el encargado de poner en práctica la política colonial. La inesperada visita de un antiguo compañero de los tiempos de universidad en Inglaterra tiene un efecto perturbador sobre el protagonista.

Jardines de Canela es un retrato teñido de nostalgia sobre la placidez de la vida colonial súbitamente sacudida por la convulsión de los acontecimientos políticos. Los protagonistas, estimulados por el aire fresco de la libertad, ya no soportan vivir bajo el yugo de las convenciones sociales y deciden despojarse de sus complejos y expresar libremente sus deseos más íntimos. El paraíso perdido de Sri Lanka, es un lugar que puede ofrecerte una desconexión sensorial extraordinaria, sumergida en la magia del caribe.

La Joven de la Perla, por Tracy Chevalier

libros infantiles
La Joven de la Perla, por Tracy Chevalier. Fuente: oceandrive.com.ve

La joven de la perla es una novela histórica que tiene lugar en Delft, Holanda y está inspirada en el cuadro del pintor holandés Johannes Vermeer La joven de la perla. En el siglo XVII, Griet, una chica de 16 años, vive con su familia en el barrio más pobre de Delft, en el Reino de los Países Bajos. Cuando el padre de Griet queda ciego tras sufrir un accidente en un horno de cerámica, la joven se ve obligada a emplearse como doncella en la casa del pintor Vermeer a cambio de un mísero salario. Al principio se le cuesta adaptarse a los nuevos desafíos que la vida tiene para ella, pero pronto, se convertirá en musa. Con el encanto de la Europa del siglo XVII, Chevalier te hace entrar en una atmósfera nostálgica llena de tranquilidad y misterio.

Las Aventuras de Tin Tin, por Hergé

Las Aventuras de Tin Tin
Las Aventuras de Tin Tin, por Hergé. Fuente: oceandrive.com.ve

Las aventuras de Tintín  es una serie de historietas europeas del siglo XX, creada por el Georges Remi, conocido como Hergé. Tintín, el héroe de todas las infancias, el que recorrió el mundo enderezando entuertos y saliendo vencedor sus arriesgadas aventuras. Con recorridos increíbles por diferentes partes del planeta, Tintin es el primer acompañante ideal para iniciar a los niños en un viaje de mágicas aventuras. Sus narraciones sencillas pero llenas de detalles y maravillosas experiencias, transformarán a cualquier pequeño en todo un aventurero de corazón.

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/5-libros-que-te-haran-querer-agarrar-el-primer-avion-que-veas-mas-uno-para-ninos/

https://elgeniomaligno.eu/shah-tahir-la-mansion-del-califa-nuestro-primer-ano-en-casablanca-alcala-la-real-ediciones-alcala-2008-mirko-lampis/

http://www.lecturalia.com/libro/37376/comer-rezar-amar

https://www.hermidaeditores.com/suave-es-la-noche

http://quelibroleo.hola.com/jardines-de-canela

https://books.google.co.ve/books/about/Jardines_de_canela.html?id=Wo-_AAAACAAJ&redir_esc=y

http://quelibroleo.hola.com/la-joven-de-la-perla

https://es.wikipedia.org/wiki/La_joven_de_la_perla_(novela)

https://www.revistadelibros.com/articulos/las-aventuras-de-tintin-de-herge

https://es.wikipedia.org/wiki/Las_aventuras_de_Tint%C3%ADn

 

Los Maestros de Simón Bolívar

maestros

Simón Bolívar, durante su infancia y juventud, tuvo la mejor educación por parte de los maestros más destacados en el siglo XVII y que influyeron en la vida del Libertador como Don Simón Rodríguez y Andrés Bello.

La educación humanista que tuvo el Libertador fue la base de lo que fue su desempeño a lo largo de la vida. Sin embargo, Bolívar también contó con otros profesores que existían para esa época y que ayudaron en su formación educativa. Entre ellos podemos mencionar a aquellos catedráticos y mentores como el Licenciado Sanz, el Padre Andújar, Guillermo Pelgrón, Carrasco y Vides, el Padre José Antonio Negrete, entre otros.

