Elia Schneider, la cineasta más laurada del cine venezolano

Elia Schneider

El pasado viernes 28 de agosto falleció en la ciudad de Los Ángeles en Estados Unidos la cineasta venezolana Elia Schneider, tras luchar por años contra el cáncer de hígado.

Elia K. Schneider fue una escritora, directora y productora de cine y teatro venezolana, quien incursionó en la coreografía y dirigió teatro durante varios años. Estudió Psicología en la Universidad Católica Andrés Bello, se formó en la danza, el teatro y el ballet clásico.

Schneider inició su carrera en el cine en los años 80, durante su formación en el Institute of Fine Arts y en la Tisch School of Arts en Nueva York. En la prestigiosa academia de actuación Stella Adler de Los Ángeles impartía su taller Fundamentos de la técnica del teatro-Adler en español.

Los temas de la cinematografía de esta destacada cineasta abordaron temas de la realidad social venezolana con películas como Huelepega (2000), Punto y raya (2004), Des-autorizados (2010), y Tamara (2016).

Elia Schneider
Elia Schneider. Fuente: www.eluniversal.com

Elia Schneider, una entusiasta de la vida

La cineasta venezolana, Elia Schneider, falleció el pasado viernes 28 de agosto, tras luchar durante más de veinticinco años contra el cáncer de hígado que, inexorablemente, acabaría con su vida.

Schneider aprovechó al máximo su existencia formándose artísticamente entre el ballet clásico y la danza, explorando como coreógrafa expresiones y movimientos que le permitirían desarrollar sus inquietudes respecto al arte.

Se graduó como psicóloga en la Universidad Católica Andrés Bello en 1978 y realizó un máster en la Universidad de Nueva York, donde nació su interés por el cine como medio de expresión.

En la década de 1980 dirigió piezas teatrales donde demostraría su visión experimental y vanguardista de la escena manifestada en su período de Nueva York y posteriormente en Caracas.

Desde temprana edad, Elia Schneider sintió gran admiración por el dramaturgo ruso, Konstantin Stanislavski, considerado el padre de la actuación moderna, adoptando su procedimiento educativo como herramienta de formación.

Con su sensibilidad, tenacidad y disciplina, Elia Schneider obtuvo importantes logros en la educación de numerosos actores. En esta faceta entendió que los actores son los elementos claves para el desarrollo artístico, escénico o audiovisual.

Schneider impartió su cátedra en español para la escuela de actuación Stella Adler en Los Ángeles, la cual se convirtió en una referencia dentro de esa institución.

Elia Schneider
Elia K. Schneider. Fuente: elpais.com

Elia Schneider retrató los problemas sociales en el cine venezolano

Su película Huelepega: Ley de la calle (1999), un manifiesto contra la pobreza, la desigualdad y la crisis social de los niños de la calle sumergidos en la drogadicción en Venezuela. Para realizarla, Schneider formó a un grupo de niños de la calle que actuaron en la película durante diez semanas. Esta producción ganó 15 premios nacionales e internacionales, y estuvo prenominada al Óscar por Venezuela; siendo el éxito de taquilla más importante de ese año.

Junto a su esposo, el cineasta uruguayo José Ramón Novoa, Schneider realizó Punto y raya (2004), la película basada en la historia de un soldado colombiano y otro venezolano en la frontera colombo-venezolana. La cinta también fue prenominada al Óscar y obtuvo 30 premios internacionales, siendo la primera película venezolana que compitió en los Globos de Oro.

Des-autorizados (2010) fue nominada a los Premios Golden Globet en el XIII Festival Internacional de Cine de Shanghái (categoría «A») y fue seleccionada a la competencia oficial del Festival de La Habana (2010). En esta película, un dramaturgo escribe una obra en la que sus protagonistas toman vida y presionan a su autor para que les otorgue el final que ellos creen merecer.

Sus últimas producciones

Elia Schneider participó como productora asociada en Esclavo de Dios (2013), en la que debuta su hijo Joel Novoa como director, y luego de producir Solo (2014), dirigida por su esposo.

Elia Schneider y josé Ramón Novoa
Elia Schneider y josé Ramón Novoa. Fuente: www.eluniversal.com

En 2013 inició la filmación de la que sería su última película: Tamara; inspirada en la vida de Tamara Adrián, transexual, abogada, activista por los derechos de las mujeres y la comunidad LGBTI. Estrenada en 2016, Schneider logró con esta cinta cosechar diversos reconocimientos nacionales e internacionales, ratificando una vez más su prestigio como cineasta.

Elia Schneider también fue la productora de 7 largometrajes: Agonía (1984), Sicario (1994), Garimpeiros (1999), El Don (2006), Un lugar lejano (2009), Esclavo de Dios y Solo (2013).

La cineasta venezolana obtuvo 27 premios internacionales, entre los que se encuentran mejor dirección y mejor actriz de reparto en el Festival Internacional de Tokio (categoría «A»); asimismo, fue prenominada para los premios Óscar por Venezuela y consiguió la nominación a los premios Goya.

Una mujer de todas las artes escénicas

Elia Schneider dio sus primeros pasos como artista en la danza y el ballet clásico. Luego fue coreógrafa y dirigió muchas obras de teatro y más de ocho series dramáticas en la televisión e incluso estuvo al frente de la producción de una ópera titulada Oedipus Rex en 2003.

Schneider fue egresada la Universidad Católica Andrés Bello en la carrera de Psicología e hizo sus estudios de artes en la Universidad de Nueva York y la Tisch School of the Arts.

La cineasta venezolana también ha sido premiada en teatro como escritora y directora de varias obras basadas en Kafka; siendo la Fundadora y Directora del Teatro Dramma (1982). Entre sus obras teatrales destacan: “A Petición del Público”, “Blumfeld”, “Gaz”, “Stasis”, “Habitaciones”, “Edipus Rex”, “La lección” y “Emigrantes”, las cuales recibieron críticas favorables por parte de la prensa estadounidense como New York Times, Village Voice o Daily News. Su obra “Judgment on the Grey Beach” se estrenó en La Mama ETC en 2015 y recibió excelentes críticas en el New York Theatre Wire.

La directora y productora de cine también se desempeño como docente en 2001 y fue instructora de Formación Actoral y miembro de la facultad de la Stella Adler Academy of Acting en Los Ángeles donde impartía su prestigioso taller “Fundamentos de la técnica del teatro-Adler” en español; considerado como uno de los mejores de esta escuela.

Elia Schneider
Elia Schneider. Fuente: prodavinci.com

Fallecimiento

El 28 de agosto de 2020, fallece Elia Schneider en la ciudad de Los Ángeles, California, a causa de un Cáncer de Hígado.

El cine venezolano está de luto tras conocerse la noticia sobre el fallecimiento de la directora, productora y guionista venezolana. Directores, periodistas, actores y escritores expresaron mensajes de condolencias por la partida de la cineasta.

Apasionada por su familia, por su trabajo y, en general, por la vida, Elia Schneider luchó por años contra un destino que parecía ineludible; ganando tiempo suficiente que le permitió extender su radio de acción estética y el amor por las obras que hizo con autenticidad y profesionalismo.

Referencias

https://es.wikipedia.org/wiki/Elia_Schneider

https://ultimasnoticias.com.ve/noticias/chevere/el-cine-venezolano-despide-a-elia-schneider/

https://elpais.com/cultura/2020-08-29/elia-schneider-y-su-cine-descarnado.html

https://www.eluniversal.com/entretenimiento/79032/elia-k-schneider-la-irreductible-fallecio-en-los-angeles

https://www.elnacional.com/entretenimiento/la-cultura-venezolana-se-despide-de-una-de-sus-mas-grandes-cineastas-elia-schneider/

https://prodavinci.com/elia-schneider-1952-2020-una-entusiasta-de-la-vida/

https://efectococuyo.com/la-humanidad/el-cine-nacional-llora-la-muerte-de-la-laureada-directora-elia-schneider/

https://eldiario.com/2020/08/29/elia-schneider-problemas-sociales-cine-venezolano/

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/cine-venezolano-las-5-peliculas-de-elia-schneider-que-tienes-que-ver/

“Salvatore, zapatero de los sueños”, el documental autobiográfico de Salvatore Ferragamo

Salvatore Ferragamo

Un documental basado en la autobiografía del legendario diseñador Salvatore Ferragamo será estrenada en la edición número 77 del Festival de Cine de Venecia.

El largometraje sobre la vida del modisto italiano, Salvatore Ferragamo fue dirigido por Luca Guadagnino para conocer más sobre la historia de este diseñador y su casa de modas.

Ferragamo fue conocido por crear algunos de los zapatos más bellos del mundo y su casa de modas es una de las más prestigiosas del mundo.

La producción cinematográfica hace un recorrido por la vida de Ferragamo desde su lugar de nacimiento en la región del sur de Italia de Campania hasta los Estados Unidos, donde se convertiría en uno de los diseñadores más prestigiosos de Hollywood, ganándose el apodo de ‘zapatero de las estrellas’.

Salvatore Ferragamo
Salvatore Ferragamo. Fuente: oceandrive.com.ve

Salvatore Ferragamo narra su vida en la gran pantalla

Salvatore, zapatero de los sueños se titula el documental que estará basado, principalmente, en la autobiografiía del diseñador italiano.

La película comenzó a rodarse en 2017, bajo la dirección de Luca Guadagnino y será estrenada en la venidera edición del Festival de Cine de Venecia.

El documental fue el resultado de una investigación exhaustiva que realizó el director de Call me by your name, sobre Salvatore Ferragamo.

La familia Ferragamo autorizó al cineasta italiano para acceder en los archivos de la firma, esto de acuerdo al comunicado de prensa que fue difundido.

Salvatore Ferragamo
Salvatore Ferragamo. Fuente: vein.es

Ingenio y creatividad

En el film no solo se relata los inicios en Hollywood del legendario diseñador de moda, sino que también expone cómo su gran ingenio y creatividad lo hizo entrelazar la anatomía humana, la artesanía, el diseño y el negocio.

El público podrá hacer un recorrido por la vida de Salvatore desde su lugar de nacimiento (en la región del sur de Italia de Campania) hasta los Estados Unidos. Asimismo, contará sobre su paso como aprendiz de zapatero en Nápoles hasta convertirse en el dueño de la Hollywood Boot Shop en California.

Mediante varias entrevistas realizadas a miembros de la familia Ferragamo y grandes personalidades que conocieron de cerca a Salvatore, se logra capturar la esencia del diseñador, no solo desde el punto de vista como zapatero, sino del imperio italiano que creó.

