La moda afroamericana atesora el legado de una cultura

Moda afroamericana

La moda afroamericana representa ese arte corporal transformador, a través de la ropa y accesorios que realzan la cultura africana.

A lo largo de la Historia, la moda ha sido el medio para manifestar y reivindicar el legado de la cultura. Ahora, vuelve el dandismo y el hip-hop, símbolos estilísticos de la identidad de los afroamericanos.

Los vestidos con vistosos motivos y llamativos colores que se confeccionan con cera, también llamadas telas «wax», representan la moda con identidad afrodescendiente. Son tejidos que tanto han inspirado a diseñadores como Yves Saint Laurent, Gaultier o firmas como Gucci o Louis Vuitton.

La moda africana es una expresión vinculada con el orgullo racial y con su propia identidad. Es el caso del dandismo, una moda, de elegancia y resistencia, que consistía en que los dandis europeos vestían a sus esclavos a su imagen y semejanza.

En otro orden de ideas, las minorías afroamericanas y chicanas en los años 30 y 40 lucían el «zoot suite». El atuendo consiste en  un traje de chaqueta con pantalones anchos de cintura alta y abrigo con hombreras, en conjunto con un sombrero borsalino; siendo una excentricidad copiada de la clásica sastrería de los blancos que abanderaba la rebeldía y la libertad.

Moda afroamericana
Fuente: www.revistadonjuan.com

Una moda callejera a ritmo de Hip-hop

A ritmo de hip-hop, movimiento cultural que surgió en la década de los 70 en los barrios neoyorquinos de Brooklyn y Bronx, se desarrolla una moda callejera donde no existía la opresión. Se trata de un estilo diferente de vestir que abandera una actitud que tiene que ver con el poder en la calle.

En la década de los 80, la sudadera con capucha se popularizo entre los jóvenes afroamericanos. Se trata de una prenda que se solía combinar con pantalones muy anchos y zapatillas de baloncesto sin cordones y con la lengüeta abierta. Esta indumentaria les permitía moverse con cierto anonimato e identificaba como los chicos malos del barrio.

El uso del pelo «afro», las trenzas o las rastas también forman parte de la moda afroamericana y de su identidad; así como las pulseras y collares de la tribu Masai o el paño, conocido como «duku», el cual se llevaba anudado a la cabeza.

A ritmo de Hip-hop, la comunidad afroamericana fue creando sus propios códigos indumentarios. La vestimenta incluía camisetas XXL con logos falsificados de firmas de lujo, pantalones anchos de talle bajo, cadenas doradas, medallones y gorras.

La cultura «sneaker» y la estética deportiva, en la que los equipos de baloncesto influían en la moda callejera, se intercalaban con camisetas cortas de vibrantes colores y bermudas con muchos bolsillos.

Esta era una tendencia en la que el uso de las chupas de cuero, las camisetas rasgadas y las bandanas en la cabeza o anudadas en la muñeca o el tobillo, eran accesorios esenciales en la moda afroamericana.

Indumentaria rapera
Indumentaria rapera. Fuente: sites.google.com

Diseñadores afroamericanos

En 1999,  B Michael incursionó en el mundo de la moda afroamericana, convirtiéndose en un respetado diseñador de pret a porter y alta costura que ha sabido reinventar el glamour.

Uno los vestidos que más han destacado entre los medios es el kaleidoscopio, presentado en Nueva York en 2004.

B Michael
B Michael. Fuente: www.marie-claire.es

Actualmente, vive en Harlem, Nueva York e imparte clases de moda en el New York Fashion Institute. Asimismo, tiene su taller abierto al público en 202 W 40th Street (7ª Avenida).

Kevan Hall es conocido por sus colecciones de alta costura en la alfombra roja y su desempeño como director creativo y de diseño de Halston. En 1982, junto a su esposa, lanzó Kevan Hall Couture, una colección que, como él la define, es de un look relajado «relaxed couture look».

Kevan Hall
Kevan Hall. Fuente: www.marie-claire.es

Este diseñador de moda afroamericana ganó numerosos premios y participó en la campaña de Absolut Vodkay confeccionó la indumentaria de varias películas de cine independiente, entre ellas «Gridlock» y «Eve´s Bayou».

Actualmente, tiene su propia colección, cuyos diseños destacan por su impecable sentido del color.

Stephen Burrows es un diseñador conocido por exagerar las puntadas en sus diseños. Sus prendas, conocidas por sus colores brillantes y sus bordes rizados, se convirtieron en una parte integral de la escena de baile disco «Fun City» de la ciudad de Nueva York de la década de 1970.

Henry Bendel creó un taller situado en el sótano del gran almacén llamado «Stephen Burrows World», el vendió en 1982. Pero en el 2002, relanzó su firma. Bendel se sitúa entre los diseñadores favoritos de origen afro-americano.

Tracy Reese se graduó en Parsons, una prestigiosa escuela de Arte y Moda, en 1984. Trabajó como asistente de Martine Sitbon y como directora creativa de Magaschoni.

En 1990, lanzó su propia colección, donde creó tres líneas: TR, Plenty y una línea exclusiva para el grupo The Limited, NY.

Tracy Reese
Tracy Reese. Fuente: www.marie-claire.es

¿Qué ha pasado en el mundo de la moda afroamericana?

En 2016, Beyoncé lanzó su famoso álbum, Lemonade, el cual tuvo un profundo impacto cultural. A raíz de su aparición se creó, por medio del método “crowd-sourcing”, un temario de cien obras relacionadas con la temática del disco, para celebrar el fortalecimiento de la mujer afrodescendiente.

Moda y estilo, son los temas contenidos en el mensaje de fortalecimiento que nos envía Beyoncé; expresando su amor por el pelo afro de su hija, o usando ropas confeccionadas por diseñadores africanos.

Beyonce's Lemonade
Beyoncé lanzó su famoso álbum, Lemonade, en 2016. Fuente: edition.cnn.com

Pero, la cantante no es la primera artista que usa el estilo, la moda y la belleza para perseguir la solidaridad racial. Cantantes como Miriam MakebaNina Simone o Fela Kuti, con sus cuerpos majestuosamente adornados con indumentarias africanas, ha dado lugar a una proliferación de “estilos” que expresan la identidad africana.

Elegancia y creatividad en la cultura africana

En África, es posible que para algunos chicos con talento, las palabras ‘elegancia’ y ‘creatividad’, signifique representar ese arte corporal transformador; usando la ropa y los accesorios que realzan la cultura africana.

Moda africana
Moda africana. Fuente: http://www.radioafricamagazine.com/

Como ejemplo de ello,  se describen algunos sitios web y blogs de stylers más interesantes de África:

I See a Different You es un blog que recoge las fotos que los artistas toman de sí mismos en las calles de Soweto. Este medio fue creado en Johannesburgo por iniciativa del Trío Colectivo conformado por Innocent MukheliJustice Mukheli y Vuyo Mpantsha.

The Sartists (Sudáfrica)  es uno de los primeros blogs de estilo de África que han adquirido fama internacional. Kabelo Kungwane y Wanda Lephoto lo crearon en 2012 para documentar su enfoque de estilo e identidad a través de la ropa vintage.

Louis Philippe de Gagoue, es un fotógrafo de moda africana, originario de Camerún y Costa de Marfil. Es un estilista que ha trabajado en Marruecos y que actualmente vive en Dubai. Su estilo único utiliza contrastes ostentosos y sugerencias orientalistas.

2ManySiblings, es el blog creado por Papa Petit y Velma Rossa, dos hermanos procedentes de Nairobi con una pasión por la ropa de segunda mano. Ellos describen la página como un espacio dedicado a los artistas visuales de África. El blog también funciona como un espacio para anunciar eventos filantrópicos y reuniones para los entusiastas de la moda en su país de origen.

Moda africana
Fuente: http://www.radioafricamagazine.com/

Referencias

https://www.efe.com/efe/espana/efeestilo/del-dandismo-al-hiphop-moda-que-atesora-la-identidad-de-cultura-negra/50000912-4263820

https://www.marie-claire.es/moda/disenadores/articulo/moda-negra-disenadores-afroamericanos

http://www.radioafricamagazine.com/pero-que-esta-pasando-en-el-mundo-de-la-moda-negra/

 

Las razas de caballos más conocidas del mundo

Razas de caballo

Las razas de caballos definen las caracteríticas más especiales y resaltantes de estos animales; siendo el mayor participantes en las diversas tareas y actividades del ser humano como medio de transporte, trabajos de granja y agricultura, en la guerra y en los deportes.

El caballo es un animal que se caracteriza por su gran belleza e inteligencia. Es un mamífero perisodáctilo que pertenece a la familia de los équidos. Asimismo, es un herbívoro solípedo de cuello largo y arqueado con largas crines.

Un caballo equivale a poder, fuerza y gran belleza. Su majestuosidad y sus elegantes andares lo hacen un símbolo de libertad y de sueños.

El caballo es sin duda uno de los animales más nobles y bellos que existen. Es el animal más dócil que podemos encontrar por lo que cabalgarlo supone un gesto de libertad.

Actualmente, debido a su condición atlética, estos animales son utilizados para fines deportivos. A continuación, recopilamos una especial selección de las diferentes razas de caballos, siendo estas las más conocidas en el mundo:

Caballo Andaluz

Razas de caballos
Caballo Andaluz. Fuente: www.curtisur.es

El caballo andaluz es una raza de caballo española originaria de Andalucía. Este equino es de “Pura raza Española”, conocido comúnmente como “caballo español”.

Es una de las razas equinas más antiguas del mundo. Se trata de un caballo ibérico de tipo barroco. Estos corceles suelen tener un porte realmente elegante. Su belleza se caracteriza debido a su espesa melena y su larga cola.

Generalmente, estos caballos suelen utilizarse para el paseo y en diferentes competencias ecuestres como la doma clásica, la doma vaquera e incluso el rejoneo.

Árabe

Razas de caballos
Caballo árabe pura sangre negro. Fuente: www.posta.com.mx

Caballo de raza árabe, considerados genéticamente puros, se ha ganado su prestigio gracias a su fuerza, resistencia e inteligencia, cordialidad y velocidad.

