Luchita Hurtado, la pintora venezolana más influyente según el top 100 de Times

Luchita Hurtado

Luchita Hurtado es una artista plástica venezolana que dedicó su creación al surrealismo y transformó el mundo a su alrededor en un ‘planeta vivo’. La artista venezolana de 98 años fue elegida por la cadena televisiva BBC del Reino Unido como una de las 100 mujeres más influyentes e inspiradoras de 2019. Su estilo artístico estuvo inmerso entre el surrealismo, y la abstracción informalista.

A lo largo de su dilatada carrera, Luchita Hurtado ha mantenido un riguroso compromiso con la experimentación, con estilos, formas y materiales, y en una variedad de medios. Las obras de Hurtado de las décadas de 1940 y 1950 consisten principalmente en pinturas y obras en papel que contienen formas abstractas, paisajes biomórficos, figuras totémicas y patrones. Estos primeros trabajos también transmiten las ideas de Hurtado sobre la humanidad, el universo y el cosmos, y la naturaleza y el medio ambiente, temas que continúan informando su obra.

Luchita Hurtado
Luchita Hurtado. Fuente: oceandrive.com.ve

¿Quién es Luchita Hurtado?

Luchita Hurtado  nació el 28 de octubre de 1920 en Maiquetía, Venezuela. Emigró con su familia a Estados Unidos cuando tenía 8 años, estableciéndose en la ciudad de Nueva York.

En esa ciudad, se formó como artista plástica en la Liga de estudiantes de arte de Nueva York.

Después de graduarse, a los 18 años, trabajó como voluntaria en el periódico en español La Prensa y conoció a su primer esposo, el periodista Daniel de Solar.

A principio de la década de los 40, Luchita Hurtado comenzó su carrera como ilustradora de moda para la revista internacional, Condé Nast, y como muralista para las tiendas departamentales de Lord & Taylor.

Luego, se trasladó a México, donde se relacionó con grandes artistas como Frida Kahlo, Remedios Varo, Leonora Carrington, Rufino Tamayo y Wolfgang Paalen, con quien contrajo matrimonio.

Luchita y su esposo Wolfgang Paalen se mudaron a San Francisco y allí formaron parte del Dynaton Group, un movimiento artístico post-surrealista, con influencias estéticas de la espiritualidad de las culturas precolombinas.

El grupo estaba integrado por Gordon Onslow-Ford y Lee Mullican (1919-1998), quien fuera el tercer marido de Luchita Hurtado y padre de sus dos hijos: el célebre artista Matt Mullican (1951) y el director creativo John Mullican.

En 1951 se mudó a Los Ángeles, hasta la fecha de su fallecimiento.

Luchita Hurtado
La mayor parte de las obras de Luchita Hurtado son autorretratos. Fuente: oceandrive.com.ve

Sus últimas exhibiciones y fallecimiento

Hurtado inauguró, en febrero de 2020, una exhibición que resume su trayectoria en el Museo de Arte del condado de Los Angeles, titulada: “Luchita Hurtado: I Live I Die I Will Be Reborn” (“Luchita Hurtado: Vivo, muero, renaceré”).

En 2018, exhibió en las Serpentine Galleries de Londres que abarcaba más de 120 obras de diferentes épocas, y luego fue trasladada a Los Angeles.

Entre sus creaciones destacan un conjunto de pinturas de finales de la década de 1960 y de 1970 que muestran cuerpos femeninos como paisajes surrealistas, y otros que presentan la forma femenina desnuda vista desde la perspectiva de una mujer.

Luchita Hurtado, con 98 años de edad, recibió un reconocimiento por su participación en la Bienal del Hammer Museum de Los Angeles, en 2018. Luego, fue incluida en los top 100 como una de las personas más influyentes de la revista TIME por sus aportes artísticos.

Luchita Hurtado falleció el 14 de agosto del 2020, a los 99 años de edad, habiendo conocido el éxito de su trabajo y obtenido el reconocimiento que se merece.