Simoncito
El niño Simón Bolívar. Fuente: www.simonbolivar.info

El joven Bolívar además de la educación que recibía de sus tutores antes mencionados, también que se dice que fue impulsado por sus maestros.

Esto más adelante, cuando estuvo en Europa se interesó por la política y los libros clásicos de los autores de la antiguedad, griegos y romanos: Homero, Polibio, Plutarco, César, Virgilio. Asimismo, los clásicos modernos de España, Francia, Italia e Inglaterra lo introdujeron en este tipo de lecturas; así como, los más diversos sectores intelectuales: desde filósofos y políticos como Hobbes, hasta poetas como Tasso y Camoens, pasando por naturalistas como Buffon, astrónomos como Lalande y economistas como Adam Smith. En sus cartas pueden hallarse muchos nombres recomendados por sus maestros, entre los que detacan los enciclopedistas y planificadores de la Revolución Francesa como Montesquieu, Rousseau, D`Alembert, Condillac y Voltaire.

Francisco A. Carrasco: profesor de aritmética y escritura

Bolívar recibía  sus primeras lecciones aritmética y escritura de la mano de Francisco A. Carrasco, un empleado de altísima confianza de la familia Bolívar y tutor de Simón y sus hermanos. Carrasco se desempeñaba en labores de contador y cajero en una tienda de importaciones.

Don Fernando Vides: profesor de aritmética y escritura

Don Fernando Vides instruyó al niño Simón en las clases de aritmética, primeras letras y escritura y fue el tutor de sus hermanos.

Fray Francisco de Andújar

El Fray Francisco de Andújar, un monje capuchino fundador de la academia de matemáticas en Caracas, fue el responsable de la formación en matemáticas de Simón Bolívar, durante su niñez.

Guillermo Pelgrón

Don Guillermo Pelgrón le dio clases a Simón Bolívar en lengua y cultura latina y gramática.

Pedro Palacios y Sojo

Pedro Palacios Sojo, también conocido como el “Padre Sojo”, fue un sacerdote y maestro de música desde mediados del siglo XVIII. Fue maestro y tío abuelo por la línea materna de Simón Bolívar, quien estableció una relación estrecha con el joven a través de la enseñanza de la música.

El Padre Sojo tenía su escuela de música, establecida en el pueblo de Chacao en Caracas. Allí instruyó a grandes músicos de la historia de Venezuela como José Ángel Lamas, Juan José Landaeta (autor de la música del Himno Nacional de Venezuela), Lino Gallardo, Cayetano Carreño, entre otros.

José Antonio Negrete

Fue maestro de Bolívar en las cátedras de historia y religión.

Simón Rodríguez

Simón Rodríguez
Simón Rodríguez. Fuente: elpais.com

Simón Rodríguez fue un escritor, filósofo y educador venezolano, reconocido tanto por sus obras como por haber sido el más influyente de los maestros y mentores de Bolívar.

Rodríguez ejerció la docencia en la Escuela de Lectura y Escritura para Niños, donde conoció al pequeño Simón, y presentó sus críticas, inspirado en las ideas de Rousseau, acerca del modelo educativo de las naciones americanas.

Rodríguez destacó la importancia que cada república independiente debía darle a la originalidad en sus modelos e instituciones, a través de su célebre obra Sociedades Americanas.

Simón Bolívar
Simón Bolívar. Fuente: www.simonbolivar.info

Ávido lector y amante de la libertad, Simón Rodríguez impactó en Bolívar durante la adolescencia, cuando su familia lo envió a Europa para que aprendiera de bellas artes y buenas costumbres.

En Europa, Rodríguez y Bolívar se reencontraron en Francia en el año 1804, donde influyó en como mentor e impulsó sus ideas independentistas en el futuro Libertador. Ambos viajaron por Francia e Italia, presenciaron la coronación de Napoleón Bonaparte como rey de Italia y subieron juntos al Monte Sacro, en Roma, donde Simón Bolívar recitó su célebre juramento por la Independencia de América.