Ferruccio Ferragamo, hijo del gran diseñador, expresó su felicidad al conocer que la vida de su padre será plasmada en dicho documental: “nos alegró mucho saber que la película sobre la vida de mi padre se presentaría en el Festival de Venecia. Es un honor para mí y para toda mi familia que un director del calibre de Luca Guadagnino se interese en nuestra historia familia, adaptándola para la gran pantalla”.

Salvatore Ferragamo
Fuente: ohmagazine.listindiario.com

El documental

“Salvatore, zapatero de sueños” es una película documental dirigida por el cineasta italiano, Luca Guadagnino. El guión fue escrito por Dana Thomas, quien llevó a cabo arduo trabajo de investigación, conjuntamente con la Fondazione Salvatore Ferragamo y el Museo Salvatore Ferragamo.

Salvatore Ferragamo
Fuente: ohmagazine.listindiario.com/

“Salvatore, zapatero de sueños” en el Festival de Venecia

No es la primera vez que Ferragamo está presente en la alfombra roja del Festival de Venecia. En la 77a edición del Festival de Venecia, se estrenará «Salvatore, zapatero de sueños», de Luca Guadagnino, el documental que contará la historia de este pionero en el calzado.

El Festival de Venecia tendrá lugar del 2 al 12 de septiembre e incluirá el estreno exclusivo del documental de Salvatore Ferragamo en las categorías de “fuera de competencia” y “no ficción”.

“Este es el trabajo de toda mi vida: aprender a hacer zapatos que se ajustan a la perfección y no poner mi nombre en los que no son así. De modo que, por favor, más allá de la historia de un chico descalzo e ignorante que se ha convertido en un zapatero famoso concentren su atención en el placer que nace cuando se camina bien”, dice Ferragamo en torno de su autobiografía.

Ferragamo
Salvatore Ferragamo. Fuente: encanche.cl

Salvatore Ferragamo

Salvatore Ferragamo nació en Bonito en 1898 y murió en Florencia en 1960. Fue un pionero en el mundo del calzado que se inició como aprendiz en Nápoles para después alcanzar el éxito en California, y decidió regresar a Italia para desarrollar su habilidad como artesano en el calzado.

Ferragamo fue el creador de un tacón largo y muy fino conocido como «stiletto», la plataforma de corcho y la sandalia invisible, tras realizar un estudio riguroso de los pies, impulsado por su propio museo.

Salvatore Ferragamo emigró del sur de Italia a los Estados Unidos, primero a Boston y luego a California en 1914. Abrió su compañía Hollywood Boot Shop en 1923 y fabricó zapatos para estrellas de cine como Joan Crawford y Gloria Swanson. Luego, regresó a Italia y estableció una tienda de zapatos en Florencia en 1927.

En 1933, tras declararse en bancarrota durante la Gran Depresión, el diseñador italiano compró en 1938 el Palazzo Spini Feroni, uno de los grandes palacios de Florencia, la cual aberga la tienda insignia de la compañía y u museo dedicado a la vida y obra de Ferragamo.

La compañía floreció después de la Segunda Guerra Mundial, expandiendo la fuerza laboral a 700 artesanos que producen 350 pares de zapatos hechos a mano por día.

Después de la muerte de Salvatore en 1960, su viuda Wanda se hizo cargo del funcionamiento del negocio y amplió sus operaciones para incluir gafas, perfumes, bufandas, bolsos, relojes y una línea de ropa prêt-à-porter.

El diseñador italiano trabajó con estrellas de cine y celebridades desde sus primeros días en Hollywood. Los clientes a lo largo de los años incluyeron a Audrey Hepburn, SophiaLoren y Greta Garbor, así como a Andy Warhol, Lil Uzi Vert, Grace Mugabe y Diana, princesa de Gales.

Salvatore
Salvatore Ferragamo y Sophia Loren. Fuente: ohmagazine.listindiario.com

Salvatore Ferragamo S.p.A.

Salvatore Ferragamo S.p.A. es una empresa italiana de artículos de lujo, con sede en Florencia, Italia. Se especializa en la fabricación y venta de zapatos, artículos de cuero, relojes suizos; así como en la confección de ropa prêt-à-porter para hombres y mujeres. La firma también licencia gafas y relojes.

Es la empresa matriz del Grupo Ferragamo, que emplea a unas 4.000 personas y mantiene una red de más de 654 tiendas monomarca, y opera en Italia y en todo el mundo.

Lacompañía fabricó los famosos bolsos de Margaret Thatcher y para el rey Jigme Khesar Namgyal Wangchuck, durante la ceremonia de coronación realizada el 6 de noviembre de 2008 en Thimpu, Bután.

Salvatore Ferragamo
Salvatore Ferragamo. Fuente: lomustdelomustblog.com

Referencias

https://www.vogue.mx/estilo-de-vida/articulo/salvatore-zapatero-de-los-suenos-todo-sobre-el-documental-del-disenador-italiano-salvatore-ferragamo

https://www.efe.com/efe/espana/cultura/ferragamo-en-el-festival-de-venecia-con-salvatore-zapatero-suenos/10005-4311009

https://www.encancha.cl/tiempo-extra/2020/08/03/salvatore-zapatero-de-suenos-el-documental-del-reconocido-disenador-llega-al-festival-de-venecia-efe20.html

https://www.diariolibre.com/estilos/moda/ferragamo-llega-al-festival-de-venecia-con-salvatore-zapatero-de-suenos-FE20534054

https://www.laopiniondemurcia.es/vida-y-estilo/moda-belleza/2020/08/03/ferragamo-festival-venecia-salvatore-zapatero/1134297.html

https://ohmagazine.listindiario.com/salvatore-zapatero-de-suenos/

https://en.wikipedia.org/wiki/Salvatore_Ferragamo_S.p.A.

William Hanna, el pionero de la animación, cumple 110 años de su nacimiento

William Hanna

Hoy se cumple un nuevo aniversario del nacimiento de a leyenda de la animación, William Hanna, cofundador junto con Joseph Barbera del estudio que creó algunos de los personajes más memorables de la historia de la animación.

William Denby «Bill» Hanna nació el 14 de julio de 1910 en Melrose, Nuevo México. Fue un dibujante, director y productor de cine y televisión estadounidense, creador de numerosos personajes animados, conjuntamente, con Joseph Barbera. Ambos dibujantes, fueron los fundadores de la empresa de animación Hanna-Barbera Productions, Inc.

William Hanna
William Hanna. Fuente: wwwtiroloco.fandom.com

William Hanna inicia su carrera en la animación

William Hanna asistió a la secundaria Compton High School, donde formó parte de una banda de baile en la que tocaba el saxofón. Su pasión por la música se vería reflejada al componer los temas musicales de sus propios dibujos animados, como es el caso de Los Picapiedra.

Estudió periodismo e ingeniería estructural en la universidad Compton City College,​ sin embargo abandonó sus estudios debido a la Gran Depresión. Tras desempeñarse en varios trabajos esporádicos durante la crisis económica se integró al estudio de animación Harman-Ising en 1930.

Sus capacidades artísticas le llevaron a trabajar en los estudios Warner Brothers, donde se producían los dibujos animados Loony Tunes y Merrie Melodies. Su participación en dibujos animados como Captain and the Kids le permitió obtener una mayor experiencia y notabilidad en la industria.

En 1937, fue contratado para trabajar en los estudios de Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), para producir dibujos animados. Además de dibujar, William Hanna compuso canciones y letras para sus animaciones, y la compañía lo nombró director del departamento de animación, donde conoció a Joseph Barbera. Ambos comenzaron a colaborar conjuntamente, de lo que resultaron producciones como Tom y Jerry, en 1939, así como en algunas películas en imagen real.

Tom y Jerry sorprendieron al mundo al aparecer por primera vez como personajes en películas protagonizadas por actores reales como Gene Kelly o Esther Williams, a mediados de los cincuenta.

Luego, la pareja de dibujantes crearon su propia compañía, Hanna Barbera, que se convertiría en ícono de la animación en todo el mundo. Allí nacieron los famosos personajes como Los Picapiedra, el Oso Yogui, Los Supersónicos, Don Gato, Magila Gorila o Scooby Doo, entre muchos otros.

Hanna-Barbera
Hanna-Barbera. Fuente: facebook.com

William Hanna y su trayectoria cinematográfica

William Hanna inició su carrera cinematográfica en la compañía Pacific Title and Art, que producía intertítulos para filmes, donde comenzó a explotar su talento como dibujante.

En 1930 se incorporó al estudio animado Harman-Ising, donde se producían los dibujos animados Looney Tunes y Merrie Melodies. William Hanna dirigió el departamento de coloreado del estudio, donde también escribió algunas letras de las canciones que servían como temas de sus animaciones, dado que poseía habilidades musicales.

En 1933, William Hanna comenzó a producir sus dibujos animados de forma independiente para MGM y en 1936, dirigió su primera serie animada titulada, To Spring, la cual integraba la colección Happy Harmonies de Harman-Ising.

En 1934, MGM comenzó a producir sus propios dibujos animados y Hanna fue nombrado director jefe de la serie Captain and the Kids. Ahí conoció a Joseph Barbera,y ambos decidieron colaborar juntos en algunos proyectos.

En 1939, crearon la serie animada Tom y Jerry y dirigieron el cortometraje animado Puss Gets the Boot, por el cual fueron nominados como «Mejor cortometraje animado».

Tom y Jerry
Tom y Jerry. Fuente: clarin .com

Al principio, concibieron que Tom y Jerry debía tener más acción que diálogo entre los protagonistas. La exitosa serie animada obtuvo su primer premio Óscar en su 11° entrega, The Yankee Doodle Mouse (1943), y tuvo 14 nominaciones en dichas premiaciones, de las cuales ganó en siete ocasiones. Estos personajes aparecieron también en otras películas de imagen real de MGM, entre ellas Anchors Aweigh (1945) e Invitation to the Dance (1956) con Gene Kelly, y Dangerous When Wet (1953) con Esther Williams.

En 1955, Hanna y Barbera se hicieron cargo de la división animada de MGM. No obstante, el estudio comenzó a generar pérdidas financieras debido a la competición televisiva. Pero, en 1957, fue clausurada la división animada del estudio, y todos los empleados fueron despedidos.

William Hanna y Joseph Barbera
William Hanna y Joseph Barbera. Fuente: http://www.escuelapedia.com

Hanna y Barbera incursionan en la televisión

En 1957, William Hanna y Joseph Barbera vuelven a unirse en la producción de dibujos animados que se emitirían en televisión, así como en cortometrajes para cine. Luego crearon su propia empresa de animación, cuyo nombre fue escogido, tras arrojar una moneda al aire. Así fue que decidieron llamarla H-B Enterprises, que luego cambiaría a Hanna–Barbera Productions.