Luchita Hurtado
Luchita Hurtado, I Live I Die I will Be Reborn, vista de la exposición en Serpentine Galleries, Londres, 2019. Fuente: artishockrevista.com

Luchita Hurtado y su arte ecológico y surrealista

Luchita Hurtado pasó más de 80 años completamente inadvertida en el mundo del arte, a pesar de estar rodeada de grandes artistas como Frida Kahlo, Roberto Matta, Leonora Carrington, entre otras.

Hurtado estaba involucrada con las actividades del movimiento de mujeres, y las representaciones de su propio cuerpo son una afirmación de su propia presencia y poder.

Muchas de estas pinturas están representadas desde arriba, con los senos, brazos, piernas, pies y manos de Hurtado parcialmente visibles contra fondos de pisos estampados, jardineras y cestas tejidas.

En marcado contraste con el tradicional autorretrato sencillo o de tres cuartos, Hurtado se representó a sí misma desde un ángulo sesgado en el que su cuerpo es la única constante dentro de una variedad cambiante de fondos y escenarios.

Aunque la  mayor parte de sus obras artísticas son autorretratos de su propio cuerpo, su amor por la ecología y el planeta fueron su gran inspiración, al punto de ser considerada como una artista y activista de la ecología. Sus mensajes promueven la preservación del medio ambiente y del planeta.

​Su obra combina formas abstractas biomórficas, patrones indígenas y figuras totémicas más figurativas de las culturas precolombinas y nativo-americanas. En sus primeros trabajos aparecen formas elásticas y biomórficas; geometrías angulares y coloridas; y bosques de árboles-humanos.

También representa partes del cuerpo femenino como paisajes surrealistas. Hurtado produjo una serie de pinturas de paisajes en las que el cuerpo humano se fusiona con el desierto o las montañas: los senos se convierten en dunas de arena y un ombligo funciona como un agujero en el suelo. Algunas de sus obras se conservan en el MOMA de NY y el LACMA de Los Angeles.

Obra sin titulo
Esta obra sin título de 1969, es parte de la primera exhibición individual de Luchita Hurtado en Reino Unido. Fuente: oceandrive.com.ve

El reconocimiento de su talento

Luchita Hurtado inició su producción artística desde 1920, sin embargo, paso desapercibida hasta el 2018 cuando el público comenzó a conocer su trabajo.

La pintora venezolana de 98 años de edad recibió un reconocimiento por su participación en la Bienal del Hammer Museum de Los Angeles, en la exposición titulada, “Made in L. A. 2018”; evento en el que logró exhibir gran parte de su trabajo realizado por la década de los 70.

Después de la exposición, apareció en los top 100 como una de las personas más influyentes de la revista TIME, debido a sus aportes artísticos.

Luchita Hurtado
Luchita Hurtado en su casa y estudio de Santa Mónica. Fuente: artishockrevista.com

Luchita Hurtado y sus otras facetas

Además de pintar, Luchita Hurtado también se dedicaba a escribir poesía, participaba en movimientos ecologistas, feministas y activistas. También se interesó por la fotografía y la moda y diseñó por muchos años su propia ropa.

Referencias

https://oceandrive.com.ve/zz-carrusel/la-historia-de-luchita-hurtado-la-pintora-venezolana-que-llego-al-top-100-de-times/

https://www.caraotadigital.net/entretenimiento/quien-es-luchita-hurtado

https://www.diariolasamericas.com/cultura/muere-la-pintora-venezolana-luchita-hurtado-los-99-anos-n4205223

https://elsumario.com/luchita-hurtado-sin-lugar-a-dudas-inspiradora-e-influyente/

https://eltiempo.com.ve/2020/08/18/muere-la-pintora-venezolana-luchita-hurtado-a-los-99-anos/

https://www.eluniversal.com/entretenimiento/77997/fallece-la-artista-plastica-venezolana-luchita-hurtado-a-los-99-anos-de-edad

https://es.wikipedia.org/wiki/Luchita_Hurtado

https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/10847/Luchita%20Hurtado

https://hammer.ucla.edu/exhibitions/2018/made-in-la-2018/luchita-hurtado

Día Internacional de la Mujer

Dia Internacional de la Mujer

El 8 de marzo se conmemora el Día Internacional de la Mujer Trabajadora por la lucha de la mujer por la igualdad y su participación dentro de la sociedad; así como el reconocimiento y ejercicio de sus derechos.