Andrés Bello

Andrés Bello
Andrés Bello. Fuente: biografiadee.com

Andrés Bello fue uno de los humanistas y educadores más importantes de toda la historia de Venezuela y América Latina. Su trabajo de Bello dio origen al Código Civil; realizó su crítica más importante en el proceso independista; promovió la creación de instituciones educativas y medios de comunicación; aportó grandes obras a la literatura y al estudio de las primeras letras, entre otras contribuciones al humanismo.

Bello le impartió clases particulares de Geografía y Literatura a Simón Bolívar. Años más tarde, ambos conformaron en Europa la expedición diplomática hacia Londres para conseguir financiamiento para la causa independista.

Jerónimo Ustáriz y Tovar (Marqués de Ustáriz)

Bolívar, a los 15 años de edad, fue recibido en la cómoda casa del Marqués de Ustáriz en Madrid. Fue una de las personalidades más importantes en la vida y formación de Bolívar, a pesar de que la historiografía se enfoque en la influencia de Rodríguez y Bello.

En Madrid, Bolívar profundizó en sus lecturas de filósofos ilustrados, clásicos de la antigüedad, historiadores, oradores y poetas, incluyendo los clásicos modernos de España, Francia, Italia y Gran Bretaña. Además aprendió de equitación, baile y esgrima.

Alexander von Humboldt

Alexander von Humboldt
Alexander von Humboldt. Fuente: elpais.com

Alexander von Humboldt fue científico y naturalista alemán de gran influencia para la humanidad. Conoció a Bolívar durante su estancia en París y establecieron un lazo de amistad que se prolongó hasta la muerte de Bolívar, en 1830.

Humboldt dedicó varios años de estudio a la naturaleza del Nuevo Mundo. Bolívar nutrió su pensamiento de profundo humanismo, cosmovisión, respeto y conciencia naturalista. Asimismo, el Libertador reconoció cada descubrimiento como una hazaña que había dado más al continente que cualquier otro conquistador.

Referencias:

https://www.simonbolivar.info/maestros-de-sim%C3%B3n-bol%C3%ADvar

https://www.lifeder.com/maestros-simon-bolivar/

Los artistas venezolanos contemporáneos

Artistas venezolanos

Los artistas venezolanos transforman el caos cotidiano en creaciones maravillosas consideradas como verdaderas obras de arte, y que le dan al espectro artístico, todos los matices necesarios para brillar.

Alejandro Brito y su mágico foto realismo

El realismo de sus pinturas impresiona hasta a los más escépticos. Alejandro Brito es un artista dedicado a la pintura hiperrealista como forma de expresión pictorica, utilizado herramientas como el pincel y la aerografia para plasmar la belleza de la realidad en distintos medios como el lienzo, el cartón y la madera. Comenzó estudiando administración industrial, pero el arte y la pintura el amor de su vida  y de su mente. Ahora es un artista consolidado especializado en foto realismo con aerografía. Su misión es hacer que el público sienta cada una de las texturas de su obra.

Artistas venezolanos
Alejandro Brito. Artista Venezolano. Fuente: oceandrive.com.ve

Gato Botz; un espectáculo surrealista

Su talento logra transformar Caracas en el escenario perfecto de una obra surrealista. Su carrera comenzó con el diseño gráfico y con el tiempo se vió seducido por la fotografía. Caracas se convirtió en su musa y decidió transformarla para crear una “ciudad surrealista”. Su misión es darle al público una visión diferente de la cotidianidad, “muestro las obras arquitectónicas de la ciudad (…), para luego jugar con ellas desde la pantalla y hacer una intervención urbana”, comenta el artista.

Siul Rasse y su arte pictórico

Siul Rasse

Siul Rasse es una artista plástica venezolana nacida en La Guaira. Se graduó en la Universidad de Artes Plásticas (IUESAP) Armando Reverón, actualmente Universidad Nacional Experimental del Arte (UNEARTE), obteniendo en  el título de Licenciada en Artes Plásticas. Es una de las artistas venezolanas contemporáneas que promete convertirse en todo un ícono del arte nacional. Ha desarrollado su obra pictórica centrada en el dibujo y la pintura, con intervenciones a escala mural. Sus obras han sido exhibidas en importantes galerías nacionales e internacionales. Sus dibujios y pinturas presentan  acumulaciones de trazos, atmósferas cromáticas y texturas visuales. También dió inicio a nuevas posibilidades dentro del campo escultórico, donde sus obras se convirtieron en volúmenes orgánicos.