Hanna-Barbera

Hanna-Barbera Productions, Inc. fue un estudio de animación fundado en 1957 por los directores de dibujos animados, William Hanna y Joseph Barbera.

Debido a las limitaciones presupuestarias de la televisión, Hanna y Barbera desarrollaron una técnica de «animación limitada» que les permitió producir dibujos animados de manera mucho más económica. Su primer programa de televisión, The Ruff and Reddy Show (1957), fue seguido por Huckleberry Hound (1958), la primera serie animada que recibió un premio Emmy. En 1960, Los Picapiedras, una parodia de la Edad de Piedra, hizo su aparición; siendo un atractivo para niños y adultos. Fue la primera comedia de situación animada de media hora, y la frecuente exclamación de Pedro Picapiedra, «yabba dabba doo!», se convirtió en parte del vocabulario contemporáneo.

Los Picapiedras
Los Picapiedras. Fuente: as.com

Posteriormente, una comedia de situación de la era espacial, Los Supersónicos, debutó en 1962, y le siguieron series con numerosos otros personajes, incluidos Magilla Gorilla, Scooby-Doo, el Oso Yogui, Scooby-Doo, Los Pitufos, y los inigualables autos locos, en el que se incluyen personajes como los hermanos Macana, el Profesor Chiflado, Penélope Glamour Pierre Nodoyuna y Patán, entre otros. La compañía se convirtió en la productora líder de animación.

Hanna-Barbera
Hanna-Barbera. Fuente: vix.com

En 1996, Warner Brothers compró Hanna-Barbera, que finalmente cerró el estudio y comercializó sus propiedades bajo la marca Cartoon Network. Los 166 episodios de Los Picapiedras, así como cientos de cortos animados, continuaron transmitiéndose en todo el mundo.

El equipo de Hanna-Barbera había producido más de 3.000 programas de media hora para 150 series de dibujos animados de televisión, y ganaron siete Premios de la Academia y ocho Premios Emmy, incluido el Premio del Gobernador de la Academia de Artes y Ciencias de la Televisión (1988).

La muerte de William Hanna

El 22 de marzo de 2001, William Hanna murió de complicaciones asociadas al cáncer de garganta, a los 90 años de edad, en North Hollywood, Los Ángeles, California. Sus restos fueron enterrados el cementerio católico Ascension Cemetery, en Lake Forest, California.

Referencias

https://es.wikipedia.org/wiki/William_Hanna

https://es.wikipedia.org/wiki/Hanna-Barbera

https://www.historiahoy.com.ar/william-hanna-leyenda-la-animacion-n845

https://www.revistaintercole.com.ar/contenidos-pequenias-biografias/william-hanna-y-joseph-barbera-fabricantes-de-dibujitos-193/index.html

https://elpais.com/diario/2001/03/24/agenda/985388402_850215.html

https://www.britannica.com/biography/Hanna-and-Barbera#ref632863

Falleció Daniel Alvarado: Adiós al Negrito Fullero

Daniel Alvarado

En la mañana del miércoles 8 de julio, falleció Daniel Alvarado. El actor y cantante criollo sufrió lamentable accidente doméstico, tras una caída en las escaleras de su residencia.

La lamentable pérdida de un gran talento

El actor y cantante venezolano, Daniel Alvarado, falleció a tempranas horas de este miércoles 8 de julio a sus 70 años de edad. La información fue confirmada por distintos medios de comunicación en la que se detalla que el artista sufrió un accidente doméstico tras caer por las escaleras de su residencia, provocando una fuerte contusión en la cabeza lo que ocasionó su muerte inmediata. “Lamentablemente es cierto el rumor de la muerte accidental de Daniel Alvarado. Cayó en la escalera de su casa esta mañana y se golpeó la cabeza. Información confirmada por un familiar”.

Horas después de que se difundió la información, la familia Alvarado envió un comunicado oficial en el que se expresan las siguientes palabras de despedida: “Hasta el último momento se mantuvo activo y feliz en compañía de sus más cercanos afectos. Queremos agradecer a todo el pueblo venezolano por el amor profesado. Pedimos el máximo respeto e intimidad en estos momentos tan difíciles y agradecemos la consideración que siempre ha acompañado a nuestra familia”.

Daniel Alvarado
Daniel Alvarado. Fuente: ntn24.com

Daniel Alvarado tenia una brillante carrera artística

Dennys Daniel Alvarado Morillo, mejor conocido como Daniel Alvarado, nació en Maracaibo, estado Zulia, en Venezuela, el 12 de agosto de 1949. Tuvo una gran trayectoria artística como cantante y actor de televisión, cine y teatro venezolano, con más de 50 producciones.

Inició su carrera artística como cantante, integrando el grupo gaitero, Los Cardenales del Éxito, donde se destacó con su interpretación del tema «El negrito fullero».

A los 9 años de edad, Daniel actuó en su primera obra de teatro titulada, La Gallina de los huevos de Oro.

Estudió Arte Dramático en Maracaibo y luego se trasladó a Caracas para realizar una audición en la obra Venezuela erótica, de Pedro León Zapata. Después, obtuvo su primer papel en televisión actuando en la telenovela, La cruz de la montaña, y en 1984 protagoniza, junto a Amanda Gutiérrez la producción dramática titulada, La Dueña de José Ignacio Cabrujas, transmitida en el canal televisivo Venezolana de Televisión (VTV).

Daniel Alvarado participó en más de 90 telenovelas, entre ellas: La revancha, El perdón de los pecados, Guerra de mujeres, Mambo y Canela y Mi gorda bella, entre otras. Su última actuación fue en la telenovela La virgen de la calle, en 2014.

Daniel Alvarado
Daniel Alvarado. Fuente: lasopa.com

También actuó en las miniseries Doña Perfecta, transmitida en VTV (1985) y Adda (1990), producción de la planta televisiva Venevisión; así como el telefilm Silvia Rivas, Divorciada (2005) en Radio Caracas Televisión (RCTV).

El famoso actor zuliano también participó en 20 películas venezolanas, protagonizando en cintas como Macu: la mujer del policía y Desnudo con naranjas, y participando en producciones cinematográficas como De mujer a mujer, El secreto, Cangrejo II, Disparen a matar, Sangrador y Río negro.

Daniel Alvarado actuó en más de 50 producciones de cine, teatro y televisión

Daniel Alvarado actuó en más de 90 telenovelas y 30 obras de teatro. Su primera producción fue con la telenovela Resaca, junto al actor Jean Carlo Simancas, quien era el antagonista. Después trabajó en La dueña con Amanda Gutiérrez, con quien también trabajó en Pecado de amor (1995), Toda mujer (1999), Mi prima Ciela (2007) y Calle luna calle sol (2009).

El actor zuliano también trabajó en producciones dramáticas de RCTV, Venevisión, Televen y VTV, entre ellas La fiera, Mi gorda bella (2002), en la que actuó con su esposa, Emma Rabbe, y Cosita Rica (2003).

Daniel Alvarado y su esposa Emma Rabbe
Daniel Alvarado y su esposa Emma Rabbe. Fuente: lasopa.com

Su actuación más aclamada fue en “La dueña”, considerada una de las mejores producciones de la historia de televisión venezolana. En esta telenovela, Daniel Alvarado interpretó el capitán Mauricio Lofriego. El guión estuvo a cargo del dramaturgo José Ignacio Cabrujas y el escritor Julio César Mármol.

 

Además, se destacó en el cine con películas como Cangrejo II, De mujer a mujer, Macu, la mujer del policía y Disparen a matar, siendo la más conocidas y polémicas como “Macu, la mujer del policía” de la directora Solveig Hoogesteijn, la cual protagonizó.

Macu, la mujer del policía, retrata el drama de los asesinatos de una joven y sus amigos, a manos de un oficial de la policía llamado Ismael, interpretado por Daniel Alvarado. Se trata de una historia basada en eventos reales ocurrida en los barrios pobres venezolanos.

 

 

“De mujer a mujer” del director Mauricio Walerstein, es una producción cinematográfica del cine venezolano con fuerte contenido sexual. Se trata de una historia basada en eventos reales que involucra un crimen pasional ocurrido en Caracas en la década de 1980.

Daniel Alvarado formó parte del elenco en la película Cangrejo II (1984), de Román Chalbaud, junto con Miguel Ángel Landa y Eduardo Serrano, quienes tuvieron los papeles protagónicos. También formó parte del elenco de Disparen a matar (1990) de Carlos Azpúrua, nominada a los Premios Goya.

El actor zuliano protagonizó la cinta Desnudo con naranjas junto con Lourdes Valera, en 1995. El guion estuvo a cargo de César Miguel Rondón y la dirección de Luis Alberto Mata. Dicha producción, lo llevó a obtener el premio como Mejor Actor en Festival de Biarritz-Francia y en el Festival Internacional de Sochi, Rusia.

 

Daniel Alvarado fue el cantante de Cardenales del Éxito

Daniel Alvarado integró como cantante en la agrupación gaitera, Cardenales del Éxito, siendo el tema titulado, El negrito fullero, la interpretación más emblemática.

Con esta agrupación, Daniel Alvarado animó numerosas fiestas decembrinas, ya que la gaita es el género musical más tradicional para celebrar la Navidad en Venezuela.

 

Vida familiar

La vida privada de Daniel Alvarado fue conocida por sus tres matrimonios. Con su primera esposa tuvo dos hijos: José Daniel (fallecido en 2016) y Luis; luego se casó con la también actriz Carmen Julia Álvarez, con quien tuvo otros dos hijos, la actriz Daniela Alvarado y Carlos Daniel. Finalmente, contrajo matrimonio con Emma Rabbe, con quien tuvo otros tres hijos: Daniel Alejandro, Diego José y Calvin Daniel.

Daniel Alvarado
Daniel Alvarado con su familia. Fuente: oceandrive.com.ve

Falleció Daniel Alvarado

El cantante y actor venezolano Daniel Alvarado falleció el miércoles 8 de julio de 2020, a los 70 años de edad, tras sufrir un accidente doméstico.

Según informaron los medios, el actor cayó por las escaleras de su residencia en Caracas, recibiendo un fuerte golpe en la cabeza, sufriendo una traumatismo craneoencefálico, lo que le ocasionó la muerte.