En 1975, las Naciones Unidas declaró que el 8 de marzo sería el Día Internacional de la Mujer.

Dia Internacional de la Mujer
Fuente: www.bbc.com

Antecedentes

La mujer en la antigüedad no recibía mucha atención mediática o académica. No obstante, en la comedia Lisístrata, de Aristófanes, en la antigua Grecia, existe un referente literario de la lucha de la mujer, donde la protagonista lleva a cabo una huelga sexual contra los hombres para exigir que pongan fin a la guerra.

Por otra parte, la matemática y astrónoma Hipatia de Alejandría (370-415) fue ​ asesinada brutalmente, debido a que no era bien visto que existiera una mujer científica y libre. Hipatia es considerada como un icono de la libertad de pensamiento y la autonomía personal de la mujer.

Durante la Revolución Francesa, las mujeres emprendieron una marcha hacia Versalles, exigiendo igualdad social bajo el lema «libertad, igualdad y fraternidad».

Las primeras peticiones formales de derechos políticos y ciudadanía fue relejada en la Declaración de los Derechos de la Mujer y de la Ciudadana, redactada en 1791 por Olympe de Gouges.

A finales del siglo XVIII y principios del XIX, los movimientos reivindicativos de la mujer tomaron fuerza para luchar por el sufragio femenino, la reivindicación de la igualdad, la denuncia de la opresión social, familiar y laboral.

De esta forma, surgieron los movimientos sufragistas bajo el liderazgo de figuras femeninas como Flora Tristán.

El Día Internacional de la Mujer se conmemora el 8 de marzo

Clara Zetkin y Rosa de Luxemburgo,
Clara Zetkin (izq.) y Rosa de Luxemburgo, otra de las revolucionarias más destacadas del siglo XX.

El 8 de marzo es el Día Internacional de la Mujer, oficializado por Naciones Unidas en 1975.

Según la Organización de las Naciones Unidas (ONU), la celebración de este día «se refiere a las mujeres corrientes como artífice de la historia y hunde sus raíces en la lucha plurisecular de la mujer por participar en la sociedad en pie de igualdad con el hombre». Esto tuvo su origen a raíz de las protestas ocurridas a finales del siglo XIX y principios del XX, cuando la mujer levantó su voz.

En 1848, las estadounidenses Elizabeth Cady Stanton y Lucretia Mott congregaron a cientos de personas en la primera convención nacional, en apoyo a los derechos de las mujeres en Estados Unidos.

Ambas mujeres sostenían que «todos los hombres y las mujeres son creados iguales» y exigieron derechos civiles, sociales, políticos y religiosos para el colectivo.

Los historiadores coinciden que la antesala directa del Día Internacional de la Mujer, fue en 1908, cuando tuvo lugar la marcha de 15.000 mujeres en Nueva York, quienes se manifestaron para exigir la reducción de las horas de trabajo, mejores salarios y el derecho a votar.

El 28 de febrero de 1909, el Partido Socialista de América declara el Día Nacional de la Mujer, celebrado por primera vez en EE.UU.

En 1910, la comunista alemana Clara Zetkin sugirió la idea de conmemorar un día de la mujer en la Conferencia Internacional de la Mujer Trabajadora en Copenhague (Dinamarca).

El 19 de marzo de 1911, se celebra el primer Día Internacional de la Mujer en Alemania, Austria, Dinamarca y Suiza.