Reymond Romero y sus líneas de colores

Reymond Romero
Reymond Romero. Fuente: oceandrive.com.ve

Es un artista plástico residenciado en Carcas (Venezuela). Se formó en la Universidad de Artes Plásticas IUESAP Armando Reverón, actualmente UNEARTE, como Licenciado en Artes Plásticas, mención Multimedias y especializado en Textil Art y Fashion Art. También realizó sus estudios de Mercadeo del Arte en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos).

Reymond Romero es un artista vanguardista considerado el mejor colorista de su generación. Su trayectoria está avalada por diversas exposiciones a nivel nacional e internacional. Ver su obra es completamente indescriptible, con una utilización sublime del textil, el artista logra crear una textura que cautiva al público. “Mi obra se caracteriza por generar espacios visuales rigurosamente planificados, donde la superposición de contrastes y la colocación sucesiva de analogías que provienen de la abstracción geométrica, me han permitido generar secuencias cromáticas lineales en búsqueda de la sensación de movimiento”.

Romero ha  obtenido premios y reconocimientos formando parte de colecciones nacionales e internacionales. El objetivo del artista es seducir al espectador para que interactúe con un espacio tridimensional que solo puede ser percibido por los observadores más curiosos. Define su arte como un estudio del textil desde la perspectiva de la volumetría del color.

Tita Beaufrand; un espectáculo tropical

Las fotografías de Tita Beaufrand son la realización de un discurso creativo de fuerte fondo gráfico y experiencia visual que recrea la belleza sensual de la flora tropical, la exuberancia del color, los patrones orgánicos de la naturaleza y los expande a otros territorios desde la superficie de las cosas.

Basándose en fotografías que se procesan como arte gráfico, estas imágenes adquieren una calidad cercana a la pintura, se convierten en enfoques originales «fotográficos» como resultado de un elaborado proceso conceptual y digital. El color adquiere una nueva dimensión que explota en relaciones vibrantes y las formas se vigorizan, como si el espíritu del pop y el arte cinético se unieran en nuevas y divertidas relaciones.

Tita Beaufran
Tita Beaufran. Fuente: oceandrive.com.ve

Las secuencias compuestas que confrontan múltiples imágenes son signos de un vocabulario particular que establece relaciones estéticas y conceptuales; como en un juego de memoria que te invita a explorar el espacio y la forma, para hablar sobre la belleza, el entorno tropical, la naturaleza y sus espacios. Este universo sensual y visual es un discurso contemporáneo y creativo, construido como una radiografía particular del alma de las plantas; sus posibilidades y significados.

Sofía Saavedra; el arte con calor venezolano

Sofía Saavedra
Sofía Saavedra. Fuente: oceandrive.com.ve

Sofía Saavedra ofrece una identidad pictórica que mezcla a los más importantes exponentes de la pintura venezolana. La artista encentra su libertad creativa en un lienzo, pintura y un par de pinceles. “La pintura es un espacio para construir la libertad, es un auténtico medio de resistencia hacia la homogenización de los seres humanos, se convierte así en el medio ideal para transmitir la otredad y al mismo tiempo asumir el juego representacional de ser otros y así, poder complementarnos en la diferencia”, explica Saavedra.

Raúl Cardozo; el artista que narra la historia del país

Alcanzó la fama con su mural titulado “Una cena importante con Venezuela”, en la que eligió a los más importantes representantes de la historia del país -según su criterio- y los reunió a todos en una misma mesa. Su estilo es muy moderno y contemporáneo. “Cada momento que pienso en nuestra historia, comprendo que somos el resultado de cuantiosos acontecimientos y decisiones, pero también de personas que merecen que le rindamos honores por lo que hicieron, lo que lograron, pero sobre todo por la impronta que dejaron en todos venezolanos, una cena sería la ocasión propicia para homenajearlos”, explica Cardozo.