Referencias

https://oceandrive.com.ve/celebridades/el-cielo-destella-al-recibir-a-una-estrella-daniel-alvarado-se-despide-del-plano-terrenal/

https://www.sandiegouniontribune.com/en-espanol/noticias/story/2020-07-08/fallece-actor-daniel-alvarado-tras-sufrir-caida-en-su-casa

https://cnnespanol.cnn.com/2020/07/08/muere-el-artista-venezolano-daniel-alvarado-segun-su-hija/

https://www.telesurtv.net/news/fallece-actor-venezolano-daniel-alvarado–20200708-0038.html

https://www.elnacional.com/entretenimiento/la-alegria-de-daniel-alvarado-se-apago-de-pronto/

https://efectococuyo.com/la-humanidad/muere-el-actor-y-cantante-daniel-alvarado/

Trasnocho Cultural apuesta por la experiencia del arte en la Web

Trasnocho Cultural

Desde hace dos meses las taquillas, salas de cine y teatro, galería, restaurante y café del Trasnocho Cultural han permanecido cerradas, debido al confinamiento por el coronavirus. Sin embargo, desde el pasado 15 de mayo, el Trasnocho Cultural ha sido el epicentro de la cultura caraqueña; transformando sus espectáculos en una alternativa online que ofrece la transmisión de obras teatrales y cine foros para que los usuarios puedan disfrutar desde la comodidad de su hogar.

El Centro Cultural, a través de su nueva página web, ofrece al público ver obras teatrales, cine foros, ventas de artesanía, libros, recetas de cocina, y mucho más, a través de su nueva página web. Asimismo, la plataforma está disponible para todos los interesados, con diferentes opciones de entretenimiento y varias modalidades de pago para disfrutar de cada contenido.

El Trasnocho Cultural desde nuestros hogares

Trasnocho Cultural
Trasnocho Cultural. Fuente: oceandrive.com.ve

Solveig Hoogesteijn, la directora del Trasnocho Cultural asegura que la intención de esta propuesta es darle al público un respiro y un acercamiento en sus espacios:

En este extraño momento en el que estamos viviendo, lleno de miedos, de amenazas contra nuestra integridad, en un país claramente hostil y ante una situación que sale fuera de nuestras manos, queremos decirle que usted sigue siendo para nosotros el protagonista”, explica la directora.

La directora del Centro Cultural Trasnocho, respecto a los esfuerzos de los trabajadores que se han sumado a esta propuesta añade lo siguiente: “Nos hemos mantenido atentos, buscando esa cercanía, creando nuevas maneras de encontrarnos, de darle sosiego ante esta situación inenarrable, reuniéndonos y planificando nuevas maneras para que Usted no pierda ese lugar de encuentro con la cultura, con lo enriquecedor de las artes, con el valor de estar ante un espectáculo que hoy genera comentarios virtuales, pero aplausos reales”.

Espectáculos virtuales con aplausos reales

La Señora Ímber
La Señora Ímber, obra teatral protagonizada por la actríz Julie Restifo y dirigida por Javier Vidal. Fuente: www.trasnochocultural.com

Desde el pasado viernes 15 de mayo, la página web del Trasnocho Cultural se ha transformado en un gran teatro virtual. “La digitalización permitirá que en Trasnocho Cultural, sigamos ofreciéndole momentos increíbles, llenos de sueños, que le inspirarán a abrir su mente, a olvidarse por un instante de este momento cruel e histórico y seguir, como siempre, siendo protagonistas”, comenta la directora.

La cartelera teatral fue activada desde la virtualidad con las presentaciones de las piezas que se han convertido en un clásico del teatro venezolano como “Sangre en el Diván” y “Los Hombros de América”, del Grupo Actoral 80 (GA80); así como “La señora Ímber”, de Samuel Hurtado, dirigido por Javier Vidal con el conjunto teatral Jota Creativa.

Cada montaje ha sido grabado para ser adaptados en un formato digital cómodo para que el público pueda disfrutarlos online. Su distribución contribuye con todos los artistas, autores, directores, productores y técnicos que han trabajado fuertemente para que éstos espectáculos sean posibles para mantener viva la cultura.

El Séptimo Arte presente en esta experiencia

Teatro Trasnocho
Teatro Trasnocho. Fuente: www.eluniversal.com

El cine también está presente en la propuesta del Trasnocho Cultural. Para los que se sienten más atraídos por el cine, podrán ser parte de cine foros. La programación cinematográfica también tendrá protagonismo en éste proceso de digitalización.

En el encuentro, denominado Cineforo Arquetipal, celebrado El 16 de mayo del presente año fue presentada la primera entrega con la producción cinematográfica titulada, “Melancolía”, de 2011 escrita y dirigida por Lars von Trier, con la participación del reconocido médico psiquiatra Dr. Luis Galdona.

Seguidamente, se han exhibido los diferentes ciclos semanales clásicos de la programación: Los martes son para la Ópera Digital; los miércoles para los Clásicos Trasnocho; jueves de Retrospectivas y los viernes, para la programación de Especiales Trasnocho.

La Sala TAC se transforma en una tienda virtual

La Sala TAC (Trasnocho Arte Contacto) se transforma en una tienda virtual para ofrecer profiteroles, productos artesanos nacionales y un catálogo de distintas exposiciones que se han realizado en el espacio.

Por su parte, la librería El Buscón tiene disponible sus libros para la venta, los cuales pueden ser entregados mediante un servicio de Delivery.

Trasnocho Cultural, un complejo cultural

Trasnocho Cultural
Fuente: oceandrive.com.ve

Trasnocho Cultural, también denominado Teatro Trasnocho​ es un complejo cultural, cuyo espacio está destinado a realizar eventos para fines académicos. Se trata de un centro cultural que cuenta con salas de teatro, cine y galería de arte inaugurado en Caracas (Venezuela), el 4 de octubre de 2001. Allí se presentan una variedad de eventos que incluyen numerosas obras de teatro y proyecciones de películas e incluye además, librerías, exposiciones y locales comerciales.

Con 27 años de construcción y una extensión de 5.000 metros cuadrados, el Trasnocho Cultural se convierte en el centro cultural y de entretenimiento de mayor éxito de público en Caracas.

La Fundación Trasnocho Cultural es una Asociación Civil sin fines de lucro que mantiene su operación exclusivamente con los ingresos del público a través de la presentación de numerosos eventos culturales. Asimismo, opera un equipo reducido de profesionales de alta experticia en sus respectivas áreas y de estricta orientación de servicio al público, siendo un centro auto-sustentable que brinda a los visitantes un espacio agradable, seguro, de múltiple oferta de arte y cultura.

Es el único espacio de cultura en Caracas que reúne al arte, la cultura y la gastronomía en un mismo lugar. Consta de 4 Salas de Cine, 2 teatros, una Galería de Artes Visuales TAC con Tienda de Arte y Artesanía, una librería, 2 restaurantes de comida nacional e internacional de fusión, una tienda de música, un espacio para talleres, conferencias y seminarios y un estacionamiento al mismo nivel con Espacio Expositivo para temas de interés de la comunidad.

Este centro cultural coadyuva al proceso de desarrollo, integración, fomento de valores e identificación con la sociedad.

Aquellos que deseen disfrutar de las distintas opciones que  ofrece el Centro Cultural, pueden ingresar a la página Web www.trasnochocultural.com. Para mayor información, podrá acceder a través de las redes sociales Twitter e Instagram @trasnochocult, y colocando la etiqueta #TrasnochoWeb. Facebook y el Canal de YouTube: Trasnocho Cultural.

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-breaking-news/el-show-debe-continuar-el-trasnocho-cultural-abre-la-ventana-del-arte-desde-la-web/

https://www.eluniversal.com/entretenimiento/70415/la-experiencia-trasnocho-regresa-pero-desde-la-virtualidad

http://www.grancine.net/noticias-detalle.php?id=8897

https://es.wikipedia.org/wiki/Trasnocho_Cultural

Patricia Velásquez, el orgullo de la tribu Wayuu

Patricia Velásquez

Patricia Velásquez es una modelo y actriz venezolana. Es muy conocida por interpretar el personaje de Anck-Su-Namun en la película La momia en 1999 y su secuela, El Regreso de la Momia en 2001.

Reseña biográfica

Patricia Carola Velásquez Semprún  nació en Maracaibo (Venezuela) el 31 de enero de 1971. Es hija de Lidella Semprún, de origen wayúu y Aquiles Velásquez, de raza mestiza, siendo ella la quinta de seis hermanos.

En 1989 participó en el concurso de belleza Miss Venezuela, en representación de la Península Guajira.

Patricia desfiló en las pasarelas de Milán, París y Nueva York, siendo esta última la ciudad donde se residenció y ejerció su carrera como modelo profesional, que la llevó a trabajar con las grandes casas de moda como Lagerfeld, Chanel y Dior, entre otras.

En 2002, creó la fundación sin fines de lucro Wayúu Tayá dedicada a mejorara las condiciones de vida de la comunidad indígena Wayúu.

El 20 de mayo de 2009, el comité de Women Together y el Consejo Económico y Social de la Organización de las Naciones Unidas (ONU), le otorgaron un merecido reconocimiento por su labor humanitaria a través de su Fundación Wayuu Taya, que beneficia a los indígenas venezolanos conservando su cultura y tradiciones.

Su carrera artística

En 1992, apareció en el vídeo musical Breaking the Girl de la banda de rock californiana Red Hot Chili Peppers.

Patricia Velásquez interpretó el personaje de Anck-Su-Namun en la película La momia, en 1999; en su segunda parte La Momia Regresa en (2001); así como, en el film titulado ¡Fidel! en 2002, interpretando a la primera esposa de Fidel Castro y en el primer episodio de la 4.ª temporada de CSI: Miami (2002-2006), y en la última temporada de Ugly Betty en 2010.

Velásquez también protagonizó la película venezolana Liz en septiembre, en la que encarnó a una lesbiana con cáncer.

Fundación Wayuu Taya

La Fundación Wayuu Taya es una fundación sin fines de lucro, creada por la actriz venezolana Patricia Velásquez en 2002, dedicada a ayudar a las comunidades indígenas en Latinoamérica, especialmente a la tribu wayuu, de donde provienen sus raíces.

Esta institución benéfica busca mejorar la calidad de vida de las comunidades indígenas conservando sus culturas y tradiciones en el mundo actual.

Patricia Velásquez, a través de su Fundación Wayúu Tayá, dedicada a ayudar a la comunidad indígena, situada en la Guajira venezolana en el estado Zulia.