En el año 1975, la ONU declara y celebra por primera vez el 8 de marzo como el Día Internacional de la Mujer, coincidiendo con el Año Internacional de la Mujer.

¿Por qué se conmemora el Día Internacional de la Mujer?

En 1913, las mujeres ya protestaban por el derecho a votar y exhigir mejores condiciones de trabajo en Estados Unidos. Fuente: Fuente: www.bbc.com

El 8 de marzo de 1908, 129 mujeres murieron en un incendio en la fábrica Cotton, de Nueva York, Estados Unidos, luego de que se declararan en huelga con permanencia en su lugar de trabajo.

La manifestación fue motivada a exigir la reducción de la jornada laboral a 10 horas, un salario igual al que percibían los hombres que hacían las mismas actividades y las malas condiciones de trabajo que padecían. Sin embargo, el resultado fue la muerte de las obreras que se encontraban en el interior de la fábrica.

El 28 de febrero de 1909, se conmemoró por primera vez en Nueva York el “Día Nacional de la Mujer”.

En 1910, se efectuó la segunda Conferencia Internacional de Mujeres Socialistas, en la capital danesa, Copenhague para abordar el tema del sufragio universal para todas las mujeres.

Clara Zetkin, la líder comunista alemana, se proclamó oficialmente el 8 de marzo como el Día Internacional de la Mujer Trabajadora, en homenaje a las mujeres caídas en la huelga de 1908.

En 1977, la Asamblea General de la ONU oficializó el 8 de marzo el Día Internacional de la Mujer.

Referencias

https://es.wikipedia.org/wiki/D%C3%ADa_Internacional_de_la_Mujer

https://www.bbc.com/mundo/noticias-47489747

https://www.cultura.gob.ar/por-que-se-celebra-el-dia-internacional-de-la-mujer_5494/

 

 

El arte de la joyería en la historia

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El arte de la joyería, forma parte de la historia artística de nuestras regiones, y le ha dado un significado en la era del cobre, del bronce y  del hierro. Los seres humanos han utilizados joyas como símbolo de estatus, como filiación étnica o religiosa, de significado personal o para intercambio comercial.

Las joyas en la antigua Grecia

En la joyería en la antigua Grecia era frecuente el uso de joyas que respondían a la necesidad de adornarse. El uso de collares, pendientes, pulseras y anillos era lo más habitual. También las diademas y cadenas o cinturones eran frecuentes en las ceremonias. Por otra parte, las fíbulas y alfileres eran utilizadas para sostener las prendas en las vestimentas.

El uso de metales y gemas preciosas se remontan a 1600 a.C y, hacia el siglo 300 a.C., los griegos empleaban amatistasesmeraldas y perlas. Sus técnicas se basaban en piezas fundidas y piezas martilladas. Sin embargo,  el trabajo de granulado, filigrana, cincelado era el más frecuente. También es habitual encontrar piezas en oro repujado. Los griegos trabajaron el engaste de piedras en sus joyas, así como el uso de esmalte.

En la iconografía de las joyas era muy diversa, estaban presentes los motivos vegetales tales como rosetas, palmetas, hojas y bellotas; así como figuras de animales como los carneros, leones, serpientes y esfinges. También se evidenciaban representaciones humanas como divinidades y héroes. Estos motivos eran muy comunes en gargantillas, diademas, pendientes, sortijas o anillos y pulseras.

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Brazalete griego. Fuente: www.balclis.com

La joyería romana

La Joyería romana tuvo inspiraciones muy diversas, debido a la utilización de una gran variedad de materiales y recursos naturales extraídos de los territorios que estaban bajo su dominio. Además, como buenos comerciantes, accedieron a exóticas piedras preciosas que venían del lejano oriente.

Las joyas más utilizadas fueron broches, pulseras, pendientes, sortijas, botones y gargantillas entre otras. Los romanos usaron metales como la plata y el bronce, siendo el oro el más preciado. Asimismo, emplearon gemas preciosas como zafirosdiamantesesmeraldas gemas orgánicas como madera petrificada y ámbar.