Esta raza de caballo es una de las más antiguas. Las evidencias arqueológicas sugieren que estos animales se remontan desde hace 4.500 años.

Estos corceles son de confianza y carácter agradable por lo que mantienen una relación cercana con el ser humano. La estampa de su pelaje es muy peculiar, su cabeza tiene forma de cuña con ojos, fosas nasales grandes, hocico pequeño y la cola se mantiene siempre en alto.

Sus condiciones físicas hacen que esta raza equina sea frecuentemente elegida para exhibición; así como para las distintas disciplinas ecuestres como, raid, doma, equitación terapéutica o equino terapia, salto y carreras.

Tennessee Walking Horse

Tennessee Walking Horse
Tennessee Walking Horse. Fuente: www.curtisur.es

Esta raza se origina en Estados Unidos y deriva del cruce de diferentes razas Morgan con caballos árabes y pura sangre inglés. Estos sementales fueron seleccionados por los pioneros y plantadores de algodón por su docilidad y robustez.

Los Tennessee Walking Horse son de tamaño grande, cuya cruz varía entre 135-160 cm. Su cabeza es grande con hombros oblicuos y fuertes extremidades. Sus capas principales son tordo y negro y tiene crines abundantes en la cola y en las patas.

Pura Sangre

Razas de caballos
Pura Sangre. Fuente: www.curtisur.es

El caballo Pura Sangre, de origen Inglés es una raza que se desarrolló entre el siglo XVII y XVIII. Esta raza es el resultado del cruce de yeguas inglesas con sementales árabes.

Se trata de una raza equina muy atlética. El caballo pura sangre se caracteriza por tener un cuerpo largo y estilizado. La cabeza está constantemente erguida, sus extremidades son musculosas, largas y delgadas y sus grupas son fuertes y resistentes en el galope. Estas cualidades lo convierten en el caballo por excelencia para las carreras y actividades hípicas en la que se requiere velocidad y resistencia.

Appaloosa

Razas de caballos
Apaloosa. Fuente: www.curtisur.es

Es un caballo originario de Estados Unidos. Se estima que se trata de una raza que cuenta con más de 20000 años de antigüedad. Esta raza se origina a partir de la cría de caballos españoles por parte de los indios Nez Perce.

Estos sementales se utilizaban en la práctica guerrera y de caza por su gran capacidad para recorrer largas distancias.

Se reconocen por tener su particular pelaje moteado con colores y manchas es más brillante en los machos que en las hembras.

Morgan

Razas de caballos
El caballo Morgan. Fuente: razasdecaballos.us

Esta fue una de las primeras razas que se originaron en Estados Unidos. Este caballo proviene de un solo progenitor, Justin Morgan, nacido en 1973.  Dicho semental logró trasmitir perfectamente su morfología en sus tres descendientes, dando origen a esta raza.

La raza Morgan se caracteriza por tener una altura de cruz no mayor a 135 cm, su cabeza es ancha y quijada pronunciada, su cuello y grupa son musculosos, su dorso y extremidades son robustos y posee crines pobladas y abundantes.

Es un caballo ideal para las carreras, debido a su versatilidad. Los modernos cruces con caballos pura sangre han logrado aumentar su estatura, mejorando la configuración física de la raza.

Quarter Horse

Quarter Horse
Quarter Horse. Fuente: www.curtisur.es

Su origen se remonta a la llegada de los colonos que llegaron a tierras americanas cargados de caballos de diferentes razas. Durante la conquista, estos animales fueron dejados en libertad, originando los caballos salvajes que luego fueron domesticados por los indios pieles rojas. A partir de 1750, estos caballos fueron denominados como Quarte Race.

Estos caballos fueron utilizados en las granjas para tirar de los carros. Es una raza que posee una fuerte velocidad en distancias cortas.

Las características de estos animales describen que tienen la cabeza pequeña, ojos separados, cuello musculoso y robusto. Su pecho amplio demuestra fortaleza y sus extremidades a pesar de ser delgadas son resistentes.

Paint Horse

Paint Horse
Paint Horse. Fuente: www.razas-caballos.com/

Estos caballos de origen americano son descendientes del Quarter Horse.

Los nativos americanos cruzaron el Quarte Horse y el Pinto, dando como resultado su característico pelaje manchado.

Estos caballos son de gran inteligencia, trabajadores y muy amistosos, adecuados para las labores en el rancho; así como en tas prácticas de deportes ecuestres como la equitación de pista, rodeo. Asimismo, pueden ser cabalgados por jinetes jóvenes.

Caballo miniatura

Caballo miniatura
Caballo miniatura. Fuente: www.curtisur.es

Es un caballo de origen europeo. Se le denomina así debido a su altura del animal, que oscila entre los 86 y 97 cm.

Estos animales son de carácter amistoso y suelen interactuar bien con el humano, por lo que son ideales como mascota.

En ocasiones son entrenados como animales de servicio, como los perros guías para personas con discapacidad.

Por lo general, son de gran resistencia y su media de vida es mayor que la del caballo normal.

Poni Galés

Razas de caballos
Pony Galés. Fuente: www.curtisur.es

Este caballo tiene su origen en las montañas de Galés. Tiene una altura aproximada de 164 cm. Esta raza ha sido la base para la cría de otras como el Hackm, y el Hackney y el Poni de polo.

Posee gran inteligencia, valentía, fortaleza y docilidad. Es capaz de resistir largos inviernos y la escasez de alimentos.

Mustang

Razas de caballos
El caballo salvaje Mustang. Fuente: www.razas-caballos.com

Son los conocidos caballos salvajes de América del Norte. Esta raza se originó de los sementales que se fueron escapando y perdiendo en las grandes llanuras existentes en Estados Unidos, tras la conquista española.

Estos corceles son muy fuertes y musculosos y pueden correr grandes distancias, por lo que también son muy resistentes.

Su especie fue reducida a unos cuantos miles, debido una masacre suscitada contra estos equinos.

Actualmente, se trata de una especie protegida puesto que es la última raza de caballos salvajes que existe en América. Esta labor para la conservación de estos animales es llevada a cabo por una asociación que se encarga de su supervivencia. En Nevada se ha creado, además, un parque natural en el que vive en estado salvaje.

Frisón

Razas de caballos
El Frisón. Fuente: www.posta.com.mx

El caballo frisón desciende de los primitivos caballos de los bosques Europeos, específicamente, en la comarca de Friesland en Holanda, de donde se deriva su nombre.

Se caracteriza por su hermoso pelaje en intensos colores de tonos negros. El frisón tiene las  crines de la cola y del cuello son muy espesas y abundantes, a veces, trenzadas u onduladas. Su cabeza es larga y está provista de orejas pequeñas y erguidas.

Estos animales son muy tranquilos y tienen mucha presencia. Esta raza de caballo es utilizada en competiciones de doma clásica, ya que son muy ágiles y fáciles de adiestrar. Tienen una altura media de 165 cm y son animales de gran fortaleza.

El caballo Lusitano

Razas de caballos
El caballo Lusitano. Fuente: www.posta.com.mx

El caballo lusitano es originario de Portugal, cuyo nombre deriva de Lusitania, una región situada en el oeste de la Península Ibérica.

Se trata de un equino de volumen medio. Entre sus principales características, se describe posee un tronco fuerte y grupa redondeada. Con una alzada de entre 150 y 160 cm, su cola baja y un paso amplio, hace alarde de su elegancia al caminar. Sus extremidades son muy alargadas, en lo que respecta a los antebrazos, como a las cañas. Su cabeza está bien proporcionada, sus orejas son finas y su cuello medianamente alargado.

Esta raza equina se ha destacado por su flexibilidad y nobleza, pero a la vez realmente bravos, características que lo hacen adecuado para la monta, el rejoneo y la doma clásica.

Raza Azteca

Raza Azteca
El caballo de raza azteca. Fuente: revistamundoequino.com

En 1519, el conquistador español Hernán Cortés trajo los primeros equinos a nuestro continente como el Andaluz y el Galiceño. Con el tiempo, el cruce de estas razas dieron origen al caballo criollo, el cual quedó extinto tras los ataques ocurridos durante la época de la Revolución mexicana.

Luego introdujeron en México el semental estadounidense Quarter Horse. Pero en 1969, el filántropo y empresario español, Don Antonio Ariza Cañadilla, llegó al país y decidió cruzar los caballos Andaluces y con yeguas de la raza Quarter Horse y Criollas y obtuvo la raza Azteca.

Referencias

https://www.curtisur.es/blog-guarnicioneria/razas-de-caballos/

 https://aritmodeogalope.blogspot.com/2014/12/mejores-caballos-del-mundo-top-10-razas.html

https://www.posta.com.mx/mundo-Animal/17-razas-de-Caballos-impresionantemente-hermosos

Las tiaras de la monarquía

Diana de Gales

Las tiaras de la monarquía son los accesorios más representativos de la realeza. Basadas en la tradición griega en el hecho de que solo los más destacados miembros de la sociedad, las tiaras han sido íconos de poder y elegancia.

La preciosa tiara de esmeralda de Margaret Greville

Las tiaras de la monarquía
Tiara de esmeralda de Margaret Greville. Fuente: Fuente: oceandrive.com.ve

Esta joya diseñada por Boucheron en 1921. Tiene una forma circular o puntiaguda en disminución hacia atrás de la cabeza. La esmeralda que tiene en el centro es de 93.73 kilates. Fue legada por Miss Margaret Greville, aristócrata británica multimillonaria  a la Reina Isabel cuando murió junto con gran parte de sus joyas. La tiara fue utilizada por la Princesa Eugenia en su boda con con Jack Brooksband. Anteriormente, perteneció a Meghan Markle.

La diadema de George IV, un ícono de la realeza

Es una de las tiaras más antiguas del Palacio. Fue hecha para ser usada por el rey Jorge IV en su coronación de 1821, rodeando su gorra de terciopelo de Estado para la procesión de la coronación en la Abadía de Westminster. Esta joya terminó siendo accesorio de la reina Victoria y la reina María. La reina Isabel II la utilizó para su coronación oficial. Se define con 1333 diamantes y 169 perlas, y cuenta con rosas, cardos y tréboles, los símbolos reales de Inglaterra, Escocia e Irlanda.