Fundación Wayuu Taya
Fuente: noti-rse.com

Historia, programas y proyectos de salud y aprendizaje

En 2005, la Fundación Wayúu Tayá pone en marcha el «Proyecto Techo», con la finalidad de ofrecer educación, comida y atención sanitaria a 175 niños, y creando un centro de trabajo y aprendizaje para más de 100 mujeres en la Guajira venezolana que aún se mantiene activa.

La organización Wayúu Tayá cuenta con unos 42 voluntarios que trabajan en la Guajira venezolana y que planean expandirse hasta otras zonas indígenas del país para atender las necesidades de las comunidades indígenas.

El Programa los Lechosos provee educación formal a más de 310 niños de recursos limitados en edades de entre 4 y 12 años. “Tepichi Talashi”, que significa “hogar feliz” en lengua wayúu, es el nombre del primer preescolar y escuela primaria de la Fundación Wayúu Taya.

“Tecnología para la Educación del Wayúu (TEW)” es un proyecto educativo diseñado por la Fundación Wayúu Tayá para ayudar, mediante el uso de la tecnología computarizada, a la formación de los niños wayúu; así como estimular sus capacidades de auto-aprendizaje, a través de aplicaciones multimedia desarrolladas con elementos propios de su entorno socio-cultural.

“Shukumajaya”, que significa inicio en este dialecto indígena,  es un gran bohío o churuata donde grupo de mujeres indígenas que se reúnen y realizan diversas actividades como la prevención de enfermedades y la educación.

En 2011 la Fundación  realizó la Jornada Integral de Salud 2011, en la cual estuvo presente Velásquez. Ese mismo año, Velázquez inauguró la escuela “El Mogú”, ubicada en el municipio Mara, del estado Zulia con una matrícula de 25 alumnos, cuyas instalaciones cuentan con las mejores condiciones para el aprendizaje.

La Fundación Wayuu Taya también firmó un acuerdo con la Universidad del Zulia para diseñar e implementar programas de desarrollo social y cultural de las comunidades wayú.

Actualmente, la Fundación Wayuu Taya dispone de tres escuelas en la región de La Guajira y mantiene un centro comunitario wayú y en diciembre de 2011 lanzó un diccionario de computación en idioma wayú, desarrollado conjuntamente con la empresa Microsoft.

Patricia Velasquez y los voluntarios de la Fundación Wayuu Taya. Fuente: www.amnistia.org

La Fundación Wayúu Taya ayuda a preservar la cultura en las comunidades indígenas

La Fundación Wayúu Taya es una organización no gubernamental sin fines de lucro, creada por Patricia Velásquez, con el objetivo de ayudar a mejorar las condiciones de vida de la tribu Wayuu y las comunidades indígenas; así como preservar sus tradiciones, culturas y creencias contando con el apoyo de organizaciones aliadas.

El enfoque de la fundación, aun cuando está orientado al ámbito educativo, también ha asistido a las poblaciones indígenas impactadas por las emergencias humanitarias complejas, sin abandonar su ámbito de acción, impulsando su programa de salud y nutrición monitoreando los casos en estado crítico de desnutrición.

El equipo de voluntarios de la Fundación Wayuu Taya trabaja, específicamente, en la Guajira venezolana, bajo la dirección de Patricia Velázquez.

La Fundación Wayúu Taya ha podido ampliar sus esfuerzos por Latinoamérica en los últimos 10 años y ha ayudado a cientos de miles de familias indígenas que han enfrentado una fuerte crisis económica y la emergencia humanitaria, impidiéndoles desarrollar su cultura.

Los programas de la organización buscan mejorar las condiciones de vida de las comunidades indígenas, preservando su tradición cultural.

En alianza con otras organizaciones, la Fundación Wayúu Taya ha creado centros comunitarios que integran servicios de salud, medicina, nutrición y educación preescolar y primaria para las nuevas generaciones indígenas. Asimismo, habilitaron espacios adecuados para que las mujeres indígenas puedan trabajar y que les permiten preservar sus tradiciones y costumbres.

Para la organización es vital proporcionar educación complementaria a los niños que permita apoyar el desarrollo integral de las nuevas generaciones que favorezca la preservación de las tradiciones culturales.

Los esfuerzos filantrópicos de la Fundación Wayuu Taya

Los Wayúu son una tribu indígena que habitan en una península que se extiende a lo largo de la frontera entre Venezuela y Colombia, en la costa del Mar Caribe. Como nativos americanos, los Wayúu han experimentado graves desventajas económicas y sociales.

La Fundación Wayúu Taya, una fundación dedicada a la educación y el bienestar de los Wayúu, creada por la actriz venezolana, dedica sus esfuerzos para otorgar las mejores condiciones de vida a su tribu materna.

Patricia Velásquez
Patricia Velásquez. Fuente: www.mirales.es/

Patricia Velásquez es de sangre indígena

Patricia Velásquez es nativa de la Guajira venezolana y se declara «marabina de corazón». Su madre, Lidella Semprún, proviene de la tribu indígena colombo-venezolana Wayúu y su padre, Aquiles Velázquez, es mestizo. Ambos eran educadores, y tuvieron seis hijos, siendo Patricia la quinta hija.

Patricia Velásquez, una mujer de máxima sensibilidad humana

Más allá de tener una carrera que abarca desde el glamur, modelaje y películas a los esfuerzos filantrópicos, Patricia Velásquez nunca olvida sus raíces.

En el año 2002, Patria Velásquez creó la Fundación Wayúu Tayá, dedicada a ayudar a las comunidades indígenas de la Guajira venezolana en el estado Zulia.

Patricia recibió un reconocimiento por parte del comité de Women Together y el Consejo Económico y Social de la Organización de las Naciones Unidas (ONU), por su labor humanitaria a través de Fundación Wayúu Tayá, que beneficia a los indígenas venezolanos conservando su cultura y tradiciones.
A través de esta institución, la modelo guajira ayuda a cerca de 500.000 miembros de su etnia asentados en el estado de Zulia.

Patricia Velasquez, su orgullo, su pasión y su labor humanitaria

Patricia confirmó su homosexualidad a los 44 años, tras la publicación de su libro autobiográfico ­»Sin tacones, ni reservas»­ donde se ha atrevido a confesar su odisea: su caída en el mundo de las drogas, su miedo a aceptar su verdadera orientación sexual, recurriendo a relaciones infructuosas con mujeres y hombres y su apasionada relación con Sandra Bernhard, cantante y cómica feminista.

Hoy en día, la actriz, junto a su pareja, la también actriz y escritora Ileanna Simancas, ofrecen su imagen en la lucha por los derechos LGTB.

Patricia  Velásquez, hija de madre indígena y padre mestizo, ambos educadores  ha priorizado ante todo su labor humanitaria, dirigida principalmente a asistir y ayudar al grupo indígena wayúu, mediante la creación de la Fundación Wayúu Tayá, en 2002.

Velásquez modeló en las pasarelas más importantes, Milán, Paris y Nueva York, de la mano de firmas como Lagerfeld, Chanel y Dior, y comenzó su carrera como actriz protagonizando un videoclip de Red Hot Chili Peppers, así como  en películas como La Momia (2001), La Momia Regresa (2001) y Fidel (2002) y las series CSIUgly Betty y L Word

También ha incursionado en el mundo empresarial con una línea de productos cosméticos 100% naturales; Taya Beauty (vendida a través del Canal Home Shopping Network para Europa). ­»Taya» significa «­Yo soy­» en lengua wayúu.

Referencias

https://es.wikipedia.org/wiki/Patricia_Vel%C3%A1squez

https://es.wikipedia.org/wiki/Fundaci%C3%B3n_Wayuu_Taya

http://www.mujerlatinausa.com/patricia-velasquez/

http://www.wayuutaya.org/es/events/responsabilidad-social-entrevista-con-patricia-velasquez-fundadora-wayuu-taya/

https://todosobrederechoshumanos.blogspot.com/2020/02/patricia-velasquez-una-gran-venezolana.html

http://www.mirales.es/todo-sobre-patricia-velasquez-su-orgullo-sus-mujeres-y-su-labor-humanitaria

https://orientador.wordpress.com/2012/01/08/patricia-velasquez-orgullo-de-ser-wayuu/

http://www.wayuutaya.org/es/patricia-velasquez-bio/

https://www.amnistia.org/en/blog/2018/08/7518/fundacion-wayuu-taya-ayuda-a-preservar-la-cultura-de-los-pueblos-indigenas

 

 

Parasite cambió la historia de los Premios Oscar

Parasite

La noche del pasado domingo 10 de febrero, fue en la que se llevó a cabo la edición número 92 de los Premios Oscar, el máximo galardón de la industria cinematográfica. Y es que ha dejado como el mayor ganador a una película extranjera. Estamos hablando de Parasite, una película surcoreana de drama, suspenso y humor negro dirigida por Boon Jonn-Ho.

La ceremonia se llevó a cabo en el Dolby Theatre, de la ciudad de Los Ángeles, en donde el film Parasite, de Boon Jonn-Ho, hizo historia tras obtener los galardones más codiciados de la noche: mejor guion original, mejor director, mejor película internacional y mejor película.

Parasite es la primera película extranjera en alzarse con esta estatuilla, siendo el cineasta surcoreano un verdadero hito en la historia de los Oscar.

Parasite
“Parasite”y Bong Joon Ho hacen historia en los Oscar. Fuente: www.bbc.com

Parasaite retrata a Corea del Sur como un país desigual

Parasite ganó el Oscar a mejor película, siendo la primera producción de habla no inglesa en obtener dicho galardón. El film es un retrato con humor negro de las relaciones entre pobres y ricos en Corea del Sur.

La película es una crítica a las agudas diferencias de clase en una sociedad capitalista y desigual. En ella se narra la historia de la familia Kim, una familia que vive en un humilde semisótano. Estos se las ingenian para poner en marcha un complot para sacarle dinero a los Park, una familia privilegiada que reside en Seúl, la capital de Corea del Sur.

En la realidad, conseguir trabajo en Corea del Sur  no es difícil ni requiere mucho tiempo, a pesar de tener una tasa de desempleo de un 3,6%.

De los países de la Organización para la Cooperación y el Desarrollo Económicos (OCDE), Corea del Sur es el país con la menor tasa de desempleo de larga duración en alcanzar el 1,4%. Su estilo de vida saludable lo llevan a entrar en la lista de 10 países con mayor esperanza de vida.

Bong Joon-ho, el director vetado en Corea del Sur que conquistó Hollywood

Desde comienzos de los 2000, Boon Jonn-Ho empezó a proyectarse internacionalmente, ganando críticas favorables y acumulando premios en festivales fuera de su país.