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Collar romano. Fuente: www.balclis.com

La joyería en la Edad Media

Tras la caída de Roma, la joyería medieval destacó por la calidad de sus piezas. La Edad Media se caracterizó por joyas de plata como fíbulas, prendedores, collares, pendientes, horquillas y brazaletes.

De igual manera, los anillos o sortijas, pulseras, pendientes, broches, collares y fíbulas eran engarzadas con importante pedrería y eran muy usadas por la civilización de la época. Las armas también eran adormadas como joyas.

Las piedras preciosas se adquirían a través del comercio, siendo más frecuentes los zafiros que venían de Ceilán y Persia, las esmeraldas de Egipto y los diamantes de la India y África Central.

Las piezas de índole religioso fueron muy comunes, debido a que predominó la representación de formas asociadas al cristianismo.

La importancia de las joyas en el Renacimiento

El Renacimiento surge como movimiento cultural en Italia a partir del siglo XIV y fue extendiéndose por el resto de Europa durante el siglo XVI. El comercio de gemas preciosas en Europa hizo que estuviese disponible una gran variedad, fue una época de esplendor y las joyas comenzaron a vivir su momento artístico.

En el siglo XV, las joyas fueron de gran relevancia en la moda de la época. Los trajes de terciopelo y seda fueron bordados con pedrería y perlas.

Las joyas representaban un símbolo de prestigio y poder y estaban muy ligadas a la Corte. Muchas de ellas fueron fabricadas  con esmeraldas colombianas, topacios y amazonita de Brasil, espinela, iolita y crisoberilo de Sri Lanka, rubí de la India, lapislázuli afgano, turquesa persa, peridoto del Mar Rojo, ópalo, granate y amatista de Bohemia y Hungría.

Durante el proceso de creación, los colgantes, gargantillas, sortijas se efectuaba el labrado del oro, esmaltado y engarce de las piedras. Los “Llibres de Passanties” conservados en el Museo de Historia de la ciudad de Barcelona, son un claro testimonio de estas obras.

Los joyeros y orfebres renacentistas enriquecieron las técnicas aplicadas en joyería y emplearon nuevas “tecnologías” que les permitían tallar piedras de una mayor dureza y realizar grabados tallados sobre gemas.

Se extendió el uso de pendientes combinados con piedras barrocas, gemas incrustadas y esmalte.

Los broches con retratos en miniatura fueron muy populares, así como, la ornamentación de animales fantásticos como sirenas, cabezas de monstruos y centauros. Sin embargo, en un periodo dominado por la religión eran muy frecuentes el uso de cruces y medallas combinadas con oro, gemas y esmalte.

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Dama renacentista. Fuente: www.balclis.com

La joyería Barroca

En la época del barroco, a las piezas de índole religiosa y simbólica heredadas del pasado, se sumaron otras joyas puramente ornamentales, que realzaban la calidad de elaboración y la riqueza de los materiales, que exhibía el status social del portador.

Las formas profanas o fantasiosas respondían a criterios estéticos o de capricho, imponiéndose paulatinamente frente a las religiosas o votivas. Por ejemplo, los colgantes de tipo altaret, piezas que podrían considerarse verdaderas esculturas o cuadros portátiles, e incluso frentes arquitectónicos en miniatura.

En el siglo XVIII las gemas se presentaban siempre en monturas cerradas. Los joyeros de la época se dieron cuenta de la importancia de destacar el brillo de la pedrería y decidieron abrir las monturas y sujetar las gemas al aire para que lucieran en todo su esplendor.

La joyería en el siglo XIX

Durante el siglo XIX, en el ámbito de la joyería se destacó el historicismo con fuentes de inspiración, desde clásicas hasta barrocas.

Tras la aparición del Romanticismo, la joyería se convirtió en una manifestación del sentir apasionado, y a las joyas se les dotó de una gran carga simbólica y emotiva. Ya fuera como recuerdo de un difunto o de un ser amado, las joyas se usaban con guardapelos o portarretratos, e incluso piezas elaboradas con cabello humano.