La tiara de rubíes burmana, sinónimo de amor

Las tiaras de la monarquía
La tiara de rubíes burmana. Fuente: Fuente: oceandrive.com.ve

Esta corona es una demostración pública de amor. Cuando la reina se casó, le obsequiaron como regalo de bodas más de 100 rubíes birmanos espectaculares. La reina le hicieran una corona combinada con diamantes extraídos del nismo de la tiara de Hyderabad y rubíes birmanos. Está joyaha permanecido en la familia desde 1973.

La Tiara Parure de Brasil

Las tiaras de la monarquía
La Tiara Parure de Brasil. Fuente: orderofsplendor.blogspot.com

Para su coronación en 1953, la Reina recibió un regalo de un collar y aretes. El gobierno de Brasil le envió cientos de diamantes azules aguamarina. El collar presenta un gran colgante desmontable. La reina ordenó que se hiciera una corona especial para ella de color azul.

La Tiara de Cambridge

Las tiaras de la monarquía
La Tiara de Cambridge. Fuente: oceandrive.com.ve

Es una de las tiaras con más valor sentimental de toda la monarquía. Fue un encargo de la abuela de Isabel II en 1913 y simboliza el amor eterno. Fue el obsequio de bodas de la reina Isabel II a Diana de Gales. La reluciente perla era una de las favoritas de la princesa Diana. Por su parte, la duquesa de Cambridge, Kate Middleton la ha utilizado en más de una ocasión. Es una bellísima pieza de joyería creada para la Reina María en 1914 por la Casa de Garrard hecha con diamantes y perlas naturales que ya eran propiedad de su familia.

El Halo de Cartier, amor entre Kate y William

Es un precioso diamante lleno de elegancia y sofisticación. La tiara que lució Kate Middelton el día de su boda con el príncipe William, es todo un ícono de Cartier. Fue creada en 1936 por encargo del futuro rey Jorge VI, como un obsequio de bodas para su esposa Isabel. Está hecha de sobre platino con 16 pergaminos graduados engastados con 739 diamantes brillantes y 149 diamantes de bastón.

La Tiara de la Flor De Lis, en España

Las tiaras de la monarquía
La Tiara de la Flor De Lis. Fuente: oceandrive.com.ve

Engarzada en platino y brillantes, la Tiara de la Flor De Lis es obra del joyero madrileño Ansorena. Fue un obsequio de Alfonso XII a la princesa Victoria Eugenia de Battemberg. Es una de las joyas más preciadas de la corona Española. La reina la lució el día de su boda como símbolo de unión con España.  La corona está adornada con un increíble diamante central de más de 10 kilates. Fue rediseñada por la joyería Cartier, quien le agregó adornos florales.

Las tiaras de la monarquía
La Tiara Flor de Lis de Letizia. Fuente: oceandrive.com.ve

La Tiara Flor de Lis, usada por Letizia de España, es el emblema de la dinastía borbónica y representa la tradición e historia de la casa española. La corona está valorada en más de 50.000 euros.

La Tiara Bandeau de Diamantes de Meghan Markle

Las tiaras de la monarquía
La Tiara Bandeau de Diamantes. Fuente: www.hola.com

Esta corona fue la protagonista de la boda de Meghan Markle con el príncipe Harry. Esta pieza fue hecha en 1919 para la Reina María. Probablemente sea más famosa por ser usada tanto por la Reina Isabel como por su hija, la Princesa Anne. Esta pieza de joyeria en forma de bandana no había sido utilizada públicamente desde que murió reina Isabel II, en 1953. La diadema, hecha en platino y diamantes, tiene un gran diamante central. En un principio, la joya formaba parte de un broche que le fue regalado por el condado de Lincoln a la entonces princesa Mary con motivo de su boda con Jorge V, abuelo de la actual soberana. En 1932 Mary de Teck pidió al joyero real que convirtiera el broche en la tiara que lleva ahora Meghan Markle.

La Tiara de Flor de Loto

La tiara Halo de Cartier fue hecha para la Reina Madre, quien luego se la dio a Isabel II en su cumpleaños número 18 y Kate Middleton la lució  en el día de su boda. Originalmente era un collar, pero fue adaptada como una tiara años después de su fabricación.

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/todas-son-increibles-10-tiaras-espectaculares-que-pertenecen-a-la-monarquia/

https://blog.hola.com/nosvamosdejoyas/2018/10/la-desconocida-tiara-de-esmeraldas-greville.html

https://designfaxbuyersguide.com/etelainen-kulttuuri/queen-elizabethin-upeimmat-korut/

https://orderofsplendor.blogspot.com/2013/03/tiara-thursday-brazilian-aquamarine.html

https://www.townandcountrymag.com/society/tradition/a10302981/cambridge-love-knot-tiara/

https://www.trendencias.com/lujo/the-halo-tiara-la-tiara-de-diamantes-que-lucio-kate-middleton-en-su-boda

https://www.popsugar.com/fashion/photo-gallery/40763441/image/40763660/Cartier-Halo-Tiara

https://misjoyasreales.blogspot.com/2012/03/sm-la-reina-victoria-eugenia.html

https://www.revistavanityfair.es/realeza/reina-letizia/articulos/reina-letizia-tiara-flor-de-lis/40176

https://www.vanitatis.elconfidencial.com/casas-reales/2018-05-19/meghan-markle-tiara-reina-mary-boda-real-principe-harry_1566080/

https://www.joya.life/blog/tiaras-de-la-realeza/

https://misjoyasreales.blogspot.com/2012/04/tiara-de-los-camafeos-casa-real-de.html

https://misjoyasreales.blogspot.com/2012/08/tiara-de-rubies-casa-real-de-dinamarca.html

Omega Seamaster: El reloj oficial de James Bond

Omega Seamaster

El Omega Seamaster es la marca de reloj oficial elegido por  James Bond, el agente 007 con licencia para matar, la cual le acompaña en todas sus aventuras cinematográficas. Han pasado 50 años desde el estreno de la primera película de 007 en 1962, titulada Dr. No y protagonizada por Sean Connery y Ursula Andress.

En el Servicio Secreto de Su Majestad está la décima novela de la serie James Bond y la sexta película sobre el espía británico. Para esta película de 1969, George Lazenby jugó 007 y se enfrentó a su recurrente enemigo Blofeld, líder de la organización criminal, Spectre.

Omega Seamaster en 50° Aniversario Al Servicio de Su Majestad

Para conmemorar el 50 aniversario de la película del Servicio Secreto de Su Majestad, Omega presenta una versión especial del Seamaster 300M Diver. Esta edición limitada se basa en el modelo Seamaster 300M presentado el año pasado que tiene una larga historia con Bond. Desde 1995, Omega tiene su relación con James Bond, con las referencias Seamaster 300M 2541.80 (cuarzo) y 2531.80 (automático) en la muñeca de Pierce Brosnan como Bond. Aunque en películas recientes Bond llevaba un Seamaster Aqua Terra y Planet Ocean, el 300M regresó a James Bond. El Planet Ocean se usó en películas anteriores de Bond, sin embargo, el 300M es el reloj Omega de Bond.

Ahora, la firma suiza ha lanzado El Omega James Bond Limited Edition Set que cuenta con dos nuevas ediciones del modelo Seamaster 300M llevados dentro de un maletín de la marca Globe-Trotter.

Omega Seamaster
Omega Seamaster. Fuente: www.trendencias.com

Omega Seamaster 300M Diver “007”

Este reloj viene con varias características especiales para los fanáticos de Bond. El dial tiene un diseño de cañón de pistola, algo que hemos visto antes en los modelos Bond de edición limitada, pero esta vez es un disco cepillado en espiral de PVD negro. Con una cabeza de bala de 9 mm en el centro de la esfera.

Omega Seamaster
Omega Seamaster. Fuente: www.trendencias.com

En el dial, también encontramos el uso de oro de 18 quilates para las manecillas y los índices. El índice a las 12 en punto consiste en el escudo de armas de la familia Bond, utilizado previamente como motivo de marcación en uno de los modelos Aqua Terra «Bond» de edición limitada. En el índice de las 10 en punto, encontrará el número «50», pero solo cuando está iluminado. La banda de la caja, incluye una placa de oro grabada con el número único (de 7007 piezas). En el disco de fecha, hay un «7» en la tipografía de las películas de Bond.

Omega Seamaster
Omega Seamaster. Fuente: www.fratellowatches.com

El Omega Seamaster 300M Diver de 42 mm de diámetro viene con una correa de goma y se entrega en una hermosa caja negra con patrones de cañón de pistola y botones de cabeza de bala para abrirlo. Este reloj está certificado por Master Chronometer; lo que significa que puede soportar campos magnéticos de hasta 15,000 gauss y tiene una precisión de 0-5 segundos en promedio por día. Además, tiene una resistencia al agua de 300 metros.

El nuevo 300M es uno de los mejores relojes todo terreno que el espía británico ha usado en mucho tiempo. Ese artículo trataba sobre la versión de acero con esfera negra y bisel con un toque de oro Sedna, pero las especificaciones no son diferentes del modelo Seamaster 300M Diver “007”, presentado hoy.

Omega Seamaster set
Omega Seamaster. Fente: www.fratellowatches.com

Este Omega Seamaster 300M Diver “007” que conmemora 50 años desde que el Servicio Secreto de Su Majestad viene incluido en una lujosa caja, acompañado con una pulsera de acero inoxidable y una herramienta para cambiar. Además, Omega puso una bolsa de viaje al estilo Bond.

Omega Seamaster set
Omega Seamaster con accesorios. Fuente: https://www.omegawatches.com/

El precio total del set está valorado en 40.000 euros, se puede obtener únicamente por encargo en las tiendas de la marca. Por su parte, el Seamaster Diver 300M en honor a la película Al Servicio de Su Majestad está valorado en 6.200 euros.