Parasite es el séptimo largometraje que ha dirigido y que lo llevó a ganar cuatro estatuillas en la 92va edición de los Premios Oscar.

Boon Jonn-Ho alterna o combina roles de productor, director y guionista. Es conocido por abarcar temas políticos, humor negro y largas secuencias que combina géneros de ciencia ficción, destrucción apocalíptica, crítica social y comedia. Sus películas tienden a abordar la polarización de la sociedad, ya sea por clase, casta o jerarquía.

Debido a sus opiniones políticas, estuvo incluido en la lista secreta de artistas vetados por el anterior gobierno conservador de Corea del Sur, presidido por Park Geun-hye. La mandataria, tras ser expuesta por formar parte de una red de corrupción en el seno del Ejecutivo, Park fue condenada a 24 años de cárcel.

Boon Jonn-Ho, entre la sociología y el cine

Boon Jonn-Ho nació en la ciudad surcoreana de Daegu en 1969. Estudió sociología en la Universidad de Yonsei. Allí, Boon formó un club de cine con otros estudiantes llamado la Puerta Amarilla e hizo sus primeros ensayos fílmicos.

En los años 90, culminó un programa en la Academia de Artes de Cine de Corea. En dicho proyecto, produjo varios cortos en colaboración con sus compañeros de estudio.

Bong Joon-ho  lanzó su primer largometraje en 2000, «Perros que ladran nunca muerden». Su segunda cinta titulada «Memorias de un asesino», concursó en el festival de cine de San Sebastián y obtuvo tres galardones incluyendo el de mejor director.

Su primer gran éxito de taquilla fue con la película de ciencia ficción The Host («El huésped»). La película fue acogida en el Festival de Cannes de 2006. Dicha producción estableció un récord de taquilla en Corea del Sur y en el resto del mundo. La empresa cinematográfica estadounidense Universal Studios compró los derechos para realizar una versión en inglés.

Boon llegó a integrar el jurado del Festival de Cine Independiente de Sundance, la sección Caméra d’Or del Festival de Cannes y en Festival Internacional de Cine de Edimburgo.

En 2013, Bong dirigió su primera película en inglés, Snowpiercer, y en 2017, lanzó una coproducción fantástica con el nombre titular de «Okja». Esta última, fue degran éxito a pesar de la polémica que generó en el Festival de Cannes, tras ser producida por Netflix.

Finalmente, «Parasite» es la película que hizo historia en Hollywood, siendo la primera cinta de habla no inglesa ganadora del Oscar en las categorías: mejor película, mejor director, mejor guion original y mejor filme internacional.

Boon Jung-Ho
Boon Jung-Ho produjo varios cortos en 16 mm y colaboraciones con sus compañeros de estudios. Fuente: https://www.bbc.com/

Pirasite, ganadora de los Premios Oscar

Corea es una nación que se encuentra entre las15 economías más grandes del mundo, donde la esperanza de vida está entre las más altas del planeta y casi la mitad de la población tiene educación superior. Sin embargo, en la película, la familia Kim tiene problemas para encontrar empleo y se buscan ganarse la vida con trabajos como doblar cajas de pizzas en su semisótano infestado de insectos.

Cuando Ki-woo, el hijo mayor de la familia es contratado para trabajar con los Park, los Kim ponen en marcha un complot para conseguir que todos acaben trabajando para aquella familia adinerada.

Lo mejor de los Premios Oscar

Los espectadores y asistentes a la gala pudieron deleitarse con diferentes presentaciones musicales. Entre ellas, se apreció la increíble reunión de las principales cantantes que hacen la voz de Elsa en Frozen 2 interpretaron “Into The Unkown”, un grupo de mujeres liderado por Indina Menzel.

Uno de los momentos más emotivos de la velada fue la sección en la que se conmemora a las vidas perdidas del último año. El toque musical estuvo a cargo de la cantante juvenil Billie Eilish quien, junto a su hermano Finneas O’Conell, interpretaron el tema “Yestarday” de The Beatles, mientras en la pantalla aparecían algunas de las personalidades que dejaron este mundo terrenal, entre ellos Kobe Bryant.

La sorpresiva aparición de Eminemm quien interpretó “Lose Yourself”, causó furor entre los asistentes.

Por otra parte, en los últimos días las redes sociales y los medios se habían visto revolucionados por la falta de nominaciones a féminas en esta edición, por lo que Brie Larson, Sigourney Wevaer y Gal Gadot levantaron la voz exclamando que las mujeres merecen mucho más en la industria.

Finalmente, la ceremonia cerró con broche de oro tras entregar el premio a mejor película a la cinta surcoreana Parasite, del director Boon Joon-Ho.

Lista de ganadores de los Premios Oscar

Mejor Actriz: Renée Zellweger, Judy

Mejor Actor: Joaquin Phoenix, Joker

Mejor actriz de reparto: Laura Dern, Marriage Story

Mejor actor de reparto: Brad Pitt, Once Upon a time in Hollwyood

Mejor película extranjera: Parasite

Mejor película de animación: Toy Story 4

Mejor Guion original: Parasite

Mejor Guion adaptado: Jojo Rabbit

Mejor Fotografía: ‘1917’

Mejor diseño de vestuario: Little Women

Mejor Documental: American Factory

Mejor Corto Documental: Learning to skateboard in a warzone

Mejor Maquillaje y peluquería: Bombshell

Mejor Banda sonora original: Joker

Mejor Canción Original: Rocketman, Elton John

Mejor Diseño de producción: Once Upon a time in Hollywood

Mejor cortometraje de animación: Hair Love

Mejor Cortometraje: The Neighbor’s Window

Mejor Mezcla de sonido: ‘1917’

Mejor Edición de sonido: Ford V Ferrari

Mejor edición: Ford v Ferrari

Mejores efectos viasuales: ‘1917’

Referencias

https://oceandrive.com.ve/entretenimiento/una-ola-de-emociones-y-sorpresas-parasite-marco-un-hito-en-la-historia-de-los-oscar/

https://www.bbc.com/mundo/noticias-51445921

Sharon Choi, la traductora del director de ‘Parasite’, Bong Joon Ho, es la gran ganadora de esta temporada de premios

https://www.panorama.com.ve/espectaculos/Barreras-de-Hollywood-caen-con-el-Oscar-de-Parasite-20200211-0081.html

“Parasite”y Bong Joon Ho hacen historia en los Oscar

 

‘Mujercitas’, una historia con perspectiva feminista

Mujercitas

‘Mujercitas’ es un libro extraordinario publicado en 1868, el cual revolucionó el mundo de la literatura feminista. Louisa May Alcott, se arriesgó a contar parte de su historia, a través de cuatro niñas que viven en medio del paso de la niñez hacia la madurez y las consecuencias de la Guerra Civil de Estados Unidos.

A pesar de la existencia de diversas versiones de la obra de Louise May Alcott, la actriz estadounidense Greta Gerwig llevó este clásico de la literatura universal a la gran pantalla. Mujercitas narra la vida familiar de cuatro jóvenes hermanas: Meg, Jo, Amy y Beth March que enfrentan el paso de la madurez, mientras se desarrolla la Guerra de Secesión en Estados Unidos.

¿De qué se trata la novela?

Es una novela semi autobiográfica de la infancia de Louisa May Alcott, quien creció en Massachusetts con sus 3 hermanas, en condiciones muy similares a sus personajes. La historia narra la vida de cuatro hermanas que buscan su camino a la adultez de la mejor forma posible. Alcott explora de manera sublime todas las preocupaciones que pueden pasar por la mente de una mujer en crecimiento.

Mujercitas
Mujercitas, la novela escrita por Louisa May Alcott en 1868. Fuente: oceandrive.com.ve

La importancia de la obra

La igualdad de derechos fue muy difícil en aquellos tiempos para las mujeres, debido a que las limitaciones de la época eran inimaginables. Más que una novela para jóvenes, es una crítica social que habla sobre las injusticias de la época.

Mujercitas
Mujercitas está basada en la vida íntima de la escritora, quien se ve a sí misma como Jo, una hermana que queire ser escritora. Fuente: oceandrive.com.ve

Mujercitas en la conquista del séptimo arte

Las adaptaciones cinematográficas han sido todo un éxito. La historia de las 4 hermanas llegó a la gran pantalla desde 1917 con la primera versión de Alexander Butler. Mujercitas  ya ha sido realizada en 7 versiones diferentes, siendo la última, de Greta Gerwig una de las más comentadas debido a sus 6 nominaciones al Óscar. Con esta adaptación Gerwig nos regala una de las mejores películas del 2019 y varias lecciones valiosas sobre la sororidad, la amistad, la familia y el amor. Es una historia que enseña sobre el amor, el trabajo y la vocación, al mismo tiempo repasa importantes tópicos sociales. La narrativa no tiene fecha de vencimiento y es sin duda, mucho más que un libro.

Los Flashbacks, el recurso más acertado del filme

Greta Gerwig optó por el recurso de los flasbacks para sustituir un tiempo lineal. Una decisión acertada que dota ciertas escenas de mayor emotividad al realizar ese contraste entre los recuerdos y el presente de las hermanas March. Las conexiones entre la realidad y la ficción, no solo son un elemento fascinante de ‘Mujercitas’, sino también su estructura narrativa,  siempre rica en emociones complejas.

Con una paleta de colores fríos y cálidos para diferenciar el pasado del presente, permiten al espectador adentrarse en la trama sin ningún inconveniente, en favor de un ambicioso ensayo sobre la relación entre los cimientos del pasado, las decisiones del presente y las consecuencias del futuro.

Mujercitas
Mujercitas. Fuente: www.enfemenino.com

Mujercitas cuenta con el mejor reparto

Hace 25 años se estrenó la película dirigida por Gillian Armstrong, ‘Mujercitas’ y protagonizadas por Winona Ryder, Christian Bale, Susan Sarandon, Kristen Dunst y Claire Danes. Desde entonces, esa fue la última versión más reconocida de la historia, desde que en 1933 se estrenara la protagonizada por Katherine Hepburn y dirigida por George Cukor.

En esta última versión, en la selección para las hermanas March, figuraron grandes estrellas jóvenes como Saroirse Ronan, Florence Pugh, Emma Watson, Eliza Scanlen, Timothée Chalamet junto a actrices icónicas como Meryl Streep y Laura Dern.

Mujercitas, un mensaje feminista sobre la madurez

El guion de la película nos deja apreciar el trasfondo feminista, cuyo mensaje refleja el dilema que representaba ser mujer en el siglo XIX.