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Evolución de la joyería. Fuente: www.jorgejuanjoyeros.es

La seductora joyería de principios del siglo XX

Los últimos coletazos del colonialismo europeo del siglo XIX coincidieron con una era de riqueza, de refinamiento y de sofisticación que se vio bruscamente interrumpida con el inicio de la Primera Guerra Mundial. Este período, que denominamos Belle Époque, a nivel de las artes, significó el regreso de antiguos temas y motivos.

El gran representante de la joyería de esta época fue el francés Louis Cartier, se encargó de buscar patrones en documentos antiguos, para recuperar diseños del pasado. El siglo XVIII fue su principal fuente de inspiración.

Desde 1900, aparecieron distintos movimientos artísticos como el Art Nouveau, las piezas de autor y de diseño.

Las piezas de principios de siglo XX han sido mucha importancia para los coleccionistas de joyas. El diamante fue la gema más popular junto con la perla, y era habitual enmarcarlo en líneas de esmalte negro o de ónix, de modo que se consideraba una estética en la que predomina el “blanco y negro”. Los orfebres se inspiraron en la aportación estilística de los ballets rusos de Diaghilev y el redescubrimiento de culturas, tales como la egipcia o la japonesa. La Segunda Guerra Mundial supuso el final de los locos años 20 y dio paso a una nueva década mucho más explosiva.

La joyería en los años 40-50

En la década de 1940, el oro era el principal metal precioso, aun cuando se empleara en hojas más delgadas y ligeras. Las cadenas cilíndricas, tubos de oro sinuosos y los broches grandes con motivos florales se pusieron de moda en esa época.

Al finalizar la Segunda Guerra Mundial, las casas de alta costura parisinas como Christian Dior, Yves Saint Laurent y Chanel vistieron a las mujeres más glamurosas de la sociedad. El oro amarillo siguió teniendo gran popularidad y se combinó con gemas como turquesas, amatistas, así como, las joyas cubiertas en oro y diamantes.

Personalidades como Grace Kelly y Jackie Kennedy fueron un referente de estilo y pusieron en gran valor los collares de perlas.

Por otra parte, el platero Georg Jensen, destacó debido a sus diseños escandinavos, los cuales son muy valorados por los coleccionistas de todo el mundo.

La joyería exhuberante de la segunda mitad del siglo XX

Durante la década de 1960, los ingleses y su estética más pop dominaron el mercado de la moda y las joyas con complementos de gran tamaño, como las pulseras, gargantillas y enormes pendientes de colores saturados o metalizados de inspiración futurista.

Italia, por su parte, relevó a Francia como referente de estilo y firmas como Gucci o Ferragamo, los cuales eran los símbolos del cool juvenil.

En la década de los 70 las joyas comenzaron expresar espiritualidad en vez de opulencia. Van Cleef and Arpels marcó la pauta de la era con piezas en oro engastadas con rubíes, esmeraldas y diamantes. La casa italiana Bulgari diseñó piezas como gargantillas, pulseras o pendientes que tanto podrían ser usadas de día como de noche.

Los años 80 fue la década del poder y la gloria. El color negro dominó la moda y servía de fondo para las llamativas y ostentosas joyas en oro pulido. Las mujeres ejecutivas se vestían con grandes joyas para lucir poderosa y femenina.

Actualmente, en el siglo XXI, la joyería presenta un revival del siglo XX, encontrando en el mercado piezas de estilo Belle Époque o Art Déco, de estilo vintage como en los años 50 o exuberantes como las de los años 80 y 90.

Referencias

https://www.balclis.com/es/el-arte-de-la-joyeria-a-lo-largo-de-la-historia/

https://www.jewelrycooltrend.com/breve-historia-de-la-joyeria/#Joyeria_Contemporanea

http://bellezaporunproposito.mx/la-historia-de-la-joyeria/