Omega Seamaster
Fuente: www.007.com

El reloj perfecto para el espía favorito del mundo

Lindy Hemming, la diseñadora de vestuario de James Bond, fue la responsable de elegir el reloj de 007 en la película GoldenEye. Al respecto, la modista expresó: “Estaba convencida de que el capitán de fragata Bond, un marino, un submarinista y un gentleman discreto y de mundo debía lucir el Seamaster de la esfera azul”.

Un nuevo Bond, dos nuevos Seamaster

En Casino Royale (2006), James Bond, el agente 007, interpretado por Daniel Craig luce un Seamaster Diver 300M Co‑Axial y un Planet Ocean 600M Co‑Axial.

Planet Ocean: vuelve en negro

En Quantum of Solace (2008), 007 luce el modelo Seamaster Planet Ocean 600M Omega Co-Axial con los clásicos esfera y bisel negros.

Skyfall: Es tiempo de Aqua Terra

En Skyfall, 007 confía en un Planet Ocean 600M y en un Aqua Terra, ambos equipados con calibres Omega  Co‑Axial.

Spectre

En Spectre, Bond luce dos Seamaster. El Omega  Seamaster 300 Spectre Edición Limitada, con un segundero «lollipop» y una pulsera NATO negra y gris, y el Omega Aqua Terra 150M: un reloj impresionante, con una esfera azul que resuena el legado marítimo de Omega  y el historial naval de Bond.

Daniel Graig
Daniel Graig interpretando a James Bond, 007 en Spectre. Fuente: www.trendencias.com

Los Omega Seamaster en honor del espía favorito del mundo

Desde 1995, James Bond ha llevado los Omega  Seamaster en cada película. A lo largo de los años, la firma suiza ha creado varios relojes de edición limitada, los cuales tienen características especiales  que honran a 007 y su legado de más de medio siglo de películas del género.

Omega Seamaster
James Bond Limited Edition. Fuente: https://www.omegawatches.com/

Omega Seamaster Diver 300m «Commander’s Watch» Edición Limitada

Omega  ha creado el reloj «Commander’s Watch», inspirado en el rango y los distintivos militares de Bond. El mismoj rinde homenaje a los colores de la pabellón de la Marina Real Británica (en inglés, British Royal Navy), con toques de blanco, azul y rojo que destacan y le dan el aspecto elegante y señorial.

Referencias

https://www.fratellowatches.com/omega-seamaster-300m-diver-007/

https://www.trendencias.com/lujo/omega-lanza-el-seamaster-edicion-limitada-50-aniversario-james-bond-007

https://www.007.com/new-omega-watch-celebrates-bond-anniversary/

https://www.modaes.com/look/007-mira-la-hora-en-un-omega.html

https://www.omegawatches.com/es/planet-omega/cinema/james-bond

Iconos de la moda

Audrey Hepburn Style

Este artículo está dedicado a aquellas mujeres que han trascendido en el tiempo para convertirse en indiscutibles iconos en la historia de la moda, gracias a  su elegancia, sensualidad y versatilidad. A continuación se destaca una selección de las divas que han marcado un antes y un después en el mundo de la moda y que son una inspiración para el género femenino de todo el mundo.

MARILYN MONROE

En la década de los 50, Marilyn Monroe revolucionó al mundo debido a su sensualidad y figura que la convirtió en una sex symbol y un ícono de la moda. Alcanzó la popularidad tras protagonizar los filmes “Los Caballeros las Prefieren Rubias”, donde lució aquel memorable vestido de color fucsia, y “La Tentación Vive Arriba”, donde usó el mítico vestido blanco que se levanta con el aire de los respiraderos del metro de Nueva York. La actriz estableció su propio estilo basado en la femineidad con el uso de chaquetas ceñidas, amplios jerseys, pantalones sobre los tobillos y vestidos ajustados a la cintura.

Marilyn Monroe.
Marilyn Monroe. Fuente: ve.emedemujer.com

 AUDREY HEPBURN

Audrey Hepburn con su frescura y estilo parisino rompió con todos los paradigmas en los años 50. Gyvenchi era el diseñador de moda favorito de la actriz. Lucía atuendos como el pantalón estrecho, los jerseys y las camisas blancas que se ajustaban perfectamente a su silueta, y que combinaba la sencillez con la elegancia. Los colores neutros eran los más comunes en sus vestuarios, toda vez que tonalidades como el negro, blanco y beige eran esenciales en su armario. Sin embargo, utilizaba prendas de vestir con colores rosas y verdes. El famoso vestido negro acompañado con el collar de perla utilizado en el filme  “Breakfast at Tiffany’s” fue el más memorable.

Breakfast at Tiffany’s
Breakfast at Tiffany’s Fuente: www.azureazure.com

JACQUELINE KENNEDY ONASSIS

Jackeline Kennedy, la esposa del presidente John F. Kennedy,  marcó la tendencia de las gafas oversized y los sombreros pill-box que formaron parte de su estilo moderno y elegante.

Jackie Kennedy
Jackeline Kennedy. Fuente: ve.emedemujer.com

GRACE KELLY

La eterna princesa de Mónaco impuso el estilo casual-chic. Es recordada por su impecable estilo a la hora de vestir. En 1951, siendo una joven actriz de 22 años, obtuvo su primer papel en la película titulada “Catorce Horas”, e inmediatamente llamó la atención en Hollywood por su belleza y elegancia. En 1956, contrajo matrimonio con el príncipe Raniero, lo que la llevó a formar parte de la nobleza. En sus años como actriz, uno de sus diseñadores predilectos fue Oleg Cassini. Al recibir su título nobiliario, comenzó a usar vestidos diseñados por Christian Dior, Balenciaga, Givenchy y Yves Saint Laurent, quienes se encargaron de ataviarla con espectaculares vestidos, de faldas de tul con cinturas bien ceñidas y bordados delicados.

Grace Kelly
Grace Kelly. Fuente: ve.emedemujer.com

ELIZABETH TAYLOR

El ostentoso estilo de Elizabeth Taylor a la hora de vestir con sus pieles, joyas y vestidos elegantes, la convirtieron en un ícono de la moda. La actriz acumuló una extensa colección de joyas, entre las que destaca el diamante de 33 quilates obsequiado por su esposo Richard Burton. Asimismo, el estilo de Liz se caracterizó por sus escotes pronunciados que resaltaban su silueta, vestidos con cinturas muy ceñidas, pantalones, faldas ajustadas y llevaba el cuello descubierto para lucir sus preciadas joyas.

Elizabeth Taylor
Elizabeth Taylor. Fuente: ve.emedemujer.com

SOPHIA LOREN

Esta estrella italiana alcanzó la fama en Hollywood junto a Frank Sinatra y Cary Grant. Sophia Loren demostró ser una excelente actriz por su participación en dramas y comedias. Sus vestidos tendían ser acentuados en la cintura y escotados a modo de bustier.

Sophia Loren
Sophia Loren. Fuente: ve.emedemujer.com

BRIGITTE BARDOT

La sensual diva de los años 60, Brigitte Bardot es una de las figuras más importantes del cine francés. La influencia Capri y Saint-Tropez le dio un estilo de frescura y la hizo ver como la mujer más sexy de la década. El escote de Bardot se caracterizó por ser de un hombro a otro en línea recta, así como con los pantalones capri, los estampados de Vichy, las zapatillas bajas, los cinturones gruesos y los bolsos de mano pequeños. Bardot fue la responsable de poner de moda el uso del bikini en su película Manina, lo que la llevó convertirse la mujer más deseada.

Brigitte Bardot
Brigitte Bardot. Fuente: ve.emedemujer.com

DIANA DE GALES

La eterna princesa de corazones se caracterizó por lucir muy acertada de acuerdo a cada uno de los eventos a los cuales asistió. Diana usó desde chalecos de la Cruz Roja hasta vestidos de Valentino. Su estilismo abarcó prendas como pantalones estrechos de cintura alta, maxi blazers, mocasines, collares de perlas, y bolsos pequeños de asa corta como el icónico Lady Dior, entre otras prendas que conformaron su armario. La princesa Diana también lucía majestuosos y elegantes trajes como aquel vestido negro de Christina Stambolian, que usó en la fiesta de Vanity Fair de 1994.

Diana de Gales
Diana de Gales. ve.emedemujer.com

MADONNA

Madonna, la reina del género pop, es un verdadero camaleón de la moda. La cantante ha impuesto tendencias durante las últimas tres décadas. En los años 80 Madonna se dio a conocer por su rebelde manera de vestir e impuso un estilo que mezclaba lo urbano y lo sensual. En sus vestuariospredominó el uso de medias de mallas rotas, leggins, cuero, tul, jeans, estampados florales y corsés, así como muchísimos accesorios que incluía rosarios y cadenas. En 1985, sus atuendos consistían en utilizar camisetas y chaquetas. En los 90, en el Madonna Blond Ambition Tour, Madonna revolucionó la moda al salir al escenario con la corsetería de Jean Paul Gaultier, la cual consistía en un corsé de copas puntiagudas. Madonna también ha sido imagen de reconocidas marcas como Louis Vuitton, Versace, Givenchy y Dolce&Gabbana.

Madona
Madona. Fuente: ve.emedemujer.com

LADY GAGA

Su controversial estilo a la hora de vestir la ha convertido en un icono de la moda. Basta con nombrar el vestido hecho de carne que usó en los premios Videos Music Awards del 2010. Lady Gaga ha sido seleccionada como imagen de marcas prestigiosas como Versace. El estilo de la máxima exponente de las excentricidades, se ha caracterizado por sus cambios continuos del color de su cabello, exageradas hombreras, atrevidas transparencias, vestidos asimétricos, altísimos tacones y uñas postizas.

Lady Gaga
Lady Gaga. Fuente: ve.emedemujer.com

Referencia:

https://ve.emedemujer.com/actualidad/super-mujeres/iconos-de-la-moda/

La Moda en el Cine

Breakfast at Tiffany’s

La moda y el cine es una relación muy distintiva, ya que entre ambas industrias existe complementariedad. La misma se inspira en el cine, especialmente en sus icónicos y personajes para promover las nuevas tendencias, así como de establecer sus nuevos diseños y colecciones. El vestuario cinematográfico se define y forma parte de los personajes más emblemáticos y conocidos del séptimo arte.