Alberto José Sánchez y yuxtaposición de colores

Alberto José Sánchez nació en caracas, Venezuela en 1979.  Su pasión por la pintura comenzó desde muy temprano, se graduó en Negocios y tiempo después decidió dedicarse de lleno a su verdadera pasión: el arte contemporáneo.

Alberto José Sánchez
Alberto José Sánchez. Fuente: oceandrive.com.ve

En la adolescencia mostró interés por el arte cinético, experimentando y creando diversas obras con características claras de esta corriente artística. Su identidad pictórica la consiguió estudiando el arte cinético de Carlos Cruz-Diez, quien fue su principal mentor. Igualmente el artista plástico Jesús Soto fue una influencia importante durante esta etapa del artista. Se gradúa en Administración en la Universidad Metropolitana de Venezuela, pero nunca se desvincula del medio artístico. Años más tarde cursa estudios de Arte Contemporáneo en la Universidad Metropolitana.

Desde el 2007, Sánchez comenzó a desarrollar sus propias piezas con carácter óptico abstracto y geométrico. Sus obras se basan en figuras netamente geométricas en dos dimensiones, estructuralmente definidas para generar y sugerir una formación tridimensional gracias también a la aplicación de colores contrastantes y al uso de sombras. Su mural más grande se encuentra en la Iglesia Don Bosco en La Castellana.

Artistas venezolanos
El arte de Alberto José Sánchez. Fuente: oceandrive.com.ve

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/el-arte-es-vida-10-artistas-venezolanos-contemporaneos-maravillosos-que-amaras/

https://gbgarts.com/artistas/siul-rasse/

http://www.reymondromero.com/

https://www.titabeaufrand.com/

https://www.eluniversal.com/entretenimiento/2002/fabian-solymar-dagor-respira-propio-arte

https://elestimulo.com/ub/el-graffiti-nunca-muere/

https://www.france24.com/es/20190611-la-entrevista-wolfgang-salazar-badsura

http://albertojosesanchez.com/biografia

 

Ayounik Style: La marca que une el Medio Oriente y Occidente

Ayounik

Damia Frangie Mawad, una caraqueña abogado y locutora quien decidió fundar su propia marca especializada en pulseras. Nacida en Venezuela de familia libanesa, Frangie es una emprendedora  apasionadas por la moda y tenía la idea de crear “Ayounik”, una marca que refleja y plasma esa mezcla cultural del Medio Oriente y Occidente».

Ayounik es una palabra en árabe que significa “tus ojos”. Para Damia los ojos son algunas de las obsesiones que le atraen desde pequeña, debido a la presencia tan marcada que tienen en la cultura del Mediterráneo. Al igual que el brillo, las piedras, lentejuelas y escarcha, es decir, toda esa fantasía mágica que incluye al medio oriente.

Damia Frangie Mawad
Damia Frangie Mawad. Fuente: pinterest.es

Ayounik  conjuga la cultura libanesa con la venezolana

La marca busca reflejar esa mezcla que involucra la practicidad, sencillez y alegría de occidente con el brillo, el misticismo y la fuerza cultural del Medio Oriente.

Los productos de Ayounik

Ayounik  ofrece seis líneas de pulseras, algunos zarcillos y anillos. Los modelos de pulseras son únicos y hechos totalmente a mano. Éstas son tejidas con hilos de colores llamativos;  posteriormente, son intervenidas con cristales en distintos colores, formas y estilos que resaltan la pureza y el brillo. La marca utiliza hilos de algodón de colores, cristales y apliques especiales.

Ayounik
Las pulseras coloridas de Ayounik. Fuente: www.elimpulso.com

¿Quiénes participan en el proceso creativo?

Los diseños son propios de Damia Frangie. El proceso creativo comienza con ideas que nacen de paisajes, imágenes, materiales, colores y texturas.

¿Dónde encontrar sus creaciones?

Ayounik  vende directamente a través de su cuenta de Instagram, @AyounikStyle y mediante el correo info@ayounik.com; así como en su página web internacional. Asimismo, dispone de 40 tiendas en Venezuela y algunas en Miami, Panamá y México.