Esto se puede apreciar en Jo (Saroirse Ronan), quien representa a la mujer incomprendida de su tiempo que desea vivir y desempeñarse como una escritora. Por otro lado, tenemos a Amy (Florence Pugh), quien se debate entre un matrimonio sin amor con un hombre de buena posición y su ambición de ser la mejor artista de su tiempo en una sociedad dirigida por hombres. También está Beth (Eliza Scanlen), una joven dulce y muy familiar que, a pesar de su personalidad tranquila; logra hacerse sentir en varios momentos conmovedores de la trama. Finalmente, está Meg (Emma Watson), que nos recuerda que la verdadera libertad de la mujer radica en poder elegir su propio destino.

El filme combina una exquisita paleta de colores y una perfecta dirección de arte que nos sumerge en pleno siglo XIX y al mismo tiempo ilustrarnos un discurso feminista actual. Estos saltos temporales, a los que acompaña el constante cambio de colores y texturas en la imagen (tonalidades frías para los momentos más aciagos y cálidas para los más felices), moldean una versión de la historia mucho más autoconsciente, cuyo objetivo es poner en relación el antes con el ahora para entender que somos lo que hemos vivido. Con Mujercitas, Greta Gerwig se consagra como una de los mejores directores de cine de nuestro tiempo.

Mujercitas
Mujercitas. Fuente: www.enfemenino.com

Mujercitas, una adaptación inesperada

En 1994, Susan Sarandon dió vida a la señora March, Winona Ryder a la díscola Jo y Christian Bale al querido Laurie en la última versión cinematográfica del clásico de la literatura ‘Mujercitas’, escrito por Louisa May Alcott. Pero en los últimos tiempos, la historia ambientada en la guerra de Secesión ha vuelto a reclamar la atención de los productores de cine, tras cumplir 150 años de la publicación de la obra en 2018.

Primero fue la miniserie producida por la BBC en la que Maya Hawke interpretaba a Jo. Después, una nueva versión con Lea Thompson como madre de la familia. Pero la versión de ‘Mujercitas’ que dirige Greta Gerwig, es la más esperada de todas y una de las películas con mayor expectativa.

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/es-mucho-mas-que-una-pelicula-la-revolucion-feminista-detras-de-mujercitas/

https://www.enfemenino.com/cultura/mujercitas-historia-sobre-madurez-perspectiva-feminista-s4009353.html

https://www.fotogramas.es/noticias-cine/a25598783/mujercitas-greta-gerwig-pelicula-fecha-estreno-trailer-reparto-fotos-sinopsis-nueva-version/

https://www.fotogramas.es/noticias-cine/a30271090/mujercitas-mejor-pelicula-2019/

 

Pre-Fall 2020, la nueva colección 2020 de Nicolas Ghesquière para Louis Vuitton

Pre-Fall 2020

Nicholas Ghesquière, el director artístico encargado de ropa femenina de Louis Vuitton, lanzó una campaña para presentar su nueva colección Pre-Fall 2020. La misma se exhibe con portadas de libros clásicos de terror, romance y ciencia ficción.

El diseñador se ha inspirado en el cine de ciencia ficción y de terror.

El diseñador es amante de la ciencia ficción  y admite abiertamente que los 80’s fueron su época fashionista. Es por ello que, conjuntamente con la fotógrafa neoyorquina, Collier Schorr, reconocida por sus retratos surrealistas, hicieron la dupla perfecta que le dio vida a la sesión de fotos al mejor estilo de BlockBuster.

Ghesquière, antes de publicar la colección, mostró en su Instagram un avance, siendo él parte del elenco de League of Legends. Cada una de las musas de los cuentos ficticios, forman parte de su propia historia y algunas, incluso trabajaron en conjunto con el diseñador para crear un mundo todavía más loco y personalizado.

Pre-Fall 2020
Pre-Fall 2020. Fuente: oceandrive.com.ve

Pre-Fall 2020 de Louis Vuitton

A principios de esta semana, Nicolas Ghesquière publicó un retrato de sí mismo y del jugador de League of Legends Senna en su cuenta de Instagram. Ha hecho a medida una «piel de prestigio» de Louis Vuitton en el juego para ella, así como una colección cápsula del mencionado videojuego para la marca. La realidad virtual es la próxima frontera de la moda, y Ghesquière concuerda no solo con su obsesión de ciencia ficción, sino también con la narrativa de viajes en el tiempo que ha convertido en una parte central de su narrativa de la marca. El futuro ya está aquí.

Ghesquière, antes del otoño incluyó en una serie de «colaboraciones» a sus musas: Jennifer Connelly, Sophie Turner, Léa Seydoux. Estas estrellas son estrellas de novelas de terror y ciencia ficción imaginadas. E ha encargado portadas de libros y posters, creando looks de Louis Vuitton para que los artistas los usen. El fotógrafo Collier Schorr tomó las imágenes y un equipo de cuatro artistas internacionales creó las ilustraciones que lo acompañan, con resultados que parecen intencionalmente, y bastante satisfactorios, retro y de baja fidelidad. Ghesquière dice que los conceptos de libros y películas llegaron primero y la ropa en segundo lugar.

“William Peter Blatty, quien escribió El exorcista, nos dio los derechos para imprimir la portada del libro. Comenzó allí ”, explicó. «Es un gran símbolo para mí usar una ficción e incorporarla a un atuendo. Pensé, ¿qué es lo contrario? Usar la ficción como ilustración de la moda. Es una especie de efecto espejo en esta acción de representarlos a todos en estos personajes diferentes «. La estrella del pop sueco Robyn, por ejemplo, le contó a Ghesquière sobre un sueño suyo en el que conoce a un tigre que habla. Voila: The Night Chaser, en el que usa una camisola de lentejuelas y una falda de cuero inspirada en el motocross. Las garras gigantes de gato morado se aferran a sus hombros desnudos.

Pre-Fall 2020
Pre-Fall 2020. Fuente: oceandrive.com.ve

Pre-Fall 2020 está protagonizada por las musas de Louis Vuitton

Las musas de Louis Vuitton son protagonistas en cada historia. El diseñador ha presentado junto a sus musas una colección pre-fall 2020 inspiradas en las películas de terror y ciencia ficción vintage. Se trata de una de las campañas más originales en las que el diseñador recluta a las grandes estrellas del cine y televisión como Sophie Turner, Emma Roberts, Chloë Grace Moretz, Alicia Vikander, Léa Seydoux, Jennifer Connelly y Jaden Smith, entre otras muchas celebrities. Con colores muy brillantes y estilos muy variados, la marca asegura un futuro muy moderno, inspirados en las prendas más clásicas.

Pre-Fall 2020
Pre-Fall 2020. Fuente: oceandrive.com.ve

Pre-Fall 2020 imagina una «biblioteca portátil» de novelas románticas

Nicolas Ghesquière, director artístico de ropa de mujer de Louis Vuitton , ha reclutado a los talentos de las muchas musas de la casa de moda para su campaña Pre-Fall 2020.

Las portadas de libros de temática romántica, de terror y de ciencia ficción ha sido la base de la campaña, con cada entrada en la «biblioteca portátil» en la que se combina con modelos como: Jaden Smith, quien protagoniza Lost Planet, Angelica Ross está encerrada en The Escape Room, Alicia Vikander se esconde en The Wicked Mirror y Billie Lourd y Cody Fern ocupan un lugar central en Secret Spell . Cada imagen vienen acompañadas de lemas o frases como: («¡Los muertos muerden!» «¿Adivina quién? ¡El pasado, ese es quién!»). Louis Vuitton tambien ha producido una camiseta especial estampada con la portada de El exorcista original de William Peter Blatty.

Pre-Fall 2020
Pre-Fall 2020. Fuente: oceandrive.com.ve

Pre-Fall 2020, un look de la colección Louis Vuitton.

Para Pre-Fall 2020, Nicolas Ghesquière imaginó una serie de musas de Louis Vuitton como protagonistas de películas de terror y novelas de ciencia ficción. El producto final es un lookbook de 24 páginas de carteles de películas y portadas de libros que recuerdan una sesión de fotos de » America’s Next Top Model «, de la mejor manera posible.

Lamentablemente, la rubia blanqueadora no participó en el divertido proyecto, pero es difícil no pensar en las portadas de novelas románticas del ciclo siete con Fabio cuando se desplaza por las últimas imágenes de la casa francesa.

En lugar de Fabio, Ghesquière nos ofrece a Jennifer Connelly en un vestido plisado de encaje festoneado como la estrella de «Dreamkeeper»; Robyn con lentejuelas y cuero fresco en «The Night Chaser»; y Jaden Smith como un niño que mezcla patrones en «The Lost Planet». También está Léa Seydoux con una camiseta «Exorcista» usada bajo un brillante número de cóctel; Emma Roberts con un vestido rojo escarlata; Angelica Ross con una falda a cuadros decorada con botas lunares gigantes; y Sophie Turner luciendo un traje blanco, abrigo de camello y las mismas botas de luna. Billie Lourd, Cody Fern, Chloë Grace Moretz, Alicia Vikander, Stacy Martin, Kelsey Asbille, Doona Bae, Laura Harrier , Zhong Chuxi, Yaya, Noémie Merlant, Deepika Padukone, Woodkid, Rinko Kikuchi, Gugu Mbatha-Raw y Samara Weaving completan el reparto, cada uno obteniendo su propio momento de pulp fiction de estilo retro filmado por Collier Schorr.

«La moda es una novela», dicen las notas del lookbook de la marca de lujo. «Y la colección Pre-Fall 2020 se embarca en un viaje narrativo donde las prendas cuentan sus propias historias. En una ‘biblioteca portátil’, cada equipo escribe su propio capítulo compuesto por monólogos románticos».

Pre-Fall 2020
Pre-Fall 2020. Fuente: oceandrive.com.ve

La moda es una novela

Nicholas Ghesquière explicó: «La moda es una novela y la colección Pre-Fall 2020 se embarca en un viaje narrativo donde los personajes cuentan sus propias historias a través de las prendas. El resultado es una reunión de periodos, movimientos estilísticos y combinaciones acrónicas en un diálogo peculiar entre la rebelión estilística y la artesanía».

Para la presentación de la colección Pre-Fall 2020 de Louis Vuitton, Nicolas Ghesquière alistó a las musas de la marca como protagonistas de su propia novela de horror y ciencia ficción.

Para ilustrar esta colección vemos a personajes fotografiados por Collier Schor como Léa Seydoux en una playera de El Exorcista debajo de un cocktail dress; Emma Roberts en un vestido rojo; Sophie Turner en un traje sastre y botas gruesas, así como Deepika Padukone en un abrigo gris y botas verdes, por nombrar algunas; tomando portadas de libros o carteles de películas como protagonistas, adoptando el papel de aventureras en un encuentro de épocas, movimientos estilísticos y combinaciones anacrónicas.