La ropa ha sido la herramienta psicológica en las artes escénicas. El vínculo entre moda y cine, más allá de las pretensiones de las divas deseosas de lujo y glamour, está asociado a las grandes firmas como estrategia publicitaria. Sin embargo, los cineastas han recurrido a los creadores del momento para dar una imagen de sus personajes, a través de la indumentaria.

Dior en “Pánico en la Escena” (1950)

Si el maestro del suspenso Alfred Hitchcock deseaba que la actriz Marlene Dietrich interpretara a una sospechosa diva teatral, entonces tendría que usar vestidos usados por Christian Dior.

Además de usar varios trajes de chaqueta Bar, Dietrich se lució como una verdadera villana en el filme Cisne Negro, usando un vestido negro e coctel de la serie Milieu du Siecle, así como el Palais Rose, un modelo de noche de la colección Trompe-l’oeil (primavera/verano 1949).

Givenchy en “Sabrina” (1954)

Sabrina fue la película ganadora del Premio Oscar por el mejor diseño de vestuario. Sin embargo, La diseñadora no incluyó a Hubert de Givenchy en sus agradecimientos. La modista aseguró que el diseñador no participó en la concepción de la indumentaria del personaje encarnado por Audrey Hepburn en la película de Billy Wilder, a pesar de que la actriz exigió usar los modelos de alta costura de la mencionada firma, los cuales fueron escogidos por ella misma. Esto molestó tanto a la actriz que, a partir de entonces, decidió incluir entre las cláusulas de sus contratos que solo el modisto francés podía vestirla en todas sus películas.

Balmain en “Y Dios Creó la Mujer” (1956)

La película que convirtió a Brigitte Bardot en un ícono sexual, fue el medio de la creación de la moda francesa que daría inicio a la era del prêt-à-porter. El modista Pierre Balmain realizó una dinámica indumentaria, a solicitud del director Roger Vadim, la cual presentó funcionales vestidos de estilo camiseros y faldas tipo lápiz con y sin botones, camisetas, polos y maillots. Asimismo, el traje de novia, corto y con transparencias de encaje, marcaría un hito. La desinhibición y rebeldía sexual de la protagonista hizo el resto.

Gyvenchi en Breakfast at Tiffany’s (1961)

Audrey Hepburn es la actriz que representa y le da vida a la palabra ‘”elegancia” en el gran clásico Breakfast at Tiffany’s. Vestida por Givenchy, reencarna a Petite Robe, quien representa un símbolo de la amistad recíproca entre el cine y la moda. Elegantes perlas, una tiara y unos guantes son los accesorios de elección para el emblemático vestido de seda negro que la actriz utiliza con mucho estilo en la escena en  frente al escaparate de Tiffany´s.

Breakfast at Tiffany’s
Breakfast at Tiffany’s Fuente: www.azureazure.com

Chanel en “El Año Pasado en Marienbad” (1961)

El cineasta Alain Resnais pidió a Gabrielle Chanel que le proporcionara a la elegante Delphine Seyrig distintas piezas de su última colección de alta costura, de manera que el personaje interpretado por la actriz pudiera sentirse real en una atmósfera soñadora.

Los vestidos de chifón y las capas de tul con remates de plumas, los petite robe noirs y los trajes de chaqueta de jacquard metalizado fue la indumentaria utilizada para interpretar la compleja cronología de la narración de la producción cinematográfica.

Delphine Seyrig
Delphine Seyrig, vestida por Coco Chanel en ‘El año pasado en Marienbad’. Fuente: www.elpais.com

Balenciaga en “Prohibido Enamorarse” (1961)

El maestro de la costura vasco Cristóbal Balenciaga fue un sueño para el séptimo arte. El diseñador participó en la confección de las indumentarias utilizadas en el cine popular del Desarrollismo, gracias a su amistad con la actriz cómica Isabel Garcés, a quien vistió en la película Prohibido enamorarse.

Yves Saint Laurent en “Belle de jour” (1967)

Yves Saint Laurent definió con sutileza la transformación de Séverine, el personaje  que interpretó Catherine Deneuve, a través de unos diseños que muestran la máxima expresión de la feminidad, domesticada y sexualmente desatada.

El vestuario resulta tan sadomasoquista como las prácticas a las que se entrega la protagonista, al hacer de la modestia una perversión. En el filme se observa muchas de las piezas de grandes éxitos de Saint Laurent, tal como los abrigos de doble botonadura, que Deneuve haría luego suyos fuera de la pantalla.

Paco Rabanne en “Barbarella” (1968)

Se consideraba a Paco Rabanne como el responsable del vestuario de la heroína espacial en la adaptación cinematográfica de los cómics de Jean-Claude Forest, debido a que experimentaba con metales y plásticos en aras de la costura del futuro. Sin embargo, fue el artista de figuras Jacques Fonteray quien creó aquellos atuendos desnudistas, de referencias orientales y medievales, inspirados en las ideas del diseñador, según consta en los créditos del filme.

Barbarella
Jane Fonda vestida por Paco Rabane en «Barbarella». Fuente: www.elpais.com

Saturday Night Fever (1971)

John Travolta con sus vistosos bailes y el ritmo de la música disco acompañada de grandes plataformas, pantalones campanas y las camisas de cuello en forma de la letra V, se convirtieron en la vestimenta de elección de los jóvenes en los años 70. La década de los 70 es sinónimo de Saturday Night Fever.

Saturday Night Fever
Saturday Night Fever. Fuente: sundancetv.la

Guy Laroche en ‘El gran rubio con un zapato negro’ (1972)

La comedia de espías, clásico de Yves Robert, donde su coprotagonista femenina, la inolvidable actriz francesa Mireille Darc estaba envuelta en un vestido de terciopelo negro con la espalda desnuda hasta el final de la misma, confeccionado por Guy Laroche.

Grease (1978)

La moda y estilo impuesto por Grease, realza el cabello engominado y patillas en los chicos, mientras que en las chicas visten con pantalones de cuero.

Giorgio Armani en ‘American Gigolo’ (1980)

John Travolta, aficionado a la moda de Giorgio Armani, convenció al director Paul Schrader para que le permitiera diseñar la indumentaria del personaje protagónico interpretado por Richard Gere en la película American Gigolo. Sus trajes de corte holgado, tejidos livianos, colores suaves y hombreras, dieron carta de naturaleza al hombre de éxito de los ochenta, al tiempo que se revelaba como nuevo tótem de la moda internacional.

Azzedine Alaïa en “A View To A Kill” (1985)

En su última interpretación como Agente 007, Roger Moore encontró la horma de su zapato en la modelo y cantante jamaiquina Grace Jones. En la decimocuarta entrega de la serie de películas de James Bond, Azzedine Alaïa, fue la firma responsable de vestir a Jones con algunos de los modelos que detallan su poderoso físico esculpido en cuero, punto y seda; así como  los vestidos de segunda piel con capucha.

Grace Jones
Grace Jones En la Mira de los Asesinos.. Fuente: www.elpais.com

Francis Montesinos en ‘Matador’ (1986)

Matador es la película en la que se recrea un desfile del diseñador de modas Francis Montesinos, en la que aparece la actriz Eva Cobo como novia ensangrentada.

Valentino: El Último Emperador (1987)

El último emperador es un documental dedicado al diseñador italiano, Valentino Garavani, ya que la película está repleta de escenas gloriosas donde se muestra un desfile de modas de alta costura opulento y lleno de celebridades.

Valentino en El Último Emperador
Valentino en El Último Emperador. Fuente: www.eurochanel.com

Prada en ‘Romeo+Julieta’ (1996)

La versión del drama de Shakespere a cargo de Baz Luhrmann, traslada la la rivalidad entre Montescos y Capuletos de la Verona medieval a la Venice Beach de California. La camisa hawaiana y el traje azul marino que Leonardo DiCaprio (Romeo) lleva en la escena la boda con Claire Danes (Julieta) marcaron la indumentaria del filme de la mano de Miuccia Prada.

Jean Paul Gaultier en ‘El quinto elemento’ (1997)

En la superproducción de Luc Besson, el diseñador Jean Paul Gaultier se encargó de vestir hasta el último extra con 954 atuendos elaborados para el film.

Mila Jovovich
Mila Jovovich vestida por Gautier en «El Quinto Elemento». Fuente: www.elpais.com

Rodarte en «Cisne negro» (2010)

En el drama psicosexual de Darren Aronofsky, los diseños de Rodarte, entre ellos los vestidos de cisne negro y cisne blanco que presentan todas las características de las Mulleavy, esa aproximación experimental a la costura, de carácter deconstructivo y abundante en velos que Natalie Portman, estrella del filme, ha exhibido por las alfombras rojas.

Natalie Portman "El Cisne Negro"
Natalie Portman «El Cisne Negro». Fuente: www.elpais.com

The Devil Wears Prada (2006)

El mundo de la moda ha resultado un argumento atractivo para el cine como es el caso de The Devil Wears Prada, titulada en Latinoamérica como El diablo viste a la moda de David Frankel. La película protagonizada por Anne Hathaway y Meryl Streep cuenta la historia de Andrea, una mujer recién contratada en una prestigiosa revista de moda como asistente de la editora, Miranda. Su trabajo parece simple y enriquecedor, pero lejos de la realidad, la joven ayudante se enfrenta a un infierno y se decepciona del entorno que pensaba que era un paraíso.

Referencias

http://www.sundancetv.la/blog/el-cine-y-la-moda

https://elpais.com/elpais/2019/03/18/estilo/1552925566_267045.html

https://www.azureazure.com/es/moda/moda-y-cine-una-mutua-atraccion

Peluqueros Famosos y los Salones de Belleza más Reconocidos en España

Mujeres en una peluquería

En cada ciudad existe una gran cantidad de peluquerías que saturan el mercado. Sin embargo, algunas se diferencian del resto, ya que son dirigidas por peluqueros famosos, ofreciendo respuesta a las necesidades de un público selecto y exigente por los servicios más exclusivos. A continuación, se presenta el Top Ten de los peluqueros y los salones de belleza más famosos en España:

Luis Llongueras

Este peluquero catalán oriundo de Esparreguera, creó el primer salón unisex de España en 1972 e inaugura el Instituto Llongueras, a los pocos años. Ha dictado numerosas conferencias y charlas, escrito libros y viajado por todo el mundo.