Ayounik y Shop VF rinden un homenaje a Carlos Cruz Diez

La identidad artística de Venezuela, se mueve al ritmo del arte cromático del maestro del cinetismo Carlos Cruz Diez. A  fin de rendirle honores al célebre artista plástico, Ayounik en conjunto con Shop VF, diseñaron una serie de pulseras de cuentas que se asemejan a sus colores.

Ayounik
Ayounik VF hace un homenaje a Venezuela con su nueva línea de joyería. Fuente: oceandrive.com.ve

El piso del Aeropuerto Internacional Simón Bolívar es un ícono de nuestra cultura debido a sus colores, siendo todo un símbolo nacional. Ayounik unió su talento con Shop VF, para crear una pieza inspirada en el mencionado terminal aéreo.

Se trata de un pedacito de su tierra pegado a la muñeca. Ambas marcas, además de  honrar al maestro Cruz Diez, trabajan juntas en pro de una misión titulada “Beca a un pana”.

La misión “Beca un pana”, tiene como propósito ayudar a los venezolanos a crecer y al desempeño académico de los jóvenes, tomando en cuenta su participación cultural y deportiva. Ayounik y Shop VF apuestan e invierten en la educación venezolana facilitando herramientas de crecimiento y desarrollo; y que permitan a las nuevas generaciones alcanzar su independencia económica y crear nuevas oportunidades en un mundo competitivo.

Ayounik enaltece a Venezuela en LAFS

En la segunda edición del Latin American Fashion Summit (LAFS), celebrado este año en Cartagena Colombia, el talento venezolano fue enaltecido gracias a los accesorios de Ayounik.

Ayounik
Ayounik deja en alto el talento venezolano con sus accesorios. Fuente: oceandrive.com.ve

En dicho evento, los diseñadores, empresarios, expertos y grandes celebridades de la confección, presentaron cientos de propuestas novedosas que buscan posicionar a Latinoamérica como una potencia de moda. Fue la única marca venezolana entre los patrocinantes que se encargó de hacer más de 500 pulseras, completamente a mano, que fueron entregados a los participantes al momento de registrarse para el ingreso al evento.

El propósito de la pulsera es conectar a todos los asistentes entre sí; y a la vez, conectarlos con la historia de la moda y la preservación de técnicas ancestrales en la industria por cientos de miles de años. Dichos accesorios tenían frases icónicas inspiradas en la novela “Amor en tiempos de cólera”, del famoso escritor colombiano Gabriel García Márquez.

Ayounik sigue apoyando al talento venezolano. Su participación en la LAFS la posiciona como una de las marcas venezolanas con mayor proyección internacional.

Los accesorios Ayounik vinculados al e-commerce

La marca de accesorios se une al e-commerce. Damia Frangie, directora y diseñadora de la firma, aseguró que con este servicio sus clientes disfrutarán de ventajas exclusivas.

Desde su lanzamiento en 2014, Ayounik ha sido una referente en el diseño de accesorios. Esta aceptación se ha concretado a través de las alianzas con otras marcas de moda como Melao, Khoül Outfits, Seta Appareal y Beco.

La firma ha conquistado el territorio internacional con10 tiendas en Estados Unidos, tres en Panamá, cuatro en Líbano, dos en República Dominicana, Aruba y España; así como, en Croatia, Dubái y Australia.

Debido al imponente estilo de sus pulseras hechas a mano y con una producción superior a 1000 por día, la casa ha obtenido mayor alcance a través del e-commerce. A esta oportunidad de venta, también se suman otros éxitos como la participación de la misma en diferentes desfiles.

Ayounik se une al e-commerce. Fuente: oceandrive.com.ve

Referencias

¡Carlos Cruz Diez en tu muñeca! Ayounik VF hace un homenaje a Venezuela con su nueva línea de joyería

https://archivo.entornointeligente.com/articulo/9251107/Ayounik-Style-Accesorios-con-mezcla-del-Medio-Oriente-y-Occidente-15112016/

¡Venezuela presente en LAFS! Ayounik deja en alto el talento venezolano con sus accesorios

https://www.eluniversal.com/estilo-de-vida/10333/los-accesorios-ayounik-se-unen-al-ecommerce

https://www.elimpulso.com/2015/07/26/revistagala-ayounik-tejido-y-color-para-su-muneca/