En esta biblioteca, cada atuendo escribe su propio capítulo compuesto por monólogos románticos; asimismo, las portadas falsas y los carteles de este lookbook se inspiran en los 70 y 80, donde la colección es una combinación de estilos pasados, presentes y futuros.

Pre-Fall 2020
Pre-Fall 2020. Fuente: oceandrive.com.ve

Referencia

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/en-imagenes-la-increible-prefall-2020-collection-nicolas-ghesquiere-para-louis-vuitton/

https://www.vogue.com/fashion-shows/pre-fall-2020/louis-vuitton

https://ievenn.com/la-campana-de-louis-vuitton-pre-fall-2020-es-literalmente-de-pelicula/2273291/

https://hypebeast.com/2020/1/louis-vuitton-pre-fall-2020-nicolas-ghesquiere-jaden-smith

https://fashionista.com/2020/01/louis-vuitton-pre-fall-2020-collection-lookbook

 

Clásicos del cine venezolano que no te puedes perder

Cine venezolano

La historia de la cinematografía en Venezuela ha sido escrita a través de cientos de películas extraordinarias que se han producido en nuestro país, y que han sido el reflejo de nuestra idiosincrasia. En el presente artículo, se repasa los 10 clásicos del cine venezolano increíbles que han sido obras de arte, en ocasión al día nacional del cine.

Asimismo, el cine venezolano refleja nuestra identidad nacional y reúne nuestra idiosincrasia. Hoy es el día celebramos a los que se han atrevido a adentrarse en el mágico mundo del séptimo arte. ¡FELIZ DÍA NACIONAL DEL CINE!

El inicio de nuestro cine

Clasicos del cine venezolano
En 1897, se presentó por primera vez al público la película, “Un célebre especialista sacando muelas en el Hotel Europa”. Fuente: oceandrive.com.ve

La historia del cine venezolano comenzó en 1897, cuando se exhibió al público la película, “Un célebre especialista sacando muelas en el Hotel Europa”. Fue la primera película venezolana de la historia. Fue proyectada por primera vez en el Teatro Baralt, Maracaibo en Zulia el 28 de Enero de 1897 y gracias a este homenaje, celebramos hoy el día de nuestro séptimo arte nacional.

No se conoce la producción de la cinta, ni quién fue el director. Tampoco existen copias disponibles del film, excepto una reconstrucción hecha con fotografías.

Cangrejo

Cangrejo de Román Chalbaud es la película basada en la novela de crónica policial “Cuatro crímenes, cuatro poderes” de Fermín Mármol León, que narra la historia de un crimen real en la que un niño fue secuestrado y posteriormente apareció muerto. La película fue protagonizada por Miguel Ángel Landaz, América Alonso y Yanis Chimara.

Cangrejo II

Macho y Hembra

Es una historia de amor donde los participantes tres personajes que muy rápidamente terminara cada uno por caminos separados. La película estuvo protagonizada por Elba Escobar, Orlando Urdaneta e Irene Arcila.

Una casa con vista al mar

La película del director venezolano Alberto Arvelo, es una historia que se desarrolla en Los Andes en el año 1948. Tomás Alonso, un campesino de los andes Venezolanos, muy pobre, que luego de la muerte de su esposa se ha quedado solo con su hijo Santiago Alonso en medio de una gran soledad y consiguen medio vivir gracias a lo que siembran y al trabajo que hace Tomas Alonso a otro hacendado vecino que tienen más recursos que él.

Buscando una manera de aliviar el dolor de su hijo Santiago, le da a éste una fotografía de su madre sacada frente a un lejano mar. Padre e hijo llevan su vida pobremente y se consuelan con la esperanza y el sueño de ver algún día el mar. La llegada de un forastero, un fotógrafo itinerante y un incidente inesperado desatan los nudos de la trama. Provocado por los lugareños crueles que lo desprecian por su pobreza, el pacífico Tomás se verá frente a un dilema: ser un hombre bueno y cobarde o un asesino que defiende a su hijo”. La pelea de Santiago con los hijos del Hacendado cambiara la existencia de padre e hijo.

La distancia más larga

La distancia más larga es la película de Claudia Pinto Emperador y fue co-producida conjuntamente con España. El filme narra la historia de Martina, una mujer española de 60 años, que tras recibir la mala noticia de que está a punto de fallecer, decide viajar a la Gran Sabana, el lugar en el que un día fue feliz, para decir adiós a la vida. Su intención es subir el monte Roraima y a mitad de camino dejarse morir. La repentina visita de su nieto Lucas no podría llegar en mejor momento. El joven, ignorante de la situación la acompaña en su viaje final; sin embargo,  no se quedará impasible cuando se entere de que realmente le está guiando hacia su muerte. Las relaciones familiares, la redención y la libertad de vivir, son los temas centrales de esta prueba latente de que en la vida existen las segundas oportunidades.

Macú, la mujer del policía

Este clásico del cine venezolano se estrenó en Venezuela en 1987, dirigida por la cineasta sueca-venezolana, Solveig Hoogesteijn. El argumento de esta película está basado en un hecho real, específicamente el caso del agente policial Argenis Rafael Ledezma (el llamado “Monstruo de Mamera”), el cual fue condenado en 1980 a 30 años de cárcel.

El filme relata la historia de una niña de clase humilde que escapa de su casa a los once años con un policía mayor que ella. Años después, Macu ya tiene dos hijos. Macu conoce a Simón, un chico del barrio de su misma edad, con quien decide engañar a su marido Ismael y se arma el triángulo amoroso más célebre de nuestra pantalla grande. Ismael empieza a sospechar de Macu y su nuevo amigo. Un día Simón y otros dos chicos del barrio desaparecen. Es una de las películas venezolanas más polémicas de la historia. Fue protagonizada por Daniel Alvarado, María Luisa Mosquera y Frank Hernández.

ARAYA

La película franco-venezolana, dirigida por Margot Benacerraf, es un documental que describe las vidas de los trabajadores que extraen la sal de la mar en las costas de la Península de Araya en Venezuela; aimismo, muestra como la explotación industrial arrasa con los métodos antiguos de los que ellos siguen haciendo uso. Es un clásico del cine venezolano que nos da un acercamiento extraordinario para entender las vidas de todos aquellos que trabajan incansablemente bajo el inclemente sol de Araya.

Oriana

La primera película de la directora venezolana Fina Torres está basada en el cuento “Oriane, tía Oriane” de la escritora colombiana Marvel Moreno.

Esta película narra la historia de una joven que viaja al pasado al recorrer la casa de su tía fallecida y va descubriendo miles de secretos cuando tuvo su primera experiencia amorosa. Pero eso se combina con una historia de misterio en una casa antigua, llena de ruidos extraños, en la que merodea el que parece ser un fantasma. La película es un clásico del cine venezolano que ganó el premio Camera d’Or en el Festival de Cine de Cannes de 1985.

El chico que miente

Es una película de la peruana Marité Uga, producida bajo la mirada de la venezolana Mariana Rondón. La película trata sobre la historia de un chico de 13 años que inicia un viaje por la costa de Venezuela y, para lograr sobrevivir, usa sus dotes de seducción, reinventando una y otra vez su propia historia en la tragedia del deslave. Poco a poco se irá revelando su verdadero pasado. Hace 10 años, la Tragedia del Deslave le arrebató a su madre, ahora él cree que la puede encontrar. Le espera un difícil camino, pero también está por descubrir su propio universo de afectos y sentimientos. Es una de las películas venezolanas que recorren la historia después del deslave ocurrido en el Estado Vargas (Venezuela), en 1999.

El pez que fuma

El pez que fuma es un clásico del cine venezolano por excelencia. Es una película del director venezolano Román Chalbaud estrenada en 1977. El pez que fuma” es el nombre de un prostíbulo nada selecto regentado por la Garza, donde se desarrollan las historias de intriga y amor que hacen de esta cinta un clásico. La película está protagonizada por Miguel Ángel Lanza, Orlando Urdaneta, Hilda Valera y Haydée Balza, entre otros.

El vendedor de orquídeas

Es un documental extraordinario dirigido por Lorenzo Vigas. La película cuenta la historia de uno de los artistas plásticos más influyentes de Venezuela y de América Latina, Oswaldo Vigas. Esta película acompaña a Vigas, quien a  sus 80 años, recorre los pueblos donde fue criado en busca de una pintura extraviada durante su adolescencia. De encontrarla, podría completar una exposición que prepara sobre los inicios de su carrera.

LIZ en septiembre

Liz en septiembre es el extraordinario film increíble de Fina Torres, que aborda la temática lésbica. La película narra la historia de seis amigas lesbianas, quienes se reúnen para celebrar el cumpleaños de Liz, una joven que decide dejar a su marido al enamorarse de otra mujer que tiene cáncer sin que lo parezca, a la que conoce junto con sus amigas en una playa del Caribe.

La llegada inesperada de Eva trastocará la vida de la protagonista. Se empeña en conquistarla y se entera de que Eva tiene esposo y está atravesando un duro momento por la reciente pérdida de su hijo. Es una de las películas venezolanas más importantes que tratan sobre la comunidad LGBTQ+. La película cuenta con la presencia de grandísimas actrices venezolanas como Eloísa Maturén, Patricia Velásquez, Mimí Lazo, Danay García, Arlette Torres, Elba Escobar, Sheila Monterola y María Flores Flores.

Juan

Es una película documental venezolana que se adentra en el mundo misterioso y extraordinario de una de las mentes más brillantes de nuestro arte: Juan Félix Sánchez. Con una visión muy personal de la apreciación del arte y un documental extraordinario lleno de testimonios vivos, Geyer creó una película dedicada al creador de la capilla de San Rafael de Mucuchíes y el complejo de El Tisure. Este documental busca preservar su legado en la memoria venezolana.

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/feliz-dia-del-cine-10-peliculas-venezolanas-que-seguro-no-conoces-y-debes-ver/

https://venezolano1975-cineenvenezuela.blogspot.com/2011/06/una-casa-con-vista-al-mar.html

https://www.noticiasbarquisimeto.com/2018/06/25/clasicos-del-cine-venezolano-que-no-debes-olvidar/

http://www.elchicoquemiente.com/

https://www.filmaffinity.com/es/film864054.html

https://www.elespectadorimaginario.com/liz-en-septiembre/

https://elestimulo.com/documental-se-adentra-en-legado-y-misterio-de-juan-felix-sanchez/