También es pintor, escultor y fotógrafo, lo que lo hace un virtuoso multidisciplinario. Mantuvo una estrecha amistad con el artista del surrealismo, Salvador Dalí.

Luis Llongueras
Fuente: koseiprofesional.com

El artista español fue responsable de la creación de una peluca gigante, la cual quedó registrada en el Libro Guinness de los Records como la peluca más grande del mundo. Esta insólita pieza se exhibe en el Museo Dalí en Figueras (Girona) en la habitación dedicada a Mae West. Esparreguera ha inaugurado más de 45 salones de belleza en España, así como en  Latinoamérica, Eurapa y Japón.

Alberto Cerdán

Es un peluquero de últimas tendencias que dispone de una variedad de salones de belleza en las diferentes ciudades españolas, a saber: Madrid, Barcelona o Las Palmas, entre otras. En sus butacas se han sentado futbolistas como Álvaro Morata y Xavi Hernández; así como también a las actrices y modelos como Claudia Schiffer, Cate Blanchet y Bar Refaeli. Ofrece servicio a sus clientas los 365 días al año. Su sede principal se ubica en la calle Lagasca 82 – 84  de Madrid.

David Lorente

Es un estilista que ha encontrado en la crisis la oportunidad de crear sus salones propios, donde combina  los cortes de cabello y aplicación de los tintes, a través de masajes, manicuras y pedicuras, entre otros servicios. Su sede se encuentra en la Calle García de Paredes,  en Madrid.

Jesús Bejarano

Es un peluqueo famoso que utiliza una técnica personal para cortes de cabello rizado y ondulados. Asimismo, combina colores naturales como tonos castaños o caobas que añade luz a la tonalidad real. Su peluquería Next es la preferida de las famosas españolas, entre las que se mencionan: José Toledo y María León, entre otras. La misma se ubica en la calle Diego de León enMadrid.

Pascual

En Valencia se encuentra un peluquero famoso de gran de talento y experiencia, conocido como Pascual. Es experto en  peinados de fiesta y novias y no teme experimentar con las últimas tendencias. Su sede principal se encuentra en la calle Isabel la Católica de Valencia.

Pascual
Fuente: koseiprofesional.com

Yolanda Aberasturi

Es una peluquera del Norte de España, muy solicitada por los asistentes de los Premios Goya. Esta profesional tiene su salón en la Alameda de Mazarredo en Bilbao.

Moncho Moreno

Es uno de los peluqueros más demandado por las celebridades españolas como Carmen Lomana, Isabel Presley, Mar Flores, Ana Belén, Toñi y Encarna Salazar (Azúcar Moreno),  Miguel Ángel Silvestre y  Rafa Nadal. La supermodelo Claudia Schiffer y el diseñador de moda Giorgio Armani han pasado por las manos de este artista profesional.

Lorena Morlote

Es una profesional de la peluquería considerada como la estilista de las celebridades, entre las que figuran: Leonardo di Carpio, Will Smith, Johnny Deep, Bruce Willis, Alejandro Sanz, Eva Longoria, Paris Hilton y  Victoria Beckham. Fue galardonada con el Premio Vogue de Belleza  como mejor cadena de peluquerías.

Lorena Morlote
Fuente: koseiprofesional.com

Lorena Morlote ofrece su exclusivo servicio en Madrid y Marbella, así como, a través de su página oficial http://lorena-morlote.com/

Ángel Ostáriz

Este peluquero profesional ha sido responsable de los cambios de imagen de artistas famosos como Marta Sánchez y  Mar Saura, entre otras. Es una peluquería unisex dedicada íntegramente a los nuevos estilos y peinados. Su establecimiento se encuentra ubicado en el centro de Madrid en Fernández de los Ríos.

Isaac Salido

En su espacio incorpora las beauty party y las actividades complementarias que aportan un bienestar al proceso del cuidado capilar. Define el concepto de peluquería contemporánea que se concibe como un momento de ocio entre amigos en el que se pueda complementar la belleza con otras actividades. Dani Martin, Miguel Ángel Silvestre, Rafa Nadal, Iker Casillas y Sara Carbonero son algunos de sus clientes habituales.

El kinze de cuchilleros

Es la peluquería más antigua de Madrid, fundada en el año 1900. Su local mantiene una decoración tradicional mezclada con fotos de recuerdos de sus años de historia y de los ilustres personajes que alguna vez han requerido de sus servicios, entre los que se mencionan: Arturo Pérez Reverte, Sergio Ramos, Javier Cámara, entre otros.

Blackstone

Es un centro exclusivo para caballeros, situado en el centro de Madrid. Ofrece sus servicios que consiste en todos los cuidados de belleza que un hombre requiere sin la necesidad de salir de sus instalaciones. Entre sus clientes se destacan: Mel Gibson, Cayetano RIvera Ordoñez, Pedro García Aguado y Jesús Olmedo.

Natalia de la Vega

Esta profesional de la peluquería dirige su salón de belleza Tacha Beauty, el cual es uno de los preferidos de numerosas celebridades gracias a su amplio servicio de tratamientos. Entre sus clientes se mencionan: Paula Echevarría, Nuria Roca, Maribel Verdú; así como, el cantante David Bisbal, el actor Asier Etxeandía y el futbolista del Real Madrid Nacho.

La Maison de Eduardo Sánchez

Eduardo Sánchez es un maestro del estilismo capilar y propietario de La Maison, una peluquería de referencia ubicada en el barrio de Salamanca y su segundo salón en la zona de Bernabeau, cuyo servicio se caracteriza por respetar los sueños de sus clientes y por su atención inmejorable. Este salón de belleza se encuentra en la calle de Claudio Coello, 57 y en Marceliano Santa María.

Studio25

Esta peluquería fue inaugurada en Quijorna, partiendo de la idea de María Roberts, una joven emprendedora que se especializa en extensiones con todas sus técnicas y colores. Sus salones se ubican en Villanueva de la Cañada, (Quijorna) y en la calle Sierra, (Getafe).

La Antesala

Es el salón fundado por Fran Alemany y Luciano de Paoli donde fusionan el minimalismo con el estilo en peinados. Se encuentra ubicada en Serrano Anguita.

Salón Cheska

Es el salón de belleza, ubicado en Velásquez, referente en cambios de look clásicos. Entre sus clientes se destacan figuras como: Sara Carbonero, Paula Echevarría, Inés Sastre, Cristina Ortiz, por nombrar algunas.

Referencias

https://koseiprofesional.com/blog/peluqueros-famosos/

https://www.abc.es/summum/estilo/belleza/abci-peluqueros-famosos-201709201810_noticia.html

https://www.elle.com/es/belleza/pelo/g26939173/peluquerias-madrid-mejores/

David Deibis: Entre la Belleza y la Actitud

David Deibis

David Deibis es el primer maquillista latinoamericano en trabajar para las casas de moda más prestigiosas del mundo como Versace y Chanel.  El estilista de origen venezolano cuenta con dos décadas de experiencia en el arte de maquillar. Es un estricto vigilante de la imperfección física, que presume de un currículo donde ha expuesto su arte en los rostros más reconocidos del mundo de la belleza, como el de Nicole Kidman, Salma Hayek y Thalía, entre otras. La provocación de verse bien y lucir mejor es lo que Deibis trata de afianzar a través de su destreza con el pincel y un toque de plancha y secador. Los famosos lo escogen para impulsar su belleza.

Actualmente, su éxito profesional se ha hecho escuchar en los medios de comunicación de España. Asimismo, su nombre se ha sido publicado en las portadas y editoriales de moda de las reconocidas revistas Hola! y Telva.

David Deibis
David Deibis. Fuente: revistaromantica.com

Biografía

David Deibis, nacido en Boconó, Estado Trujillo (Venezuela) en 1966. Se traslada a Caracas para realizar sus estudios universitarios en Publicidad y Mercadeo, en el Instituto Universitario de Nuevas Profesiones, en la Avenida Rómulo Gallegos.

Al graduarse se muda a Valencia donde comienza su amor por la moda. En Valencia conoce al modisto  de moda Alejandro Fajardo quien le convence de que tiene presencia para ser modelo. Luego, regresa a Caracas y es cuando Luigi Ratino (propietario de una agencia de modelos), le ofrece un trabajo para mover el talento femenino de su agencia.

Después, consiguió trabajar con la firma “Versace” que estaba en Venezuela en búsqueda de un maquillador para una nueva línea cosmética. Tras el fallecimiento Gianni Versace, su hermana Donatella Versace decide despedir a casi el 80% de los latinos que trabajaban en la firma, y es cuando se muda a París para trabajar con Chanel, desempeñándose como Trainer para las Américas.

Davis Deibis vivió  en Panamá, México y Roma. Durante cinco años viajó por todo el mundo con Chanel y estuvo un mes en la India en un retiro espiritual.
Hoy en día reside en la ciudad de Madrid, trabajando en sus múltiples facetas y pasiones. Es maquillador personal de Astrid Klisans (esposa del cantante Carlos Baute), profesor en el Instituto de Estilismo y Moda (IDEM) y creó un espacio exclusivo para la belleza de las Novias en el Wedding&Events Center Spain.

Versace, Chanel, Yves Saint Laurent y Armani

Deibis trabajó como maquillador durante tres años con Gianni Versace. Tras el fallecimiento del diseñador, fue despedido cuando Donatella Versace asumió el control de la firma.

A los pocos días fue contratado por Chanel donde se mantuvo durante ocho años. Allí tuvo la oportunidad de maquillar a las actrices Nicole Kidman y Salma Hayek, quien después lo llamó personalmente para que la maquillara para la ceremonia de los Premios Oscar. Desde entonces, el estilista venezolano comenzó a figurar dentro del mundo del maquillaje internacional. Finalmente, trabajó en Madrid con las firmas Armani e Yves Saint Laurent, pertenecientes a la casa L’Oreal Luxe.

David Deibis
David Deibis. Fuente: revistaromantica.com

Su Clientela, Las Celebridades

Son innumerables las celebridades que han pasado por las manos de David Deibis como las mencionadas Kidman y Hayek, así como Silvia Abascal, Eugenia Silva, Ricky Martín, Carlos Baute y David Bustamante.

Cuando llegó a España, a Deibis le ofrecieron que trabajara para la portada de la revista Hola. Hoy en día, su cuenta de Instagram está minada de fotografías con celebridades de moda. Entre ellas figuran la presentadora vasca Tania Llasera, Rosario Flores, Risto Mejide, Carmen Lomana, Silvia Abascal y Dani Rovira. Su trabajo en España, además de la relación con las grandes firmas y celebridades, también se centra en el maquillaje y peluquería de novias. También tiene sus programas de TV en el canal Non Stop People de Movistar Plus.

Debido a su fama es invitado a innumerables eventos. En el concurso Miss World Spain conoció a la alcalaína Cuca Miquel de Todo en Belleza, quien le realizó una sesión de cuidado de piel.

Belleza es actitud

Para David Deibis, la belleza femenina ya existe por naturaleza y que su trabajo se basa en realzarla, por lo que considera que una mujer realmente es hermosa sin maquillaje.

El maquillista venezolano insiste en que la belleza femenina es el lienzo en blanco donde resalta la esencia de la mujer para crear una nueva imagen y afianzar seguridad. Asimismo, destaca que el físico debe estar acompañado de inteligencia y actitud, de lo contrario la mujer sería una obra llena de grises.

Al respecto, David Deibis también opina que las mujeres venezolanas quizás no son las mujeres más bellas del mundo, aun cuando así lo indica el libro Guinness, pero si poseen actitud, lo que las ha hecho triunfadoras. Esto se resume en tres palabras “Belleza es actitud”.

Trucos de belleza

Para David Deibis en el maquillaje la edad y el aspecto no tiene importancia. La regla es no cambiar a nadie. Por otra parte, considera que  una mujer no puede ser bella si no tiene actitud, lo que implica que no tiene personalidad. Tal es el ejemplo de la ex Miss Mundo Mireia Lalaguna, de quien expresó lo siguiente: “tiene una belleza indiscutible pero lo que le dio su triunfo no fue solo eso. Aparte de maquillaje y peluquería, (…) fue su actitud, sonreír, ser positiva y mantener muy bien el protocolo”.

Mujer maquillada
Fuente: revistalove.e

David Deibis lanza su propia línea de maquillaje

La calidad de un maquillaje elegante y sofisticado depende sin duda de la magia de los pinceles. Luego de maquillar a celebridades durante 27 años, las exigencias de David Deibis aumentaban para elegir los mismos. Así fue que decidió crear su propia línea buscando el perfeccionismo y la moda.

Deibis pensó que debía crear unas brochas en colores, texturas y materiales distintos, que reflejaran su propio estilo. “El negro siempre ha sido mi color favorito, el charol me apasiona, y los pelos naturales en color blanco me parecen sublimes. Así cerré el círculo del primer objetivo con esos tres ingredientes que forman parte de mi personalidad y estilo”.

Referencias

http://revistaromantica.com/entrevista-david-deibis/

https://www.elmundo.es/cultura/2015/08/25/55db11e6e2704e08168b458d.html

https://www.revistalove.es/blogs/david-deibis/brochas-de-maquillaje-david-deibis/

https://www.dream-alcala.com/david-deibis-cuando-vengo-alcala-me-acercara-tierra/

http://revistaromantica.com/entrevista-david-deibis/

http://www.yosoyvenezolano.com/noticias-de-venezuela/entrevistas-a-venezolanos/david-deibis-belleza-es-actitud/

Giovanni Scutaro: Un Diseñador con Estilo y la Elegancia

Giovanni Scutaro

Giovanni Scutaro, es un modisto venezolano, proveniente de una familia de raíces italiana. El diseñador italo-venezolano se destacó en el mundo de la moda desde hace 14 años.

Síntesis biográfica

Giovanni Scutaro, nació el 6 de mayo de 1959 en San Cristóbal, Estado Táchira, Venezuela. Creció y se formó en Caracas como uno de los diseñadores más exitoso en Venezuela.

Su éxito inicia cuando se graduó a los 21 años en la Escuela de Administración en la Universidad Central de Venezuela. Luego, realiza sus estudios de Diseño de Modas en el Instituto Saint Michelle, ubicado en la ciudad de Milán, Italia. Al culminar, regresa a Venezuela para trabajar con Álvaro Clement y Ana Julia Thompson. Finalmente, crea su propio atelier ubicado en La Urbina en la ciudad de Caracas.

Trayectoria

En 1988, Giovanni Scutaro fue seleccionado para diseñar una línea de chaqueta sport que le daría un cambio de imagen al entonces candidato presidencial, Carlos Andrés Pérez.

Para el año 1991, participa por primera vez en un evento en el que participaron diseñadores venezolanos como Ángel Sánchez, Margarita Zingg, Mayela Camacho y Guy Melliet.

En 1993, creó su colección Bajo el Signo de Tauro y en 1994,  presentó la serie Tiempos Libres. Ese mismo año, inaugura su primera boutique: Amichi Uomo, ubicada en el Centro Comercial Ciudad Tamanaco, convirtiéndose en la referencia de la moda masculina venezolana.

Las representaciones de sus colecciones Mascara Latina y Mare, presentadas en 1995 y 1996, respectivamente, fueron realizadas a beneficio de la Sociedad Anticancerosa de Venezuela, para después ser nombrado miembro honorífico.

Fue invitado para vestir a los participantes del concurso Míster Venezuela en 1996. Asimismo, fue seleccionado para diseñar el vestuario que usaría el ganador del certamen Míster Mundo.

En 1997, presenta la colección Transformación de lo Natural, el cual recibe las mejores críticas; lo que le abrió las puertas al mercado internacional.

Para el año 1999, Scutaro presenta una línea pret-a- porte que lleva por nombre GS. Luego, es seleccionado para vestir al entonces candidato presidencial, Hugo Chávez Frías, logrando así ser reconocido como el hombre que viste a los presidentes.

El diseñador venezolano inaugura una segunda boutique en el Centro Sambil de Caracas, enfrentando nuevos retos y posibilidades de crecimiento en otros mercados.

Expansión Comercial

Giovanni Scutaro posee tiendas en Caracas, Anzoátegui y Margarita. Además, posee establecimientos en  Nueva York, Estados Unidos.

En el 2018, el modisto venezolano inauguró su Atelier “Giovanni Scutaro Milan” en la ciudad de Coral Gables en Miami, Florida.

Giovanni Scutaro
Giovanni Scutaro cierra con Broche de Oro en República Dominicana. Fuente: https://informe21.com

Colecciones en las últimas décadas

En el 2010, el diseñador venezolano presentó su colección de primavera-verano 2011 «Magia Blanca» y el Puerto Rico High Fashion Week.

Con motivo a la celebración del 25 aniversario de su carrera artística, Giovanni Scutaro presentó en el 2013, su colección Primavera-Verano 2014 en la Quita Esmeralda de Caracas. El evento se realizó a beneficio de la Sociedad Anticancerosa de Venezuela y la Fundación Mano Amiga”.

Colección «Entre Dos Mundos»

Ese mismo año, Scutaro presentó su colección otoño-invierno 2013 llamada “Entre Dos Mundos” en el hotel Hesperia, ubicado en la ciudad de Valencia. En este sentido, el modista destacó que “en composición global logré mi objetivo, es decir, crear una colección exquisita y glamorosa que realmente juegue con el papel fundamental de la mujer que es verse y dejarse ver”. Celebrando los 25 años en el mundo de las pasarelas, Giovanni Scutaro se convirtió en un ícono de la moda, ya que ha tenido la oportunidad de vestir figuras destacadas del espectáculo nacional e internacional, incluyendo presidentes.

En 2016, la gran carpa del Hotel Eurobuilding en Caracas se llenó de celebridades y periodistas, debido a la presentación de la colección otoño-invierno, Entre Ramas del diseñador venezolano Giovanni Scutaro.

La pasarela del Centro Internacional de Entretenimiento Múltiple, fue donde Giovanni Scutaro presentó su colección primavera-verano 2016, titulada “Homenaje a mi país”. En esta colección, Scutaro inspirado en los paisajes de Venezuela, muestra exuberantes estampados y tonos primarios, trabajando con tonalidades puras y sus gamas.

Giovanni Scutaro cerró la Semana de la Moda 2017 en República Dominica. El modisto venezolano sorprendió con la presentación de su gran colección “Recuerdos”, el cual se inspira en los años 80 y 90. El diseñador retoma piezas de vuelo, recreándola en colores cálidos y fríos como el rosa, verde, pistacho, gris, plata, blanco y negro, haciendo lucir a la mujer cada vez más impactante.

Su trabajo más reciente

En el 2018,  Giovanni Scutaro en su celebración del 30 aniversario en la moda, presenta su colección «I Dreamed a Dream» e inauguró su primera boutique en EEUU. La elegancia y exclusividad definen los trazos que el diseñador crea sobre sus diseños, el cual ahora exhibe en su nueva boutique en Coral Gables.

Giovanni Scutaro
Giovanni Scutaro presenta su colección en Valencia. Fuente: https://www.revistavenezolana.com

El estilo de Giovanni Scutaro

En 2019, Giovanni Scutaro presentó su última serie de moda Primavera-Verano 2020 en un desfile en las instalaciones del Tolón Fashion Mall.

El glamour del reconocido modisto venezolano Giovanni Scutaro, repercute en las pasarelas del mundo, a través de piezas de alta costura durante tres décadas en la industria textil latinoamericana.

Premiaciones y reconocimientos

En 2007, Scutaro recibió el premio ForiArte Hispano, otorgado por la Asamblea del Estado de Nueva York, debido a sus logros en el mundo de la moda continental, anunciado en el “Mes de la Hispanidad”.

Giovanni Scutaro recibió el reconocimiento de Fundaserpe y Cavenit por su apoyo y labor benéfica en Guayana en el año 2013.

En el 2013, obtuvo el galardón como el mejor diseñador en el Fashio Week Buenos Aires, sin dejar de mencionar que en el 2010, fue premiado en esa misma categoría en el Fashion Week of American.

Referencias:

https://www.ecured.cu/Giovanni_Scutaro

https://edvardavila.wordpress.com/2016/03/25/disenadores-venezolanos/

http://www.eluniversal.com/vida/151106/venezuela-segun-giovanni-scutaro

https://www.revistavenezolana.com/2015/11/venezuela-segun-giovanni-scutaro/

https://www.elimpulso.com/2013/10/28/giovanni-scutaro-celebra-25-anos-de-carrera/

https://www.noticias24.com/fotos/noticia/10855/giovanni-scutaro-presento-su-nueva-y-elegante-coleccion-entre-dos-mundos-fotos/

https://www.diariolasamericas.com/el-venezolano-giovanni-scutaro-celebra-30-anos-la-moda-i-dreamed-dream-n4163629

http://elestimulo.com/climax/el-camaleonico-estilo-de-giovanni-scutaro/

http://uma.edu.ve/periodico/2016/06/09/las-ramas-y-bordados-de-giovanni-scutaro/

https://informe21.com/arte-y-espectaculos/giovanni-scutaro-cerro-con-broche-de-oro-la-semana-de-la-moda-2017-en-rd

https://informe21.com/arte-y-espectaculos/giovanni-scutaro-recibe-reconocimiento-de-fundaserpe-y-cavenit

https://informe21.com/arte-y-espectaculos/giovanni-scutaro-se-alzo-como-el-mejor-disenador-en-el-fashion-week-de-buenos-ai

https://informe21.com/arte-espectaculos/disenador-giovanni-scutaro-estrella-del-puerto-rico-high-fashion-week

https://www.tendencia.com/2016/giovanni-scutaro-presenta-su-coleccion-entre-ramas/

La Moda y su Evolución en el Siglo XX

Moda de los sesenta.

La moda fue un invento magníficamente interesante que conformó la modernidad humana. Su evolución ocurre durante el siglo XX, la cual ha sido muy cambiante. En menos de 100 años, han surgido tendencias que fueron marcando la historia de dicho arte.

En todo este tiempo, miles de tendencias han sido exhibidas en las pasarelas de moda, representando el movimiento cultural a través de las prendas icónicas.

Los diseñadores de moda han aprovechado los cambios sociales y revoluciones para desarrollar estilismo, tendencias y prendas que marcaron la historia del vestir.

La moda desde 1900 hasta 1950

A comienzos de siglo, el corsé seguía presente entre las prendas de vestir de las mujeres, debido a que moldeaba la silueta haciéndola parecer como una “S”. El objetivo principal era conseguir la forma acampanada del vestido, para lo cual era necesario estrechar la cintura al máximo. Pero fue en 1914 cuando se patentó el sujetador, el cual sustituyó el incómodo corsé.

Charles Worth dio inicio a la moda como la conocemos hoy, cuando se promueve el vestido a comienzos de la Belle Époque. En este período, hubo una gran transformación económica y cultural que influyó en la sociedad europea, desde la aristocracia hasta el proletariado. Sin embargo, fue una época caracterizada por la elegancia, el refinamiento y el optimismo, y que luego habían sido anulados por el academicismo burgués.

Vestido de 1900
Fuente: http://www.itfashion.com

La moda worthiana se vio inmersa en la modernidad tras la muerte de la Reina Victoria de Inglaterra con la desaparición de la victoriana.

En la moda francesa, surge un nuevo artista llamado Paul Poiret, quien encontró la inspiración en el Art Noveaux. Este virtuoso es el responsable de la caída de la corsetería.

La moda, como concepto social, se ve afectada por los cambios en la sociedad. Tal es el ejemplo de los rusos que mostraron una rígida oposición ante la influencia de la Modernidad, debido a su estilo de vida aristocrática, ostentosa y poderosa. Sin embargo, a la primera señal de libertad, surgió la constructivista soviética en tan solo tres palabras: comodidad, belleza y elegancia.

Los años 20 era la década feliz de la moda, donde la provocación comenzó a ganar importancia. A partir de esta época, los vestidos sin marcar cintura comenzaron a ganar protagonismo y las faldas hasta las rodillas dominaron entre las mujeres más atrevidas. Este atuendo siempre iba acompañado de un peinado corto y mucho maquillaje.

A partir de la tercera década del siglo XX, el maquillaje perdió importancia al ser considerado vulgar, por lo que se usaba de manera discreta. Los vestidos con la espalda descubierta comienzan a ganar terreno.

En la década de los 40, el escenario político y los conflictos bélicos durante la Segunda Guerra Mundial, atenuaron la evolución en el mundo de la moda. Sin embargo, el uso de los moños ganó importancia en la apariencia femenina. En ocasiones, el moño era cambiado por un pañuelo o un sombrero.

No obstante, al finalizar la guerra en 1945, aparece el «New Look» de Christian Dior.

A partir de la década de los 50, la moda femenina vuelve a ganar protagonismo. Vuelve la elegancia, los colores vivos, el exceso de telas que caracteriza la francesa.

La lucha entre los Estados Unidos y Francia por la hegemonía de la moda está en su momento más ardiente. Por el lado, en los Estados Unidos se instaura el «ready-to-wear», el think-pink y el consumismo; por otro lado el refinamiento europeo.

La producción masiva se pudo ver en todos los sectores de la moda. Esto significó el fin de la alta costura y la aparición de una indumentaria económica y de buena calidad que se llamó prêt-à-porter.

Las antiguas casas de alta costura realizan desfiles con la finalidad de perpetuar el lujo y promover una política de marca. Sirven de escaparates publicitarios y como galerías de arte.

Luego surge el término modernistas.  Dior, Givenchy, Balenciaga y Chanel eran considerados los diseñadores más importantes de la alta costura.

En los años 50 se impusieron los tacones de aguja y los sujetadores de realce, fajas y corsés que contribuían a acentuar el busto y una cintura afiliada. Estas prendas se usaban con el fin de resaltar una silueta con forma de guitarra que algunas mujeres como Marilyn Monroe ya poseían de forma natural.

Marilyn Monroe
Marilyn Monroe. Fuente: lamodaenelsigloxx.blogspot.com

La Década de los 60 marcada por la Moda Hippie y Psicodélica

La década de los 60 vino acompañada con las revueltas juveniles impulsadas por el ideal de la paz, a consecuencia de la guerra que se estaba produciendo en Vietnam. Esta década se destaca por ir en contra de las modas que dirigía el capitalismo.

La moda fue bastante sencilla dentro del mundo juvenil. El estilo hippie ganó importancia, sin olvidar que fue la de las minifaldas. Las mujeres jóvenes de esta época llegaron con la idea de exhibir las piernas para mostrar su elegancia.

La moda hippie consistía en la ropa hecha a mano, pantalones con ruedos acampanados, zapatos de plataforma, cabello largo o afro. Las botas y los estampados florales o de colores brillantes se convirtieron en el sello de esta época así como la aparición del bikini que escandalizó a los más conservadores.

Hippies
Fuente: www.ecured.cu

La cultura de la música y las drogas crean el look psicodélico, la moda disco, las plataformas, los pantalones de campana y el cabello largo y el look militarizado. La ropa femenina tiende a ser  tallada al cuerpo. A partir de ese momento el concepto de vestuario cambió y los modistos comenzaron a diseñar ropa cómoda, que pudiera usarse para el día a día, pero que al mismo tiempo se luciera para cualquier ocasión.

André Courrèges creó la minifalda y Mari Quant  la llevó al mundo de la moda, siendo aceptada como el estilo normal del siglo XX. Pierre Cardin exhibió sus diseños de vestidos futuristas de formas geométricas.

Chicas con minifaldas
Fuente: th.com.ar

Yves Saint Laurent, creó una línea de pantalones sastre como moda urbana femenina, uniendo el arte y la moda con dos de sus modelos más importantes el “Mondrian look” y el “Pop Art look”.

Por otra parte, el mundo de la alta costura, Paco Rabanne confeccionó un vestido con plástico.

La Moda de los 70

La década de los 70 tuvo el espíritu naturalista hippie, y las indumentarias callejeras agregaron elementos importantes en la imagen de finales del siglo XX: los mods, los punks, los rockers, surfistas, patinadores urbanos, así como el vestuario funk y disco urbano.

Las mujeres jóvenes optaron por el uso de los estampados y los colores llamativos, mientras que otras eligieron lo natural y lo convencional.

Por otra parte, el estilo punk también ganó mucha importancia durante esta década.

La Moda Juvenil de los 80

En la década de los 80, las mujeres activas en el mundo de los negocios, vestían con un estilo denominado Power dressing, que presentaba una imagen de autoridad y femineidad con un toque sensual.

En los 80, la juventud ganó protagonismo. Las cirugías y los tratamientos para rejuvenecer ganaron mucha importancia dentro del apartado de las personas conservadoras.

Por otra parte, Madonna se convirtió en un icono de la moda para muchas mujeres jóvenes de todo el mundo. La cantante juvenil popularizó su estilo que consistía en llevar hombreras grandes, peinados llamativos y voluminosos, guantes sin dedos, faldas cortas usada sobre las medias, collares, pulseras de goma, guantes de rejilla, hairbows, capas largas cadenas de perlas, bandas para la cabeza, y cintas de encaje.

Madonna
Madonna. Fuente: www.vogue.mx

La Moda Casual de los 90.

La moda de los noventa se basaba en la variedad y no en una tendencia específica y duradera. Se comenzó a llevar la ropa holgada. Este estilo fue conocido por muchos como la casual.

Referencias

https://ineverycrea.net/comunidad/ineverycrea/recurso/evolucion-de-la-moda-durante-el-siglo-xx/f0a589f1-3ae7-46ac-9516-303e560879e3

https://lamodaenelsigloxx.blogspot.com/2009/06/una-pequena-presentacion.html

https://theamaranta.com/brillo/siglo-xx-segun-la-moda/

https://www.tiki-toki.com/timeline/entry/542757/Evolucin-de-la-Moda-Siglo-XX/